‘Playlist from the stars 2012.’ par Kaffe Matthews

(unreleased pieces, pièces inédites)
A suite of eight compositional experiments for the star gazing shelter project
‘Yird Muin Starn’, http://www.kaffematthews.net/Yird_Muin_Starn/
Une série de huit pièces expérimentales composées dans le cadre du projet de création d’observatoire des étoiles, ‘Yird Muin Starn’.

01_The_wind_of_Pegasus

02_electons_by_Orion

03_Looking_skywards

04_electons_by_Pegasus

05_Ursa_Major

06_starstream2

07_Flew_to_the_Sun

08_Orion_is_orioned

A project to design and make shelter for star gazing visitors in the Galloway Forest, Scotland with artist Mandy McIntosh.
Ce projet d’observatoire est développé avec l’artiste Mandy McIntosh sur le site de la forêt de Galloway, Ecosse.

Melodies made by sonification of digital synthesis using the constellations Pegasus and Orion. Processings of forest recordings and electrons use granular synthesis driven by their star’s size and locations.
Les mélodies ont été réalisées à partir d’un traitement synthétique de sons en provenance de Pegase et Orion. Les enregistrements en forêt et l’utilisation d’électrons sont fonction de la taille et la position de ces deux étoiles.

Lyrics in ‘Flew to the Sun’ – Mandy McIntosh.
Voices- Kaffe Matthews
Astronomers voices – Nigel and twin Brian from the Glenamour Astronomical Society

These early experiments will be worked into an album for play in the forest from star gazing chairs or your own back yard. Launch October 2012.
Ces premières expérimentations seront inclues dans un album destiné à être écouté dans une forêt de chaises ou votre propre jardin en regardant les étoiles. Publication Octobre 2012.

Released for websynradio under Creative Commons License, Attribution, Non Commercial
Kaffe Matthews 2012

Parc de la forêt de Galloway, Ecosse

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Premières écoutes : à partir du jeudi 2 février 14h jusqu’au 16 février, mêmes horaires

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ELEMENTS

Kaffe Matthews est originaire de la région de l’Essex (Angleterre), elle vit et travaille à Londres.

Depuis 1990, elle a réalisé et joué des pièces electro acoustique dans le monde entier. En 2006, elle a remporté le prix Ars Electronica pour sa pièce  Sonic Bed_London.La même année, elle a obtenu la chaire de professeur de musique au conservatoire de Shangai. En 2009, elle a été intronisée membre d’honneur de la société de conservation des requins des Galapagos.Elle est reconnue comme l’une des pionnières dans le champ de l’electro acoustique improvisée et composition en live. 6 albums publiés sur le label Annette works.

++ http://www.kaffematthews.net/

WONDERLAND ?

(part 2/3)

1. Jacques Lacan
Lewis Caroll – 31/12/1966

2.New Humans
White – 2005

3.Camille Bryen
Poème pour Phono – 1932

4. Philippe Soupault
Interview – 1959

5. Ana Igluka
ResPublica – Création Radiophonique [SONOR#4] – Mars 2009
Erwan Foucault (sons, effets, rec live), Ana Igluka (vx, tx), Mehdi Lecourt (vx), Chantal Ringot (vx), Carole Thibaud (vidéo) Charlie Mars (vidéo)
En 4 parties :
ResPublica partie I
ResPublica partie II
ResPublica partie III
ResPublica partie IV
durée totale : 80minutes

6. Maria Sabina – UbuWeb Ethnopoetics
Sacred Mushroom Chant

7. Meredith Monk
Biography, education of the girl child
Recorded WBAI, NYC, May 15, 1976) from Big Ego (Giorno Poetry Systems)

8. Meredith Monk
Rally – Scored for twenty five voices recorded at WBAI, NYC
from the LP Airwaves Rallye

9. Guy Debord
Sans Debord – Le manque d’un avenir nécessaire – 1957
03:23

10. Isidore Isou
Poèmes Lettristes – Poème pour broyer le cafard – 1950

11.Tristan Tzara
Pour compte – from Phases – 1949

12.Gertrude Stein
The making of americans – Part I et II – recorded in NY winter 1934-35

13.Samuel Beckett
The whole thing’s coming out of the dark – company

14.Lasry-Baschet
Chronophagie « The Time Eaters » (Mid-1960s)
Chronophagie 2 (Aude Cornillac, voice; Teddy Lasry, flute and bass violin)

15.Meredith Monk
interview – from the LP Chicago ‘82: A Dip in the Lake

dessin Ana Igluka

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Premières écoutes : à partir du jeudi 19 janvier 14h jusqu’au 2 février, mêmes horaires

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ELEMENTS

Née le 11 mai 1975 à Rennes, Ana Igluka est auteur, musicienne et chanteuse (T.E.D. 1996 à 1999, Resistenz depuis 2003). À côté de cette forme «rock» Ana Igluka propose des «performances multimédia», épopées sonores et visuelles hors normes. Répondant à des commandes de créations radiophoniques, de chansons, de musiques ou de textes poétiques, Ana Igluka donne naissance à toutes sortes de bricolages sonores et textuels. À l’initiative de la radio Jet fm (www.jetfm.asso.fr), Ana Igluka, propose des lectures en musique depuis 1996.
Depuis 2007, sa curiosité et ses recherches s’étendent à la fiction, aux bruitages, à la Mémoire, aux balades sonores…
Ana Igluka, est membre de l’association Le Thermogène.
Le Thermogène, issu de la Culture Rock, est une association œuvrant pour l’envie de lire et d’écrire par le biais de spectacles multimédias tous publics, de créations radiophoniques, de livres disques artisanaux et d’actions pédagogiques.

Découvrir la première partie du programme de Ana Igluka sur websynradio wonderland

www.lethermogene.net

anaigluka[at]free.fr

jolie généalogie
syzygie élysée
eldorado éden
géhenne laser
m’unir à la nature
dans un atoll d’étoiles
un gramme de musique
sur le fil en filigrane
l’onde du graal
la rage rouge
le gène jaune
le feu bleu
alphabet absolu

chaos a capella – index

La librairie du village : 63 Rue Raymond Losserand, Paris 14ème, M° Pernety

Revue Tropiques : agenda et éditions

DES ÉPINGLES DE SÛRETÉ DANS LE CŒUR

là sur la membrane

où tes premiers arbres

effleurent l’air de l’été naissant

tu te retiens

là

à ces épingles de sûreté

même tes futurs dimanches

à toutes tes nouvelles adresses

tu explores l’étendue de la membrane

et par là même l’intérieur des choses

à chaque fois que tu trouves

tu gardes en mémoire

trouver c’est perdre

tu ne veux pas te retenir à la lune

ni à quoi que ce soit

mais tu tiens aux autres

toujours

tu avais les arbres (on n’aurait su les compter)

tu avais les amandes (merveilles du palais)

les fraîches étaient les plus goûteuses

tu avais les figues (quatre variétés différentes)

tu avais (en fin de semaine)

les palmiers la mer le marché à Split

et tu avais les étés

tous les jours

illuminés

baignés de lumière d’août

des étés inscrits en toi

tu avais les bancs en bois

qu’avaient fabriqués les mains calleuses de Grand-père

tu avais Jésus

tu avais les papillons

oh

personne n’avait de si beaux papillons

oh

tu avais Jésus comme personne

tu avais le Saint fidèle

Antoine de Padoue (Roch aussi

Roch toi aussi tu étais toujours dans les parages)

tu avais l’encens

et trop de Dieu à chaque moment de ton enfance

tu avais les prières

une Bible

reliée d’or

personne ne la lisait

à part toi

tu avais les merveilles les nuages et les omelettes

tu avais cette prière imprégnée d’oxygène

Ave Maria gratia plena

tu avais la langueur

tu avais les cloches

tu avais l’air le feu l’eau et la terre

tu avais une route de gravier

(une charrette de paille et des chevaux aux gros yeux

tout un autre siècle de terre rouge)

après tu as eu l’asphalte

après

oui tu as eu l’après aussi

tout ce qui arrivait après

t’appartenait

tu avais des pins grands comme des vaisseaux spatiaux

tu avais des parents à Canberra

tu avais la vieille table en bois dans la cave de Grand-père

elle t’appartenait

y compris son tiroir plein de légendes

tu avais les vignobles

tu avais l’image de Grand-mère

tu t’es imaginé ses mains

sur la table en bois

le tiroir

l’épaule de ses enfants

tu avais les fleurs les champs

tu avais les pieds nus

tu connaissais la langue de la grâce

on t’a donné un nouveau nom

tu étais – ils t’appelaient – : sauvage

enfant du voisinage

ils venaient parfois et toujours à l’improviste

d’abord c’était toi qu’ils regardaient

puis la niche du chien étourdissante de puanteur

le chien était tout seul

les chats toujours par quatre

l’un d’eux sinon plus grimpait à toute vitesse

sur le poteau électrique

là ils jouaient à leur jeu de chats

perpétuellement

tu avais plaisir à regarder ce jeu

tu avais plaisir à écouter le silence

tu avais plaisir à entendre chanter les brindilles

tu avais l’été

comme d’autres ont un ami

tu avais tant

tu pouvais le prendre

dans son ensemble

tu aimais avec ton regard

tout

ce qui était là et sentait

tout

ce qui était là et appelait tes yeux

parce que c’était là

parce que c’était comme c’était

tu savais quelque chose

que les autres ne savaient pas

tu savais comment aimer avec les yeux

tu avais peur pour les petites fourmis

tu avais peur pour le vieux cheval

tu avais peur pour les jeunes peupliers

tu voulais aimer chaque être et chaque chose

tu avais toutes les raisons pour

il y avait beaucoup de choses autour de toi

beaucoup d’air

beaucoup de terre

beaucoup de feu

beaucoup d’eau

avant tout l’eau coulait en toi

tu as souvent pleuré

personne ne l’a vu

s’il leur arrivait de te croiser

les gens prenaient les traces de tes larmes

pour une félicité bucolique

à l’âge de quatre ans

tu savais déjà si bien mentir

tu savais déjà si bien te cacher

dans ce déguisement tu excellais toujours

derrière ton sourire guettait l’abîme

seule toi savais pourquoi tu pleurais

tu ne l’as dit à personne

toi qui pourtant savais

tu as préféré garder le silence

et y chercher un ami

tu ne voulais pas mentir

dans ton silence tu avais tant

il pouvait abriter le monde entier

tu avais toujours tout en abondance

tu avais tout

tu pouvais être satisfaite

tu ne l’es pas

seule toi sais

ce que veut dire beaucoup

seule toi sais

que beaucoup n’est rien sans les autres.

IL FAIT NUIT APRÈS MINUIT

tu penses aux chiens

au village amorphe

les gens étaient assis adossés aux murs

sous les arbres fruitiers

à l’abri des étés

les anciens appuyés à leur canne

les enfants penchés sur les plaies ouvertes

les uns avaient des trous dans la tête

les autres dans le cœur

tous s’y étaient habitués

c’était ça ton village

les chiens n’avaient pas de langue

ils n’aboyaient pas

des voleurs et des tueurs et des clients venaient

mais personne ne bronchait

le village reposait dans la plaine

il était joli vert et splendide

les cloches au loin

un air empli de douceur vespérale

idylle (avec tous ses effets secondaires)

herbe frémissante

enfants frémissants

le trou dans la tête et le trou dans le cœur

un chagrin bien rodé (anticorps du bonheur)

les anciens étaient assis adossés aux murs

comme si de rien n’était

(des trous dans les têtes et dans les cœurs –

depuis toujours ce ne sont que des images banales par ici)

comme si personne n’avait jamais pleuré

dans ce village tout est au présent

tous les jours ils ont l’air bon et beau

assis là comme des pacifistes

le soir ils s’en prennent aux chiens

à tous les chiens qui osent

se mettre à aboyer

pas un seul n’aboie deux fois

les villageois connaissent

la ruse des chiens

ils sont contagieux

avec leur aboiement savant et affamé

les chiens s’essaient à un nouvel idiome

(ils se fabriquent vite une syntaxe sans langue

exactement comme le font les enfants)

tous deux s’éveillent et s’endorment aspirinisés

se lient d’amitié avec leurs ennemis naturels

quand les chats miaulent

c’est l’éclosion de cruauté

les chats ne miaulent alors qu’une seule fois

parce qu’il y a des lois et des protecteurs de ces lois

qu’il faut somme toute appliquer

(les trous par exemple on les fait

ils n’apparaissent pas comme les choses dans la Bible

c’est un humain qui fait les trous)

c’est très simple et cela déroule ainsi :

en été une main prend des ciseaux et sectionne

la langue des chats

c’est la saison qui s’y prête le mieux

toute douleur est plus frappante en été

et s’ils se font mordre par les serpents rebondis

ils ne peuvent plus lécher le poison

les enfants se lient d’amitié avec les serpents

tout a l’air simple et léger et insouciant

question d’étés :

dans ce village les étés sont très longs.

J’AIMAIS LE TEMPS DES COINGS

dans le ventre de ma mère déjà

tout ce qui était beau et bon : des denrées rares

dans l’après-guerre du cœur

les couleurs et les odeurs

étaient ma première faim

mais ceux qui donnent la vie avaient prévu

autre chose que le jaune des fruits

pourtant les coings étaient là

parce que le Sud est plus fort que tout

leur odeur leurs promesses

se sont approchées de moi

la grande lisière solaire de jaune

dans les armoires le parfum

un bonheur jaune enfilé après l’autre

à ne pas manquer

moi ignorante au milieu

sans langue affamée assoiffée

(comment s’obtient le jaune ?)

balafré borgne le chien adoré

Blacky que nous surnommions Chio Chips

mon ami des jours d’enfance

du temps où j’étais discrète et muette

la cible

de toutes les phrases maternelles

rouges et sans virgule

le chien a été écrasé

un malheur des jours entiers

encore 30 ans après : chaudes coulent mes larmes

pour mon fidèle Blacky

regard désapprobateur de la mère

on ne pleure pas pour un animal

mes rectifications n’ont servi à rien

confusions

résultat : des lapsus

je ne pouvais penser qu’en sons

alors une gifle s’ensuivit

parce que j’avais aussi oublié le credo

la petite dernière condamnée à tout faire comme il faut

mes lapsus

mes confusions

mes rectifications

– m’ont été ôtés de la langue

d’abord ils m’ont coupé le frein lingual

avec les ciseaux de la mère conservés dans le tiroir

puis ils ont recousu avec du gros fil de laine

par mégarde c’est la langue tout entière qui fut recousue

et plus tard sciemment opérée

un malheur sans anesthésie

c’était ainsi quand j’étais petite

ils m’ont ôté du bout de la langue

tous les mots

qui paraissaient suspects aux inconnus

même les trous d’air

tout devait disparaître

ils ont fait chauffer une aiguille

juste sous mes yeux

le briquet du père était à portée de main

ils ont planté l’aiguille dans la partie supérieure

puis inférieure de ma langue

la parole s’est comprimée en moi

dans ma gorge ont jailli des routes faites de mots

et un désir compact de phrases

j’ai contemplé les marques dans le miroir

et plus tard la langue bravement recousue

plus tard lorsque ça ne saignait plus

c’était impressionnant

en observant avec attention

les marques formaient une constellation

qui se racontait à moi-même

ils étaient là :

mes caractères d’impression en toutes lettres

ma petite voie lactée primitive et privée

mais je n’ai révélé ceci à personne

marque après marque j’ai préservé mon souvenir

mon observatoire était le vieux miroir

dans lequel Grand-mère aussi s’était regardée

le miroir était un ami

je lui faisais confiance

j’y allais le plus souvent possible

même si le reflet m’effrayait

mon iris se dilatait

souvent je m’entraînais à cette rencontre

de plein gré je me plantais face au miroir

pour regarder ma voie lactée

montre-moi la voie lactée

disais-je à mon ami

il était aimable mais sans compromis

aucun détour possible

il fallait toujours que je me tire la langue

que je la tende au miroir

ainsi s’ouvrit le finale

les points se déchirèrent

face à l’observatoire savant

le frein lingual se libéra

je pus de nouveau formuler des choses

vengeance

réclamaient les maîtres des aiguilles

qui entendaient les choses autrement

ils ôtèrent le fil

dans leurs mots et leurs regards

les aiguilles étaient leurs plumes

parfois ils aimaient aussi s’en prendre à nos oreilles d’enfants

avec leurs outils éprouvés

(je n’étais pas la seule : mes frères et sœurs

furent opérés des yeux

bleu violacé : une opération quotidienne)

mes oreilles au moins ils les avaient oubliées

égard et savoir

que la voie lactée dans les cieux soit remerciée

ma langue était assez grande

tout un champ pour les maîtres des fils à coudre

ils ne se doutaient pas

que sans le savoir ils m’aidaient à croire

mère voie lactée je pouvais te faire confiance

le bout de mes doigts vivait sa propre vie

m’adressait des messages

il y avait mon témoin

le miroir que je savais chérir

un trésor lexical résidait caché en lui

des baromètres de mots s’enchaînaient

et m’aidaient dans la descente du fleuve

le long de la syntaxe

à tout porter et tout savoir d’un coup.

Poèmes extraits de Quittenstunden (Otto Müller, Salzburg 2011)

traduits de l’allemand par Gaelle Guicheney

Amandine Casadamont

Bienvenue à Chantal Champagne, chatte transsexuelle et animal radiophonique!
Du 12 au 17 janvier sur websynradio, nous vous proposons une série de rediffusion des aventures de Chantal, avec deux rendez-vous, l’un à 20h00 et l’autre à 22h00.
Depuis 2007, Chantal Champagne perturbe les ondes de Radio France, sa voix n’est semblable à aucune autre, cette voix que l’on situe difficilement, celle qui dérange, déroute, interroge. Personnage burlesque, ses aventures sont une bouffé d’oxygène dans un paysage médiatique souvent factice et sclérosé.
Toujours plus proche de la réalité, les frontières tombent sous les papattes de Chantal.

Chantal Team depuis 2007:
Amandine Casadamont, Thierry Pietra, Angélique Tibau, Sylvie Gravagna, Irina Georgieff, Laurence Garcia, Thomas Baumgartner, Eric Boisset, Jean-Baptiste Etchepareborde, Claude Niort, Dieu, Simone Ronget, Patrice Klun,Véronique Amiot, Fanny Leroy, Violaine Ballet, Noémie Veissier, Christophe Poulain, Virginie Devisse, Bastien Gosset, Véronik Lamandour, Yael Mandelbaum, Inès De Bruyn, Elias Brossoise, Julien Marrant, Vincent Gauchevertu, Marie Perle Harment, Laure Milena, Raphael Elig, Clémentine Messier, David Miguel, Julien Navarre, Elisabeth Parino, Christian Gabrielli, Fabrice Bruto, Thierry et Yves Pouffary, Jean-Baptiste Rigal, Jean- louis Deloncle, Valérie Lavallart, Rachel Renaud, Maya Benkelaya,Véronique Lechat, Suzanne Poncela, Stéphanie Fromentin.

Sans oublier ses nombreux et fidèles auditeurs, un grand merci à eux!

http://www.chantalchampagne.com/
La page facebook de Chantal Champagne

12 jan
20H00
Premier Amour, première diffusion sur France Inter 2007
Texte et réalisation Amandine Casadamont
Voix Thierry Pietra, Sylvie Gravagna

22h00
Nu et image du corps, première diffusion sur France Inter 2007
Texte et réalisation Amandine Casadamont
Voix Thierry Pietra, Sylvie Gravagna

13 jan
20H00
Coup de foudre, première diffusion sur France Inter 2007
Texte et réalisation Amandine Casadamont
Voix Thierry Pietra, Sylvie Gravagna, Fabrice Bruto

22h00
Midori party, première diffusion sur France Culture 2011
Texte Amandine Casadamont
Réalisation Angélique Tibau
Voix Thierry Pietra, Angélique Tibau, Elias Brossoise

14 jan
20H00
Femmes à croquer, première diffusion sur France Inter 2007
Texte et réalisation Amandine Casadamont
Voix Thierry Pietra, Sylvie Gravagna

22h00
Super Chantal Ardennes, première diffusion sur France Culture 2010
Texte Amandine Casadamont
Réalisation Angélique Tibau
Voix Thierry Pietra, Angélique Tibau, Amandine Casadamont

15 jan
20h00
La chasse aux œufs, première diffusion sur France Culture 2010
Texte Amandine Casadamont
Réalisation Angélique Tibau
Voix Thierry Pietra

22h00
Sexe et religion, première diffusion sur France Inter 2007
Texte et réalisation Amandine Casadamont
Voix Thierry Pietra, Sylvie Gravagna, Irina Georgieff

16 jan
20h00
Chantal délit, première diffusion sur France Culture 2010
Texte Amandine Casadamont
Réalisation Angélique Tibau
Voix Thierry Pietra

22h00
Choc culturel,, première diffusion sur France Inter 2007
Texte et réalisation Amandine Casadamont
Voix Thierry Pietra, Sylvie Gravagna

17 jan
20h00
Il était une fois un tacos dans l’ouest, première diffusion sur France Inter 2007
Texte et réalisation Amandine Casadamont
Voix Thierry Pietra, Sylvie Gravagna, Irina Georgieff

22h00
La voleuse d’étoile, première diffusion sur France Culture 2010
Texte Amandine Casadamont
Réalisation Angélique Tibau
Voix Thierry Pietra

Chantal Champagne by Maya Benkelaya (2007)

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du jeudi 12 janvier jusqu’au 17 janvier, mêmes horaires.

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ELEMENTS

Amandine Casadamont artiste sonore et productrice radio, est l’auteur de plus d’une centaine de fictions radio dont “Chantal Champagne”, “Herbert le poulet” (mention spéciale du jury du festival longueur d’ondes en 2007) ” “Le vent emporte le temps”, “Félix le poisson”… Elle est connue pour ses fictions dystopiques à caractère comique comme “Mad Map”, “Femme et ratatouille”, “La prison si tu veux tu la quittes”, “Electro fiction: liberté chérie”. Cette dernière montre aussi la volonté d’expérimenter de nouveaux dispositifs radiophoniques visant à intégrer le public dans le processus même de création et d’y questionner la forme et le genre.
Animée par le thème de l’anticipation sociale, Amandine produit également des documentaires pour France Culture où elle traverse et questionne les arcanes du judiciaire.
Elle aime aussi pour la radio, s’engager dans des travaux documentaires d’évidence, visuels comme le “Papier peint c’est chic!” (diffusé sur F Culture en novembre 2011)
L’imagination d’Amandine est sans limite.

http://amandinecasadamont.org/
www.kit-cut.blogspot.com
www.chantalchampagne.com

Lors de la dernière chronique, nous avons proposé la méthode de l’étude d’expressions chorégraphiques récentes. Notre recherche porte sur ce qui est objectif dans ces expressions, ou pour le dire autrement, sur ce que ces expressions ont de commun. Ce qui leur est commun relève d’une détermination commune, d’un substrat historique qui médiatise ces diverses expressions comme modalités d’une même culture. Et de fait, par delà les dissemblances, il se produit qu’au bout d’un temps, à l’œil du spectateur, ce qui se passe sur scène est toujours la même chose.

Quelle chose? Difficile à dire d’emblée. Mais la dramaturgie chorégraphique nous semble prendre sens au regard d’une autre dramaturgie, qui n’est pas interprétée dans l’art. Une scène en extérieur, en public, une scène de rue. Quelque chose d’un lancement de pavé, parallèle, mais distincte, de la plus grande grève de l’histoire des travailleurs français. Un pavé dont la trajectoire décrit celle de l’art actuel.

Faisons confiance à Proust : rappelons-nous. Quelle saveur ont pour nous les gestes et pensées de la danse contemporaine? Quelle base sensible est sans cesse invoquée par ces pièces? Quelle scène est indéfiniment rejouée sur le plateau?

Dramaturgie

Nous sommes en mai 68 dans le quartier latin : le drame oppose les fils de la bourgeoisie aux pères, Cohn-Bendit à De Gaulle. L’oncle débonnaire, Pompidou, va dénouer le conflit, mieux, prendre le relais à l’échelle macrosociale, en ouvrant la voie institutionnelle de la nouvelle culture permissive [1].

Le drame se déroule sur la base d’une nouveauté inédite : la massification de la classe moyenne à travers le développement du secteur tertiaire. Le confort moderne est alors universel : l’immense majorité des travailleurs accède déjà à l’équipement collectif et individuel. Quant à la classe moyenne, elle s’est gonflée d’un océan de nouvelles professions de gestion et service, et fourmille de rejetons en surplus à caser… mais où? Le modèle de consommation atteint ses limites, la baisse du taux de profit a commencé.

Que le lecteur observe le mouvement dialectique : c’est alors que les surplus s’opposent à l’ordre établi selon la détermination qu’ils éprouvent, eux, comme limitative de leur existence, l’autorité. Cette autorité quelle est-elle ? Celle des directeurs d’une production dont cette « nouvelle génération » ne fait pas l’expérience directe. Les surplus arrivent à l’âge adulte dans un monde non seulement reconstruit, mais ayant atteint le plus haut degré de développement de l’histoire de l’humanité. Or, ils sont éloignés du procès de production de l’équipement universel, les cursus académiques qu’ils suivent les maintenant dans cet éloignement. L’environnement modernisé leur est « naturel ». C’est dire qu’en tant que classe sociale, le procès de production de leur environnement est leur inconscient.

Le confort moderne étant universel, l’ordre de la production est vécu par eux comme une insupportable contrainte, et l’opposition s’exprime non pas au nom du droit sur les instruments de production, mais au nom des limites de la jouissance. « Ne travaillez jamais ».

L’anti-capitalisme du boulevard Saint Michel s’arme même contre la production en général : pour lui, l’ouvrier s’est aliéné contre un plat de lentilles. Lui est opposé la créativité spontanée : les surplus nient les surplus de production au nom de l’imagination! C’est ainsi qu’a contrario de la grève qui lui est parallèle, la révolte germanopratine ne s’exerce pas contre la pression du taux de profit, les cadences infernales, mais contre l’ordre de la production elle-même. Une opposition dont les variantes se déclinent à l’infini dans les slogans (et encore aujourd’hui, par exemple dans l’antiproductivisme des écolos). Mais allons à l’essentiel : l’opposition, se voulant la plus concrète, est la plus abstraite, formelle : il faut — détruire. Ainsi du rêve de Marguerite Duras (paru en 1969) et bientôt du comportement de la rockstar dans sa chambre d’hôtel, prolongeant une contestation expressive de la nouvelle culture capitaliste.

Et en effet, pour la jeune fille rangée, le bûcheur normalien, le loustic du quartier, « l’imagination au pouvoir » est un mot d’ordre révolutionnaire! Qui perdure en s’infléchissant sous la modulation de la révolution des mœurs. C’est une métamorphose dans la culture, préposant la capitalisme au renouvellement de ses marchés : l’objet du désir ludique, libidinal, marginal, devient marchandise de masse.

Le partage politique distribué depuis la guerre entre gaullistes et communistes se dissout, tandis qu’un profond mouvement de purification économique s’amorce : licenciements et délocalisations affaiblissent les syndicats, parallèlement à la « modération salariale » et au gel du taux de cotisations. Du point de vue de la « société de consommation », plus personne ne semble requis pour produire préalablement ce qui est, ensuite, consommé. Des usines, invisibles, assument le principe de réalité d’un plaisir échu à la classe — ou masse? moyenne, aux États-Unis et dans l’Ouest européen, bref, dans la sphère des États partie prenante de l’OTAN [2].

Enfin, la « liberté » se propage dans la finance, accomplissant une trajectoire sociale dont la vérité a éclaté depuis peu au grand jour : la croissance n’a duré que le temps d’acquérir la classe moyenne à sa cause. Entre-temps, le vent s’est définitivement retourné contre celle-ci, encore sous le charme de toutes les « dissidences » à la mode. Aujourd’hui « à la dérive », elle doit pourtant continuer de s’entendre dire « stay hungry, stay foolish » (Steve Jobs).

La classe moyenne, jouée dans les années 70, percevra-t-elle à présent les institutions dont elle est pourtant rendue actrice, depuis le Front populaire et Programme du CNR, mais aussi souvent de manière pragmatique et non programmée — des institutions sur lesquelles elle peut prendre appui pour se libérer, et avec elle le salariat tout entier, de la dictature des marchés?

De la réalité des rapports de production au fantasme révolutionnaire

Nous cherchons la scène primitive qui trame toute la production théâtrale actuelle.

En mai 68, cette scène passe de la conscience à la rue, elle s’extériorise. L’histoire littéraire passe dans l’Histoire tout court. Le mythe est point de départ et d’arrivée. Tout, dans le théâtre et la danse, depuis lors, renvoie au conflit entre, d’une part l’État, toujours réduit à l’appareil d’État, c’est-à-dire à l’absence d’État, et d’autre part le rebelle, le nietzschéen.

Car c’est tout un programme qui s’accomplit depuis, à travers la société civile libertaire : celui du surréalisme. Si la dramaturgie du Quartier latin a déjà eu lieu, ce ne fut que dans les textes, le temps d’ Une saison en Enfer et à l’échelle d’individus isolés — comme Artaud. Tandis que le mai 68 du Quartier est à la fois un phénomène collectif et de classe : du point de vue de la classe moyenne, il peut devenir mythe fondateur.

Nous avons écrit dans la dernière chronique que l’inconscient social se trouve « derrière la naturalisation du rapport d’asymétrie [sociale]« . C’est-à-dire derrière le mythe, lequel cache la réalité (des rapports de production). Mai 68 est ce mythe du point de vue de la classe moyenne, ou pour le dire autrement, de l’existentiel tertiarisé. Le mai 68 du Quartier sert de référence à toutes les dramaturgies depuis lors, le théâtre et la danse rejouant, modulant et interprétant le mythe. Il s’agit d’une histoire méconnue de l’art « insurrectionnel », histoire qui correspond à l’occultation la plus photogénique, artistique, de la révolution salariale [3], et dont l’inauguration théâtralo-chorégraphique s’exprima d’emblée dans le face à face de Vilar et du Living Theater.

En 68, le Living Theater semble jeter un pavé dans le theâtre public. « L’État ce n’est pas moi » semble-t-il prononcer, — « ni nous » d’ailleurs pour autant qu’il s’adresse à une communauté de sens. « Nous » : qui ne payons pas d’impôts? Ni ne cotisons pour les assurances sociales? Pas plus que nous ne votons aux élections? Ni même, de manière générale, ne travaillons? — Bref, la réalité d’un enfant à charge, le niveau de conscience politique d’un adolescent shooté à la culture libérale. D’un point de vue d’actionnaire, le profil rêvé du citoyen.

Le Living Theater semble affirmer : « L’État ce n’est pas nous, mais un monolithe dont les motivations nous sont étrangères et hostiles. Sa démarche n’est pas notre problème. Nous, sommes la liberté ». Un manifeste atlanto-pratin proclamant la vie rêvée de Los Angeles. Sa traduction française est donnée par la déclaration de Villeurbanne, en… mai 68 ! [4]. Le Jeune Homme témoigne alors de son engagement dans les valeurs de la société civile libertaire. L’État débonnaire, compréhensif, accepte sa rébellion, et lui paye son théâtre [5].

La suite : parallèlement au renoncement de l’État à battre monnaie (1973, Pompidou toujours) et à la prise en charge de la dette publique par les créances privées, les subsides publics subviennent aux besoins de l’avant-garde institutionnelle. Celle-ci persévère par l’intermédiaire de la politique culturelle aussi longtemps que la promotion artistique par la « dissidence » permet de capitaliser sur sa cote. Les « minorités » sont prises à partie pour alimenter le lavage de cerveau sociétal. Les pièces de Koltès accèdent à la notoriété, tandis que la question sociale disparaît de la scène politique. Quitte à ce que le Jeune Homme renonce, à terme, à ses combats, à la manière d’un Kouchner laissant tomber ses pauvres. Et tandis que les subsides de l’État se tarissent, les théâtres publics sont amenés à démarcher les bailleurs de fonds privés pour assurer la continuité de leur fonctionnement. Les metteurs en scène se contentent, dès lors, de leur nom pour promouvoir leur entreprise — c’est-à-dire qu’ils doivent faire tendre leur image vers celle de dieu. Un processus qui rend fou, enfin l’artiste est l’idiot ! Ceux qui n’ont pas de nom, eux, nourrissent la roue de la plus radicale exploitation : ils doivent disparaître pour que dieu monte en enchères. Mais peut-être auront-ils, post mortem la reconnaissance du martyr, ouf!

Samuel ZARKA

Image figurant en entrée du texte de théâtre de Joris Lacoste, Comment faire un bloc, Inventaire/invention, 2005. Accéder au texte

Auteur de la photographie : anonyme.

[1] Notre analyse de Mai 68 est profondément tributaire de celle qu’en fit Michel Clouscard : ouvrages de référence, Néofascisme et idéologie du désir, Paris, Delga, 2005 (1973) et Le Capitalisme de la séduction, Paris, Delga, 2005 (1981)

[2] Sur la situation de classe de la classe moyenne à partir des années 1970 : Michel Clouscard, La Bête Sauvage, Paris, Sociales, 1983.

[3] Quoique conçue en termes prolétariens à l’époque.

[4] Sur la « Déclaration de Villeurbanne » du 25 mai 1968 :

« [Signée] par 23 directeurs des maisons de la culture et des théâtres populaires qui prônent un théâtre politisé. Elle traite également de la notion de « non-public » proposée par le philosophe Francis Jeanson qui anime le Théâtre de Bourgogne avec Jacques Fornier. » Source : wikipedia

« le philosophe Francis Jeanson et des artistes de renom mirent alors en cause l’universalité de la culture et l’idée d’une certaine efficacité sociale de l’action culturelle, en rendant inconcevable pour eux la possibilité d’un militantisme culturel indépendant d’un militantisme politique. » Source : culture.gouv.fr

[5] Sur ce point, suivre TAP, la chronique de Mari-Mai Corbel publiée sur Droit de Cités.

Texte modifié le 26 janvier 2012

Toutes les « critiques chics »

Excursus complémentaires

Silence

1) Kwaidan Opening Titles. Real Masaki Kobayashi Music Toru Takemitsu

2) Permanent Vacation – Jim Jarmusch

3) William Forsythe – Solo (1997)

4) A Notebook on Clothes and Cities – Wim Wenders Yohji Yamamoto 1989

5) Raga Shivranjani on Bansuri (Indian Bamboo Flute)

6) Thierry de Mey – Table Music (Musique de Table)

7) La Notte – Michelangelo Antonioni 1961

8- Steve Reich – Violin Phase dance (1/2) Anne Teresa De Keersmaeker

9) Tom Waits – Little Trip to Heaven

10) Pan Sonic & Haino Keiji – In the Hollow Created Between the Eyebrows

11) Lou Reed – Coney Island Baby

12) The XX – Night Time

13) The Kills – Good Ones

14) Yamakawa Fuyuki SONY « WALKMAN » CM 山川冬樹×骨伝導マイク』篇

15) Stabat mater, Vivaldi, I-Stabat Mater dolorosa – Largo

16) Keiji Haino / Aihiyo – Akai Kutsu (1998)

17) P.J. Harvey – Silence

18) John Tavener – Funeral Canticle (1/2)

19) Patti Smith – Wave

20) Jim O’Rourke – Live at Super Deluxe Roppongi

ECOUTER

Première écoute : jeudi 5 janvier 14h jusqu’au 12 janvier, mêmes horaires.

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ELEMENTS

Elizabeth Creseveur conçoit et réalise des «installations architectures sonores». Son travail entretient un rapport étroit avec l’espace, l’architecture, sur laquelle il s’appuie. Aussi, ses installations donnent naissance à des espaces tangents créant un lien singulier avec le corps…le son, travaillé en tant que matière, cherche toujours une écoute improbable: soufflements, chuchotements, crissements. Hors du corps, il ne se fixe nulle part, comme un refrain obsédant.

Expositions en France et à l’étranger (Centre Pompidou Paris, Caisse des Dépôts et Consignations Paris, Festival Montpellier Danse, Le Parvis Centre d’Art Contemporain Tarbes, Villa Noaïlles Hyères, Hara Contemporary art Museum Tokyo Japon, Minorityrev Galerie Fukuoka Japan, Festival Belluard Bollwerk International Fribourg Suisse, Futuretense SHOW studio Nick Knight London…).
Lauréate en 2001 de la Villa Kujoyama Kyoto Japon, et bénéficiaire de la bourse de recherche à l’étranger Fiacre – expérimentation architectures religieuses de Tadao Ando (Kansai – Hokaido – Awaiji island) – suivi pendant 4 mois du performer Keiji Haino à Tokyo.
Elizabeth Creseveur a travaillé avec l’architecte Rudy Ricciotti et l’Atelier Van Lieshout pour la conception de l’Abbaye de Montmajour à Arles, avec l’IFM Institut Français de la Mode Paris, elle est également à l’origine de la conception spatiale de la boutique Adélaïde Addition (Givenchy, Ann Demeulemeester …) à Tokyo.

Comme pour la danse, (collaborations Toru Iwashita – compagnie Sankai Juku – et Yohji Yamamoto, Ko Murosbushi, Emmanuelle Huynh et Mme Okudaira Maitre Ikebana), tout naturellement son intérêt se porte  sur le vêtement, notamment certains créateurs  (Réal. Maison Martin Margiela 2004, Devrandecic 2009, Rick Owens commande publique 2011)

Collections permanentes du Mac Musée d’Art Contemporain de Marseille, du Frac Provence Alpes Côte d’Azur, du Fnac Fonds National d’Art Contemporain, du Frac Midi Pyrénées…
Dominique Balaÿ, Alexandra Baudelot, Léa Gauthier, Laurent Goumarre, Diane Pernet, Philippe Rahm, Philippe Vergne … ont écrit sur son travail.

2011 – 2012 « a precious gift » Fujimi Monastery Japon, projet en cours “avec le concours du centre national des arts plastiques (soutien pour le développement d’une recherche artistique) Ministère de la Culture et de la Communication“

http://elizabethcreseveur.tumblr.com/

Revue Tropiques

La librairie du village : 63 Rue Raymond Losserand, Paris 14ème, M° Pernety

Revue Tropiques : agenda et éditions

another vacant space.

1/ Prokofiev – Suite No. 2: Romeo and Juliet

2/ Vladimir Mayakovsky – A Cloud in Trousers – M. Nemiroff

3/ Dmitri Shostocovich – Gadfly Romance

4/ David Medalla – Tatlin At The Funeral of Malevich (Part 1)
( The text of a participation production performance Premiered at Artists For Democarcy Fitzrovia London 1976)

5/ James Edmonds – December 2011

6/ Fred Astaire and Ginger Rogers – Dancing Cheek To Cheek Top Hat

7/ Herbert Huncke – On langage

8/ Kurt Schwitters Ursonate (performed by Steven Schick and Shakroh Yadegari)

9/ COIL – Chaostrophy

10/ ee cummings – Let’s from Some Loud Unworlds Most Rightful Wrong

11/ Oswald de Andrade – Poema Falado-Erro de Portugues

12/ Moondog – Fog On The Hudson (425 West 57th Street)

13/ Lan Hungh – Eric Satie

14/ Tobacco – Sweat Mother

15/ William Blake – The Sick Rose

16/ Justice – Stress

17/ Ghedalia Tazartes – Un Amour Si Grand Qu’il Nie Son Objet

18/ Constantin Kavafy – H POLIS – (read by Elli Lamberti)

19/ Lan Hungh – Schmetterling Auf Der Windschutzscheibe

20/ Valerie Vivancos – Fa64 Final

Adam Nankervis  [photo Stephanie Gerner]

ECOUTER

Première écoute : jeudi 22 décembre 14h jusqu’au 30 dec, mêmes horaires.

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ELEMENTS

Adam Nankervis is an artist and independent curator. His practice has infused artistic, conceptual and curatorial practice in his lived in nomadic museum, Museum MAN, which renders the ready made, the habitated box, an apartment, to the navigation of the expanse of museum into an installation of threads of multifarious artists and artistic practice into a whole.
Adam Nankervis has participated in Johannesburg Biennale, curated by Gerardo Mesquera and Okwai Enwazor 1997 collaborating with artist David Medalla-The Mondrian Fan Club, Life-Live. Musee Art Moderne de La Ville Paris 1995, curator Hans Ulrich Orbrist, solo exhibitions include Los Angeles Biennale 2001, London Biennale 2009-2012 as International Coordinator.
Adam Nankervis, Museum MAN has also participated in The Liverpool Biennial, 2004 and 2006, The First Latin American Performance Biennale Santiago de Chile 2006 and at the Bereznitska and Partner Gallery Berlin with his large installation works in Kiev and Donetsk Ukraine 2009/2010,

His ongoing project another vacant space. has re-manifested in Berlin Wedding 2011, since being founded in an abandoned shoe shop on Mercer Street NYC in 1992. The project focuses on the re-emergence of the missing. Histories lost and found. Exhibitions by Susanne Neubauer « Paul Thek-In Process », Betty Leirner « Reserved », David Medalla « Cloud Canyons-kintetic works and cosmic propulsions 1964-2011), 2011. Upcoming exhibitions include Ivor Stodolsky and Marita Muukkonen « The Art of Perestoika » and Ian Hunter and Celia Larner « Kurt Schwitters-Merzbarn » 2012.
Adam Nankervis continues to exhibit his own work in Berlin, London and NYC and can be found in collections including Arts Council England, James Moores Collection and public and private collections world wide.

Museum MAN
Another vacant space.

Au début de l’été dernier, Jean-Loup Amselle est venu au jardin débattre de son livre, L’Ethnicisation de la France

Introduction :

La « question du genre » comme celle « post-coloniale » et les « études » qu’elles suscitent encore (en dépit du délabrement concret auquel elles aboutissent), comme toute problématique, n’ont de sens que pour et par des gens qui leur attribuent une importance déterminante. Dans l’ordre social et politique, il est symptomatique et révélateur de constater que les personnes qui se partagent ces questions primordiales se répartissent assez équitablement entre

- d’une part, les tenants de positions racistes, xénophobes et réactionnaires, dites « de droite » ou « d’extrême droite »,

- d’autre part et de manière réputée antithétique, les tenants de positions communautaristes, multiculturalistes, écologistes, féministes et/ou gays/lesbiennes, etc., positions réputées « de gauche » voire « d’extrême gauche ».

Ce que ces diverses communautés de pensée, apparemment opposées et hétérogènes, ont en commun, c’est ce que pointe le livre de jean-Loup Amselle : elles partagent et se disputent un terrain, existant les unes par les autres et les unes pour les autres, sous la bienveillante autorité de l’oppression véritable, celle des banquiers en banqueroute, des plans d’austérité pour les pauvres et des baisses d’impôts pour les riches.

Comment passe-t-on de l’exploitation à l’exclusion, du politique au sociétal, de la grève générale à la gay pride?

Revue Tropiques

La librairie du village : 63 Rue Raymond Losserand, Paris 14ème, M° Pernety

Revue Tropiques : agenda et éditions

Jan Van Eyck La Madone au Chanoine Vander Paele [1]

La grande illusion politique et artistique postmoderne

La fin des conflits ?

Le vingtième siècle fut certainement le moment de l’histoire le plus fécond en bouleversements sociétaux de toutes sortes, dont les effets se font encore sentir aujourd’hui. Deux guerres meurtrières, où la barbarie fit table rase de la chevalerie médiévale et des idées aristocratiques militaires qui, aux yeux de certains nostalgiques, agrémentaient d’un certain vernis les armées du passé. N’empêche, la guerre c’est la guerre, fût-elle en costumes et peaux de léopard, comme dans les tableaux de Delacroix [2] ou de Géricault : ce fut une boucherie, point à la ligne. Il y eut l’échec du nazisme et la fin de l’empire soviétique. Des changements géopolitiques de taille survinrent en Europe de l’Ouest avec l’abandon des dernières dictatures européennes : Portugal, Espagne, Grèce, Turquie et ex-Yougoslavie. Conséquence immédiate de tous ces changements : une voie royale pour l’installation de l’hégémonie du supra économique boursier comme pensée unique dans les esprits de nos gouvernants politiques.

En ce qui concerne les beaux-arts, dans le courant du XX° siècle, les changements furent considérables et les effets – libératoires ou néfastes, c’est selon – sont toujours observables dans notre époque postmoderne. Il s’agit surtout de changements esthétiques et philosophiques qui libèrent l’art des scories de l’histoire. Mais avec quel résultat ? Ce n’est pas fini… tant s’en faut.

Les religions comme éléments culturels corporatistes ?

La période actuelle, elle, est très prometteuse pour une nouvelle période de changements. En effet, le monde arabe en ébullition depuis plusieurs mois a donné le départ d’une nouvelle ère de contestation populaire. Les divers dirigeants autocrates qui étaient à la tête de leurs pays depuis plusieurs décennies sont l’objet de mouvements de contestation qui les poussent irrémédiablement au départ. Le monde occidental a accordé son soutien moral, et parfois plus, aux différentes rébellions : Tunisie, Yémen, Égypte et Lybie. La Syrie, elle, pour l’instant, profite du soutien de la Chine et de l’URSS pour tenter une ultime action – toujours en cours d’écrasement du mouvement libératoire–, la révolte gagne malgré tout l’ensemble du pays. Tout ce chambardement du Moyen Orient ne s’arrêtera pas là : d’autres pays ne manqueront certainement pas, dans un avenir proche, de tenter eux aussi de renverser leurs dirigeants afin de donner un autre nom à la fatalité qui frappe ces populations depuis bien trop de temps. Faut-il se réjouir ? Certaines questions demeurent sans réponse. Il y a quelques mois, les Tunisiens pensaient que le courant islamiste n’était pas trop important dans leur pays et ils ne redoutaient pas les élections. Ce matin, les informations annonçaient une victoire des islamistes avec un score de 36 %… La semaine dernière, Le Caire a été l’objet d’émeutes qui rompent quelque peu avec l’enthousiasme libératoire du début de l’année… On sait les difficultés que rencontrent les peuples peu habitués à l’exercice du pouvoir politique à réussir la transition démocratique. Les problèmes d’ordre religieux entre Coptes et musulmans en Égypte ne datent pas d’aujourd’hui, même si la cohabitation était plus ou moins pacifique depuis des centaines d’années. Il n’est pas certain que les Coptes, en Égypte, subissent les mêmes dommages que dans d’autres pays du Moyen Orient, où l’on mène la vie dure à la minorité chrétienne, en tentant de la chasser. La question est de savoir s’il ne s’agit pas plutôt d’une instrumentalisation souterraine du conflit ourdi par les militaires égyptiens qui sont toujours au pouvoir. Attendons la suite…

Meknès (Maroc) Medersa Bou Inania.

L’islam possède une culture artistique remarquable. L’anti-islamisme primaire semble bien être une erreur de jugement occidental, selon certains spécialistes de géopolitique européenne. Ceux-ci n’ont certainement pas tort de considérer comme logique, pour des pays qui se libèrent du joug dictatorial, de placer leur toute récente société démocratique sous les auspices de la culture de l’islam, en tant que référent moral. C’est bien leur droit, le monde occidental n’a-t-il pas fait de même avec la religion catholique ? Et les spécialistes de dire que le temps fera peut-être son œuvre, l’exemple de la Turquie n’est-il pas un bon argument ? Même si celle-ci est loin d’être irréprochable. Bref, l’élection tunisienne provoque déjà quelques commentaires désobligeants des votants laïques, ceux-ci accusant les membres du parti islamique d’avoir promis à la population tunisienne rurale toutes sortes d’avantages en nature en échange de leur voix en faveur du parti islamiste… À vérifier… Il semble bien que, l’exégèse des intellectuels occidentaux à peine terminée, apparaissent d’emblée les contradictions qui plombent la joie des véritables défenseurs du progrès de la société tunisienne et surtout inquiètent les femmes émancipées. Celles-ci ont peur de perdre le peu d’avancées démocratiques qui leur avaient permis jusqu’à aujourd’hui de bénéficier d’un niveau de liberté peu habituel dans les pays du Maghreb. L’élection terminée, un léger désenchantement s’empare des élites intellectuelles qui ressentent déjà quelques effets néfastes sur les libertés de création artistique. Notamment une cinéaste tunisienne, Nadia El Fani [3], dont le film a subi récemment une censure idéologique…

Nous pouvons considérer que, du point de vue occidental, le soutien apporté à la révolte arabe n’est qu’une façon d’éviter de répéter les erreurs commises en ex-Yougoslavie, où les interventions tardives de l’ONU ont laissé aux belligérants la possibilité de commettre des exactions envers les civils qui auraient pu être évitées.

Ne soyons pas naïfs, la France, par son intervention, a réussi à séduire les nouveaux dirigeants libyens et se prépare à obtenir un retour sur investissement lors du retour à la normale dans le secteur de l’exploitation pétrolière et gazière du pays…

Sommes-nous face à un engagement de l’humanisme politique occidental ?… Ou à une victoire de l’économie politique ?…

Toile de Mark Rothko.

La laïcité, une religion de trop ? [4]

Pour beaucoup d’intellectuels, l’occident, comme d’habitude, tient des propos paternalistes sur les dangers qui guettent le monde politique arabe. Avons-nous été bernés par de véritables intentions souterraines de la part des électeurs pros islamistes qui ont participé à la libération de la Tunisie ? Ou bien les dirigeants politiques islamiques n’ont eu qu’à récolter un résultat qui était prévisible dans un pays où le vote de la population issue des milieux les plus populaires penche nettement vers le vote culturel religieux… Cela veut dire, en somme, que les Occidentaux pensent leur propre modèle politique et sociétal comme la seule alternative positive pour organiser la démocratie partout dans le monde. La démocratie sera le bien le plus précieux, résultat de la philosophie politique laïque [5], conséquence du rejet de la religion d’État comme élément culturel de la société ? Le problème pour les pays islamiques, c’est que la véritable démocratie doit s’articuler autour de la vraie liberté des cultes, quels qu’ils soient, y compris la laïcité vue sous l’angle de la métaphore : la toute dernière née des religions philosophiques temporelles. Nous avons tous le droit d’être respectés dans nos convictions : religieuses, agnostiques, libertaires ou athée à la condition que nos choix philosophiques s’en tiennent à la sphère privée… en cela même il est indispensable de préserver la séparation démocratique entre la religion et l’état.

Doit-on vouloir la même chose pour les autres régions du monde en vue de promouvoir la liberté ? Ou bien, par respect de la diversité et des différences culturelles, doit-on laisser aux autres peuples leurs souverainetés ?

Et les Occidentaux, que font-ils ?

Maintenant, il serait temps de s’occuper aussi de ce qui se passe chez nous. Les difficultés économiques actuelles sont liées à des choix politiques qui ne cessent de montrer leurs limites. L’occident vénère le libéralisme le plus effréné, avec les résultats sociaux que l’on sait : catastrophiques pour les masses populaires. Mais ces dernières ne sont plus les seules victimes : la spoliation des classes moyennes des salaires qu’elles étaient en droit d’attendre de l’évolution de la richesse produite lors des trente dernières années les place de plus en plus dans une situation difficile également. En tant que Liégeois, je ne peux m’empêcher de penser à André Renard [6], syndicaliste important pour la Wallonie, fédéraliste convaincu, et qui souhaitait un syndicalisme indépendant des partis politiques. Une seule centrale syndicale regroupant tous les travailleurs en vue de créer un outil de contrôle du maintien des acquis sociaux qui ont été engrangés tout au long des luttes ouvrières et des classes moyennes : en résumé, un outil pour le peuple [7] en vue de préserver sa dignité et les valeurs de la démocratie sociale… A-t-il prononcé ces phrases ?…Était-ce là la suite logique de son combat ? Était-ce son projet ? Peut-être… s’il avait vécu plus longtemps et était resté syndicaliste… Pourquoi cet exemple ? Ce que nous vivons actuellement en Europe est furieusement le résultat de luttes sociales perdues ou qui n’ont jamais été menées par le peuple faute d’organisation suffisamment libérée de l’influence des partis politiques : dérives politiques droitières de toutes sortes teintées de néolibéralisme effréné et de politiques centristes tièdes de la social démocratie européenne.

L’Europe serait bien avisée de proposer une avancée significative vers un fédéralisme d’union des nationalités et des pays la composant… Mais dans le but de réaliser une union sociale économique et non pas un monstre économique ultra libéral.

Bref, il y a l’Europe et le reste du monde. Ce qui nous intéresse directement, dans notre quotidien, notre situation économique et culturelle occidentale est tributaire de la situation politique du reste du monde. Pour ce qui concerne les pays arabes, les peuples bougent. L’Amérique du Nord est caractérisée par un lent déclin selon lequel l’idée d’hégémonie libérale éternelle s’affaiblit très nettement. L’Amérique du Sud a subi un développement anarchique de certains pays émergents comme le Brésil, au prix exorbitant d’un désastre écologique annoncé en Amazonie. Il y a la stabilisation de l’Argentine et du Mexique. Pour les autres, ils endurent les difficultés habituelles des pays pauvres du Sud. L’Afrique entame un lent, très lent désenlisement et va devoir faire face à une démographie galopante. L’Asie voit la Chine osciller entre 8 et 12 % de croissance, avec le retard social que l’on connaît… L’Inde a réduit considérablement la pauvreté, mais est loin d’en être venue à bout… et les autres font ce qu’ils peuvent, et ce n’est pas grand-chose.

Dessin de Philippe de Champaigne

Pourquoi faire le constat, ci-dessus, de l’état politique du monde ? Ce n’est pas mon rôle, ici, de me substituer aux spécialistes géopolitiques bien plus compétents que moi en la matière. Mais cela me semble nécessaire de faire cette mise au point pour mettre en évidence le moment crucial que nous vivons tous actuellement : la sensation confuse que cela va exploser, sauf à utiliser la seule alternative possible : le changement du monde comme solution de salut… rien que cela !… Le moment est venu de changer la donne, disent les indignés [8] : troquer le néolibéralisme nihiliste et inhumain pour un néo humanisme reconstructeur de l’humain…

Est-ce la bonne question à poser ?…

La pensée unique comme monothéisme castrateur ?

Pour faire simple, il faut, après la politique, définir le monde dans lequel nous vivons sous l’angle des erreurs que cette dernière produit. La première : la marchandisation complète du corps et de l’esprit dans une volonté claire de consumérisme libéral. Premier exemple : l’industrie pharmaceutique est complètement minée par le souci de rentabilité comme primo intention à la volonté de guérir le patient. La bourse utilise l’argent virtuel comme élément suffisant à sa propre justification d’existence, sans souci des peuples qui souffrent de ses agissements. Les banques populaires d’états ont pratiquement toutes disparu des champs d’action et de soutien du monde du travail et des services publics. Celles-ci ont mis en danger le service public en le trempant dans les emprunts structurés, en France les emprunts toxiques. Le syndicalisme est impuissanté [9] dans la lutte contre les délocalisations industrielles, faute d’une internationale syndicale constituée et efficace, pour être juste ils essayent de remédier à cette situation, mais cela sera très long à mettre en œuvre. Quant à l’agriculture, les multinationales sont les fossoyeurs des produits agraires et d’élevages de qualité à la faveur d’une surexploitation des sols causée par les engrais chimiques et d’aliments pour le bétail dont on ne connaît que trop le danger pour le consommateur. La société civile oublie l’importance du service public et la valeur de l’enseignement comme outil pédagogique en vue d’éduquer le peuple, en vue de contrecarrer les hiérarchies aristocratiques sociales. La publicité a intégré tous les esprits, y compris ceux qui doivent être les plus rétifs à jouer le jeu, c’est-à-dire les artistes, précédés en cela par les politiques.

Bref, et l’art dans tout cela, qu’en advient-il ? Encore une fois, l’art étant la dernière roue du carrosse, il n’intéresse que les véritables amateurs et pratiquants du monde culturel artistique. Sans pour autant être délaissé par les politiques, il fait l’objet d’une spécialisation de fonctionnaires d’État qui, pour être éclairés, n’en

Tête de Jayavarman VII

sont pas moins tributaires de l’éducation scientifique des universités où ils ont été préparés pour la gestion institutionnelle de la culture dans sa dimension politicienne. C’est ici qu’intervient l’effet philosophique issu de la société politique consumériste mondialisée sur l’activité artistique en général. Il s’agit pour les acteurs culturels de terrain de canaliser en un flux raisonnable les créatifs et de les faire migrer vers la trinité postmoderne : art – tourisme — horeca [10]. On constate la déconstruction négative de toutes sortes de valeurs anciennes sous le fâcheux prétexte du modernisme et du darwinisme culturel – c’est-à-dire, comme postulat : toute évolution transformante est le résultat de l’action sociologique de l’entrepreneur — donc, la libre entreprise est le gage postmoderne d’une nouvelle humanité. L’action plutôt que la poésie, la vitesse remplace l’ostentation lente de l’esprit, la philosophie cède la place à la sociologie. En termes écologiques, la phénoménologie artistique tend à se réaliser dans l’entreprise artistique et son déroulement en temps réel lors de la mise en place de l’organisation de l’entreprise culturelle.

Tous ces éléments participent d’une décadence artistique qui, pour avoir été pensée politiquement, lors de l’installation du primat économique, lors de l’hégémonie de la pensée unique, installe toutes ses ramifications dans le tissu social de la cité. Toutes les institutions de la société sont touchées par l’appauvrissement mental et sentimental des actions humaines qui les composent.

Peut-on conclure ?

L’impact social et culturel de la philosophie actuelle postmoderniste a eu un effet immédiat sur l’utilisation de la créativité artistique depuis une quarantaine d’années. Depuis les années soixante-dix, l’art visible est confiné essentiellement dans une phénoménologie de l’idée incarné dans l’objet culturel à conssommer, alors que l’art a besoin de se loger dans le noumène platonicien ou le noème kantien pour rester dans le champ de la pensée poétique… Tous les repères sont virtualisés dans une déclinaison publicitaire de tous les composants à visées consuméristes. La politique postmoderne réduit l’art à des choses ou des objets, comme avant lui, on l’a fait pour l’économie, puis le travail, l’être humain et son corps, la culture et la philosophie…

Pourtant… un tableau de Jan Van Eyck… Une calligraphie arabe… Une toile de Rothko… Un dessin de Philippe de Champaigne… Une sculpture khmère… Une installation de Giuseppe Penone… De Baudouin Oosterlinck… Une toile de Bacon …Une sculpture de Fausto Melotti …Et encore, et encore…

Et si le monde postmoderne avait lui aussi une fin de l’histoire… à qu’il faudrait substituer autre chose de plus humain ? Ce ne serait pas la première fois que l’histoire se répèterait…

C’était mieux avant l’art contemporain postmoderne, pensent les nostalgiques réactionnaires du passé ? … non, l’avenir, cela sera mieux après !

Dario Caterina

Ab esse ad posse valet, a posse ad esse non valet consequentia.

Le 23 octobre 2011

[1] Jan Van Eyck est l’inventeur présumé de la peinture à l’huile qui, comme chacun le sait, est plus difficile que la peinture à… Chef d’œuvre absolu, ce tableau représente bien l’idée que l’on peut se faire d’un dépassement du savoir-faire, où les mots ne veulent plus rien dire. En tant qu’Italien d’origine, je remercie la peinture flamande de m’avoir permis de découvrir un deuxième au-delà nordique de ce que l’on voit : une transréalité artistique.

[2] Delacroix et Géricault ont tous deux peint des tableaux fastueux où les hussards et dragons militaires furent portraitisés à leur avantage. Visions romantiques de la guerre ? Ou plaidoyer révolutionnaire ?

[3] El Fanny, cinéaste tunisienne victime de la censure du nouveau régime. Le nouveau régime est déjà dans une action contradictoire de confiscation du mouvement de libération à son seul profit.

[4] Ici, c’est une allusion à ce que certains détracteurs appellent « une religion de trop » en vue de stigmatiser les vieilles querelles libertaires autour de la liberté de croyance.

[5] La laïcité républicaine est, pour certains dont je suis, l’outil démocratique préalable à toute tentative de sauvegarde de la liberté.

[6] André Renard, syndicaliste liégeois qui fut très actif lors des remous ouvriers dans les années cinquante et soixante.

[7] Une seule centrale syndicale, c’est en tout cas la solution que je choisirais en vue de créer un outil efficace de contre-pouvoir des masses laborieuses. Cette éventualité, j’ignore si André Renard en avait réellement l’intuition, je prends le risque de dire oui.

[8] Les indignés, du nom d’un livre publié par Stéphane Hessel, sont des activistes pacifiques qui incarnent la rébellion sociale du monde occidental. Le contraste avec le soulèvement arabe tient à ce que, pour l’Occident, la contestation est nettement moins meurtrière, et qu’il s’agit en Occident d’une première réaction de l’esprit, qui sous forme de manifestations délivre un message qui appelle de ses vœux le changement social, et en présage d’autres, peut-être plus énergiques, à venir.

[9] Ici, je reprends l’expression d’un ministre Belge, Michel Dardenne pour ne pas le nommer, qui a beaucoup fait rire lors d’une interview télévisuelle.

[10] Horeca est la contraction utilisée en Belgique pour désigner le secteur de la restauraration et de l’hôtellerie en général.

etc.
xkz
éclair noir
éternel royal
infime osmose
intime extase
crescendo
l’inanité de l’entité
apocalypse
overdose
apothéose
le féminin entoure
le muscle masculin
un dialecte idiolecte
autodidacte
bonbon
le jardin divin
uppercut
création

chaos a capella – index

Les six millions de lecteurs du texte de Stéphane Hessel auront noté que sa deuxième partie est intitulée : Mon indignation à propos de la Palestine. Pas plus que les autres, les motifs de cette indignation n’ont cessé d’être d’une brûlante actualité. S’il y a quelques jours Christiane Hessel et son mari se sont vu interdire l’accès à Gaza, ils témoignent pourtant de leurs précédents séjours en Palestine, de ce qu’ils y ont vu et fait. Après qu’en Irak et en Lybie, la démocratie de marché ait fait la démonstration de sa nature humanitaire et de sa remarquable efficace pour rétablir le lien social à coup de bombes, et avant que ne vienne le tour de la Syrie et de l’Iran. Au moment où les bruits de botte atlantistes se font entendre de nouveau au Proche Orient, dans le contexte de crise généralisée qui désormais ne peut plus guère être occulté, un salutaire rappel du « déjà là » (et de longue date) de l’injustice et de l’oppression, et du courage de ceux qui ne se découragent pas :

La librairie du village : 63 Rue Raymond Losserand, Paris 14ème, M° Pernety

Revue Tropiques : agenda et éditions

Music curated and mixed by Shayna Dunkelman (no additional effects or processing of the original material other than simple fades) for webSYNradio, November 2011 in Brooklyn, NY
Total time: 1:36:44

In order of appearance:
1. Zeena Parkins – “Visible/Invisible 1: The Hand: Eclipse Quartet” (2005) from Necklace (2008) [5:44]
2. Guðmundur Steinn Gunnarsson – “Horpma II” (excerpt, 2008-10) from Horpma (2011) [4:06]
3. Kevin Shea Adams – “genLos” (2009) [5:54]
4. Ferrante and Teicher – “The Nearness of You” from Ferrante and Teicher with Percussion (1958) [2:44]
5. Toru Takemitsu – “music from Banished Orin” (film: 1977) from The Film Music of Toru Takemitsu (1997) [7:52]
6. James Tenney – “Collage #1 (Blue Suede)” (1961) from Selected Works 1961-1969 [3:27]
7. Maryclare Brzytwa – “Berlin” from MCB (2011) [5:01]
8. Matt Marks – “Kinda (Go To Sleep)” from The Little Death: Vol. 1 (2010) [4:18]
9. Preshish Moments – “El Chordo” from Touchable (2010) [3:26]
10. The Norman Conquest – “Myriad” (excerpt, 2007-2011) [5:01]
11. Peter B – “I am walking down the stairs” from a’ d’ lake (2000) [1:05]
12. Slow Children – “the first child” (2008) [3:41]
13. Wiener Kids – “Pea Brain” from What A Mess (2011) [2:36]
14. Ches Smith And These Arches – “Disgust for a pathetic chorale” from Finally out of my hands (2010) [3:44]
15. People Like Us and Wobbly – “Nmm Ne” from Live At ATA, 12 October 2002 [4:10]
16. Cornelius – “Scum” from Sensuous (2006) [0:41]
17. John Zorn – “Part 2” from Femina (2009) [10:11]
18. Caleb Burhans – “The Things Left Unsaid” for Tarab Cello Ensemble (2006) [8:38]
19. Theresa Wong – “Bury Them and Keep Quiet” from The Unlearning (2011) [4:43]
20. Ayako Kataoka – “I love you adroitly” (2008) [2:56]
21. Ikue Mori – “Tool Box ~ Loops” from Garden (1996) [7:47]
22. Prefuse 73 – “Pagina Cuatro” from Reads The Books E.P. (2005) [0:56]

*Tracks 6 and 15 are taken from UbuWeb Sound archives

Shayna Dunkelman  [photo by Heike Liss]

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Première écoute : jeudi 15 décembre 14h jusqu’au 22 dec, mêmes horaires.

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ELEMENTS

Shayna Dunkelman is a musician, an improviser, and a percussionist based in Brooklyn, NY. Dunkelman is known for her stunning classical techniques and her use of a Xylosynth to access a sonic pallet not found in acoustic percussion. Dunkelman’s musical activities span a wide spectrum. She plays classical and contemporary pieces with the William Winant Percussion Group and the young and stylish chamber ensemble Deviant Septet, while recording and performing with pioneers of avant-garde experimental musicians such as John Zorn and Zeena Parkins. She also improvised with popular electronic musicians like Dan Deacon and members of Matmos to name a few.  Composers have written percussion pieces that take advantage of Dunkelman’s versatility and unique style. She is also the founding member of the exotica inspired pop electronica duo peptalk with Preshish Moments. Dunkelman graduated with honors in both music and mathematics from Mills College in Oakland, CA in 2007, where she studied percussion with William Winant. Born and raised in Tokyo, Japan to an Indonesian mother and a Jewish-American father, Dunkelman learned to be a multi-instrumentalist, and performed alongside her mother, a musician and composer active in Asia and the Middle East.

Find more at http://shaynadunkelman.com.

Dans la présentation des critiques chics il y a de cela un an, nous écrivions que nous nous intéresserions aux arts scéniques pour en expliciter le sens objectif :

Notre objet : l’inconscient des œuvres scéniques actuelles, en théâtre, danse, concert.

Cela, en faisant préalablement détour par les arts plastiques :

Dans notre parcours, nous rattraperons notre objet « par la bande » : nous ferons détour par les déterminations influant sur d’autres œuvres, plastiques celles là, celles de l’art contemporain. Ce dernier servira de base de décalque des déterminations affectant les arts de scène, jusqu’au point où le décalque ne tient plus du fait des spécificités de ces derniers. Le décalque servira alors de patron distinctif.

Présentation des critiques chics

Ayant constitué ce « patron », nous prenons un virage pour suivre les contours des arts scéniques, et plus précisément ceux d’une branche de la danse allant de Trisha Brown à François Chaignaud, en passant par Yvonne Rainer, Boris Charmatz, Xavier Le Roy et quelques autres. Nous ne considérons donc ni la danse à travers les âges et les lieux, ni non plus tout ce qui se fait en danse actuellement, mais un style déterminé issu du libéralisme-libertaire, la « danse contemporaine ». Pour ce faire, un point de…

Méthode

Pour connaître la danse contemporaine du point de vue de son objectivité, nous devons d’abord nous expliquer sur les termes. Il y a lieu de distinguer ces deux points de vue : l’un subjectif, conscient, qui refoule, l’autre objectif, contenu du refoulé. L’enjeu de cette distinction : accéder à la réalité des faits étudiés [1]. Non par un détour théorique sans fin mais délibérément prompt.

Qu’est-ce que l’objectivité? Ce qui est opposé au subjectif. Mais encore? Ce qui, dans l’affirmation subjective, est nié, éliminé, refoulé. Un exemple simple pourrait être tiré de la représentation du fait suivant : qu’un individu s’affirme, il s’affirme en s’opposant. Ainsi d’un positionnement existentiel et de ce qui en procède : l’affirmation de soi comme sujet. Lorsqu’un fils ou une fille s’oppose de quelque façon au modèle parental, un État à un autre, une entreprise à une autre, etc. Il y a négation de la détermination imprimée par un modèle préalable. Le modèle pré-existe donc à l’affirmation. Mieux : il la rend possible et lui survit.

Pourtant, dans l’exemple cité ci-dessus, la négation n’est pas nécessairement digne d’être nommée « refoulement », lequel implique l’inconscient. Dans cet exemple, à défaut de caractérisations supplémentaires qui en enrichiraient le sens, il se pourrait que ce qui est nié restât en vue, pour la conscience. « S’affirmer contre » serait solidaire d’un « s’affirmer comme », c’est-à-dire comme contre-exemple.

Or l’objectivité pourrait ne pas nécessairement se donner à saisir si simplement. Une seconde illustration, plus caractérisée, pourrait nous permettre de mieux le comprendre : la dépense caritative. En voulant en conscience soulager une carence à l’échelle sociale, l’initiative caritative entend reconnaître autrui dans son indigence, sa pauvreté. Mais dans ce geste, cet autrui, qui est-il? Un égal dont la pauvreté est reconnue comme étant la sienne en propre, condition qu’il s’agit de rasséréner en commun? Ou est-il « le » pauvre qu’il faut soulager, en même temps qu’est conforté le privilège du donneur, lequel essuie de sa conscience ce qu’il perçoit comme de la culpabilité? Le premier cas, celui de l’égalité, est concevable en tant que le donneur n’est pas d’un statut fondamentalement distinct du receveur [3]. Dans le second cas il en va tout autrement. Le don est aliénation du receveur, c’est-à-dire confirmation de sa dépendance face au donneur. C’est une situation asymétrique des conditions respectives qui est conduite. Il n’y a pas à proprement parler de partage, mais redistribution de richesse à partir de cette asymétrie. Alors le don confirme le receveur dans son statut de dépendant [4]. Où est l’inconscient? Derrière la naturalisation du rapport d’asymétrie. Pour traduire cet exemple en termes actuels, l’affirmation du donneur en tant que donneur nie la détermination de son affirmation comme tel : la genèse de conditions antagoniques, issues du processus d’exploitation par les uns du travail des autres. « L’exclus » comme on a pu l’entendre ces dernières années, devient l’expression tolérable de ce qui, par ailleurs, est oublié. Plus loin que le ghetto : la production pratique du privilège. L’éloignement, n’est pas seulement géographique, il est mise en forme de la conscience. La négation est devenue refoulement, et le producteur contenu de l’inconscient social.

Prenons un peu de distance. Nous venons d’esquisser une logique de l’affirmation et de la négation en tant qu’elle aboutit en un résultat. Ceci entendu, revenons à l’art, à la danse et à la scène.

Qu’est-ce que l’objectivité pour ce qui concerne la danse contemporaine?

Le point de vue subjectif considère la danse contemporaine telle que ses propres animateurs (chorégraphes, programmateurs, critiques…) l’affirment. Le point de vue subjectif correspond alors à l’idée que les agents du segment social concerné se font de ce qu’ils font. La danse contemporaine paraît alors continuation chorégraphique de l’évolution des arts contemporains en général (arts visuels, musique, théâtre, poésie…) à partir de la fin des années 60 [5]. Au cours des chroniques précédentes, nous avons parcouru les déterminations générales de cette évolution artistique. Celle-ci s’est présentée comme issue de la négation de la production [6]. L’artiste contemporain et son public expriment cette négation. Nous écrivons « l’artiste et son public », c’est-à-dire leur être social commun, la détermination permettant à ceux-ci de reconnaître celui-là [7].

Nous avons relevé que si, subjectivement, les arts visuels contemporains modèlent deux significations fondamentales et opposées, formalisme et militantisme, objectivement ces deux voies se confondent. Elles se développent dans la négation de la pratique permettant à l’art de se constituer également comme pratique. Ce temps oublié, c’est le temps social médiatisant la constitution d’une institution aussi bien que d’une symbolique, et pour ce qui nous intéresse présentement, les institutions et symboles de la société libérale-libertaire (doublée de son revers sécuritaire). Bref, le temps de production d’un surcroît de valeur qui puisse être mis en forme par l’art, la danse.

Cette perspective objective est le parent pauvre de la science esthétique standard (et des sciences sociales non-marxistes en général). Et pour cause, la danse, comme les autres arts, est un domaine de spécialistes attachés à perpétuer l’idée que la danse se fait d’elle-même. Une conservation confortée par une thèse de sens commun selon laquelle l’art est une activité d’expression autonome et ne souffrant pas la détermination sociologique, ou du moins l’excédant toujours en dernière instance. Cette thèse est dans le faux. L’art est une production sociale soumise comme toutes les autres et au même degré que les autres, aux déterminations que lui imprime son contexte de production. L’art est partout et toujours une production sociale autant qu’une production de l’artiste, raison pour laquelle elle exprime son temps à un égard ou à un autre. L’artiste lui-même est produit socialement et se constitue, tout aussi bien que son style, à travers une affirmation négatrice déterminée.

Ainsi les deux voies des arts visuels : en se déclinant, elles se séparent et se retrouvent, bref reviennent au même en ceci qu’elles sont issues d’une détermination commune. Or cette détermination, nous allons le voir, traverse la danse contemporaine. Cela, selon le point de vue de ceux qui sont libres d’intérêt à son égard. Le contenu de l’esprit qui l’anime subjectivement peut alors nous apparaître de façon nouvelle.

Samuel ZARKA

[1] Notre approche, tributaire de celle de Hegel et Marx, trouve des formulations proches dans d’autres discipline que la dialectique moniste (ou génétique structurale). Exemple : dans une polémique contre le positivisme en sciences économiques, Jacques Sapir a déjà fait mention d’une démarche analogue :

Tony Lawson oppose ainsi la vision du réel et de sa connaissance, qui serait directe, immédiate et transparente, développée par les approches positivistes, celle d’un monde stratifié en trois niveaux. Tout d’abord l’empirique qui nous est accessible directement par l’expérience, puis le factuel qui concerne les événements réels et l’état des contextes au-delà de nos perceptions immédiates, impliquant pour être connaissable que nous reconstruisions les impressions issues de nos expériences immédiates sur la base d’hypothèses et de représentations, enfin le réel qui correspond aux tendances, mécanismes et structures réellement à l’œuvre, que nous percevons par leurs effets et résultats, que nous ayons ou non conscience de leur existence.

Les trous noirs de la science économique, Seuil, Paris 2003, p. 57

Le factuel se présente comme un intermédiaire entre l’empirique et le réel. Dommage que Jacques Sapir n’étaye pas davantage de quoi il en retourne.

[2] La compréhension de son affirmation, le contenu de son expérience détermine par lui-même, c’est-à-dire objectivement, cette nouvelle situation.

[3] Le mythe christique est en grande partie basé sur ce modèle — « Que celui qui n’a jamais péché lui jette la première pierre ».

À l’inverse, Jésus dit (dans une reprise de la main de Hegel) :

« L’aumône et la charité sont des vertus recommandables, mais si elles ne sont pas exercées [...] selon l’esprit de la vertu, mais seulement dans le but de se mettre en vue, elles sont dépourvues de tout mérite. Donc si vous voulez faire l’aumône, ne le faites pas crier à son de trompe dans les rues et du haut de la chaire, ou dans les journaux, comme le font les hypocrites, afin d’être très prisés des hommes. Faites-le dans le secret, de façon que la main gauche ne sache pas, pour ainsi dire, ce que donne la droite. »

Hegel, Vie de Jésus, trad. D. D. Rosca, Aujourd’hui, Paris, 1928, p. 65

Ou encore.

« Ne vous souvenez-vous pas de l’histoire de votre peuple, où il est dit que David, lorsqu’il eut faim, mangea le pain béni du temple et en distribua aussi à ses compagnons? »

Ibid. p. 75

Les passages de cette teneur sont nombreux.

[4] Cette analyse du caritatif pourrait être renouvelée à propos du don contre telle ou telle maladie ou variante comme l’écologisme, bref, à propos de la substitution de la question sociale par la question sociétale à partir des années 1970 en France.

[5] Pour une approche convaincante de la danse contemporaine selon ce point de vue, deux études ont attiré notre attention :

- Bien sûr, l’incontournable ouvrage de Laurence Louppe : Poétique de la danse contemporaine, coll. « La pensée du Mouvement », éditions Contredanse, Bruxelles, 1997.

- Aussi, de Simon Hecquet et Sabine Prokhoris : Fabriques de la danse, PUF, Paris, 2007.

Cependant, aucun de ces auteurs n’acquiert un point de vue global sur son objet d’analyse. Ils demeurent fixés sur les particularités de chaque chorégraphe ou courant chorégraphique étudié.

[6] Nous sommes redevable de Michel Clouscard pour avoir, à la suite des efforts préparatoires et conjugués de nombreux marxistes, présenté systématiquement une sociologie en ces termes dans Le Capitalisme de la séduction (Delga, Paris, 2005 (1981)) et autres textes.

[7] Pour l’écrire avec Gramsci, il doit s’agir d’une communauté de sentir, de comprendre et de savoir; mais propre à la sphère artistique. Sentir, comprendre, savoir : une chaîne de catégories proposée notamment dans La philosophie de la praxis face à la réduction mécaniste du matérialisme historique. L’anti-Boukharine.

Texte modifié le 13 décembre 2011

Toutes les « critiques chics »

Excursus complémentaires

Electronics + throat

FIRST HOUR

Fatima Tabaamrante – Isgharn Dwamane
Nisennenmondai – Disco
Hair Stylistics – hard marchen
Sim ＋ Otomo – Am
Zeena Parkins- Ikue Mori – Savage Flower
Tetsu Inoue & Carl Stone – %.disk
Big Blood – Land Upon Mud 2
Boredoms – Acid Police
Pikacyu & Makoto – OM Marijana FU Pt.2
Suga Dairo – Fallen Angel Rock
Jacques Coursil – Gorée
Sun Ra – Outer space employment agency
Ilhan Mimaroglu – White Cockatoo

SECOND HOUR

Taraf De Haïdouks – Balada Conducatorolui
Yara Family – Shirahama Blues
Los Sampler’s – Mambo Brillante (HD Mambo)
Throbbing Gristle – Hamburger Lady
Twig Harper & Daniel Higgs – Number Two
Meiko Kaji – The Flower Of Carnage
Makigami Koichi – Koroshi no Blues
Wu Fei – For Yuxi
The Ex + Tom Cora – hidegen fujnak a szelek
Pet Bottle Ningen – Gluten
Prince Far I – Gimme Version
Kongar-ol Ondar & Paul « Earthquake » Pena – durgen chugaa (fast talk)
Krallice – Wretched Wisdom
Yoshimio – Grounding Session 1
OLAibi – Eisa
Nino Rota – L’uccello Magico A Dresda

Chuck Bettis

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Première écoute : jeudi 1er  décembre 12h jusqu’au 8 dec, mêmes horaires.

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ELEMENTS

L’art sonore de Chuck Bettis a pris racine dans le substrat fertile du Hard core, il s’est développé à Baltimore à l’occasion d’énigmatiques rassemblements d’avant-garde, et il prend une part active actuellement à l’émergence d’un courant New Yorkais. Chuck Bettis a joué avec John Zorn, Fred Frith, Jamie Saft, et Afrirampo pour n’en nommer que quelques-uns. Autres collaborations sur des live ou des enregistrements :  Ikue Mori, Nautical Almanac, Audrey Chen, Yellow Swans, Toshio Kajiwara, Mick Barr, etc, et une longue histoire qu’il a accompagné au sein de groupes punk, plus particulièrement  Meta-matics & All scars.

Actuellement il travaille sur plusieurs projets expérimentaux tels que Wing Overdrive Brown (trio avec Derek Morton et Dave Miller), Period (quartet avec Mike Pride, Charlie Looker, Darius Jones), Hell Hoarse (duo avec Brendan Murray), Pretty Clicks (duo avec Bérangère Maximin), Silver Process (un plateau en évolution permanente d’improvisateurs  New Yorkais) et Chatterblip (duo avec Dafna Naphtali).

En août dernier, il a participé au Projet Fukushima! à the Stone avec John Zorn, Ikue Mori, Nels Cline … retransmis en direct sur webSYNradio.

www.chuckbettis.com

Christiane Hessel-Chabry et Stéphane Hessel
présenteront et débattront de GAZA, J’ÉCRIS TON NOM

Si l’épouse de Stéphane Hessel a voulu écrire « le nom de Gaza », c’est pour que le peuple de cette bande de terre de 360 km2 au bord de la Méditerranée – enjeu majeur du du conflit israélo-palestinien – demeure visible, au-dessus des ténèbres que lui impose l’administration israélienne avec ses checkpoints, son blocus la privant de l’accès à ses propres richesses : son eau, sa pêche… Avec, aussi son goût de la vie, sa liberté affleurant sous les massacres. Engagée notamment aux côtés des enfants de Gaza, à travers l’association EJE (Les Enfants, le Jeu, l’Éducation), antenne palestinienne de La Voix de l’Enfant, Christiane est une des rares Françaises à s’y rendre régulièrement.

La librairie du village : 63 Rue Raymond Losserand, Paris 14ème, M° Pernety

Revue Tropiques : agenda et éditions

Thanksgiving (!) 2011

Abbie Hoffman, Our National Anthem

Harry Partch, Barstow (1943)

Patsy Cline, I Fall to Pieces

Patsy Cline, Crazy

Captain Beefheart, The Blimp

The Fugs, Kill for Peace

Red Krayola (Crayola) with Art & Language – Gross and Conspicuous Error # 8

Joan Baez, Long Black Veil

Hazel Dickens, Pretty Bird

Florence Reese, Which Side Are You On?

Violeta Parra, Gracias a la vida
Mercedes Sosa and Joan Baez, Gracias a la vida

Janis Joplin in Concert, Mercedes Benz

Sarah Vaughan, You Are Too Beautiful

Lambert, Hendricks and Ross, Four

Lambert, Hendricks and Ross , Doodling Song

Eric Dolphy, God Bless the Child

Tracey Chapman, Talkin Bout a Revolution

Nico, My Heart Is Empty

Ralph Stanley & The Clinch Mountain Boys, Will You Miss Me?

Keith Whitley, Will You Miss Me When I’m Gone

Jackson Mac Low and Anne Tardos, live at Roulette; For Armand Schwerner

Thelonious Monk, Epistrophy

Dinu Lipatti, J. S.Bach, Chorale Jesu Bleibet meine Freude

Bob Marley, Get Up Stand Up, live in Dortmund

Amanda Palmer, The World Turned Upside Down, at Occupy Oakland, Nov. 2011

Pauline Oliveros, Sonic Meditations

Inuit women throat singers

Allen Ginsberg chanting

Otis Redding, Dock of the Bay

Evan Wilson, The Wall

Sam Cooke, Change Is Gonna Come

John Cale, Hallelujah (Leonard Cohen)

Rolf Schulte and Philharmonia Orchestra, Arnold Schönberg, Violin Concerto
Movement 1, Poco Allegro
Movement 2, Andante Grazioso
Movement 3, Allegro

Turkish muezzin

Baraka- Kecak, Monkey Chant

العايلة مولاتي – عبد الصادق شقارة

Lord Buckley, The Nazz

Staples Singers (Mavis Staples), I’ll Take You There

Shir hashirim, Sephardi version

Young woman reciting the Qur’an

Ray Charles, I Can’t Stop Loving You, Japan concert

umm kulthum

Aretha Franklin, Don’t Play That Song for Me

Prince, How Come You Don’t Call Me Anymore

Bill Withers, Ain’t No Sunshine

Bessie Smith,‘Taint Nobody’s Business If I Do

The Penguins, Earthangel

J. S. Bach, A Musical Offering, Part I

Yaakov Yosef Stark, El Moleh Rachamim

Pt.Himangshu Biswas & Pt.Dulal Ro

Northern Cree (Round Dance), Red Mountain 2011

Emil Gilels, W.A. Mozart, Fantasia in d-moll KV 397

Friedrich Gulda, W.A. Mozart, Fantasia in d-moll KV 397

BBC Radio (English language) Bertolt Brecht, In the Jungle of Cities,

Joan Armatrading, Willow

Neko Case, People Got a Lotta Nerve

Frankie Lymon & The Teenagers, Why Do Fools in Love

Frankie Lymon & The Teenagers, I Am Not a Juvenile Delinquent

Cobra Skulls, Hot Sand

Edgard Varése, Ionisation

Mississippi John Hurt, Make Me a Pallet on Your Floor

Bukka White, Fixin to Die Blues

Beirut, East Harlem (Live )

Frank Zappa & the Mothers of Invention, What’s the Ugliest Part of Your Body?

Billy Bragg, Which Side Are You On?, at Occupy London, Nov. 2011

Jimi Hendrix, All Along the Watchtower

Martha Rosler

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Première écoute : jeudi 24 novembre 12h  jusqu’au 1er dec, mêmes horaires.

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ELEMENTS

Martha Rosler est une artiste travaillant la photographie, la vidéo, l’écriture, la performance et les installations.  Son œuvre, présentée dans le monde entier dans les musées les plus importants, traite souvent des questions de la sphère publique et des sujets de la vie quotidienne, réelles et virtuelles, qui affectent les femmes. Certains de ses projets mettent l’accent sur ​​le logement et l’architecture, et d’autres sur les espaces de l’éphémère. Rosler a pendant de nombreuses années produit des œuvres sur la guerre et le «climat de sécurité nationale» reliant les expériences quotidiennes domestiques avec la conduite de la guerre à l’étranger.

http://www.martharosler.net/

C’est un homme délicat, attentif, droit. A un seul moment, je sens comme du fiel remonter, celui où il me dit ce qu’il pense des formes nouvelles comme je les appelle. Un bref instant, son image d’homme posé se craquelle, et laisse éclater une bouffée de mépris en la forme d’un petit rire sarcastique. Pour lui, c’est bon « pour quelques intellectuels élitistes »… Je me tais. Le peuple, dit-il après quelques instants de silence, ne va pas de toute façon au théâtre, les salles étant blanches. Il a raison, le silence s’allonge. Et il témoigne d’une pièce qu’il a programmée à Montpellier (créée à la Maison des Métallos en 2009), tout à fait classique dans sa facture, A mon âge je me cache encore pour fumer, de Rayhana, qui aurait attiré spontanément un public d’origine maghrébine, considérant son sujet. S’il défend une position qui n’est pas la mienne, il reste agréable de parler avec lui, on sent un dialogue possible. Enfin, quelque chose m’intéresse chez lui, c’est son rapport à l’argent public, que je trouve juste. Il me consacre une heure, mais comme il est clair et synthétique, cela suffit. Je lui pose une seule et unique question sous différentes formes, à savoir quelle est selon lui la spécificité du théâtre public, sa mission.

J’aurais aimé transcrire l’entretien et le laisser tel quel. Malheureusement, mon appareil d’enregistrement a failli, excepté les dix premières minutes. Néanmoins, ce qu’il m’a dit s’est gravé dans ma mémoire, tant il était clair. Je vais donc synthétiser sa position et reconstituer notre dialogue quand cela sera nécessaire.

Pour Jean-Marie Besset, le théâtre c’est la pièce de théâtre, c’est l’auteur dramatique. L’art de la composition dramatique. Il n’est pas fermé à la novation de cette forme et me cite autant Sarah Kane que Beckett. Mais le théâtre, c’est l’art de la mise en scène d’une pièce de théâtre. Pourtant, à la fin, il me dira avoir programmé Mes jambes, si vous saviez quelle fumée, une création de Bruno Geslin (2007) du théâtre des Lucioles, d’après le journal de Molinier, qui n’est pas précisément une pièce de théâtre… Si je lui dis que, dans toutes les formes nouvelles, il y a du texte et de la mise en scène, il me répond qu’il faut un auteur, un vrai, et un auteur c’est quelqu’un qui s’intéresse à la composition dramatique. Enfin et surtout, il ajoute qu’il faut des acteurs. Et des acteurs qui ne soient pas dévorés par la mise en scène. Il me cite en contre-exemple la mise en scène de Vincent Macaigne, d’Hamlet qu’il a vue au dernier festival d’Avignon (2011), où il connaissait un acteur qu’il a fait jouer réduit à presque rien, selon lui. Pour lui, l’acteur est rendu invisible dans ce genre de mise en scène. Il précise que, sur le moment, il a apprécié cette représentation, c’était vivant, mais qu’il ne lui en reste rien. Plus largement, il déplore que les acteurs ne soient plus des vedettes, et en particulier, dans le théâtre public. Cela ne fait pas venir les gens. Cela nuit à la médiatisation de l’auteur et du théâtre. « Un auteur ne peut pas gagner sa vie mais peut-être faire fortune », c’est un dicton américain qu’il cite. En France, un auteur ne peut vraiment vivre que si ses pièces sont montées dans le privé, soit dans quelques salles parisiennes qui font encore du théâtre d’art où elles peuvent avoir du succès, d’après lui. Mais même le théâtre privé est devenu difficile. Les charges sociales en France sont devenues si élevées que de grandes distributions sont devenues impossibles. Le coût de l’acteur a presque doublé. Pourtant les salles du privé à 30 euros la place sont pleines, mais il faut en 80 et 140 représentations pour « amortir le spectacle », ce qui veut dire rentrer dans les frais de répétitions, de décors et de costumes, etc., en plus de payer les acteurs – et j’imagine l’auteur et le metteur en scène… (Combien ? Il ne dit pas, et je n’ai pas le front de lui demander…) Une pièce ne peut donc être montée que si elle peut attirer du public. La recette est simple : une comédie et des vedettes. Il déplore l’indigence actuelle de la critique qui a perdu son influence, c’est « terrifiant », dit-il. Témoignant que, sans la critique, il ne serait jamais devenu qui il est devenu. Bref la question pour lui c’est comment devenir un auteur à succès (pour gagner sa vie en tant que tel). Le rôle du théâtre public, pour lui, est de découvrir des auteurs, dans des pièces qui ne sont pas forcément des comédies, et de les faire grandir comme sous serre, puis de leur permettre d’acquérir suffisamment de renommée afin d’être joués dans le privé et de connaître enfin le succès.

En n’écrivant que des comédies ? Je manque de m’étrangler tant ces questions me semblent loin de ce que l’art ébranle chez moi, mais je reste stoïque. J’écoute et, à certains moments, relance la question. Par exemple, sur l’art de l’acteur.

Oui justement, dis-je, l’art de l’acteur. Les metteurs en scène qui ont été des artistes ont tous eu une pensée de l’acteur. Par exemple, Vitez ou Claude Régy… Ils ont eu besoin du théâtre public pour mener avec des acteurs une recherche de fond sur leur art, et qui était aussi une pensée politique, par exemple sur l’idée du collectif ou la critique du spectacle. (Je pense aussi sans les nommer à Didier-Georges Gabily, puis plus proches de nous, à Pascal Rambert, Hubert Colas, ou aux Chiens de Navarre…)

Claude Régy, me rétorque-t-il, je ne suis plus du tout. Quand on voit ce que Jean-Quentin Châtelain devient dans Ode maritime… Pessoa, je préfère de toute façon le lire, je ne vois pas l’intérêt de le porter à la scène.

Nous n’avons vraiment pas les mêmes positions ni regards, mais sans doute aussi parce que nos regards se sont élaborés différemment, même si je ne comprends plus très bien Claude Régy non plus. Je peux comprendre Jean-Marie Besset, parce que j’ai commencé par voir des pièces de théâtre et par construire mon regard à partir de cet exercice qu’était le fait d’assister à une pièce en bonne et due forme. Je peux aussi me souvenir que c’était intéressant, mais que ça m’a introduit à aimer un théâtre procédant de la critique de cette forme conventionnelle. Serais-je arrivée à cette autre manière de voir, de penser et de sentir le théâtre sans ces débuts ? Quoiqu’il en soit, je peux encore voir un théâtre plus convenu, qui, en soi, n’est pas fatalement poussiéreux. Je tente quand même de lui dire que ce que j’aime aujourd’hui au théâtre, c’est voir des choses qui participent d’un inconnu et sentir la pensée qui se développe avec cet inconnu-là. J’abrège, comprenant à son regard que je ne me ferais pas comprendre à moins d’écrire ce livre que je veux écire depuis longtemps et de le lui faire lire ensuite. Je reprends l’idée de départ, la spécificité du théâtre public, et je lance que si c’est de servir de rampe de lancement à des auteurs pour qu’ils gagnent leur vie dans le privé, je ne vois pas très bien en quoi le contribuable y a intérêt… où est l’intérêt général là-dedans… ? Ma remarque l’intéresse. Pour lui faire entendre que je ne suis pas sectaire, je précise que les formes telles celles de Vincent Macaigne ou, beaucoup plus onéreuses, de Warlikowski (qu’il avait cité comme détestable), me posent en effet problème sous l’angle de l’argent. La nouveauté artistique n’est pas un passe-droit pour dépenser à tort et à travers au nom de l’art ce luxe si merveilleux, qui, aujourd’hui, étant donné l’état financier de notre société, n’exprime qu’une morgue déplacée à l’égard des millions d’anonymes qui triment pour presque rien. Il abonde en mon sens et cite la mise en scène de Dämonen de Lars Noren par Ostermeier, paraît-il hors de prix, malgré une distribution réduite de quatre acteurs, Thomas Ostermeier ne se déplaçant pas en tournée… sans une centaine de personnes ! ! Je savais le coût d’une petite lecture de Patrice Chéreau (10.000 euros la soirée comme je l’ai dit dans ma précédente chronique), mais je ne pouvais pas imaginer qu’on acceptât dans les budgets des théâtres publics de pareilles dépenses…  « Je n’aime pas l’argent », me dit Jean-Marie Besset, citant De Gaulle. A le voir, je le crois.

J’aborde alors la question des metteurs en scène du public, comme Alain Françon, qui, à peine ayant retrouvé leur liberté en perdant leur poste de directeur de théâtre, empilent les mises en scène, en partie dans le privé. Je lui demande ce qu’il en pense Je précise que je n’ai vu aucun intérêt artistique à sa mise en scène de Fin de partie à la Madeleine en juin dernier. Jean-Marie Besset ne me répond pas franchement. Il me parle de Planchon qui avait l’habitude d’exploiter ses spectacles, quand il était directeur du TNP à Villeurbanne, sur des scènes du privé parisien. Pour Jean-Marie Besset, il semble que cette idée de jouer sur les scènes parisiennes est très importante, que c’est la condition de la médiatisation et par suite d’une chance de succès pour l’auteur (ou dans le cas de Planchon, du directeur d’un théâtre metteur en scène…). Je le relance en lui parlant d’un cauchemar que j’ai fait. J’avais vu privatiser et démanteler tout le théâtre public, le privé ayant redoré son blason artistique grâce à quelques metteurs en scène transfuges du théâtre public…

Non, me répond-il, ce n’est pas à l’ordre du jour. Les pouvoirs publics attachent beaucoup d’importance à nos théâtres publics. Et d’ailleurs, pour tout vous dire, le théâtre privé en effet a peut-être besoin du lustre de quelques metteurs en scène qui se sont formés dans le public… Je ne veux pas dire… Enfin, ce n’est plus que ce fut…

Ainsi, le théâtre public pour Jean-Marie Besset n’a pas de fonction véritablement spécifique. S’il évoque tout au début de l’entretien le fait que « les théâtres publics sont essentiellement en région », il ne parle aucunement des missions de décentralisation et d’aménagement du territoire, de démocratisation culturelle. Pourtant, quand je visite le site des Treize-Vents, il semble loin d’ignorer cette question. Il m’apprend d’ailleurs qu’il a mis en place un dispositif pour que 50 % des acteurs jouant dans son théâtre soit de la région. En fait, il semble dire que le théâtre public a connu une dérive et aujourd’hui, il faut le reprendre en main, qu’on fasse du théâtre dans les théâtres. C’est en fait une manière douce de nier complètement, sans discussion possible, les formes nouvelles. Quand je lui dis qu’elles sont de toutes façon minoritaires et appelées à le rester au mieux, puisqu’elles viennent de la logique d’un régime de l’intermittence, aujourd’hui brisée, qui permettaient à des acteurs de produire en dehors des maisons de théâtre, selon eux-mêmes, des pièces portant leur parole propre, il en est d’accord. Je ressors imperceptiblement déprimée, comme écrasée par ce déni. Si lui a pu rire des formes nouvelles méchamment, je n’ai pas eu le cran de lui renvoyer que le théâtre poussiéreux de la pièce de théâtre sociale-démocrate avec sa petite morale à la clé et son lot de débats à la sortie, m’ennuyait à crever. D’abord parce qu’il n’y avait plus assez de temps de répétitions pour donner chair et souffle à cette forme et ensuite parce que dès que ça commence on sait ce qui va arriver et où on est…. Des acteurs récitant un texte qu’ils ont appris à jouer avec plus ou moins d’âme, et une progression dramatique plus ou moins bien cousu de fil blanc.  J’étais plutôt prête à lui parler de démocratie des formes, de la nécessité qu’il existe des formes à la marge, qui injecte du jeu dans la forme théâtrale canonique (devenue souvent pompière à force d’incarner un discours sur ce que serait le « vrai théâtre »), qu’il y ait une critique possible de cette forme canonique… Mais j’ai vu que j’allais l’ennuyer, qu’il savait déjà ce qu’il pensait et n’était pas prête d’évoluer sur cette question. Je n’avais même pas envie de lui en vouloir… Qu’est-ce que des hommes comme lui attendent de l’art ? Qu’est-ce que la liberté de penser pour lui ? Qu’est-ce qu’être différent ? Est-ce qu’il sait qu’on peut sentir et voir autrement le monde quand on n’est pas administrateur de quelques cosmogéroncratie comme la SACD et pourtant être écrivain à part entière ? Est-ce qu’il a déjà pensé à la phrase d’Adorno sur la poésie après Auschwitz, qui ne veut pas dire plus de poètes mais plus de formes estampillées disant Bonjour, je m’appelle Poème, prenez une mine admirative et emplissez-vous de beauté avant d’aller exécuter vos viles tâches quotidiennes ! Bonjour, je m’appelle Pièce de Théâtre, je ne fais que passer en vous apportant quelques pensées bien senties…

Difficile d’en vouloir à Jean-Marie Besset. Il a d’abord accepté de me rencontrer sans me connaître, ce qu’Alain Françon n’a pas encore fait malgré plusieurs appels de ma part. Ensuite, à la différence de la plupart des guépards que sont les metteurs en scène de renom et d’un certain âge, il s’exprime à coeur ouvert et sans prétention.

Remerciemenents à Jean-Marie Besset.

Gilles Labarthe a scrupuleusement enquêté dans les nouvelles colonies de la « Sarkozie » et sur le vaste mouvement de privatisation que la clique néolibérale a opéré sur les territoires de l’ancien « domaine réservé », hérité du « gaullisme historique ».

Un compte-rendu de la « modernisation » du pillage séculaire des ressources naturelles et humaines d’un continent : de la FrançAfrique « républicaine » à l’USAfrique « concurentielle ». Un des symptômes de la mondialisation néolibérale avec la pittoresque intervention des Corses et des franc-maçons.

Première partie, l’enquête :

Deuxième partie, discussion :

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Revue Tropiques : agenda et éditions

spermatozoïde caïd
alcaloïde 666 sui généris
cobra coma charogne
jadis le solstice des hélices
lynx sphinx phénix
dissection de scorpion
tambours bambous champagne
déjà élytre éclectique
hétéroclite clitoris
matricule marginal

chaos a capella – index

For webSYNradio, Aki Onda plays his friend, collaborator and guitar hero Loren Connors music. 34 songs, total 2.5 hours. The oldest one was recorded in 1976 and the latest one in 2011.

Special thanks to Eric Weddle and Makiko Onda

ALL MUSIC BY LOREN CONNORS

1/
Untitled 3 2:11 (Airs, 1999)

2/
Untitled 4 2:15 (Airs, 1999)

3/
Untitled 1 1:42 (Airs, 1999)

4/
The Death Of Shelly 2:49 (Airs, 1999)

5/
Day 1 1:52 (Portrait Of A Soul, 2000)

6/
Day 6 2:21 (Portrait Of A Soul, 2000)

7/
Why We Came Together 1:38 (Night Through: Singles And Collected Works 1976-2004, 2006)

8/
Trouble In Mind 4:16 (In Pittsburgh, 1989)

9/
Prelude1 2:24 (In Pittsburgh, 1989)

10/
Blue Ghost Blues 6:13 (In Pittsburgh, 1989)

11/
Nighthawks 13:01 (In Pittsburgh, 1989)

12/
Pickin’ It Up 1:23 (Night Through: Singles And Collected Works 1976-2004, 2006)

13/
Come On In My Kitchen 1:48 (Night Through: Singles And Collected Works 1976-2004, 2006)

14/
Many Miles More 2:54 (Night Through: Singles And Collected Works 1976-2004, 2006)

15/
The End, The Afternoon, The Light 3:09 (Night Through: Singles And Collected Works 1976-2004, 2006)

16/
Guitar 1 2:25 (Hell! Hell! Hell! Hell! Hell!, 1997)

17/
Guitar 3 2:25 (Hell! Hell! Hell! Hell! Hell!, 1997)

18/
Guitar 7 2:25 (Hell! Hell! Hell! Hell! Hell!, 1997)

19/
LIsten to the Blues 2:00 (Listen to the Blues, 1981)

20/
Biggest Light of All 4:35 (Listen to the Blues, 1981)

21/
Chant 6 2:13 (The Curse of Midnight Mary, 1981)

22/
Chant 9 2:52 (The Curse of Midnight Mary, 1981)

23/
The Departing of a Dream pt. 1 9:44 (The Departing Of A Dream, 2002)

24/
The Departing of a Dream pt. 3 4:55 (The Departing Of A Dream, 2002)

25/
The Departing of a Dream Vol. II pt. 1 10:51 (The Departing Of A Dream II, 2003)

26/
Her Fate 4:54 (The Departing Of A Dream Vol. III: Juliet, 2004)

27/
Little Earth 4:33 (Red Mars, 2011)

28/
Here, I’ll Whisper It To You 2:56 (Sails, 2006)

29/
Sails 36:06 (Sails, 2006)

30/
Evangeline 1:11 (Evangeline, 1998)

31/
Dance Acadia 1:14 (Evangeline, 1998)

32/
Ships 1:11 (Evangeline, 1998)

33/
Gabriel Dies 2:01 (Evangeline, 1998)

34/
Evangeline 1:05 (Evangeline, 1998)

Aki Onda

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Première écoute : jeudi 17 novembre 12h et 22h jusqu’au 24 novembre, mêmes horaires.

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ELEMENTS

Aki Onda is an electronic musician, composer, and visual artist. Onda was born in Japan and currently resides in New York. He is particularly known for his Cassette Memories project – works compiled from a “sound diary” of field-recordings collected by Onda over a span of two decades. Onda’s musical instrument of choice is the cassette Walkman. Not only does he capture field recordings with the Walkman, he also physically manipulates multiple Walkmans with electronics in his performances. In another of his projects, Cinemage, Onda shows slide projections of still photo images, shot by himself, as a performance or installation. Onda has collaborated with artists such as Michael Snow, Ken Jacobs, Alan Licht, Loren Connors, MV Carbon, Oren Ambarchi, Noël Akchoté, Jean-François Pauvros, Jac Berrocal, Lionel Marchetti, Linda Sharrock, and Blixa Bargeld.

Guitarist Loren Connors was born in New Haven, Connecticut in 1949. Best known as a composer and improviser, Connors has issued over 50 guitar records on his own imprints (Daggett, St. Joan, Black Label) since the late 1970s and over two dozen on other labels across the globe. He has recorded under the names Guitar Roberts, Loren Mattei, Loren MazzaCane Connors and other variations. Connors’ singular adpation of the blues is a distinct personal vision combining the Delta bottleneck sound and the ancestral blues voice (appearing as distortion, baying hounds or multi-tracked guitar), with hauntingly unexpected sounds. Outside of Connors’ three decades of solo work, he has collaborated with Suzanne Langille, Jim O’Rourke, Darin Gray, Alan Licht, Christina Carter, Keiji Haino, San Agustin, Jandek and many others, as well as leading the group Haunted House. He lives in Brooklyn, NY.

http://www.akionda.net/

http://www.fvrec.com/lorenconnors/

Le manque de foi en la dette publique vient, dès l’incubation de celle-ci, prendre la place du péché contre le Saint-Esprit, jadis le seul impardonnable.

Marx

Il est non moins clair que l’austérité (des pauvres), n’est pas le destin des seuls danaïdes, et nous devons être plus vigilants que jamais…

Au fil d’une discussion avec leurs lecteurs, bien informés des dernières péripéties socio-économiques, les Pinçon-Charlot nous mettent en garde : après « le président des riches », le président des mous?

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Revue Tropiques : agenda et éditions

Quatrième étape de notre parcours dans les services publics et le réaménagement avancé qui les concerne. Aujourd’hui, l’enseignement public.

Le 17 octobre 2011, une discussion publique avait lieu à l’école Charles Baudelaire, dans le 11ème arrondissement de Paris, pour aborder la question du projet d’enseignement porté par le libéralisme. Organisée à l’initiative du Parti communiste (11ème et 12ème arrondissement) dans le cadre de la campagne du Front de Gauche pour les présidentielles et législatives, la rencontre réunissait parents engagés dans les associations de parents d’élèves, enseignants, élus. Le thème : 2012, Quelle école voulez-vous? ; cela pour définir un certain nombre d’exigences incontournables à porter lors des débats à venir.

Cette rencontre a permis de dresser un état des lieux de la situation de l’enseignement public à ce jour, de la maternelle au supérieur. Pour cette raison, nous avons choisi d’en publier plusieurs passages dans le cadre de l’enquête sur le Service public proposée par Droit de Cités.

Stéphane BONNERY, Maître de conférence en sciences de l’éducation à Paris VIII, ouvre la rencontre par un exposé de la situation et la proposition d’un projet pour l’école distinct de celui du libéralisme. Jérôme LAMBERT, Secrétaire départemental du SNUipp Paris, intervient ensuite pour compléter la première intervention en décrivant la mise en œuvre de l’école libérale.

Samuel ZARKA

Définir et promouvoir une école correspondant
au monde dans lequel les élèves vivront

Par Stéphane BONNERY

Maître de conférence en sciences de l’éducation à Paris VIII et Responsable national pour l’école du Parti communiste.

Vers une école décorrélée de toute formation citoyenne dans le contexte de 2015 et au-delà?

4:30

« Le débat sur l’école sera l’un des débats au cœur de la campagne électorale »

4:45

Quelle école on veut : « 6 axes de proposition »

6:30

L’école libérale est un projet conscient

Par Jérôme LAMBERT

Secrétaire départemental du SNUipp Paris (Syndicat national unitaire des instituteurs, professeurs des écoles et PEGC – membre de la fédération du FSU).

« L’angle budgétaire n’est pas le principal: il y a un réel angle idéologique. »

4:00

La réforme de la formation des enseignants

7:30

Combat des enseignants et logique manageriale

4:30

Interventions enregistrées le mercredi 17 octobre 2011

Pcf – lettre du réseau école

Site de la SNUipp

Dossier :

QU’EST-CE QU’UN SERVICE PUBLIC?

Présentation & sommaire

La suite, à partir de fin 2011

Contacter l’auteur de l’article

SOURAKDIM-KIM MIND OF WAISTED REMAINS

avec par ordre alphabétique et dans un ordre d’écoute aléatoire :
pacific 231 & john duncan, ADLIB, ALIREZA MASCHAYEKI, ANTHOLOGY OF SOVIET JAZZ 1939-1945, Anthony Pateras & Robin Fox, ANTHONY ROTHER, Aoki, APHEX TWIN, ARPANET, Ash Ra Tempel, ATOM HEART, BACH, BADER MOTOR, biosphere, BLACK LUNG, brume, Brume & De Fabriek, CEDRIC PIGOT, Clunes, Cyrus, DASHA RUSH, Déficit des Années Antérieures, Delia Derbyshire & Barry Berma, DER ZYKLUS, DOPPELR EFFEKT, Dziga Vertov, Iceberg B-09A, INSTITUT FRANCAIS DE SINGAPOUR, Jeff Mills, JIMMY T, John Carpenter, KOENIGJOHANNES, KUBRICK, Lou Reed, Luc MARIANNI, Luening, Mikhail Matiushin, Alexei Kruchenykh & Kazimir Malevich, Nicolas mETALL, Ø, pacific 231, Pan Sonic, People Like Us + Kenny G, Pharoah CHROMIUM , Rioji Ikeda, Scanner, SPK, SURGEON, Susumu Yokota, TEST DEPT, Throbbing Gristle, Ussachecvsky.

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Première écoute : jeudi 10 novembre 12h  jusqu’au 17 novembre.

Ecouter le programme de Nicolas Moulin sur votre lecteur

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Nicolas Moulin est né en 1970. Il vit et travaille à Berlin.
Il est représenté par la galerie Chez Valentin (Paris).

 » L’univers de Nicolas Moulin est par essence une interzone où toute trace humaine semble avoir disparu au profit de paysages ou d’architectures propices aux récits et aux fantasmes. Cette désorientation autant sensorielle que temporelle passe généralement par des effets d’altération de l’échelle, des jeux de fausse symétrie ou de vraies métamorphoses destinées à troubler notre perception des choses. Il en résulte un travail marqué par l’illusion dans lequel les éléments identifiables ne sont que de faux-semblants, destinés à amplifier un sentiment de perte de repères. » Eric Mangion

http://www.galeriechezvalentin.com/fr/ressources/pdf/nm_dossier.pdf

Contrairement à ce que la chute de l’URSS pourrait laisser croire, la trace que Vladimir Ilitch Oulianov (1870-1924) a laissée dans l’histoire du monde sous le nom de Lénine est toujours bien perceptible. En témoigne la question récurrente de savoir s’il faut retirer son corps du mausolée de la place Rouge, une décision qu’aucun dirigeant du Kremlin ne s’est pour l’instant risqué à prendre… Cette ferveur pour le père de la révolution bolchevique est-elle l’ultime écho d’un passé révolu ou l’expression d’un authentique sentiment collectif ?

Depuis l’effondrement de l’Etat tout-puissant qu’il bâtit en 1922 au milieu d’une Russie dévastée, de nombreux documents disponibles éclairent d’un jour nouveau des pans entiers de la vie et de l’action de celui qu’une historiographie récente dépeint volontiers comme un tueur sanguinaire responsable de toutes les exactions. Ils permettent surtout de mettre l’accent sur la longue série de réformes démocratiques dont il est à l’origine et qui pour la plupart, ne seront adoptées que tardivement dans les autres pays d’Europe : la nationalisation des banques, la création d’une inspection du travail, l’avènement des congés payés et de la journée de huit heures, la séparation de l’Eglise et de l’Etat, l’instauration du mariage civil, le droit au divorce et la liberté d’avortement.

Ni hagiographie caricaturale ni pamphlet haineux, le livre de Jean-Jacques Marie redonne la place dans l’Histoire qui lui est due à ce génie politique d’une intelligence prodigieuse qui ne vivait que pour la révolution. Une somme indispensable à l’heure où la crise financière rend plus percutantes encore ses analyses sur le capitalisme.

Agrégé de lettres classiques, licencié d’histoire et diplômé de russe, Jean-Jacques Marie est l’un de nos meilleurs spécialistes de l’Union soviétique et du communisme. Déjà auteur de trois biographies remarquées de Trotsky (Payot, 2006), Lénine (2004) et Staline (2001), il a consacré plusieurs ouvrages à la naissance de l’URSS (L’antisémitisme en Russie de Catherine II à Poutine, 2009 ; Le Dimanche rouge, 2008).

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Revue Tropiques : agenda et éditions

Il présente son bref (mais indispensable) livre sur les dettes publiques, quelques mois avant le énième « plan de sauvetage » de la Grèce et de l’euro. Loin de la soupe formatée et inepte des « experts » médiatiques, une délibération citoyenne, populaire et démocratique qui permet de comprendre les véritables enjeux politiques et sociaux de la « crise ».

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Monks to Monk – a playlist by David Fenech for websynradio , october 2011

This playist is a selection of things i love. I wanted to start with some raw energy (The Monks, Jean Hervé Péron, Felix Kubin) and then later a transition to more cotemplative parts (Brigitte Fontaine, Colin Stetson – two pieces around the saxophones that go very well together) and finish in pure contemplative beauty (Machaut, Britten, Monk). Also in the mix is an extract from Superdisque the brand new album from my trio with Jac Berrocal and Ghédalia Tazartès, that is just out on the sub rosa label. Enjoy !
David Fenech

01. The Monks – I hate you
02. Andew Liles + Jean Hervé Péron – The drummer is on Valium
03. Glaxo Babies – This is your life
04. Renaldo and the Loaf – Of bad teeth
05. Felix Kubin – Lightning Strikes
06. Fritz Muller – Kommt
07. Iggy + The Stooges – Penetration
08. H.N.A.S – Guavenschmah
09. Volcano the Bear – Splendid Goose
10. Nervous Norvus – Transfusion
11. Jac Berrocal + David Fenech + Ghédalia Tazartès – David’s Theme
12. Connan Mockasin – Forever Dolphin Love
13. Brigitte Fontaine – Où vas-tu, petit garçon ?
14. Colin Stetson – Home
15. Jr + His Soulettes – Momma, Love Tequilla
16. Ashik Feyzullah Tchinar – If My Body Were Cut To Pieces
17. Flaming Tunes – It’s madness
18. R Stevie Moore – Goodbye Piano
19. Steve Reich – 2×5 (part 3)
20. Guillaume de Machaut – Messe de Notre Dame (Credo)
21. Benjamin Britten – Cello Suite #2 (Andante Lento)
22. Meredith Monk – Songs of Ascension (Respite)

David Fenech

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Première écoute : jeudi 3 novembre 15h et 21h jusqu’au 10 novembre, mêmes horaires.

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ELEMENTS

David Fenech est compositeur de musique contemporaine, il se produit depuis plus de 10 ans en France et à l’étranger en explorant et interprétant des œuvres acoustiques, électroniques y compris des installations sonores et des musiques de film.
David Fenech dirige également le label demosaurus (ghedalia Tazartès, Frank Pahl, les compilations avec Jad Fair, yximaloo …) et il écrit des articles et des critiques dans des revues telles que Revue et Corrigée et Chronicart.
Comme soliste, David Fenech joue de la guitare et du ukulélé. Il a joué et improvisé avec des musiciens tels que Rhys Chatham, Bérangère Maximin, James Plotkin (ancien khanat), Felix Kubin, Jad Fair, Tom Cora, Gino Robair, Ramona Cordova, eRikm + llog, Sébastien Roux, Claude Parle, Christian Rollet (Arfi, Workshop de Lyon), Andrea Parkins, et avec des membres de madrid, moka, les enfants des autres, x ray pop, art moulu, maisie, le club des chats, sporto kantes and also with herve zenouda, mr quark, shugo tokumaru, anja kirschner, ghedalia tazartes + jac berrocal, digiki, toog, daniel palomo vinuesa, falter bramnk, imagho, dragibus et de nombreux autres.

jac berrocal + david fenech + ghédalia tazartès – superdisque
(label : sub rosa)

http://davidfenech.fr

from DIENSTbar, Berlin

Markus Schwill aka Ohmnoise from DIENSTbar
DIENSTbar-Dyns-Radio-02-The Fake Master
DIENSTbar-Dyns-Radio-03-Sean Derrick Cooper- Marquardt
DIENSTbar-Dyns-Radio-05-Pharmakon
DIENSTbar-Dyns-Radio-06-Herr Schmidt Hat Krach
DIENSTbar-Dyns-Radio-08-Melanchoholics
DIENSTbar-Dyns-Radio-10-Dr. Nexus Emergeny Exit
DIENSTbar-Dyns-Radio-11-Noisiv
DIENSTbar-Dyns-Radio-13-Ohmnoise feat Stories In Colour
DIENSTbar-Dyns-Radio-14-Jeremy Clarke
DIENSTbar-Dyns-Radio-16-CD Kreisverband Friedrichshain
DIENSTbar-Dyns-Radio-17-C-Drik
DIENSTbar-Dyns-Radio-19-Egonix

Markus Schwill

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Première écoute : jeudi 27 oct 12h et 23h jusqu’au 3 novembre, mêmes horaires.

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Markus Schwill est un musicien actif sur la scéne musicale berlinoise depuis le début des années 80, notamment au sein de la galerie DIENSTbar.

Sean Derrick Cooper Marquardt

info -> http://dienstbar.info

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La librairie du village : 63 Rue Raymond Losserand, Paris 14ème, M° Pernety

Revue Tropiques : agenda et éditions

Dans ma précédente chronique, j’ai promis d’aller interviewer un metteur en scène du théâtre public qui a récemment travaillé au théâtre privé de la Madeleine à Paris (Alain Françon) et un metteur en scène du théâtre privé qui a pris en 2010 la direction du théâtre public des Treize-Vents, à Montpellier, de manière houleuse d’ailleurs (Jean-Marie Besset). Ces deux interviews n’étant pas encore obtenues, je me propose en attendant de faire une mise au point sur ce qui différencie un théâtre public d’un privé, différenciation que j’ai prise comme allant de soi jusqu’ici, sans doute en raison de mes anciennes études de droit public qui me la rende naturelle.

C’est du droit. C’est donc une terminologue juridique, qui vient de la bipartition des régimes juridiques en un bloc de droit public et un bloc de droit privé, auxquels deux ordres de juridiction correspondent de façon hiérarchisée. Les tribunaux administratifs dont le tribunal des conflits sont en effet les gardiens de la frontière entre public et privé ; ce sont eux qui jugent le caractère d’une activité, caractère en fonction duquel le droit correspondant s’applique, parce qu’il est prioritaire de protéger l’intérêt public. Le droit public étant un droit essentiellement jurisprudentiel (par exemple, les grands principes du service public sont issus de décisions juridictionnelles, et pour certaines du début de la III^e République). Ce qui garantit une très relative indépendance du droit public par rapport au gouvernement. parce qu’il est prioritaire de défendre l’État et le principe d’intérêt public. L’idée générale est que toute activité publique est d’intérêt général, tandis que celle toute activité privée est lucrative (commerçante). On reconnaît néanmoins à certaines activités lucratives un caractère d’intérêt général, ce qui justifie les aides publiques en ce domaine, notamment dans le domaine économique (par exemple, au nom de l’aménagement du territoire, du développement social, etc). La jurisprudence fondatrice à ce sujet concerne justement un théâtre, c’est l’arrêt Astruc de 1916, au sujet de la société du Théâtre des Champs-Elysées. C’est plus même que l’intérêt public qui fut reconnu : c’est le « caractère d’une activité de service public » des activités culturelles et de loisirs du moment qu’organisées par la puissance publique, ou par des organismes privés mais placés sous un certain contrôle de la puissance publique. Ce placement sous un certain contrôle public, veut dire deux choses : un droit de regard sur les comptes, et surtout, des contraintes liées à l’activité publique. Entre autres, pour les théâtres : participer à l’aménagement du territoire, à l’éducation culturelle, comme au soutien à la création en tant qu’activité non rentable.

Histoire de la structuration du théâtre public. Le premier théâtre public a été fondé en 1920 par Firmin Gémier, c’était le Théâtre National Populaire, un troupe itinérante (Jean Vilar fut nommé à sa tête en 1951). Le Front Populaire crée une sous-direction aux Beaux-Arts, à l’Instruction Publique. La construction du ministère de la culture à venir est liée à celle du théâtre public.

Tout le monde croit connaître l’œuvre de Jean Vilar, qui installa le TNP à Chaillot, et un peu moins celle de Jeanne Laurent au gouvernement, qui en 1947, fondit avec ce dernier un théâtre public au nom de la « décentralisation théâtrale ». Cela aboutit à la création du festival d’Avignon et de théâtres publics en province, souvent articulée à des troupes de théâtre existantes. Il s’agissait de populariser le théâtre. On les appela les centres dramatiques nationaux (CDN). Ce sont des organismes de droit privé, sous forme de SARL, sous tutelle publique. Leur « mission de création théâtrale dramatique d’intérêt public » s’exerce dans une « zone définie par le contrat » de décentralisation cosigné par le directeur qui doit « faire de son centre un lieu de référence nationale et régionale pour la création et l’exploitation des spectacles créés par son équipe », « s’efforcer de diffuser des œuvres théâtrales de haut niveau », « rechercher l’audience d’un vaste public et la conquête de nouveaux spectateurs », tout en une prêtant une « attention particulière à la sauvegarde des métiers spécifiques du théâtre » et en accordant « une priorité à la formation et à l’initiation au théâtre en menant des actions conjointes avec les établissements scolaires et les universités »), ceci selon des modalités précisées dans un arrêté de 1995. Ils sont financés par l’État et les collectivités territoriales. En 2008, Pascal Rambert arrivant à la tête du CDN de Gennevilliers, ajoute la mention « CDN – de création contemporaine », afin d’associer des cinéastes (Olivier Assayas, Jean-Paul Civeyrac, Christophe Honoré… ), des plasticiens, des photographes (Valérie Jouve, Nan Goldin en 2010-11), un chorégraphe (Rachid Ouramdane) aussi bien qu’un poète sonore (Christophe Fiat). Non pas pour dire qu’un théâtre est une auberge mais que le théâtre public contemporain s’hybride aux autres disciplines artistiques. Hybridation non pas au sens d’une lapalissade, au sens où un peintre se ferait scénographe (Gilles Aillaud pour Grüber par ex) ou un compositeur réaliserait une musique de scène, mais d’une manière qui bouleverse la hiérarchie structurant ordinairement la mise en scène autour de la primauté du texte écrit. Ainsi, l’écriture plastique d’un plateau dans la création contemporaine telle qu’elle se distingue d’un théâtre d’interprétation du texte, se fait à égalité avec celle du texte. Je souligne ceci ici, en attendant d’y revenir en conclusion.

Courage, lecteur, ce n’est qu’un début.

En 1959, Malraux fonde le ministère chargé des « affaires culturelles », autonome par rapport à l’Education Nationale, et en 1961, la première Maison de la Culture. Au Havre. La seconde sera à Bourges en 1963. Aujourd’hui, il y en a à Amiens, Bobigny, Créteil… Leur mission est de développer l’accès au théâtre, mais aussi à la danse et aux expositions.

Avec Pompidou président, apparaissent de nouveaux équipements culturels, centres d’action culturelle et centres d’action communale par exemple, plus axés sur l’animation que sur la création.

Jack Lang, qui crée le Ministère de la Culture en tant que tel, a crée un label, de scènes nationales (1990) qui désigne en gros des lieux transdisciplinaires de diffusion (danse, théâtre, marionnettes, cirque, musique… ). Il a été attribué à des lieux déjà existants, qui en échange de leur adhésion à une mission de service public reçoivent des financements de l’Etat. Ce sont des établissements qui ont pour mission de participer au développement culturel dans leur ville et leur territoire. On a regroupé ainsi des maisons de la culture, des centres de développement ou d’action culturelle. Les scènes nationales sont environs 70, financées par les collectivités territoriales et l’État, via les DRAC (direction régionales des affaires culturelles), ainsi que sur leurs recettes propres (environ 20%). Ce sont souvent des associations loi 1901, à but non lucratif. Elles sont soumises à la charte des missions de service public du spectacle, élaborée par Catherine Trautmann ministre socialiste de la Culture et de la Communication en 1998. Cette charte réaffirme le principe de pluridisciplinarité artistique ainsi que les partenariats avec d’autres structures culturelles locales en vue de l’éducation culturelle de la population.

En 1986, Chirac premier ministre réorganise le Ministère de la Culture et ajoute une direction à la Communication (médias, politique audiovisuelle, etc.) Ceci dit, pour le contexte politique et ses nuances…

Enfin, les théâtres nationaux. Ce sont des EPIC, nom barbare qui signifie établissements publics à caractère industriel et commercial, pour désigner des activités publiques d’intérêt général qui peuvent être prises en charge par le privé, mais organisées par la puissance publique. Chacun a une mission spécifique : la Comédie française, le financement d’une troupe de comédie ; le Théâtre de l’Odéon (depuis 1971), la diffusion du théâtre européen et le Théâtre National de la Colline (créé en 1988), celle du théâtre contemporain ; le Théâtre National de Chaillot (1975), depuis peu la promotion de la danse ; le Théâtre National de Strasbourg (1972), la gestion de l’école supérieure d’art dramatique ; et l’Opéra Comique, la diffusion de l’art lyrique. Le Théâtre National de Bretagne à Rennes, malgré sa dénomination et l’école d’acteurs qu’il abrite, est né de la fusion entre un CDN et une Maison de la Culture. En 2008, le Ministère a demandé aux théâtres nationaux de partir à la recherche de fonds privés pour compenser la diminution des subventions (article rue89).

A cette première structure, il faut ajouter aujourd’hui, une constellation de lieux associatifs, subventionnés essentiellement par les collectivités territoriales, en partie, nées d’initiatives privées, mais qui constituent par leur esprit des théâtres publics. Lieux de résidences, lieux de création, lieux de production… A Bagnolet, tout près de Paris, le Théâtre de l’Echangeur en est un exemple. Mais il y a aussi à Vitry, le Théâtre-Studio fondé en 1968 par Jacques Lassalle qui succédera à Antoine Vitez à la Comédie Française… A Paris, il faut remarquer parmi les cinq théâtres municipaux une disparité de situation : le Théâtre de la Ville, et le théâtre Paris-Villette, sont bien des lieux dédiés au théâtre public tandis que le théâtre Mouffetard et les Théâtres 13 et 14 le semblent moindrement, et que le Théâtre du Rond-Point sous la direction de Jean-Michel Ribes semble allègrement mélanger les genres, Guy Bedos voisinant avec la dernière création de Rodrigo Garcia, cet auteur metteur en scène d’un théâtre performance assez trash.

Et le théâtre privé alors, c’est quoi ? Avant de voir rouge sur les quelques gros théâtres privés très commerçants de Paris, il faut voir la myriade de petits lieux privés, qu’on découvre dans Pariscope et qui sont des salles à louer (comme bon nombre des salles du off à Avignon). On découvre là un théâtre plus ou moins amateur avec souvent de sincères prétentions artistiques ou en tout cas culturelles (par ex, le théâtre de la Huchette qui joue en continue tout Ionesco depuis 1957). Ces lieux à l’économie moyennement florissante se distinguent par exemple d’un Théâtre de la Renaissance affichant en ce moment La nuit sera chaude de et par Josiane Balasko, et de théâtres privés ouvertement commerciaux. Mais la visibilité du boulevard ne doit pas faire oublier que dans les années 50 – 70, soit avant la structuration du théâtre public, certains théâtres privés qui ne sont pas de « petits lieux », ont été lieux de création. Par exemple, l’Athénée – Louis Jouvet à Paris ne devient public qu’en 1982, alors qu’il est dirigé par Pierre Bergé, après avoir accueilli Jean Vilar, Peter Brook, Claude Regy ou Matthias Langhoff… C’est dans ce sillage-là qu’un théâtre de La Madeleine (lié à France-Culture dans des co-production pour le festival d’Avignon) ou L’Atelier invitent des metteurs en scène qui se sont faits dans le théâtre public (Jacques Lassalle, Jorge Lavelli, et actuellement Chéreau à L’Atelier ; Luc Bondy, Martinelli actuellement directeur des Amandiers à Nanterre, Françon ex directeur du Théâtre National de la Colline, à la Madeleine… ). Ces théâtres privés qui ne sont pas ouvertement racoleurs sont un peu la vitrine de L’Association pour le Soutien du Théâtre Privé (l’ASTP) créée en 1964 avec l’aide du ministère des Affaires culturelles de Malraux et placée sous son autorité, ainsi que de la mairie de Paris. « Si la notion de Théâtre Privé renvoie d’abord à un statut économique, lit-on sur leur site Internet, elle désigne aussi une réalité artistique issue d’une longue tradition théâtrale. Le Théâtre Privé perpétue ainsi un modèle d’exploitation théâtrale indépendant [je souligne] qui a longtemps caractérisé la vie du théâtre français, avant même l’essor considérable qu’a connu le Théâtre Subventionné depuis la Libération et l’aventure de la décentralisation théâtrale ». On poursuit sur un ton plus lyrique : « Animé par des professionnels passionnés, le Théâtre Privé présente en France une forte spécificité : un directeur de Théâtre Privé ne se contente pas d’exploiter un lieu, il est aussi son propre producteur qui choisit, accompagne et défend chacun de ses spectacles. Cette exception française fait des Théâtres Privés des lieux de création incontournables, qui demeurent plus que jamais un terrain de découverte, de promotion et de diffusion d’œuvres originales et de nouveaux talents. » C’est dire l’ambition, quoique l’idée de « nouveaux talents » sente le renfermé de la foire aux vanités qu’a toujours été le théâtre. Du point de vue juridique, le principe est que ne peuvent adhérer à cette ASTP les seuls théâtres qui ne reçoivent aucune subvention publique.

Plongée en eaux troubles. Mais, d’une part la Ville de Paris distribue des aides au déficit, à l’entretien et à la restauration des salles, et à la création, même si cette aide est marginale par rapport à l’économie des théâtres privés (5%). D’autres part, les théâtres une fois affiliés reçoivent un « soutien à la création d’œuvres originales » grâce à une taxe. Elle est perçue sur tous les billets vendus aussi bien dans le théâtre public que dans le théâtre privé, du moment que le spectacle a été produit par un théâtre privé. Ce qui sous-entend que des théâtres publics peuvent acheter et rentabiliser des productions privées, avec l’argent public, productions a priori lucratives. Créée en 2004, cette taxe de soutien « à la création » peut faire illusion sur le plan artistique, mais dans la réalité, la notion de création est juridique : un texte de one man show est une œuvre originale. Autrement dit, la frontière privé / public est perméable sur tous les plans (comme j’ai tenté de l’argumenter dans ma précédente chronique de juillet), aussi bien du contenu que de l’organisation économique.

L’égalité de concurrence… On peut s’en inquiéter, d’une part parce qu’on ne voit pas pourquoi l’argent des contribuables pour prendre un argument ras de terre servirait à embellir les établissements commerciaux, c’est-à-dire à enrichir tôt ou tard des individus qu’ils soient acteurs ou directeurs de théâtre, même au nom du principe de la création qui aurait là bon dos. D’autre part, il y a dans l’air, de façon plus générale, une remise en cause de l’intérêt public, via la pression du droit communautaire. On a ainsi pu lire des articles dans l’Express en 2007 (que j’ai malheureusement perdus) où était argumenté l’idée qu’il serait plus juste de répartir à égalité avec les théâtres publics la subvention pour l’art théâtral, et le critère de cette justice serait le nombre de spectateurs. Avec la Révision Générale des Politiques Publiques qui frappent de plein fouet les théâtres publics, et les astreint à évaluer leur activité en nombre de sièges, on voit l’avenir de cet argument. Mais surtout, se brouillerait la frontière public / privé, dont la seule justification est de protéger des rigueurs du droit privé des activités fragiles économiquement car non rentables, mais en échange soumises à des contraintes de droit public. En ce sens, je rappellerais le propos de Luc Bondy (article du Monde, du 6 jv 2009) qui, au moment, où il convoitait le théâtre des Bouffes du Nord, déplorait qu’en France on soit tatillon sur la frontière privé / public. Comme il apprécie follement le boulevard britannique, il en regrettait seulement le prix des places et proposait de démocratiser ce plaisir  en subventionnant le prix des billets. Après tout, on a bien les billets de cinéma indistinctement subventionnés pour les tarifs jeunes et chômeurs, que ce soit pour le dernier Hollywood ou un film d’auteur produit avec des fonds publics. Cela fait belle lurette que la confusion des genres taraude l’idée d’activité d’intérêt public méritant l’application d’un droit spécial. Pour finir, je tiens aussi à dire que des comportements propres au secteur privé se sont depuis très longtemps immiscés dans le théâtre public, que ce soit en terme de salaires de directeurs de CDN (salaires négociés au coup par coup à chaque nomination : on a entendu parler de 10.000 euros pour certains), ou d’achat de spectacles (comment justifier que l’on paie 20.000 euros une lecture de Patrice Chéreau dans une scène nationale, à quel titre l’argent public devenu si rare dans la création peut-il ainsi alimenter un artiste aux moyens déjà considérables et qui n’a plus rien à prouver à personne ? où est l’intérêt public là de faire lire La Douleur de Duras qui était elle-même une artiste qui a su refuser de l’argent pour ses scénarios à ce tarif-là ? Les exemples de productions délirantes, où l’argent public soit paie des vedettes (comme Isabelle Huppert) soit des projets médiatiques, sont malheureusement très nombreux…)

Du point de vue postmoderne. On pourra soutenir qu’un one man show particulièrement bien réussi, depuis que des cours de stand up sont donnés au Conservatoire de Paris, c’est de l’art. La tolérance, la considération de l’absurdité des différences entre arts mineurs et majeurs, la critique de l’art pompier, l’idée que le divertissement fait partie du monde, la promotion des arts dits populaires, tout cela met à mal une certaine conception qu’on pourra dire « autistique » de l’art dramatique. Pour enfoncer le clou, on pourra soutenir que donner du succès popularise, c’est démocratique, donc c’est d’intérêt public, donc c’est bien, donc subventionnons Josiane Balasko, et ne soyons par regardant sur ses cachets, où est le problème.

Prendre de la hauteur. Le théâtre public, c’est une activité avant d’être une structure, caractérisée par le fait d’être indépendante de tout intérêt particulier. Cette activité désintéressée s’exerce à développer la recherche dans la création théâtrale. Je reviens ici à cette mention de « CDN de création contemporaine » que Pascal Rambert, auteur metteur en scène qui a passé la dernière décennie à repenser le théâtre de façon critique en le confrontant à l’art contemporain et à la littérature contemporaine, ajouta à la définition du théâtre de Gennevilliers dont il a pris la direction. Tout son projet est typique de ce que pourrait être un théâtre public aujourd’hui. Chaque création recevant en coproduction de façon égale aux autres (80.000 euros, en 2008). Un volet important de son travail est l’animation d’un atelier d’écriture qui réunit régulièrement 150 à 200 volontaires une fois par semaine, certains ayant participé à des créations du théâtre. Enfin, et surtout, les créations sont toutes liées à la recherche, et sont confrontés aux arts plastiques, à la danse et au cinéma. Parce que la création théâtrale depuis des décennies n’existe vraiment en tant qu’elle crée vraiment quelque chose qui n’existe pas déjà, qu’au croisement de ces disciplines. C’est ça qui différencie un théâtre disons désuet, d’un théâtre qui fait irruption, qui pourra faire se demander à des hommes de théâtre désireux de garder jalousement leur territoire dans la subvention tout en prospérant sur leur médiocrité, « si c’est bien encore du théâtre ». Question policière, genre : Montrez-moi vos papiers, ne seriez-vous pas un sale étranger ? Ainsi Pascal Rambert a créé un lieu dont l’atmosphère est profondément celle d’un théâtre public, lieu ouvert sur la ville, ouvert sur les artistes passionnés par l’invention de formes, la question de l’invention d’une forme étant liée à celle de la singularité d’une parole à tenir. Certes, il y a beaucoup de faiseurs y compris dans l’invention de formes qui n’ont pas de parole particulière à soutenir (ainsi une part d’une avant-garde de pacotille) mais le principe même de l’invention formelle, c’est d’être inspirée par une parole qui ne se reconnaît dans aucune précédente, et qui cherche à tout prix à se dire, à se formuler. On voit ainsi des artistes travailler quasiment gratuitement, au mépris de toute reconnaissance publique, pour tenter de dire ce qui les traverse, et on voit là ce qui les différencie d’autres, que je qualifierais de sociaux-démocrates bon teints, qui ont toujours beau jeu de rappeler qu’il travaille pour un large public au nom du refus de l’exclusion, alors qu’en souterrain, ils ne travaillent qu’à leur carrière personnelle. Personnellement, je ne vois pas en quoi l’argent public devenu si rare et précieux dans la culture devrait servir à ça.

« (….) les Grandes Institutions Culturelles, de par l’évolution rapide du monde, se trouvent désuètes. Ce sont des ruines qui s’ignorent.Avec le soutien de l’État, elles fonctionnent aveuglément dans l’idée marchande du résultat. Elles ont leurs habitudes, leurs spécialistes, leurs médias, leur public, et continuent comme les politiciens et les philosophes d’ignorer les transformations du monde. L’essentiel, évidemment depuis longtemps occulté, est la création en soi. Le mot lui même banalisé, s’est vidé de son sens ». Claude Régy, 1999, L’ordre des morts.

Le théâtre de recherche, se reconnaît d’abord à un travail d’acteur atypique. Tous les grands metteurs en scène de Vitez à Régy, qui ont laissé leur nom ont repensé le travail d’acteur, donc le corps en scène. Ils ont aussi tous repensé l’écriture théâtrale, Vitez ayant pris des textes qui n’étaient pas de théâtre pour faire des montages, et Régy ayant été à la recherche d’écritures contemporaines qui permettaient de sortir le théâtre de toute psychologie pour travailler sur des zones où un « œil s’inventerait » (Claude Régy, L’état d’incertitude, 2002).

La seule autre raison d’entretenir un théâtre public est de promouvoir l’accès à la culture théâtrale, et donc l’art de la mise en scène, de l’interprétation de textes du répertoire. Mais cela ne peut à aucun titre justifier des productions faramineuses, que ce soit en scénographies ou costumes, en cachets exorbitants de vedettes ou de metteurs en scène starifiés. Ce travail-là se doit d’être désintéressé et d’être en rapport avec la vie réelle des gens dans le public, qui est chiche. A quoi rime de dépenser des centaines de milliers d’euros pour cultiver des gens sinon les humilier un peu plus en leur rappelant que la culture appartient à un monde luxueux auquel ils n’auront en vrai accès qu’en rêve ? Qu’est-ce que ça raconte justement d’autre que la séparation infranchissable entre une culture bourgeoise et des gens coincés dans la vie économique, irréversiblement ? Cela ne peut que favoriser la haine de la culture, in fine. N’est-ce pas d’ailleurs cette méfiance au moins envers la culture qui est aujourd’hui partout ? Moins dépenser d’ailleurs de façon somptuaire permettrait peut-être aussi de dépenser mieux, de payer plus d’artistes, de créations dans l’ensemble… C’est aussi l’idée que l’artiste à l’activité désintéressée est solidaire de ses semblables. Or, quand on connaît le milieu des metteurs en scène français, on ne peut que sourire à l’idée d’imaginer qu’ils aient une fois dans leur vie un comportement non corporatiste, de solidarité entre eux… Mais la plupart du temps, en concurrence pour capter l’argent public dédié à la création, ils s’ignorent cordialement.

]]> http://droitdecites.org/2011/10/20/une-mise-au-point-sur-la-frontiere-theatre-public-prive/feed/ 0 http://droitdecites.org/2011/10/16/franck-ancel-sur-websynradio/ http://droitdecites.org/2011/10/16/franck-ancel-sur-websynradio/#comments Sun, 16 Oct 2011 07:38:13 +0000 Dominique BALAŸ http://droitdecites.org/?p=12779 FRANCK ANCEL

64

PAIR

Si Du LIVRE de Mallarmé au livre mal armé, avec 36 entrées, est le livre numérique à 360° du projet 0000 de Franck Ancel, gratuit et téléchargeable à l’infini sur le site des éditions gravitons, 0000 possède également 64 secondes sonores de 64 créateurs pour des performances multimédias, et pour des installations comme Espace Mal Armé dans des galeries.

A partir d’un monome, Olivier Guillerminet a créé 64 en direct, le 8 octobre 2011 à Bordeaux, avec quelques séquences d’Annie Abrahams – Rodolphe Alexis – Art of failure (Nicolas Montgermont – Nicolas Maigret) – Joseph Attié – Jean-Pierre Balpe – Pierre Beloüin – Hervé Binet – Dinah Bird – Julien Blaine – Jean Bordé – Antoine Boute – Philippe Castellin – Laurent Chambert – Christophe Charles – David Christoffel – Thierry Coduys – Michel Corvin – Sylvain Courtoux – Laurent Dailleau – Magali Daniaux & Cédric Pigot – Mathias Delplanque – Dinah Douïeb feat. Riff Cohen – LSarah Dubas – Vincent Epplay – eRikm – Yvan Etienne – David Fenech – Bertrand Gauguet – Nicolas Gimbert – Michel Giroud – Bernard Heidsieck – Joël Hubaut – Marc Hurtado – Etienne Jaumet – Alice Keller – Pierre-Yves Macé – Stéphane Mallarmé – Léonardo Marcos – Bérangère Maximin – Pierre Ménard – Jean-Claude Moineau – Montagne Froide (Valentine Verhaeghe – Michel Collet) – Jean-Marc Monterra – Joachim Montessuis – Cécile De Montigny – NG – F.J. Ossang – Julien Ottavi – Tibor Papp – Serge Pey – Richard Pinhas – RadioMentale (Jean-Yves Leloup – Eric Pajot) – David Ramsamy – Jean-Philippe Renoult – Jocelyn Robert – Julie Rousse – Gaël Segalen – Emmanuel Sévigny – Black Sifichi – Ghedalia Tazartes – Kasper T. Toeplitz – Valérie Vivancos – Wild Shores (Evelyne Hebey – Fred Nouveau – Marc Roques) – Bertrand Wolff – Christian Zanesi.

à partir de jeudi 20 oct :
Ecouter 64, pièce de Olivier Guillerminet créée en direct le 8 oct 2011 (Bordeaux).

IMPAIR

Si Global Poetic System est un manifeste de Franck Ancel pour la revue DOC(K)S en 2001, cette même revue accueille en 2011 une mise à jour sous le titre Global Poétique Système issue de ses analyses, après plus d’une dizaine de projets collaboratifs, en dix ans.

2001 Aporie 11
2002 De l’image au virtuel // Penser l’écran
2003 Walter Benjamin >< Marcel Duchamp
2004 Etre = Réseau
2005 5C : Amérique – Asie – Europe – Afrique – Océanie
2006 5G : Bilbao – Berlin – New York – Las Vegas – Venise
2007 From Sputnik Satellite to Explorer Art
2008 From Philips Pavilion to Explorer Art
2009 From Futurist Moon to Explorer Art
2010 De Zéro à l’Infini
2011 Space 140

En 2012, Franck Ancel accumulera 25 ans d’activités. Et il propose déjà 64 minutes pour en finir avec l’art des bruits, une playlist historique avec les pièces de Giovanni Fusco, Pierre Henry, Gordon Mumma, Edgard Varèse, Vivenza, Iannis Xenakis.

à partir de jeudi 20 oct :
Ecouter le programme de 64 minutes composé par Franck Ancel pour en finir avec l’art des bruits.

Franck Ancel

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ELEMENTS

Franck Ancel est un praticien et théoricien des arts médiatiques

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http://franckancel.tumblr.com

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http://itunes.apple.com/fr/app/desertoro…

http://itunes.apple.com/fr/book/du-livre…

Angel Parra chanteur, romancier et musicien, est l’une des grandes figures de la diaspora chilienne en France, où il est installé depuis 1976.

Il mène une carrière internationale depuis quarante ans. Il crée avec sa sœur Isabel « La Peña de Los Parra » qui devient le lieu de la Chanson populaire chilienne où se retrouvent de nombreux artistes, dont Mercedes Sosa, Paco Ibañez, Pablo Neruda, Victor Jara… Après avoir été déporté par les sbires de Pinochet, Angel Parra est expulsé de son pays. Il passe un an au Mexique avant de trouver refuge à Paris , au coeur du village Pernety .

Il est l’auteur du recueil Dos Palomitas et autres mélodies (Mille et une nuits, 2003) et du roman, Mains sur la nuque (Métailié, 2007), où il évoque le coup d’Etat de Pinochet. Il vous convie à une soirée musicale Chilienne à l’occasion de la parution de son dernier livre.

Une détonation. Violeta vient de se donner la mort. S’ouvrant sur ce drame, ce récit retrace le destin de l’une des plus célèbres chanteuses latino-américaines. Violeta Parra (1917-1967) a contribué à changer le regard du monde sur le Chili par son exploration de la chanson engagée, symbolisant tout à la fois la solitude, la misère, l’espoir, la révolte d’un peuple. Angel Parra se remémore son enfance, ses odeurs, ses couleurs, faisant revivre une mère bohème et ivre de liberté qui lui a transmis sa vision du monde, sa foi en l’homme et sa passion pour la musique (chanson).Une préface de l’écrivain chilien Luis Sepúvelda et une présentation de la carrière de Violeta Parra par le musicologue Marc Legras complètent ce livre.

La librairie du village : 63 Rue Raymond Losserand, Paris 14ème, M° Pernety

Revue Tropiques : agenda et éditions

fantaisie du démiurge
absoudre les cendres
dissoudre ma méduse
résoudre le révolver
le courant carré
jongler sur les angles
par saccades succubes
de bond vagabond
instituer la conception
la clé de la chair
la liqueur de l’oubli
oblique blizzard
désagrégé dégénéré
triptyque syncope
ethnie insomnie
génocide suicide
hormis la mélodie diluée
licorne ornée de cornes
parmi mon asymétrie
je m’étiole sans fiole
vers un ghetto de sabbat
accomplir le combat
le rêve irisé
pan je respire
le dé du paon
déluge du jeu
néo brio primal
opéra rime paria
je me déploie tutoie
un silence solaire

chaos a capella – index

Revue Tropiques : Agenda et éditions

63 Rue Raymond Losserand, Paris 14e, M° Pernety

La librairie TROPIQUES et SURVIE-PARIS IDF vous invitent à une soirée-débat en présence du journaliste Gilles Labarthe à l’occasion de la parution de son denier ouvrage

« Bien des spécialistes ont présenté Nicolas Sarkozy comme une « page blanche » en évoquant ses relations avec l’Afrique. Il aurait été le seul Président français, depuis le général de Gaulle, a pouvoir aborder le continent noir sans préjugés. Sans dette, ni compromission avec les potentats locaux. Sans réseau personnel, ni financement politique caché… »

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La librairie du village : 63 Rue Raymond Losserand, Paris 14ème, M° Pernety

Revue Tropiques : agenda et éditions

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(ready) Media, a research of art and new media in Mexico

A project by Laboratorio Arte Alameda for webSYNradio (total lenght 48′28″)
Sound works curated by Manuel Rocha & Israel Martínez
This session was compiled & mixed by Israel Martínez

01 Javier Álvarez – Mambo a la Braque 1991
02 Taniel Morales – Difícil decir 2007
03 Rogelio Sosa – Vinylika (excerpt) 2003
04 Felipe Ehrenberg – Maneje con precaución 1973
05 Israel Martínez – Mi vida (excerpt) 2006
06 Manrico Montero – Cántaro de agua (excerpt) 2008
07 Álvaro Ruiz – Amelia, hipertexto de amor (excerpt) 2004
08 Manuel Rocha – Mecanismos de absolución de desechos (excerpt) 1997
09 Juan Pablo Villa – Palma de Chile (excerpt) 2007
10 Generación Espontánea – Camotes in space (excerpt) 2007
11 Antonio Russek – Babel de nuevo (excerpt) 1998
12 Juan José Rivas – Insomnia (excerpt) 2008
13 Lumen lab – Nuevo libro del pasado (excerpt) 2008
14 Mario De Vega – Horten (excerpt) 2002
15 Iñaki Bonillas & DJ Sondera – 28 light tones 1999
16 Sergio Luque – Frío (excerpt) 2001
17 Ulises Carrión – Hamlet for two voices (excerpt inserted in Luque’s Frío) 1977
18 Guillermo Galindo – Maíz (excerpt) 2005
19 Juan José Gurrola – In search of silence (excerpt) 1970
20 Decibel – Orgón Patafísico Parte 2 (excerpt) 1978
21 Yair López – Paisaje sonoro del Malecón de Puerto Vallarta (excerpt) 2009
22 Israel Martínez – Glamour’s tuesdays (excerpt taken from Piece in three movements to share with strangers or friends on a ride around the metropolis) 2007

Israel Martinez

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Première écoute : jeudi 13 oct 12h et 23h jusqu’au 20 octobre, mêmes horaires.

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ELEMENTS

Israel Martínez (Guadalajara, Mexico 1979) est un artiste multimédia et compositeur de musique électro acoustique. Il travaille toutes les dimensions sonores, à la fois comme matériau et comme sujet. Il a composé de nombreux opus expérimentaux et produit des performances, des vidéos et des installations. Sa discographie comprend ‘Two espressos in separate cups’ (2011), ‘El hombre que se sofoca’ (2011), ‘Sigilo’ (2011), ‘Triptych’ (2010), ‘Nareah’ (2009), ‘Exorcizios’ (2008), ‘Los Demonios de la Lengua’ (2006) et ‘Cubensis’ (2005), il est également présent sur de nombreuses compilations de labels internationaux . Depuis 2003, il a participé à des festivals, des expositions d’art contemporain et des sessions musicales à travers le monde entier. Il a été distingué par le prix Ars Electronica en 2007 dans la catégorie Musique digitale pour sa pièce sonore ‘Mi Vida’. Il est co fondateur du label mexicain label Abolipop et nourrit le projet électronique Nebula 3. Depuis le milieu des années 90, il écrit en revue et pour des magazines mexicains à propos de musique et des cultures alternatives. Il a été le curateur de plusieurs événements autour du son et de l’art, et il enseigne sur ces sujets à l’institut Cabañas’ Visual Art School de Guadalajara.

www.israelm.com

La critique c’est chic 10

Au fil de nos chroniques, notre problématique repose sur le constat suivant : le discours standard sur l’expérience esthétique, c’est-à-dire, en propre, la « philosophie esthétique standard », est fondée dans une phénoménologie husserlienne, néokantienne, sans épaisseur temporelle. C’est cette dernière que nous voulons restituer, en répondant à la question des conditions de possibilité de l’esthétique (i.e. du ressentir) pour une contemplation donnée. Question qui ne peut trouver de réponse que selon une approche sociale.

Il nous aura fallu pratiquement un an de recherche pour mettre en place une approche du fait chorégraphique dans une perspective dégagée de la spatialisation généralisée qui caractérise les arts depuis la fin des années 1960. C’est au terme du cycle de douze chroniques annoncées en décembre dernier que nous commençons d’atteindre notre objet. Les trois dernières chroniques du cycle (celle-ci et les deux suivantes) parachèveront notre approche. Seul un nouveau cycle de publication entamera véritablement l’analyse notre objet.

Poursuivons aujourd’hui sur la lancée de la dernière chronique autour de l’art contemporain, pour en venir avec la prochaine à la danse contemporaine.

À la faveur de la ré-interprétation du ready-made par le vieux Duchamp, la suppression du temps dans l’art se poursuit à travers une multitude d’avatars dont le déploiement épileptique est connu de tous. L’architecture du Centre Georges Pompidou à Paris nous semble, à cet égard, exprimer éloquemment le style nouveau apparaissant à la fin des années 60 : une immense raffinerie conçue d’une manière antithétique à son usage, sinon comme déco — « pour faire penser à ». Tout est là. On a pas le réel mais sa représentation ludique, symbolique, dédiée à imaginer ce dont il n’est pas fait l’expérience. Contrainte sur l’imagination à laquelle il revient de légitimer le bâtiment à un égard ou un autre — sympa, réussi, particulier. Bref, reconnaître le faux comme étant le vrai.

Ce sont deux expressions achevées de ce style nouveau que nous étudierons en détail en ce jour. Elles sont plus évidemment conséquente du retournement (de veste) duchampien ; ce sont celles de Lawrence Weiner, dont les travaux de la maturité se caractérisent par une poursuite de l’immédiateté ; et celles de Jeff Wall, dont les images proposent l’accentuation d’une durée spécifique et dérivée du monochrome : la durée subjective du voyage, de l’errance, de l’extase.

Pour comprendre la relation de continuité entre le ready-made, Weiner et Wall, nous proposons tout d’abord un détour par des considérations avancées autrefois, en préambule de notre premier commentaire des images de Jeff Wall :

Le traitement du temps dans les arts en général, et dans la photographie en particulier, [...] est médiatisé par l’histoire.

En l’occurrence, sur la séquence historique allant du courant des années 1970 à aujourd’hui, la fixation des déterminations générale de la politique comme exploitation la plus « efficace » du temps de travail n’est pas sans conséquence sur l’art. Il y va à la fois d’une séparation entre temps subjectif et objectif, et d’une radicalisation de la spatialité dans les formes symboliques. C’est le temps comme réalité d’une amplitude subjective et objective, c’est-à-dire comme historique et sociale, qui est alors fragmenté et dispersé.

Avec la fragmentation du temps, il n’y a plus ni discours ni figure possible, mais que des mots et morceaux. Qu’est-ce à dire? Voyons-le à travers le travail de Lawrence Weiner

1) Le mental de Lawrence Weiner

Weiner déplace le programme du vieux Duchamp. La photo ci-dessus montre une œuvre typique de Weiner. Ici, l’exposition est l’occasion, non seulement d’une notification, mais de la définition d’un objet mental, qui est « véritablement » la pièce [1].

Au principe de cet objet, il y a l’institutionnel admis comme évidence. Des assertions délibérées de Weiner l’attestent. Lorsque questionné sur le caractère opaque de ses compositions pour le grand public, il répond (en substance) : « il faut des spécialistes dans tous les domaines » [2]. Weiner reformule ainsi un grand lieu commun de l’art contemporain : « l’art a toujours été le fait des riches ».

Rimbaud était rentier?

Perce le caractère politique de l’expertise en art (comme ailleurs).

Cela étant, l’art de Weiner, en proposant, non plus seulement une notification comme chez Duchamp, mais un objet mental, nous met sur la piste d’un retour du temps dans les arts visuels contemporain. Mais sous une modalité spécifique : celle du temps passé dans l’espace mental, précisément. C’est ce que les images de Jeff Wall expriment au mieux.

2) Le monde de Jeff Wall

Les images de Jeff Wall se remarquent notamment du fait de leur aspect « classique ». Ici, ce terme réfère au sentiment de réalisme provoqué par l’image, notamment du fait du soin évident pris à sa construction. Avec Wall, ce sentiment est inspiré dans un premier survol du regard : c’est un réalisme synchronique, de première instance. À partir de cette synchronie vient l’interprétation : le niveau de la métaphore, du sens ambiant se dégageant de l’image. Et en effet, un sens mouvant circule dans les images de Wall et nous allons tenter de le cerner.

Voici une image exemplaire de l’art de Wall qui va nous servir à étayer notre analyse. Pour ce faire, il nous faut opérer par un détour passant par l’histoire et le temps. Car, comme rappelé plus haut, nous écrivions autrefois :

Le traitement du temps dans les arts en général, et dans la photographie en particulier, [...] est médiatisé par l’histoire.

Dire que la photographie de Wall est médiatisée par l’histoire, c’est dire qu’elle dépend de l’histoire pour se constituer dans son intégrité. Son réalisme de première instance paraît alors dans sa relativité : il est celui de représentations effectivement réelles, donc effectivement déterminées historiquement.

Aussi, sur la base d’un positionnement du spectateur dans le synchronique, la photo de Wall montrée ci-dessus induit un temps second. Une induction qui fait trembler son réalisme dans la relativité. Car ce que cette photographie contient de réel consiste dans les représentations d’une subjectivité sociale déterminée (ce que Hegel appelait Esprit).

Pour savoir quelle est cette détermination, il faut considérer la photo de Wall selon la socialité, le réseau social dont elle participe. — L’institutionnel de marché.

Répétons-le : l’institutionnel de marché n’est en rien réductible à des bâtiment en dur. Il s’agit avant tout de personnes : administrateurs, commissaires, critiques, intermédiaires de vente, galeristes, équipes techniques, artistes. Le sang de ce corps social, c’est, certes, l’argent, mais pas n’importe lequel en regard de la circulation globale du capital : une part de la valeur ajoutée. C’est-à-dire une part de la valeur produite par le travail mais non distribuée vers lui. Une part de la valeur investie dans le réseau institutionnel du marché de l’art.

Telle est la détermination. Cette part de la valeur, captée, est investie dans l’art à titre direct d’achat d’œuvre, ou indirect de subvention de ses agents. Cette captation, investie dans le réseau institutionnel, autorise l’existence de ce réseau. Lequel accueille les œuvres de Wall, en propose le réceptacle (musée, galerie…).

Vivre d’une telle captation, dans le détachement de toute autre relation avec sa base productive, telle est la détermination sociale logique massive (mais non dite) de l’institution artistique marchande, de cette institution comme subjectivité sociale. L’art de Wall étant subventionné par cette même part de la valeur, le réalisme des images en est objectivement tributaire.

Certes, il indubitable que les images de Wall sont les produit d’un travail. Mais le prix de ce travail est sans commune mesure avec l’ordre commun de la production : le salaire médian (quel que doit l’espace économique considéré ; Wall étant d’origine britannique, on pourrait dire : le salaire médian en Grande Bretagne.) Les images de Wall deviennent expression de cette détermination et développement de cette expression, celle du non-dit de la captation. — En un style littéralement classique, elles se rendent adéquates, comme représentations, aux représentations et à la sensibilité de la subjectivité institutionnelle. À la manière dont les statues des dieux grecs étant vraiment les dieux aux yeux des Grecs, les images de Wall traduisent vraiment la réalité aux yeux de l’institution artistique capitaliste.

Mais c’est une adéquation ne rendant compte que d’un réel partiel, entamé, incomplet. D’un réel… irréel précisément, du fait de l’absence en son sein d’une autre instance, dernière et refoulée ; spectrale, en arrière plan de la conscience. Cette dernière instance, c’est-à-dire, vous l’avez compris, la production de la valeur ajoutée captée par l’institutionnel de marché.

Le réalisme irréel de Wall est tributaire de son autre, le temps de travail (oublié) médiatisant l’existence de la subjectivité sociale qui plébiscite ses œuvres et les prend en charge. Une subjectivité sociale qui s’est définie en inversion de ce qu’elle refoule. Elle paraît, par conséquent, comme résultat d’un non-dit.

Que les images de Wall soient des expressions d’une subjectivité socialement déterminée n’implique évidemment pas qu’une autre subjectivité (et à vrai dire, il n’y en a qu’une seule autre) ne voit rien dans les œuvres du Britannique. Sinon que le sens, le contenu de ses images diffère radicalement selon la subjectivité sociale impliquée dans leur contemplation. Dans un cas, il s’agit bien d’un classicisme, dans l’autre, d’un profond irréalisme.

Comme dans un agencement de Weiner, l’artiste a produit une composition. Mais, à l’inverse de Weiner, cette composition a eu la prétention de montrer une réalité irréductible à un objet subjectif : une réalité objective. Il n’en fut rien. Le contenu de la composition de Wall n’a correspondu à rien qui ne fut identique au contenu de la subjectivité du groupe social auquel il appartient.

Réponse aux objections

Arrêtons-nous un instant et répondons de suite à deux objections prévisibles.

— La première objection concerne le terme de « réalisme » : le contradicteur dira que de toute façon, il n’y a pas de réalité non empreinte de subjectivité, qu’il faut un regard pour qu’il y ait un monde (et pas seulement de la matière). L’objection consiste donc à avancer que le réalisme est impossible. Ici, le terme de réalisme est entendu comme réalité non entachée de subjectivité.

Nous sommes d’accord avec la prémisse de cette objection mais pas avec sa conclusion. Certes il n’existe pas de réalité signifiante sans sujet. Toutefois, la réalité objective se laisse expliciter à travers la reconstitution immanente du système des subjectivités historiquement rendu possibles.

Dès lors, ce que nous questionnons, c’est le procès de production d’une subjectivité spécifique à travers sa détermination sociale : ce qu’elle oublie et qui conditionne son contenu conscient. Ce faisant, nous ne cherchons pas « une réalité non entachée de subjectivité », mais une réalité subjective complétée de son altérité tout aussi subjective en un ensemble historique donné.

Car à l’inverse de ce que promeut l’intuitionnisme régnant, le monde du sens ne connaît, pas plus que le monde physique, la génération spontanée. Le monde du sens se constitue sur un préalable : l’histoire sociale universelle. Précisément le fait de nier cette épaisseur historique est caractéristique de la pensée conservatrice, nietzschéenne, promotrice du sens privé et adversaire du sens le plus largement partagé. Dès lors que dans les faits, aujourd’hui, tout le sens possible n’a pas pour autant atteint l’effectivité. Exemple : en France, on a pas encore réalisé le but de la Révolution, que chacun soit complètement citoyen ; étant étendu que la citoyenneté n’est pas réductible au droit de vote dans un système d’alternance sans alternative.

À ce propos, infiniment plus riche que les mots d’ordres vides de sens ou que la dépression théorique des déclinismes et autres Rosanvallonismes, le lecteur se reportera avec intérêt aux thèses de Bernard Friot, à voir ci-dessous par exemple, entre autres autres exposés filmés.

Bernard Friot : « La retraite c'est révolutionnaire! »

— La seconde objection touche à la production sociale de l’œuvre d’art et à la « liberté de l’artiste ». En indiquant la relation d’immanence de l’œuvre de Wall à la subjectivité sociale dont elle participe, nous ne nions pas le sujet « Wall », mais exactement l’inverse : nous affirmons la condition de possibilité de ce sujet, de cet artiste, auteur de gestes esthétiques dotés de sens. C’est précisément parce qu’il y a un public reconnaissant les œuvres de Wall que Wall peut s’adresser à lui en certains termes selon une sémiologie qu’il détermine librement.

Car en effet, en disant la détermination rendant possible la reconnaissance sociale de l’œuvre de Wall, nous ne nions pas non plus la liberté de ce dernier. Car le subjectif s’affirme en sa liberté comme résolution, non pas dans l’abstrait, mais dans une situation déterminée, laquelle est aussi bien celle de son histoire. Ce sujet existe par la liberté d’affirmer, qui, précisément, est négation de la détermination. À ceci près que négation ne signifie pas ici anéantissement, mais refoulement (social). Il y a donc du vrai — le contenu de la liberté tel qu’il est affirmé par un sujet, en personne — dans le faux réalisme de Wall.

3) Bilan

La subjectivité sociale produit des œuvres selon une dynamique du symbole contradictoire mais complémentaire. Wall et Weiner se retrouvent, aussi dissemblables et même opposées stylistiquement que semblent être leurs compositions respectives : ils participent, à l’échelle sociale, d’une même subjectivité. Le temps du réel donné par Weiner et Wall est alors déréalisé : c’est un temps renvoyant à une épreuve déterminée — perdant le temps réel d’une réalité complète.

Complétude qui n’est pourtant pas extérieure à la subjectivité de Weiner, Wall ou François-Marie Banier, car elle est condition de possibilité de leur pratique.

Samuel Zarka

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[1] Laissons le lecteur philosophe reconstituer la liaison entre cet « objet mental » et la phénoménologie de Husserl.

[2] Ce mot de Lawrence Weiner, nous l’avons trouvé ici (nous surlignons):

Au début des années 90, a eu lieu, au Musée des Beaux Arts de Vancouver, un colloque consacré à la question suivante : « Qu reste-t-il de l’art conceptuel? » Un certain nombre d’interventions portaient sur le constat que l’art conceptuel était devenu une sorte de subculture autosuffisante, dont la caractéristique dominante était d’avoir définitivement aliéné le public – comme si l’art conceptuel était une cause et non une manifestation de la distribution inégale de capital symbolique dans la société ; comme si le retrait de l’art, ou du moins d’un certain art critique, témoignait non pas de son refus de se penser en termes de son audimat, mais fournissait la preuve de sa capitulation devant l’omniprésence de l’industrie culturelle. En somme, l’art conceptuel serait devenu élitiste au point d’avoir définitivement aliéné tout public. Visiblement exaspéré par la désespérante pauvreté analytique d’une telle évidence, Lawrence Weiner répondit : «Nous autres praticiens sommes le public. »

Stephen Wright, « Vers un art sans œuvre, sans auteur, et sans spectateur »
Catalogue de la XVe Biennale de Paris, 2007

Sur Scribd

Laissons l’auteur de l’article, Stephen Wright, à son interprétation selon nous illusoire.

Article modifié le 1er novembre 2011.

Toutes les « critiques chics »

Excursus complémentaires

Original Voices in Rhythms

Des pièces mémorables et uniques dialoguent ici les unes avec les autres comme j’aime dans ma pratique inviter les gens à se réunir pour le moment unique d’une rencontre enregistrée, former un duo et inventer de nouvelles formes de langage. Ma sélection est axée sur le transport de la voix, parfois les mots, sur les expressions mondiales et leurs rythmes, la musique de danse en faisant partie. Je suis venue au son par les radios communautaires du début des années 80, lieux de liberté d’expression, ainsi que par le télescopage de toutes sortes de genres musicaux. Ma passion était d’écouter les gens communiquer, y compris se mettre en désaccord. Parce qu’à l’époque, avoir une opinion différente et débattre n’était pas un problème et faisait partie du quotidien. Ma principale attraction était pour les langues étrangères, celles que je ne pouvais pas comprendre. Mieux et musical ! Ce mix est donc politique.
Il va d’une découverte récente – quelle mélodie grande ouverte ici (Steve Kuhn) aux chants traditionnels du patrimoine oral (les îles des Caraïbes, l’Espagne, le pays Inuit du Nord Canada, Cameroun, Papouasie-Nouvelle-Guinée, Etats Unis), à des pièces personnelles faites de mes enregistrements de voyage(Venezuela, États-unis, Portugal, Niger, Serbie, Croatie et pays de l’Est), comme l’exemple du son de la dévotion dans ce meeting politique de Chavez (qu’est ce que l’on ressent quand un chef chante ..?) et des portraits / «rencontres» (avec V. Vale, ou encore avec une femme muette d’un village du Portugal), à un long morceau hypnotique de Phil Kline, à une pièce plutôt inhabituelle de Meredith Monk parce que j’aime la rythmique des moteurs, et à travers un mélange de poésie et de rap de talents féminins comme moyen de dire haut et fort et d’élever une voix commune.
G.S ( read this presentation in english)

0_ Rezo Por Ano Nuevo – Chalchihuitan, Musicians of Chiapas – Bats’i Son: Music of the Highlands of Chiapas Mexico

1_ Climatery – Miguel A Ruiz

2_The Sound of Life, V.Vale RE/Search Publications Founder – Gaël Segalen, SF 2007

3_ Nowhere Close – Gaël Segalen, Eastern Europe, 2008

4_ In Memoriam Balogh Elemer- Balogh Kalman, The Art of the Gipsy Cimbalom (Arc Music)

5 Ahi La Tienes Delante_The Spanish Recordings – Extremadura (Rounder – Alan Lomax Collection) 1952

6_ Vapeur_Haitian Rara & Dominican Gaga, Caribbean Revels 1978

7_ La Plage de Mer – Gaël_Segalen

8_ The Meaning Of Love – Steve Kuhn 1971

9_ Transe Prayer – Gaël Segalen, excerpt Siwa 2010

10_ New York City : 24 hours in Public Spaces, The New York IPS, Tellus #11 ‘The Sound of Radio’ 1985

11_ Champagne In Penthouse – Solomonoff & Von Hoffmannstahl Sensationnel #5 ‘All With The Voice’ Blues

12_ Stripes – Otha Turner & The Afrossippi Allstars_From Senegal To Senatobia

13_ Hugo Chavez sings Cristobal Jimenez – Gaël Segalen, Caracas 2008

14_ Carnaval (carnapella) – Afronaught, 2004

15_ A men’s work group clears a new garden_Bosavi: Rainforest Music from Papua New Guinea Disc 2: Sounds and Songs of Everyday

16_ Magaio_live_Joachim Montessuis & Gaël Segalen (excerpt) Binaural / Nodar Residency, Portugal 2011

17_ The Shadow – A Race Of Angels

18_ Carnaval (misa negra mix) - Afronaught 2004

19_ Engine Steps_Meredith Monk, Turtle Dreams 1983

20_ Katajjait on « Hamma »_Inuit Throat Singing, UbuWeb / PennSound Archive

21_ Ademech I Hembo-Chek I Dafabera, Cameroon – Flutes Of The Mandara Mountain

22_ Bodydrummin – Afefe Iku

23_ Jaco – Gaël Segalen, excerpt Siwa 2010

24_ Chant, for voice and 10 tape loops – Phil Kline, Glow in the Dark 1998

25_ Untitled/Fantastic (Georgia Anne Muldrow Remix) Suite For Ma Dukes Timeless Hip-Hop, 2010

26_ Inland – Gaël Segalen, 2010

27_ FlowFilosophy – Watts 1965 (Tomeicko)

28_ Différé / Delayed (excerpt) – Gaël Segalen, USA <—> Niger 2005

Gaël Segalen

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Des sciences humaines – à la radio – au son pour les films – à la délocalisation – au field recording – à la rencontre avec le micro – à l’art / l’interaction sonore, Gaël Segalen est née plusieurs fois pour les “sons de la vie” et synthétise expériences éclectiques et voyages. Elle enregistre, souvent en langues étrangères, des scènes de vie courantes dépaysées qui tendent vers le désir d’une fiction vitale. Plus qu’un témoignage, le micro offre un espace d’improvisation pour se mettre en scène et se projeter dans un monde délocalisé. Il est un prétexte de rencontre et de dialogue. Elle collabore à des projets de parcours sonores, environnements géolocalisés, créations et installations, notamment au sein du Collectif parisien Mu, et conduit des ateliers de créations et d’expérimentation sonore.
http://ihearu.org/
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