Playlist websynradio

1. Island Radio Magic – DinahBird (2004)

2. Kenny Graham – Moondog and Suncat Suites (1957) – Kenny Graham and his Satellites

3. Brion Gysin (1916-1986) – Mektoub: Recordings 1960 – 1981 – Pistol Poem

4. Robert Ashley « Purposeful Lady Slow Afternoon »

5. Bostonpopsreverbformydeadgrandpa by Aeron Bergman New York, 1997

6. Morton Feldman, USA | 1926-1987- Score from « The King of Denmark » (1965)

7. Gavin Bryars Jesus’ Blood Never Failed Me Yet -

8. Delia Derbyshire – Colour ( from Dreams – 1964)

9. Sun Ra on WXPN, Christmas Day, 1976 – Side A.

10. Janek Schaefer (b. 1970) His Master’s Voices [1997]

11. Angus MacLise (1938-1979) – Invasion of Thunderbolt Pagoda (1968) – Shortwave India

12. The Tape Beatles – A subtle buoyancy of pulse (1988) – Listen to the Radio

13. Gregory Whitehead – We All Scream Alone – (1992)

14. Bernard Parmegiani (b. 1927) Chronos (1971) L’oeil Ecoute.

15. James Tenney (1934-2006) Tellus #14 ‘ Just Intonation’ (1986)- Septet for Electric Guitars

16. DinahBird – Vito Goes to the Dentist

17. Xavier Gautier – Lydia (2000)

18. Giorno Poetry Systems – The Dial-A-Poem Poets « Better An Old Demon Than A New God » Lydia Lunch -

19. Audio Arts – Accent for a Start (1987)

20 – DinahBird & Jean-Philippe Renoult – Radio Ornette

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Première écoute : jeudi 8 sept à 12h et 19h puis jusqu’au 15 sept, mêmes horaires.

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ELEMENTS

DinahBird réalise des programmes radiophoniques, des créations audio, des bandes sons de films et des installations sonores. Ses récents travaux incluent : When Silence Sings, un paysage sonore composé pour la BBC Radio3, Natures Construites, une collaboration son/vidéo qui observe les mutations urbaines du Nord de Paris (prod. Ville de Paris), et Topographie Nocturne pour lequel elle a gagné le Prix Luc Ferrari 2011 (la Muse en Circuit). Ses œuvres ont été diffusées sur BBC Radio 4, BBC Radio 3, l’Atelier de Création Radiophonique (France Culture), Résonance FM, et sur Kunst Radio. Elle s’est également produite en concert au Centre Pompidou et au Palais de Tokyo à Paris et travaille actuellement au musée d’Art moderne de la Ville de Paris pour lequel elle conçoit des ateliers de création sonores en correspondance avec les expositions, et réalise des entretiens sonores.

Son blog : http://www.radio1001.org/

Un spectre d’émotions vertigineuses

L’invitation à constituer une liste à partir des liens mis à disposition par Ubu Web revient, un peu, à revivre une vie, tout à fait une vie, tant ce site est riche, foisonnant en œuvres rugueuses. Lorsqu’on le scrute, d’ailleurs, le site semble vous regarder : en parcourant la liste de ce qui s’y cache, on se rend compte de tout ce que l’on a connu, oublié, de tout ce que l’on croit connaître, de tout ce que l’on n’a jamais eu le loisir de croiser, sinon par noms interposés. Du coup, constituer une liste d’écoute via Ubu revient un peu à gravir les échelles de ma mémoire, à en abattre certains murs et à y frayer des passages entre tel morceau et tel autre, tel moment de ma vie et puis un autre, qui n’avait rien à voir. Dans ce que j’ai retenu, quoi de commun entre La Monte Young et Momus ? Entre Robert Desnos et C. Spencer Yeh ? A part le fait qu’ils ont, à un moment ou un autre, peuplé ma vie, constitué ma façon de regarder le monde et l’écouter.
Mais, restons honnête, il y a bien quelque chose qui traverse tout ce qui est mis ici et c’est sans doute l’idée que la musique peut s’aventurer dans des ailleurs jamais préconçus, qu’elle peut-être hybride, multiple, démultipliée et générer un spectre d’émotions vertigineuses, et le faire presque par hasard. La musique, mais aussi le son et les bruissements des voix de poètes qui ne reculent pas devant le verbe, savent le faire danser, savent faire du bruit à partir des claquements de leur langue, des tressaillements de leur gorge.
Il y a bien aussi dans cette liste quelque chose de hasardeux, comme le fait d’y avoir mis deux de mes propres compositions enregistrées en concert et qui comprenaient elles-mêmes des voix prises ailleurs (Scott, TS, Gertrude…). Cette liste, ces morceaux, les sons qui y créent pour ceux qui se laissent bercer une dérive sonore sans destination, sont bien une partie du cut-up de la vie, de la mienne en tout cas. Parce que c’est juste cela, pour reprendre un titre de JG Ballard, dont il s’agit toujours : la vie et rien d’autre. Mais à quoi on rajoutera, toujours, les rêves. »
Joseph Ghosn

1/
John Cale / Loop

2/
La Monte Young / Drift Study

3/
Takehisa Kosugi /  Catch wave

4/
C. Spencer Yeh / The Lower Ones

5/
Steve Roden / Roden, Vitiello, Chinati, performance

6/
Andy Warhol /Velvet underground

7/
Discipline / Joseph Ghosn

8/
Andy Warhol / Cronenberg, underground filmaking

9/
Robert Desnos / description of a dream

10/
Delia Derbyshire / Dreams, colour

11/
Discipline / Joseph Ghosn

12/
Delia Derbyshire / Dreams, falling

13/
William Burroughs / Call me Burroughs

14/
Kevin Drumm / True warriors endure the idlness

15/
Angus McLise / Joyous

16/
Luc Ferrari / Hommage à Luc Ferrari

17/
Alan Licht + Bridget O’Riley

18/
Phil Niblock / Natalia work

19/
Bernard Parmegiani / L’oeil écoute

20/
Sun Ra /Berkeley lecture

21/
Eliane Radigue / Arthesis, Geelriandre

22/
Isidore Isou / Heureux les pacifiques

23/
Tim Hecker / Pluie, Montreal

24/
Allen Ginsberg / The human abstract

25/
Momus / Tender pervert, sanatorium

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Première écoute : jeudi  1er sept  à 12h et 19h puis jusqu’au 8 sept, mêmes horaires.

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Né à Beyrouth, diplômé de Sciences Po Paris et de l’ENS / EHESS, Joseph Ghosn est directeur éditorial des sites de Condé Nast en France : Vogue.fr, Gqmagazine.fr, Glamour.fr. Auparavant, il était reporter, puis rédacteur en chef adjoint des Inrockuptibles, pendant 8 ans (2000-2008). Il est aussi l’auteur d’une biographie de La Monte Young, d’une anthologie sur la BD intitulée Romans Graphiques, ainsi que co-auteur d’une biographie de Nino Ferrer, Du Noir au Sud.

Il a par ailleurs composé plusieurs disques et un DVD, intitulé Beyrouth (Tigersushi, 2007). Enfin, il a contribué à plusieurs magazines (The Wire, 3 Couleurs, Collection, Rebel, Vogue, GQ, Wad,…), quelques émissions de radio (Mondial Twist, Masse Critique) et il est co-fondateur de la revue de dessins Impossible avec Philippe Dupuy et Charles Berberian.

Son blog : josephghosn.com

Un voyage immobile sur les rives de l’Hudson

1. Christian Marclay (vidéo)

2. Elliott Sharp (vidéo)

3. Rhys Chatham (avec Glenn Branca, Nina Canal, Wharton Tiers – Guitar Trio (1977) (enregistrement Live, 5/79 NYC) – Tellus #1 (1983)

4. Fred Frith-Ikue Mori – John Zorn – Tellus #15: The Improvisors (1986)

5. Zeena Parkins (vidéo)

6. Bill Frisell – Jim Staley – Tellus #15: The Improvisors (1986)

7. DJ Spooky aka Paul D. Miller – PROGRAM 12 – Radio Radio

8. Mark Feldman (vidéo)

9. Michael Gordon

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Première écoute : jeudi 31 mars à 12h et 23h, jusqu’au 7 avril mêmes horaires

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ELEMENTS

Bruno Letort est un compositeur français, né en 1963 à Vichy.

Guitariste chevronné, orchestrateur, il publie au début des années 80 une série d’albums à la frontière du jazz et du rock. De Manu Katché à Noël Akchoté, en passant par Richard Galliano, Claude Barthélémy, André Ceccarelli, Jean-Paul Céléa, Didier Malherbe, Wally Badarou ou Jean-Claude Petit, il multipliera les collaborations avec des musiciens venus de la scène jazz et improvisée.

Son catalogue recèle de musiques plus « écrites » : pour orchestre (Pièces pour les pays baltes, 1992 ; puis « Le Continent obscur », commande de l’Orchestre Philharmonique de Radio France, 1998-99) hommage au cycle des cités obscures, pour quatuor à cordes ( »Escales » en 1992, la musique du spectacle L’Affaire Desombres en 2001) et même un premier opéra interactif, « François Villon l’opéra », en 1994).

Mais son inspiration est large comme en témoigne « Fables électroniques » (2001) mêlant sons électroniques ou concrets à ceux de l’orchestre symphonique. En 2004, Bruno Letort enregistre un nouvel opus discographique baptisé « E(a)st », fruit de ses nombreux voyages dans les pays de l’Est européen. C’est cette même année, qu’il devient « compositeur en résidence » de l’Orchestre National de Biélorussie.

La démarche de Bruno Letort a toujours visé à la pluridisciplinarité . En témoigne le nombre d’oeuvres qu’il a composé pour la danse, le théâtre, le cinéma, la danse (avec les chorégraphes Marie-Jo Fagianelli en 1997 et Juliette Vitte en 2004-2006 pour « La Femme Penchée », « Le Passeur » et « Portraits »), la vidéo, la scénographie. Très lié à Benoît Peeters et François Schuiten (Figures emblématiques de la bande dessinée belge) il a réalisé avec ces derniers L’Affaire Désombres, spectacle multimédia, créé dans le cadre du Festival 38e Rugissants à Grenoble en 1999.

En 2000 il fonde pour Radio France le label Signature sur lequel enregistreront des artistes aussi divers que Pierre Henry,Lee Ranaldo, Fred Frith, Bumcello, Hector Zazou, Elliott Sharp, Franck Vigroux, Noël Akchoté, Jean-Luc Godard, Luc Ferrari, Christian Fennesz, Mika Vainio, Christian Zanési, Dominique Grimaldi, Renaud Pion, Henry Fourès, Beñat Achiary…

En 2005, il signe la partition, pour orchestre symphonique et électronique (avec Jean-Michel Hervé et Röm), du film muet de 1912 : « 20000 leagues under the sea » de Stuart Patton, qui sera créé à l’opéra de Minsk.

Sa collaboration avec François Schuiten l’emmène au Japon en 2005, où il signe la musique du pavillon de Belgique lors de l’exposition universelle d’Aïchi, puis à Bruxelles pour l’exposition consacré au Transsibérien lors du festival Europalia en 2006. Cette même année il compose « poussière de voyages » pour le duo Arnaud Thorette-Johan Farjot, enregistré sur le label Accord-Universal et le « Requiem pour Tchernobyl », commande du ministère français des affaires étrangères pour commémorer les 20 ans de la catastrophe de Tchernobyl. Cette œuvre sera créée en juin 2006 à Minsk (Biélorussie) par le chœur et l’orchestre national de Biélorussie, sous la direction d’Andrei Galanov.

L’année suivante il crée avec l’ensemble Musiques Nouvelles sous la direction de Jean-Paul Dessy « Lignes » d’après le roman éponyme de Ryû Murakami, œuvre qui sera créée aux Nuits Botanique à Bruxelles en collaboration avec Denis Deprez (dessins) et Yuki Kawamura (vidéo). En 2008, il compose la musique pour le film de Benoît Peeters retraçant les 35 ans du festival de la Bande Dessinée d’Angoulême.

Il réalise pour Bruno Coulais, en octobre 2008, la direction artistique de la musique originale de « Coraline » film d’Henry Selick, enregistrée à Budapest et à Paris, puis de « Au fond des bois » de Benoît Jacquot en octobre 2009. C’est à l’automne 2008, qu’il commence l’écriture d’une comédie musicale sur un livret de Boris Bergman : « Sakurajima, le cabaret du bout du monde ».

En mai 2009, il collabore à la version scénique de « Souvenirs de l’éternel présent » avec François Schuiten et Benoît Peeters, puis compose à six mains (avec Dominique Grimaldi et Frédéric Sicart) une suite pour bruiteur, basse, batterie, électroniques et orchestre en hommage à « Buffet froid » de Bertrand Blier.

Parallèlement à son activité de compositeur, Bruno Letort est producteur sur France Musique, chaîne sur laquelle il a créé en 1995, « Tapage Nocturne », une émission consacrée aux musiques inventives (électroacoustique, ars-acustica, musique minimaliste, rock expérimental…). En août 2009, il écrit « La presque véritable épopée de l’étherophone », un feuilleton radiophonique qui conte l’histoire romancée de Léon Theremin, ancêtre de la synthèse sonore, puis en 2010 « La ville murée », science-fiction radiophonique avec Jacques Roehrich et Johan Farjot au piano dont il écrit également la musique originale.

+ sur wikipedia

Lecture on Nothing

I have been thinking about different approaches, and would like to propose playing a single sound work of my own, which is to be released on CD. It is a reading of John Cage’s Lecture on Nothing from 1950 by a deaf man. The recording is 55 minutes long. I would be interested to present this single work and to allow it to stand alone, for a listener.
B.LaBelle

1/
Lecture on Nothing - pièce sonore inédite

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Première écoute : jeudi 24 mars février à 12h et 23h, jusqu’au 31 mars mêmes horaires

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ELEMENTS

Brandon LaBelle est artiste et écrivain. Son travail s’intéresse à la relation entre public et privé et aux grands récits culturels et sociaux, à travers des installations, performances, pièces sonores et des textes théoriques. Brandon LaBelle est notamment l’auteur de  Acoustic Territories: Sound Culture and Everyday Life (Continuum, 2010), et  il est le fondateur et responsable des éditions  Errant Bodies.  Son œuvre est présentée dans le monde entier  :  Sonic Acts, Amsterdam (2010), A/V Festival, Newcastle (2010), MuseumsQuartier/ Tonspur, Vienne (2009), 7ème Bienale de Mercosul, Porto Allegro, Brésil (2009), Center for Cultural Decontamination, Belgrade (2009), Casa Vecina, Mexico City (2008), Fear of the Known festival, Cape Town (2008), Netherlands Media Art Institute, Amsterdam (2003, 2007), Ybakatu Gallery, Curiti ba, Brésil (2003, 2006, 2009), Singuhr Gallery, Berlin (2004), and ICC, Tokyo (2000). Ses prototypes issus du projet pour le recensement et la diffusion des sons fugitifs ( Prototypes for the Mobilization and Broadcast of Fugitive Sound) ont été exposés à la galerie  Enrico Fornello, Prato (2007). Il a produit de nombreuses pièces audio et émissions radiophoniques et il est régulièrement invité comme conférencier dans le champ des pratiques sociales, performatives et sonores. Il collabore au projet e+1. Il vit à Berlin.

Quelques articles en français sur le travail de Brandon LaBelle :
« Autres Acoustiques », in Zones urbaines partagees, Synesthesie, France
« Corps et oralité à l’époque des nouveaux médias », in Poétique(s) du numérique, eds. Sophie Gosselin and Frank Cormerais, Collection L’électron musagète, France

This is not radio (pièce sonore inédite)

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This is not radio – Knut Aufermann

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Première écoute : jeudi 17 mars à 12h et 23h, jusqu’au 24 mars mêmes horaires

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ENTRETIEN

Knut Aufermann, Dominique Balaÿ mars 2011 (traduit de l’anglais, see original version in english)

DB : Lors des échanges que nous avons eu pour préparer cet entretien, tu parles de la radio comme « média éphémère », peux tu préciser ?

KA: Il y a plusieurs traits qui distinguent une bonne radio selon moi.
Le premier est le direct. Le direct en radio est passionnant pour les producteurs comme pour les auditeurs. Tout doit marcher en une seule écoute. Le play on demand, le podcast et les archives devraient être réservés au champ de la recherche scolaire ou universitaire. La musique et l’art sonore devraient être diffusés avec des moyens qui leur sont propres. : ils sont différent de la radio et doivent se déployer en utilisant les « véhicules » appropriés (comme le CD, le téléchargement MP3, l’installation etc.). La génération ipod a oublié l’intérêt d’une émission à moitié ratée. La notion d’accident et la possibilité de trébucher sur un fragment de radio qui s’incrustera à jamais dans votre mémoire est complétement perdue.
Un autre trait distinctif est la touche humaine. En radio, cela peut recouvrir bien des aspects, comme l’humour, la voix humaine, l’art radiophonique ou encore les dérapages techniques. De tels événements font bien sentir que la diffusion n’est pas qu’une question d’algorithme et cela crée un lien fort entre celui qui produit et celui qui écoute.
Un troisième trait est la notion de localisation, en rapport avec la diffusion des radios analogiques. Les émissions de radios analogiques se définissent géographiquement selon leur rayon de transmission, qui peut aller de quelques mètres (ondes fm) à des milliers de kilomètres (ondes courtes). Les flux internet sont complétement délocalisés. Écouter en Allemagne le flux d’une radio qui fonctionne sur internet ou qui émet sur la fm, ce n’est pas du tout la même chose pour moi. Je peux sentir sentir la ville uniquement dans le cas de la transmission fm quand je me branche (ou quand je diffuse). La réception analogique présente également d’autres avantages, comme la non-traçabilité (personne ne peut savoir si j’écoute tel ou tel programme), une consommation d’énergie très basse (un jeu de piles permet à un transistor de fonctionner pendant des mois) et également la possibilité de trouver de nouvelles stations au hasard. Cette liste n’est pas exhaustive !

DB : Considères tu la radio toujours comme un média de masse ?

KA: Je ne suis pas certain de bien comprendre la question. Plus je produis de la radio, plus je pense qu’il n’y a pas de coupure dogmatique entre écouter et faire de la radio. Dans un espace radiophonique idéal, la frontière entre les deux devrait être totalement perméable, et permettre de mener des explorations dans les deux directions facilement. J’ai pu faire l’expérience de cette mobilité à travers la scéne expérimentale à Londres, les auditeurs devenant souvent des musiciens et vice versa. Je pense que Resonance FM, qui a ses racines dans cette scène là, est un très bon exemple de l’absence de frontière entre celui qui écoute (radio listener) et celui qui produit (radio maker).

DB : Qu’appelle t-on radio aujourd’hui ?

KA: Malheureusement il y a tellement de choses qui s’intitulent radio et qui ont si peu ou même rien à voir avec la radio. Je suis toujours très amusé par la pléthore de sites internet qui utilisent l’extension en .fm et qui prétendent avoir quelque chose de commun avec la radio.

DB Comme de nombreux observateurs et commentateurs, juges tu utile et suffisant le concept de « post-radio » pour décrire les multiples pratiques radiophoniques ? Penses tu que ces pratiques ont des points communs, lesquels ?

KA: Je suis désolé, mais je ne saisis pas ce concept de post-radio ?

DB Je précise : aujourd’hui la radio se tient à un carrefour de son évolution et ma question est de savoir si selon toi ce media a un avenir en tant que tel ou s’il va converger et s’assimiler aux autres formes multimedia et audio visuelles ?

KA: : Je comprends mieux de quoi il retourne à propos de « post radio ». Je suis entièrement d’accord avec le fait que la radio est à un tournant. Si tu considères ce moment du point de vue des contenus, au dela des questions technologiques, je pense que la radio est en train d’évoluer de deux manières différentes, avec deux grands profils qui se dégagent. Le premier profil de radio est intéressant avec un contenu exaltant et libre, activé par des gens enthousiastes dans les marges du numérique et qui trouveront à s’inscrire bientôt dans l’analogique. L’autre profil de radio est ennuyeux au possible, dissous dans un océan multimédia contrôlé par des fournisseurs de contenus dont le modèle économique, consistant en un profilage extrême, est directement issu de l’internet comme nous le connaissons : des consommateurs prisonniers dans une bulle doucereuse et apolitique . Je renvoie à ce propos aux débats actuels sur la « neutralité » du net.

DB : En quel sens un projet comme websynradio peut croiser ta propre recherche et ta pratique ?

KA: Sur le plan théorique, cela me force à préciser des notions parfois trop floues !

DB : Peux tu nous en dire plus sur la construction du réseau Radia ? Quelles sont tes motivations et tes objectifs ?

KA: Le réseau Radia a été fondé en 2005 par une douzaine de personnes. Depuis nous avons produit près de 300 émissions , contribué à de nombreux festivals, et notre réseau s’est agrandi pour atteindre une vingtaine de membres et de stations tout autour de la planète. Son motif principal est de permettre l’émergence de  » Manières nouvelles et oubliées de faire de la radio« , qui reflète l’idée qu’il y a beaucoup de territoires inconnus et abandonnés dans la radio qui ont besoin d’explorations et d’initiatives. Le réseau Radia se caractérise d’abord par une commune curiosité pour tenter de comprendre comment les autres se situent par rapport à l’art radiophonique. Toutes les informations sont disponibles ici : http://en.wikipedia.org/wiki/Radia

DB : Es tu intéressé par le radio art dans le contexte du multi-support et des technologies mobiles ?

KA: Je suis désolé, je ne maitrise pas bien les tenants et les aboutissants. Mais ma réponse de tout à l’heure est je pense assez valable par rapport à ce contexte .

DB : Y a t-il réellement une place pour l’expérimentation à la radio ?

KA: Bien sur. Le fait que tu poses cette question montre qu’il y a aussi sans doute un besoin de sensibiliser le public dans ce domaine , et de continuer à proposer au public un art de l’écoute, par la radio, lié de façon indissoluble à un art de faire de la radio .

DB: Quelle est ta position au sujet du copyright et de la propriété intellectuelle ?

KA : Je diffuse mon travail autant que possible sous licence Creative commons. Je ne comprends pas du tout l’idée de propriété intellectuelle sur le plan juridique et je suis très perturbé par les propositions et les développement en cours visant à augmenter l’arsenal juridique (ACTA etc.*).

DB : As tu un modèle économique pour lancer et pérenniser tes différent projets de radio ?

KA: Non. Si l’idée est suffisamment forte, alors je le fais. Et si d’autres personnes pensent aussi que c’est fort, alors je suis payé pour le faire

*Anti-Counterfeiting Trade Agreement

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ELEMENTS

Knut Aufermann, né 1972 à Hagen (Allemagne), a fait des études de chimie puis d’ingénieur du son et d’arts sonores (MA Middlesex University). De 2002 à 2005, il a été le directeur d’antenne de Resonance104.4fm à Londres. Il est maintenant actif dans toute l’europe comme musicien, artiste radio, organisateur et curateur, consultant et conférencier. Knut Aufermann développe une pratique de musique électronique improvisée utilisant différents systèmes audio.  En collaboration avec Sarah Washington, il mène le projet  Mobile Radio qui explore différents  contextes de production radio : ce travail a reçu un large écho et a été diffusé dans 12 pays et 28 stations. Il est l’un des  fondateurs du réseau de radio indépendantes Radia.
http://knut.klingt.org/
http://mobile-radio.net

Playlist

J’ai voulu pour cette playlist mettre en parallèle la très belle pièce radiophonique de Delia Derbyshire, « Dreams » (1964), et le travail sonore que je mène avec Eric Pajot sous le nom de RadioMentale. Au sein de ce duo d’artistes et de DJ, nous nous sentons très proches de cette esthétique radiophonique, et nous avons été particulièrement marqués par le pouvoir de la voix humaine ainsi que par les figures du rêve et de l’hypnose.
L’ensemble se termine par un hommage à Luc Ferrari qui a su parfaitement intégrer la voix à ses pièces radiophoniques ou électroacoustiques, atteindre un certain humanisme, et dépasser ainsi le formalisme parfois vain des avant-gardes. J-Y.L

1/
Delia Derbyshire (b. 1937) – Dreams (1964) Running

2/
RadioMentale – I Am Walking (2010) 4:32

3/
Delia Derbyshire – Dreams (1964) Falling

4/
RadioMentale – Listening to People Watching 11:52

5/
Delia Derbyshire – Dreams – Land

6/
RadioMentale – Radiomarché (2010) 3:20

7/
Delia Derbyshire – Dreams -  Sea

8/
RadioMentale – Cool Noises (2007)5:05

9/
Delia Derbyshire – Dreams -  Colour

10/
RadioMentale – Una Dolce Notte (2005) 17:00

11/
Luc Ferrari (1929-2005) – Le Carnet Nomade

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Première écoute : jeudi 10 mars février à 12h et 23h, jusqu’au 17 mars mêmes horaires

Ecouter la playliste de Jean-Yves Leloup sur votre lecteur

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ELEMENTS

Artiste sonore avec Radiomentale, DJ, journaliste, critique et parfois commissaire d’expositions, Jean-Yves Leloup a débuté sa carrière au début des années 90, en menant une carrière parallèle sur la scène électronique, ainsi que dans l’univers de l’art vidéo. Il est depuis l’auteur de deux ouvrages, Global Techno (Camion Blanc, 1999, Scali, 2008) et du récent essai Digital Magma, de l’utopie des raves parties à la génération ipod (Scali, 2007, Sternberg Press, 2010). Il a notamment dirigé le projet Audiolab, à la croisée de l’art sonore et du design. Et il enseigne enfin la notion de « mise en scène sonore » à Paris, au sein de l’ISTS (Institut Supérieur des Techniques du Son) et le journalisme musical à l’Université de la Sorbonne Nouvelle.

http://radiomentale.wordpress.com/

A l’heure de Moscou

1/
Moscow Time, diner-performance, La Criée, Rennes, 21 Janvier 2011
Textes de Claire Staebler et Lisa Vapne
Comédiens : Karine Mazel et Pascal Duclermortier
Production La Criée, Rennes

Pendant ce diner-performance, le repas composé d’après les meilleures traditions de festivités soviétiques est servi.
La composition du repas est basée sur les recettes du « Le livre de l’alimentation délicieuse et saine », édité en 1952 et préfacé par Staline. Ce livre symbolise une étape importante pour la création d’une identité soviétique (et plus largement – une identité Est européenne) multinationale. Le nouvel empire communiste cherchait à exprimer par la cuisine l’amitié du peuple soviétique, car le livre était explicitement dédié à la cuisine des 15 républiques. « Le livre de l’alimentation délicieuse » et saine aspirait donc à refléter l’ambition totale de l’idéologie communiste (une salade appelée «l’amitié du peuple» était, depuis lors, au menu de nombreux restaurants soviétiques).
Tout au long du repas, les convives découvriront grâce aux textes joués par les « tamadas », les spécificités et la symbolique particulière de cette première cuisine « globalisée ».

A l’heure de Moscou

Une performance d’Olga Kisseleva, dans le cadre du projet En Quête d’Identité
texte de Elena Sorokina

…La révolution a donné au peuple non seulement la liberté, mais aussi des biens matériels et la possibilité d’une vie aisée et cultivée.
J.V. Staline, Le livre de l’alimentation délicieuse et saine, 1952

Contrairement aux pays occidentaux et à l’art contemporain occidental, qui ont développé de nombreuses façons de définir et de discuter de l’identité, la définition soviétique de l’identité avait des limites claires : elle était collective, internationaliste et fondé sur la notion de classe – paysanne, ouvrière ou de l’intelligentsia. Ce n’est pas tant qu’une telle identité existait, elle devait être forgée via la propagande, les media, les institutions dédiées à l’éducation et l’art réaliste socialiste, dont la tâche principale n’était ni de plaire aux masses ni de développer les goûts de l’individu singulier mais de promouvoir un nouveau genre humain avec une nouvelle identité encore à venir.

En 1936, une nouvelle étape pour la création d’une identité soviétique multinationale fut franchie : Staline chargea Anastas Mikoyan, son commissaire à l’industrie agro-alimentaire, d’écrire un livre de cuisine. Puisque aucun marché n’existait dans les territoires soviétiques, le livre ne cherchait ni à augmenter la consommation du peuple soviétique, ni à insuffler une aura mythologique à certaines nourritures ou restaurants, ou à développer de nouvelles recettes créatives. Le nouvel empire communiste cherchait à exprimer par la cuisine l’amitié du peuple soviétique, car le livre était explicitement dédié à la cuisine des 15 républiques. Le livre de l’alimentation délicieuse et saine aspirait donc à refléter l’ambition totale de l’idéologie communiste (une salade appelée «l’amitié du peuple» était, depuis lors, au menu de nombreux restaurants soviétiques).

Certains spécialistes pensent que le livre fait référence à la structure du marxisme soviétique, qui est sciemment composé de trois parties principales : la philosophie allemande, l’économie politique anglaise et les théories socialistes utopiques françaises. La cuisine soviétique saine et délicieuse se composait également de trois parties : une première dédiée à la cuisine russe traditionnelle et une seconde aux plats des quinze Républiques. C’est la troisième partie qui posait un problème idéologique – elle n’était ni socialiste, ni populaire, il y était question de manière évidente mais pas clairement énoncée de la cuisine française.

Au départ, dans les années 1930, les soviétiques n’étaient pas favorables à la cuisine française ; elle était bien trop liée au passé tsariste, à l’exploitation de la classe ouvrière, et aux autres maux du capitalisme. Elle représentait tout ce qui était en contradiction avec l’identité soviétique qu’il restait encore à construire. De nombreux écrits sur ce sujet, rédigés par les directeurs de différents instituts technologiques pour l’industrie agro-alimentaire, appelaient à la mise à mort de la cuisine française et proclamaient de nouveaux modes de cuisine libérateurs. L’objectif était clair : libérer la femme aux fourneaux de cet esclavage au sein de la famille, collectiviser les repas et ainsi travailler à une identité collective pour tout le peuple soviétique. La nourriture faisait partie du processus de production et c’est ainsi que l’on devait l’aborder : de manière rationnelle, pragmatique et simple.

Cependant, à côté du plus célèbre des plats, la salade Olivier, qui a survécu à des générations de tsars et de dirigeants du partie communiste, d’autres plats soviétiques célèbres ont gardé, bien que socialistes dans la forme et dans le contenu populaire, une histoire française. Par exemple, les côtelettes à la Kiev sont connues en Russie sous le nom de côtelettes à la volaille depuis le 18ème siècle. Bien plus spectaculaires sont les métamorphoses de la célèbre salade Olivier. A l’origine, elle était composée de gélinotte, de langue de veau, de caviar, de laitue, de queues de langouste et de câpres. On relate également d’autres ingrédients comme les truffes, les dés de gelée et le canard fumé. Quoi qu’il en soit, le plat ne contenait pas de pommes de terre ; qui est aujourd’hui l’ingrédient principal de la version actuelle de cette salade. Il devait y avoir un ou plusieurs saladiers en cristal rempli de salade Olivier à la mode soviétique lors de toute célébration officielle ou populaire. Analysons les ingrédients : des changements notoires ont été opérés. Au lieu du canard fumé, que préconisait M. Lucien Olivier à l’origine, du poulet faisait l’affaire, des carottes cuites remplaçaient les queues de langouste, ce qui permettait, simultanément, de démocratiser le plat et de préserver certaines de ses couleurs originelles. Les truffes, le caviar et les câpres disparaissaient du même coup. C’est ainsi qu’est né le plat le plus célèbre de la gastronomie soviétique : il n’avait presque plus rien en commun avec la décadence bourgeoise, mais présentait toujours fièrement son nom français.

La présentation de la salade Olivier et d’autres plats français à la soviétique par Olga Kisseleva dans le contexte de cette exposition a plusieurs objectifs. La nourriture n’est pas un sujet nouveau dans l’art : c’est un thème fréquemment utilisé par les artistes que ce soit en peinture, en photographie ou dans le cadre d’actions et de performances. Le travail d’Olga Kisseleva va au-delà de l’esthétique relationnelle (je pense à des projets connus comme ceux de Rikrit Tiravanija). Il se différencie également de La Sémiotique de la Cuisine de Martha Rosler. Son approche s’appuie sur le contexte et la recherche ; le choix des plats est l’élément crucial. Tous ceux qui ont été sélectionnés représentaient des exemples célèbres des plats les plus populaires dans les anciens territoires soviétiques, qui, malgré la volonté idéologique forte du gouvernement et d’une série de métamorphoses complexes, ont gardé, même de loin, leur caractère français. Olga Kisseleva ne veut pas seulement que le spectateur français goûte une utopie élargie, elle recrée aussi une sorte d’idylle culinaire et artistique dans lesquels les plats deviennent des symboles historiques et idéologiques. En effet, la stratégie de coexistence sereine de tous les ingrédients et l’inclusion rigoureuse peuvent être détectées dans la plupart des plats soviétiques à succès. Toutes les salades s’appuient sur le principe d’un mélange non discriminatoire dans lequel tous les ingrédients sont égaux et liés les uns aux autres par de la mayonnaise utilisée comme un instrument de réconciliation idéologique.

Elena Sorokina

Aliments politiques

Les natures mortes contemporaines d’Olga Kisseleva à La Criée de Rennes, texte de Alexandra Fau (publié in revue Mouvement)

Olga Kisseleva expose une série de photographies de natures mortes contemporaines qui puisent tant dans l’histoire de l’art et les natures mortes du Nord de l’Europe du XVIIe siècle que dans des recherches en sémiotique, sociologie et culture contemporaine. Une pluridisciplinarité qui donne une grande force aux oeuvres présentées à La Criée de Renne jusqu’au 27 février 2011.

Olga Kisseleva expose une série de photographies de natures mortes contemporaines qui puisent tant dans l’histoire de l’art et les natures mortes du Nord de l’Europe du XVIIe siècle que dans des recherches en sémiotique, sociologie et culture contemporaine. Une pluridisciplinarité qui donne une grande force aux œuvres présentées à La Criée de Rennes.

L’exposition Divers faits, visible jusqu’au 27 février à la Criée de Rennes, présente un ensemble de photographies représentant des natures mortes contemporaines accompagnées d’histoires savoureuses inspirées de la vie de l’artiste Olga Kisseleva. S’ils ne laissaient pas transparaître autant d’émotions, ces récits pourraient passer pour de simples affabulations sur le destin d’une jeune artiste russe venue émigrer en France à la fin des années 1990. La succession de petits riens, de rencontres singulières forme la trame de ces textes que l’écrivain Helena Villovich a adapté à un lexique spécifique constitué de mots-clés renvoyant à des éléments ou des objets prédéfinis. Reprenant à son compte le fameux langage d’Esope – en référence à cet esclave de la Grèce antique qui utilisait un vocabulaire à double sens pour critiquer la société impunément –, l’artiste élabore ainsi un double langage à la fois réaliste et subliminal. L’image relate à elle seule une histoire tandis que le texte contient un autre message impossible à décrypter sans le recours au dictionnaire contemporain de la symbolique de la nourriture élaboré par l’artiste avec l’aide de sémiologues. Aussi l’artiste conjugue-t-elle dans cette série le réalisme au virtuel en apportant cette dimension hypertextuelle. En 2006, Olga Kisseleva convoquait déjà le genre mineur de la « nature morte » qu’elle transposait au quotidien dans le film intitulé Le Monde sur un plateau. Des pitances de fast-food remplaçaient les mets les plus raffinés (huîtres, citrons, noix, oranges…) de la peinture hollandaise du XVIIe siècle. Face à l’oubli de la dimension symbolique de chacun des détails iconographiques, l’artiste tente à nouveau de réactualiser cette peinture extrêmement codifiée en se référant cette fois à son histoire personnelle. Dans ce travail, Olga Kisseleva rappelle que la pensée symbolique est consubstantielle à l’être humain. Le fond noir des cinquante photographies accentue le rendu hyperréaliste des aliments dont la plasticité s’apparente à celle des bodegones espagnoles de Juan Sánchez Cotàn (1561-1627).
Pour autant, l’artificialité de la mise en scène les isole du reste du monde. Une fois de plus, l’artiste part de son expérience personnelle pour toucher l’universel. Elle revalorise la diversité comme affirmation de l’identité, comme pour le projet How are you ? (1998-2001), réalisé à partir d’une question simple servant d’amorce à toutes formes d’échanges en Occident mais qui déroute Olga Kisseleva, qui, en bonne russe, apporte une réponse pleine et entière. Pour le vernissage de l’exposition, l’artiste nous convie à un immense dîner-performance intitulé A l’heure de Moscou filmé dans l’enceinte de La Criée, mêlant jeux d’acteurs (Karine Mazel et Pascal Duclermontier) – dont l’identité slave est toute relative, tout comme celle de l’écrivain Helena Villovich dont la blondeur et le nom ne sont que des leurres pour cacher son origine berrichone – et improvisations du cuisinier local amené à transcrire les recettes russes pour ce festin digne des banquets de l’époque des Tsars. Après un premier toast porté à la fraternité et aux échanges créatifs entre les deux peuples, le « bien manger » prend une portée philosophique, voire politique. Tiré de l’ouvrage compilant des plats issus du Livre de l’alimentation délicieuse et saine préfacé par Staline en 1938, la performance reflète la manipulation des masses que l’artiste reprend ici à son compte avec ses convives. A travers cette action politique autant qu’artistique, l’artiste pointe du doigt la part idéologique des éléments les plus anodins et la méconnaissance des cultures et des peuples dans notre monde globalisé. Le Boeuf-Stroganoff en est un bel exemple. Ce mets inspiré de la tradition française passe pour un plat traditionnel russe, si tant est qu’il en ait l’apparence, la consonance ou la saveur. Comme dans le film de Maja Bajevic The Post-Supper (2003) tourné en Chine, un pays où tout lui semblait différent à l’exception du communisme, en pleine transformation, Olga Kisseleva évoque ce qui reste de l’ancien régime soviétique : un peuple anéanti, désemparé, oublieux des convictions et des idéologies qui avaient forgé son identité.

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Première écoute : jeudi 3 mars février à 12h et 23h, jusqu’au 10 mars mêmes horaires

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Olga Kisseleva, artiste russe (née à Saint-Pétersbourg en 1965) est l’un des pionniers de l’art numérique.
Ses œuvres traitent du mélange des cultures, de la mixité des langages, des nouvelles technologies, de la mouvance des rapports sociaux. Dès le début des années 1990 Olga Kisseleva intègre, sur invitation de la Fulbright Foundation, une équipe de créateurs qui travaillent sur le développement des technologies numériques aux États-Unis. Elle séjourne notamment à Columbia University de New York et à l’Université de Californie, où elle participe à l’aventure des premières start-up de la Silicon Valley. En conclusion de ce travail universitaire, elle soutient en 1996 sa thèse de doctorat sur les nouvelles formes
d’hybridation, rejoint l’Institut des Hautes Etudes en Arts Plastiques à Paris, et ensuite l’Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne. Elle est fondatrice du Laboratoire Art&Science, qui joue un rôle pionnier dans le domaine de la création contemporaine de recherche, et de réflexion sur les formes de création émergentes.
Le travail d’Olga Kisseleva fait partie de nombreuses collections, notamment : Centre National d’Art Contemporain (Moscou, Russie), Musée Russe (Saint-Pétersbourg, Russie), CNEAI (Chatou, France), Fonds Municipal d’Art Contemporain de la Ville de Marseille, Fonds Municipal d’Art Contemporain de la Ville de Paris, FRAC Aquitaine, FRAC Languedoc-Roussillon, MOMA de New York, Musée d’Art Contemporain de Moscou, Russie, Musée d’art contemporain Pecci (Prato, Italie) et Fine Art Foundation (New York, USA).

ACTUALITÉS :
Arctic Conquistadors, exposition personnelle, Kirkenes, Norvège, 2 février – 6 mars
Double vie, exposition personnelle, Gabarron Contemporary Art Museum, Valladolid, Espagne, 14 février – 25 avril
Brave New World, Focus Russia, exposition personnelle, Madrid, Espagne, 16 février – 15 avril

et à venir:
Moscow Time, La Casa Encendida, Madrid, Espagne, Oct-Nov 2011

http://www.kisseleva.org

Playlist pour WebSynRadio

J’ai voulu cette playlist comme un programme de radio, avec ses temps de paroles, d’entretiens, de musiques de jingles et même d’un DJ mix… enfin, presque. J-P.R

1/
Interview with a Cat – 4:59 – Marcel Broodthaers

2/
Two wrestling cats – 3:54 – Jack Goldstein A suite of nine 7-inch Records with sound effects (1976)

3/
J’ai peur que le fisc tire un fil – 6:33 – Patrice De Maistre / Liliane Bettencourt – Mediapart, affaire Bettencourt tapes.

4/
Jamie’s Chickens – 0:24 – Jean-Philippe Renoult for Sonic Advent Calendar

5/
24 – Anne Laplantine – 0:13 – 24 heures de ma vie d’artiste en 5 minutes

6/
Sunderland live radio impro – 29:59 – DinahBird, Zoe Irvine & Jopo Stereo AV 08 2008

7/
Numbers 1 – 4:40 – Public Works Numbers. 2001

8/
Vito goes to the Dentist – 4:58 – DinahBird & Vito Acconci. 2005

9/
Les maitre du mystere GENERIQUE – 1:15 -André Popp

10/
Indicatif Roissy – 0:07 – Bernard Parmegiani

11/
IIIocked (for Locked_OUT project) – 6:06 – Mick O’Shea

12/
Shibucho – 18:58 – Carl Stone live in ther 80s

13/
pop-pop sonal – 1:36 – RADIO POPSONICS RADIO

14/
carillon Berlin Wedding Bells – 4:31 – Bird & Renoult POPSONICS RADIO

15/
Discrete Machine – 6:19 – Jan Jelinek

16/
Moondog Monologue – 8:27 – Moondog

17/
Music for the Gift (part 5) – 6:04 – Terry Riley

18/
Collage #1 (Blue Suede) – 3:27 – James Tenney. 1960

19/
Twist & shout n the swamp – 2:24 – Tykkylainen

20/
Girl – 4:06 – Suicide

21/
Rumeurs DanuBN (for Locked_OUT project) – 1:50 – eRikm

22/
Les slow de l’été (going with the slow) – 25:39 – Jean-Philippe Renoult live @ Placard 2008 feat :
Derby Tape Club – « Jingle »
Madonna – « Evita »
Terry Riley – « Bird Of Paradise »
Tod Dockstader – « Raga/Pipes »
Nico – « Le Petit Chevalier »
The Beatles – « Because »
Patty Waters – « Why Can’t I Come To You »
Carla Bruni – Pot Pourri
Abroad Cast / Av Festival 08 – « Jingle »
Amy Winehouse – « Stronger Than Me »
Young Marble Giants – « N.I.T.A. »
Britney Spears – « Gimme More »
Robert Ashley – « Purpose Lady Slow Afternoon »
Madonna – « Music »
Queen – « We Will Rock You »
Todd Terry – « Quiero Saber »
Alicia Keys – « Girlfriend »

23/
goodnight Germany – 0:20 – DinahBird

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Première écoute : jeudi 17 février à 12h et 23h, jusqu’au 24 février mêmes horaires

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Jean-Philippe Renoult (né en 1963)  est artiste, producteur radio (France culture…), journaliste (anciennement rédacteur en chef de Coda, auteur de « global techno »), enseignant (sur les pratiques radiophoniques à la Sorbonne) et DJ basé à Paris.

Présent dans nombre de manifestations d’art sonore européenne, Jean-Philippe Renoult a été primé lors des Qwartz electronic Awards 2008 pour la pièce sonore « I could Never Make That Music Again » éditée sur le label Subrosa. Parmi ses travaux récents, « Pourtant Tout Simple », pièce électro-acoustique commandée par le GRM (Groupe de Recherches Musicales) pour le 10ème anniversaire de la mort de  Pierre Schaeffer, ou « Out of Breath » d’après l’affaire Bettencourt, « une œuvre sonore en forme de claque à la bêtise » (Mediapart). Il a également  organisé et présenté le cycle de conférences « Voir et Entendre » au  Centre Pompidou,  et conçu  « Sound Drop », une série de parcours audio en Europe. Il est le fondateur des radios en ligne et de créations éphémères Popsonics et Radio 1001.

+ www.jeanphilipperenoult.com

Playlist webSYNradio
1/
Tangerine dream – Rubycon (thème Rubycon part1)
2/
Pierre Henry – Messe pour le temps présent (prologue)
3/
Pierre Henry – Messe pour le temps présent (psyché rock)
4/
Jon Hassell & Brian Eno – Fourth music (Delta rain dream)
5/
Massive Attack – Safe From Harm
6/
Murcof – Mir – Martes
7/
Steve Reich – city life – Proverb
8/
Freewheel – Stade
9/
Siegfried – vertigo bound – fluid
10/
Kpt’n planet – Ina Dub

EriK Truffaz – photo G.Biéler

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Première écoute : jeudi 10 février à 12h, 15h, 19h, et 00h, jusqu’au 17 février mêmes horaires

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Erik Truffaz est Francais, né en 1960. Il a grandi dans le pays de Gex. Une région où Voltaire faisait son commerce d’idées…

Dès l’âge de 8 ans, il découvre le plaisir de la scène aux côtés de son père qui joue du saxophone. A 14 ans, il électrifie sa trompette et achète une pédale wha wha. Il passe des heures a répéter avec des amis dans une cave sombre et prometteuse.
Ensuite, Erik Truffaz découvre au travers du film de Bergman, Scènes de la vie conjugale, que la vie n’est pas aussi simple qu’il l’imaginait. En 1978, il adore particulièrement faire la vaisselle en écoutant Ornette Coleman. En 1987, il joue à Montreux avec le groupe brésilien Cruseiro do sul, en compagnie de Benoit Corboz et Hugo Fatoruso aux claviers puis il s’envole pour New York. Il obtient le prix du jury au concours de la Défense de la ville de Paris en 1993 puis il signe sous le label Blue note en 1996. Entre 1996 et 2008, 12 albums paraîtront sous ce fameux label dont 4 sont composés et réalisés avec le Truffaz Quartet (Marcello Giuliani, Patrick Muller, Marc Erbetta) The dawn, Bending new corners, The walk of the giant turtle, Arckhangelsk, avec successivement comme invités, le poète rapper Nya, les chanteurs Ed Harcourt et Christophe. Il crée le Ladyland quartet avec Michel Bénita, Manu Codjia, Philippe Garcia et le chanteur Mounir Troudi en 2001. Anouar Brahem, maître de l’espace sera invité à faire un duo pour l’enregistrement du 1er album du groupe, Mantis.
Dès 2003, Erik Truffaz a le privilège de jouer avec le Harald Hearter Band, aux côtés de Joe Lovano, Dewey Redman, Chris Potter, Mickaël Breacker qui déclare lors d’un entretien avec le journal allemand Jazzthing qu’il fait partie des 3 trompettistes avec qui il préfère jouer. Les 2 autres étant Roy Hargrove et Randy Breacker. La Cité de la musique de la ville de Paris lui passe une commande en 2004, pour composer une musique de film qui sera jouée de concert durant la projection. Il choisira un film d’Ozu, Les gosses de Tokyo, pour sa fraîcheur et sa contemporanéité. Ils joueront cette musique avec le Ladyland Quartet. En 2005, Erik Truffaz est invité par son maître Jon Hassell pour jouer dans le cadre du festival de Montréal. Il est sidéré par sa bonté, son sens de l’espace, la qualité de son son ! Le Ladyland quartet donnera une série de concerts a Paris avec comme invités Michel Portal et Julien Loureau. 2006 est une année studieuse. il compose une pièce pour l’orchestre national de Lille avec qui il jouera en tant que soliste. La 2ème partie de la soirée lui permettra de jouer successivement en duo avec Richard Galliano et Didier Lockwood.
Par ailleurs, Erick Truffaz s’escrime régulièrement aux côtés de Pierre Henry, père de la musique électroacoustique. Aux côtés du pianiste Malcolm Braff, d’Indrani et Apurba Mukherjee, il effectue une résidence en Inde qui aboutit à l’album Benarès. Avec lui et le poète Joël Bastard ils jouent aussi, Ecritures de concert. Il cotoie Murcof, orfèvre inlassable, et Talvin Singh se joint à eux pour dessiner une musique minimaliste et contrastée. 2008 est une année fertile puisque 3 albums sortent: Benares, enregistré à Calcutta, Paris en duo avec Sly Johnson et Mexico, résultat d’un ping pong sonore entre Murcof et lui-même.

+ http://www.eriktruffaz.com

EUROPE MAIS PAS SALOPE

Dans le cadre de l’exposition DHS (collectif composé d’artistes, de scénographes et de  danseurs/performers, 22 oct- 20 nov, From Point to Point, Nîmes), Philippe Pannetier a composé une playliste diffusée par la sculpture sonore Macrosillons. L’idée était de ramasser les 5 années du régime  Sarkozy (dont 2 encore à venir !) en quelques titres  bien frappés : entre les différentes versions de la déclaration des droits de l’homme, le boudin du légionnaire et quelques détours par la Hongrie, c’est comme une bande son de l’époque qui nous est délivrée. Finalement tout sauf une mascarade, mais à l’échelle européenne, après le passage dévastateur du conquérant, un espace à réensemencer, en présence du public svp !

Durée totale : 8h49′
Principaux titres :

01. Déclaration des droits de Homme 1793
02. Désobéissance civile / Henry David Thoreau
03. Le tambour miniature / chant militaire
04. Bibliomanie / Gustave Flaubert
05. La petite piste / Chant Militaire
09. Sur les menteurs / Montaigne
10. Les plaisirs sont doux / Chant Militaire
11. Déclaration des droits de la femme citoyenne / Olympe de Gouges
12. Les casos / Chant Militaire
16. Signature du Traité de Lisbonne
18. En bleuité adorable / Friedrich Holderlin
19. La Civilisation électronique / Pierre André Arcand
20. Islam et Politique / Dr Ahmad Lô, Charh Sahih Mouslim
22. Memo / Chanson Hongroise
24. La recherche de la fécalite / Antonin Artaud Roger Blin
25. YOU PAY / Diego Cortez
26. Flies ben / Ben Paterson
29. Déclaration des droits de l’homme 1789
30. Le mousquetaire / Chant Militaire
31. Réflexions pour les sots / Voltaire
32. Le tambour miniature / Chant Militaire
34. Qu’est ce qu’une nation / Ernest Renan
35. En passant par Paris / Chant Militaire
36. Mr Pivre / Alphonse Allais
37. Le boudin / Chant Militaire
38. Déclaration des droits de l’homme 1795
39. Le Mandarin miraculeux / Bela Bartok
40. Poàme sans titre / Raoul Hausmann
42. Les grèves / Chant Militaires
44. Que philosopher c’est apprendre à mourir / Montaigne
45. Window / Robert Whitman
46. Cette-Fois / Samuel Beckett
49. Drip Music / Ben Patterson

expo DHS + macrosillons – galerie from point to point, Nîmes

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Podcast à partir du jeudi 21 octobre :

Ecouter la playliste de Philippe Pannetier & Macrosillons sur votre lecteur

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ELEMENTS

Philippe Pannetier

http://www.frompointtopoint.com/

Macrosillons

http://www.macrosillons.fr/

L’AUTRE N’EST PAS TOUJOURS INVISIBLE … TROUVEZ LE … TROUVEZ MOI

1/ Attlal, 2min
Philippe Mallier
La bande-son de la vidéo Attlal, reprend les lamentations de la chanteuse et leur donne un sens nouveau, les plaintes originelles se transformant en des soupirs aux connotations quasi sexuelles.

2/ Paul D. Miller, A.K.A. DJ Spooky (« the mix » as culture and as metaphor)

3/ The American Gift, 1976
Vito Acconci

4/ Morning to noon
Jean-Claude Risset, Sud (1985)

5/ President Bush from Redoing Childhood
Kathy Acker

6/ Break Word
Suhair Hamad
http://www.youtube.com/watch?v=U-viSN3HvsI&feature=related

7/ Black and White # 1
The Black and White # 1 video’s soundtrack is a slowed-down music-box sounds and echoed by the rotating carousel-like movement of much of the footage, and the audible voices of the military personnel underscore dehumanizing elements of the blurrily abstracted scene of destruction from afar.

8/ Varp1(extrait)
Soundtrack de la vidéo Femme et mari par La Kuzine
«…le contraire de l’image est le noir. Le noir reviendrait à être l’absence d’image donc le vide. Mais, sans le vide l’image ne peut se révéler. Le vide est à l’origine du monde visible. Le vide n’est pas le vide. Le vide est plein, le noir est riche car en lui existe toutes les images à venir…»
Zoulikha Bouabdellah, Octobre/2004-10-12

9/ La Robe
The soundtrack of the video La Robe is made of woman ul-ulating, rejoicing using their tongues and voices, as they do in the Arab world and in Africa. It is a signal emblematic of their presence and their existence. Being the women’s means of undisputed expression, this distinctive sound translates the states of their souls in both happy and tragic circumstances.

10/ Atomium, mium, mium (extrait)
Soundtrack de la vidéo Vois-le par Karim love
« En choisissant de jouer avec le voile, elle transpose l’opposition qui existe entre une image intérieure et une image extérieure sur le plan symbolique. Nous assistons à un dévoilement symbolique qui apparait comme un geste de liberté ultime. A l’évidence, nous sommes invités à nous méfier des apparences.
Extrait: Simon Njami, catalogue « L’image révélée », Tunis, Tunisie, 2006

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Première écoute : jeudi 23 septembre à 12h, 15h, 19h, et 00h, jusqu’au 30 septembre mêmes horaires

Ecouter la playliste de Zoulikha Bouabdellah sur votre lecteur

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Plasticienne et vidéaste franco-algérienne, Zoulikha Bouabdellah est née à Moscou le 20 juin 1977. Elle grandit à Alger jusqu’à l’âge de 16 ans avant de venir en France en 1993, alors que la guerre civile éclate.
Diplômée de l’École nationale supérieure d’arts de Cergy-Paris en 2002, Zoulikha Bouabdellah concentre son travail sur le déséquilibre et la dualité des cultures. En 2004, à l’occasion de l’exposition Africa Remix au centre Pompidou, l’artiste présente la vidéo «Dansons». En gros plan, on y voit son ventre orné de trois foulards superposés de couleur bleu, blanc et rouge, exécutant une danse orientale avec La Marseillaise en fond sonore. Insolente, drôle et surprenante, cette œuvre s’impose aujourd’hui comme une anticipation et une réponse aux débats qui se déroulent actuellement en France sur l’identité et le rapport à la Nation.
Ce questionnement se retrouve dans de nombreuses photographies évoquant le patrimoine algérien et français de l’artiste. Dans le triptyque intitulé «Ni entendu, ni parlé, ni vu», Zoulikha Bouabdellah pose avec un couscoussier qu’elle place tour à tour sur ses oreilles, sa bouche et ses yeux, comme pour dénoncer le silence et l’indifférence. Dans «Cité Dallas à Oued Zenati», l’artiste retravaille une photo de famille prise lors d’un mariage en affublant chacune des femmes du patronyme d’un des personnages du célèbre feuilleton américain. Une manière de s’interroger sur ses compatriotes qui nourrissent leurs fantasmes d’occidentalisation.
En 2008, Zoulikha Bouabdellah est récompensée par le prix Meurice pour l’art contemporain pour son œuvre «Le Baiser». Cette sculpture en bois, composée de deux colonnes dorique et ionique qui s’embrassent en un mouvement circulaire, célèbre la sensualité et le mouvement des corps. L’année suivante, l’artiste remporte le prix Abraaj Capital avec «Walk on the Sky, Pisces». Inspirée par un épisode légendaire entre le roi Salomon et la Reine de Saba, cette monumentale installation lumineuse est composée d’un toit formé de diodes dessinant la constellation du Poisson et se reflétant tel un miroir sur un sol parfaitement poli.
Zoulikha Bouabdellah vit et travaille à Paris.

http://www.zoulikhab.net/

CHOIX UNIQUE
Alvin Lucier : I’m sitting in a room (1969)

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Première écoute : jeudi 19 août à 12h, 19h, et 00h, jusqu’au 26 août mêmes horaires

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ELEMENTS

Boris Achour, né à Marseille en 1966, est un artiste français.
Il est co-fondateur, en 1999, de Public, à Paris, un espace d’art contemporain géré par des artistes et curateurs indépendants. En 2002, il co-fonde Trouble, une revue d’essais critiques, avec Claire Jacquet, François Piron et Émilie Renard, qui sont rejoints, en 2005, par Guillaume Désanges.
Il enseigne à l’ENSAPC depuis janvier 2010.

Expositions personnelles récentes :
2009
Conatus : La rose est sans pourquoi, FRAC Champagne-Ardenne, Reims
Conatus : Celui dans la grotte, Galerie Georges-Philippe et Nathalie Vallois, Paris
2008
Conatus : A Forest, Montehermoso Cultural Center, Vitoria, Espagne (cat.)
Conatus : Timescape, Galerie Cesare Manzo, Rome, Italie
IIIIIIIIIIII, Galerie des Multiples, Paris (cat.)

Expositions Collectives récentes :
2010
Double Bind/Arrêtez d’essayer de me comprendre!, Villa Arson, Nice (cat.)
L’obstacle est la tautologie, Atelier de Benoît Maire, Paris (cat.)
2009
GAGARIN The Artists in their Own Words, S.M.A.K, Gent, Belgique
Les archipels réinventés, Centre Georges Pompidou, Paris (cat.)
Faux Jumeaux, S.M.A.K, Gent, Belgique (cat.)
La Force de l’Art, Grand Palais, Paris (cat.)

http://borisachour.net/

VOICES WITH TEXTS. VOIX A TEXTES.
Morceaux et textes par des poètes et musiciens, solo ou en collaboration.
A selection of pieces by poets and musicians in collaboration or solo.

1/
Lee Ann Brown, « Underwear », from A Song Cycle, live reading, NY 2003
2/
Tom Phillips & Gavin Bryars « Chorus (Love is Help Mate) » from Irma opera (1968)
3/
Sawako Nakayasu , « Capacity » on collective Kenning CD (2008)
4/
Ida Börjel & Mathias Kristerson , « Söndag V.42 2005 (Disponentgatan) » on collective Audioei #26 CD (2006)
5/
Caroline Bergvall & Adam Parkinson « 1DJ2MANY (microa) » unused mix, prep work towards installation (2010)
6/
Fred Frith, Pauline Oliveros & John Giorno , live from Les Soirees Nomades, Fondation Cartier, Paris 2008
7/
Charles Bernstein (libretto) & Ben Yarmolinsky (music) « The Show’s Sensational » from The Lenny Paschen Show opera (1992)
8/
Rosmarie Waldrop, « Short American Memory of Salem », live reading, Buffalo 1992
9/
Will Montgomery (sound) & Carol Watts (voice), « Pitch », homage to Luigi Nono (2010)
10/
Robert Ashley, « In Sara Mencken, Chirst and Beethoven there were men and women » (1972)
11/
Tracie Morris , « My Great Aunt Meets a Bush Supporter », Penn Sound studio rec (2005)
12/
Caroline Bergvall & Adam Parkinson « 1DJMANY (microb) » unused mix, prep work towards installation (2010)
13/
Laurie Anderson « Closed Circuits »  (1977)
14/
Linh Dinh « Eating Fried Chicken », Penn Sound studio rec (2007)
15/
Cia Rinne (text, voice) & Sebastian Eskildsen (sound design) « Sounds for Soloists » (2010)
16/
Vincent Broqua (voice, translation) “Crop”,  prep work towards installation (2010)
17/
Barbara Barg (drums, vocals) & Barbara Ess (bass, bells, vocals), « Excerpts from A streetcar named desire, for Blanche » on Tellus #5-6 audiocassette (1984)
18/
Bernadette Mayer, « Catullus #48″ (with the Latin).

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ECOUTER

Première écoute : jeudi 25 novembre à 12h, 15h, 19h, et 00h, jusqu’au 2 décembre mêmes horaires

Ecouter la playliste de Caroline Bergvall sur votre lecteur (à partir du 2 décembre 2010)

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ELEMENTS

Caroline Bergvall is a writer and artist based in London, working across media, languages, and artforms. Projects alternate between books, audio pieces, performances and language installations. The forthcoming volume Meddle English: New and Selected Texts (Nightboat Books: NY, 2011) includes critical prose pieces and her work around Chaucerian English. She frequently collaborates with other artists and her most recent commission, created with a sound artist, a designer, two architects and four voices, is the installation Middling English (John Hansard Gallery, Southampton, Sept-October 2010). Other performances or installations have been presented at: the Arnolfini Gallery (Bristol); Hammer Museum, LA (w Rodney McMillian); The Poetry Marathon at the Serpentine Gallery (London), MOMA (NY); Tate Modern (London); Museum of Contemporary Arts (Antwerp). Her work addresses questions of new literacies, plurilingualism, body politics and accented practices. She has recently completed an AHRC Fellowship in the Creative and Performing Arts (2007-2010). She was the Director of Performance Writing, Dartington College of Arts (1994-2000), and co-Chair MFA in Writing, Bard College (NY, 2004-2006). She will be a Visiting Fellow in the Department of Visual Arts, University of Copenhagen in Spring 2011 where she will be developing audiotexts for netcasting with students and practitioners.

More info: www.carolinebergvall.com

LA RUMBA, LE FLEUVE ET UN MONSTRE DANS LA GORGE

1/
Carnascialia – Canzone Numero Uno, voice by Demetrio Stratos in Roman’s Dialect (1979)

2/
Xavier Gautier – Rachel (2000)

3/
Adolf Wölfli – Fladermuus

4/
Adolf Wolfli – Musikstuck transkribiert/song 1 (1978)

5/
Demetrio Stratos – Luglio, Agosto, Settembre (Nero) (1973)

6/
Carnascialia – Cruzeiro do Sul (1979)

7/
Jean Dubuffet – Musical Experiments, Temps Radieux

8/
Madawg – Mad Dog

9/
Richard Foreman – Loop 19

10/
Adolf Wolfli – Kapittl schluss – 1978

11/
Concerto Prosodico – Tenzone tropicale (1976)

12/
Seth Price – Video Games Soundtracks 1983 – 1987 – album available at Reena Spauldings Fine Arts, Ny.

13/
Joseph Beuys – Zirkus (1985)

14/
Ghédalia Tazartès – La mort de Berchou.

15/
Demetrio Stratos – Cometa Rossa (con gli Area) (1975)

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Jours et heures de diffusion, semaine du 4 mars au 11 mars : Jeudi 4 mars à 12h,18h, minuit, 6H puis jusqu’au 11 mars, mêmes horaires quotidiens.

Ecouter la playliste de Luca Francesconi sur votre lecteur

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ELEMENTS

Luca Francesconi, né en 1979 à Mantoue (Italie), vit et travaille à Paris et Milan.

Principales expositions personnelles

2009

Lauréat du Illy Prize – Present/Future (Jury : Hans Ulrich Obrist, Jens Hoffmann, Alexis Vaillant) Artissima 16, Turin

Invité à Present/Future, Artissima 16, curateur Aurélie Voltz, Turin.

“Calendario delle Semine” – Umberto Di Marino, Naples

2006

“A naked tree and some others works…” -Umberto Di Marino, Naples

Expositions de groupe

2010

Fondazione Sandretto Rebaudengo – curateur Francesco Bonami, Turin

2009

Spy numbers, curateur Marc-Olivier Wahler, Palais de Tokyo, Paris – F

Thanksgiving” – Peep Hole Project Space, curateur  Bruna Roccasalva, Vincenzo De Bellis, Anna Daneri, Milan

Fondazione F.Menna – curateur  Eugenio Viola – Salerne

L’ìmmagine sottile, galleria comunale d’arte contemporanea di Monfalcone, curateur A.Bruciati

2008

Palais de Tokyo, “Chateau de Tokyo”, curateur by Marc-Olivier Wahler – Paris-Fontainebleau

AssociazioneVianuova,(Airò,Francesconi,Panchal,Althamer,Dodge) curateur Lorenzo Bruni, Florence

Chroma, curateur Marco Tagliafierro, Novara

Soft Cell, Galleria Civica d’Arte Contemporanea di Monfalcone, curateur Andrea Bruciati – Monfalcone

2007

“L’Homme Nu 3/3”, curateur Aurélie Voltz, Maison Populaire, Montreuil, Paris -F

“Wundergarten”, Orto Botanico,curateur Helga Marsala, Palerme

“Forevard” Fendi Foundation,curateur  A.Bruciati, Rome

2006

“Hysteria Siberiana”, curateur Marc-Olivier Wahler,Cristina Guerra Gallery,  Lisbonne – P.

XII Biennale Contemporary Sacred Art, Teramo

The Mountains School of Arts, Los Angeles – USA

Special Project:

2009 – “Bronzo Grasso – Campi di frattura nello spazio espositivo” - Studio Alberto Mugnaini,  Milan

HISTORIQUE

1.Kathy Acker « I Will Stay with You Tonight »
2.Mick Jagger « Invocation of my Demon Brother » (Soundtrack for the Kenneth Anger Movie)
3.Robert Ashley « Purposeful Lady Slow Afternoon » (Sonic Arts Union)
4.David Behrman « Wave Train »
5.Alvin Curran « Magic Carpet »
6.Richard Foreman « Loop 1 : Now That Communism Is Dead, My Life Feels Empty »
7.Anthony Braxton « Comp. 40K, Comp. 63″ (The Montreux/Berlin Concerts)
8.Mauricio Kagel « Acustica side 2″
9.Kipper Kids « Sheik of Araby »
10.Anna Lockwood « Tiger Balm »
11.Alvin Lucier « Vespers »
12.Richard Maxfield « Pastoral Symphony »
13.Gordon Mumma « Hornpipe » (Sonic Arts Union)
14.Zeena Parkins & Chris Cutler « Qeh »
15.John Zorn & Ikue Mori & Fred Frith – « Festival of Improvisors »
16.Xenakis « Rebonds B », dir.Stéphan Aubé
17.Varese « Ionisation », dir Nicolas slonimsky
18.Frederic Rzewski « Coming Together »
19.James Tenney « Spectral Canon for Conlon Nancarrow »

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Première écoute : jeudi 9 décembre à 12h, et 20h jusqu’au 16 décembre mêmes horaires

Ecouter la playliste de William Winant sur votre lecteur

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ELEMENTS

William Winant est un percussionniste américain d’avant-garde . Il a collaboré et joué avec les plus grands musiciens dans le domaine de la musique expérimentale ou contemporaine : John Cage, Iannis Xenakis, Pierre Boulez, Frank Zappa, Keith Jarrett, Roscoe Mitchell, Anthony Braxton, Fred Frith, James Tenney, Terry Riley, Cecil Taylor, Gerry Hemingway, Mark Dresser, Barry Guy, Marylin Crispell, George Lewis, Steve Reich and Musicians, Nexus, Charles Wuorinen, Jean-Philippe Collard, Frederic Rzewski, Ursula Oppens, Joan LaBarbara, Danny Elfman/Oingo Boingo, Sonic Youth, Marc Ribot, Keith Rowe, Joey Barron, Bill Frisell, Yo-Yo Ma, ROVA, and the Kronos String Quartet.

Depuis les années 1990 il enseigne dans les facultés de Mills College, Oakland, et à Berkeley.

http://williamwinant.com/

1 – Les Gardiens (23:52)

Ces entretiens ont été réalisés grâce au concours de David Christoffel, de Gildas Veneau, du Musée d’art moderne de la ville de Paris et de certains de ses agents de surveillance, d’autres musées et d’autres agents de surveillance.

Les Gardiens ont fait l’objet d’une première édition publiée en feuilleton chaque mercredi du 15 octobre au 9 décembre 2009 sur Droit de Cités.

Cette seconde édition, en une seule bande-son, a été réalisée par l’aimable médiation de Dominique Balaÿ, à l’occasion de l’atelier webSYNradio.

Conception et réalisation Les gardiens : Samuel Zarka

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Premières écoutes : Jeudi 1er juillet à 10h, 15h, 19h, et 23h, jusqu’au 8 juillet mêmes horaires.

Ecouter la playliste de Samuel Zarka sur votre lecteur

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TEXTE

Réalisme

Quel est le rapport entre Les Gardiens, la revue Droit de Cités, l’art contemporain?

Cela commence par une expérience très commune : il y a quelques années, ce que je lisais sur l’art, dans la presse ou les livres sur ce sujet, me paraissait si souvent faux que cela a suscité :

- un travail d’explicitation historique et sociologique des dynamiques qui le constitue — à lire dans Art contemporain : le concept, à paraître en novembre 2010 aux PUF.

- Et Les Gardiens. Ils étaient la voie d’interrogation des profanes les plus informés sur les œuvres qu’on puisse trouver.

A cette fin, je n’ai pu m’y prendre autrement que selon une quasi-infiltration muséale. C’était déjà, sur un plan plus festivalier, le cas avec la pièce incorporel.



Car c’est bien ardu de faire les choses dans l’art sans être interrompu par des impératifs dits de « sécurité ».

Mais revenons aux Gardiens. Dans un jargon sciemment typique, j’écrivais ensuite, sur ce site, lors de la première édition, en feuilleton, du travail : Les gardiens sont au bord du cube blanc. A cette mention d’un ouvrage de référence dans la culture critique afférente [1], faisait suite ce petit adieu : Et puis professionnellement c’est le bord au-delà, ailleurs méchamment. Loin. Au revoir. Suivit la réalisation collective de la présente revue Droit de Cités, c’est-à-dire la construction d’une plate-forme de production et diffusion de contenus en ligne; des contenus nécessaires, au sens usuellement philosophique du terme, c’est-à-dire ne pouvant pas ne pas être; et par surcroît, n’existant pas ailleurs.

Les agents de surveillance rencontrés entre-temps, avaient-ils quelque chose à conter touchant leur expérience esthétique? Bien sûr, tous ont d’abord pris la question comme portant sur les œuvres qu’ils fréquentaient. Mais chaque fois, l’entretien abordait notamment leur expérience globale des lieux. Entre les deux pôles de la question, ils parlaient notamment ce qui s’entend sur l’enregistrement.

Tandis que webSYNradio propose de passer une bande-son, celle de son choix, pour tout le monde. A la bande-son, il s’agit aussi de joindre une documentation en image.

Ainsi qu’en texte. Cet ensemble s’inscrit dans une prévision, une date, la période d’une semaine, sur laquelle s’échelonnent les rendez-vous d’écoute, complétés d’un podcast. C’est une série d’expositions en fait (non sans jouer sur les mots).

Sans que cela nécessite d’être souligné, Les Gardiens décrivent une démarche proche de webSYNradio : fondée dans une expérience esthétique très intégrée dans les affaires courantes. Dès lors, on peut se demander si un artiste a pour fonction de produire du rêve ou de l’imaginaire; d’autant mieux lorsque le thème de l’imagination colonisée est devenu si courant [2]. La présente bande-son y répond à sa manière. Elle propose de passer des propos choisis selon le moment où il semble que ce qui se dit veut valoir d’une manière excessive par rapport à la circonstance artificielle de l’entretien. Une façon de choisir les coupes exactement explicitée par Mallarmé : « l’œuvre implique la disparition élocutoire du poète qui cède l’initiative aux mots » [3]. Cette disparition est alors une cession de ma parole en propre à une parole pourtant. C’est peut-être la voie même d’un art réaliste, parce que ce qui se dit pourrait exprimer ce qui est réellement vécu. Il y va de l’expression individuelle, et même singulière, de personnes selon des déterminations objectives communes.

Samuel ZARKA

[1] Brian O’Doherty, White Cube, L’espace de la galerie et son idéologie, Paris, Les presses du réel, 2008 (édition française).

[2] Quand j’étais étudiant, en cours, l’artiste Sylvie Blocher nous exhortait à « décoloniser notre imaginaire ».

[3] Merci à Dominique Pagani pour m’avoir indiqué cette citation.

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ELEMENTS

Samuel Zarka est directeur éditorial de Droit de Cités. Ingénieur du symbolique. Conférencier à l’Académie Royale des Beaux Arts de Liège.

Sites de Samuel Zarka :

ingenieurdusymbolique.fr

samuelzarka.net (index des productions)

PLAYLIST WEBSYNRADIO

1/
asher | directions

01 untitled (06.30.05) 15.45
02 untitled (07.02.05) 16.30
03 untitled (07.03.04) 18.30

composed by asher 2005.

2/
fourm | dust

01 I 08.18
02 I 09.06
03 I 06.53
04 I 05.47
05 I 11.51
06 I 07.47

produced by fourm 2006/2007.

3/
jörg koch | 10 guitar classics

01 blues I 08.34
02 rock’n'roll I 07.34
03 heavy metal I 06.22
04 fusion I 04.26
05 funk I 04.31

produced by jörg koch 2006.

4/
mahmoud refat | shift

01 extract 4.44
02 mute instructions 6.40
03 acrylic – part 1 3.12
04 acrylic – part 2 5.57
05 invaders 7.59
06 vio-let 6.15
07 sonic mutation 6.06
08 acrylic – tet 9.51
09 akiram 4.41

composed by mahmoud refat 2004.

5/
mahmoud refat + zimoun | statics I

01 statics01 14.49
02 statics02 08.52
03 statics03 09.43
04 statics04 03.18
05 statics05 21.13

composed by mahmoud refat + zimoun 2006.

6/
mahmoud refat, pe lang + zimoun | statics II

01 statics06 09.16
02 statics07 09.48
03 statics08 06.18
04 statics09 12.34
05 statics10 09.06

composed by mamoud refat, pe lang + zimoun 2006.

7/
zimoun | kabel 0.2

01 090 08.34
02 086 05.29
03 087 09.27
04 089 07.06
05 078 13.59

composed by zimoun 2004/2005.

fourm | dust | photography by skoltz_kolgen

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Premières écoutes : Jeudi 20 mai à 12h,20h puis jusqu’au 27 mai, mêmes horaires.

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ELEMENTS

Zimoun est un artiste suisse qui  travaille la matière sonore et produit des installations dans le monde entier. Il est également le fondateur du label / réseau  Leerraum [ ].
Pour un aperçu de son travail, vous trouverez ci dessous une compilation de vidéos :
http://www.zimoun.ch/works/compilation_vimeo_mov.html

website Zimoun:
http://zimoun.ch/

website Leerraum [ ]:
http://leerraum.ch/

Interview with Michael Lingner

Cet entretien est une version inédite issue des programmes donnés par David Goldenberg sur Résonance FM,
http://resonancefm.com

Des textes détaillés et un aperçu des travaux de  Michael Lingner ainsi que des différents auteurs et artistes évoqués dans l’entretien se trouvent sur le site de  Michael Lingner :  http://www.ask23.de

Michael Lingner

Exposition de  Michael Lingner

Travaux de Franz Erhard Walther

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Première écoute : jeudi 7 octobre  à 12h, 15h, 19h, et 00h, jusqu’au 14 octobre mêmes horaires

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ELEMENTS

David Goldenberg est un artiste , curateur et théoricien anglais. Il vit à Londres.

Des éléments complets sur le travail de D.Goldenberg sont présentés dans les ouvrages parus chez Thames ’s and Hudson  « Installation art » et  “New media in late 20th century art » . Récemment il a initié une démarche de réflexion à partir d’un un site web intitulé  Post Autonomy. Le site fonctionne comme une plate forme de recherche et un outil pour déployer le concept de Post autonomy.  Selon D.Goldenberg le concept de Post Autonomy est opérant pour comprendre l’état actuel de l’art contemporain. Le point de départ des nombreux échanges qui se tiennent sur les forums du site est que l’art a atteint ses limites pour comprendre l’autonomie : il s’agit alors de se projeter dans ce qui vient après et que D.Goldenberg désigne par Post Autonomy dans le but de mettre en place de nouvelles matrices pour réinventer l’art.

Expositions récentes :

2010
Common ground, visualising Post Autonomy, in collaboration with Maja Ciric, International project space, Belgrade, Serbia
1st Land art Biennial Mongolia
Fordham at Tate Britain, London, UK

2009
Mobile Documenta, Fordham Gallery, London, UK
Avant-garde below zero, Verbeke Foundation, Antwerp, Belgium
The time of Post Autonomy is now PT 2, Your space, Vanabbmuseum, The Nederlands
Translations and misinterpretations, Shedhalle, Zurich, Switzerland
The Climate of change, FACT, Liverpool, UK

2008
Liverpool Biennial, DTN, Artist Anonymous, A-Foundation, Liverpool, UK
Agitpop, London printmakers workshop, London, UK

2007
10th Istanbul Biennial, The time of Post Autonomy is now Pt 1
The Space of Post Autonomy, Local operations, Serpentine Gallery, London
Locally Localised Gravity, Plausable Artworlds, ICA Philadelphia, USA

www.postautonomy.co.uk

VIRAL SYMPHONY

01/
the enthrOning
Viral SymphOny, 1er mouvement.

02/
murmuring tOngue Of Ovid
Viral SymphOny, 2nd mouvement.
Ce mouvement est basé sur un enregistrement effectué par Joseph Nechvatal d’une lecture des Métamorphoses d’Ovide par Jane Smith en 1985.

03/
pastOral pleasures
Viral Symphony, 3ème mouvement

Joseph Nechvatal: sources sonores & synthé
Matthew Underwood: ingénierie sonore
Andrew Deutsch: ingénierie sonore
Stephane Sikora: programmation informatique
Jane Smith: voix (enregistrée en 1985)

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Première écoute : jeudi 30 septembre à 12h, 15h, 19h, et 00h, jusqu’au 7 octobre mêmes horaires

Ecouter la playliste de Joseph Nechvatal sur votre lecteur

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ELEMENTS

Joseph Nechvatal est né à Chicago ( États-Unis) en 1951 et travaille entre Paris et New York. L’œuvre de Joseph Nechvatal, tant sur le plan technique que conceptuel, est devenu aujourd’hui une référence en matière d’art numérique. Docteur en philosophie de l’art et des nouvelles technologies, enseignant à la School of Visual Arts à New York.  Ses travaux récents sont le fruit d’un programme de virus informatiques développé par lui-même et Jean-Philippe Massonie lors d’une résidence à l’atelier Louis Pasteur, à Arbois, et à la Saline royale d’Arc-et-Senans, en 1991. En 2001 Joseph Nechvatal et Stéphane Sikora du collectif music2eye ont conjugué le projet initial de virus informatique avec les principes de la vie artificielle (a-life), c’est-à-dire la création de systèmes de synthèse qui reprennent les caractéristiques comportementales des systèmes vivants. Programmés en C++, des ferments de vie artificielle sont introduits sous la forme d’agents autonomes (les virus) qui « vivent » dans une image ou un son.

Les manifestations audio ainsi produites et retraitées par Andrew Deutsch et Matthew Underwood ont donné Viral SymphOny, une oeuvre aux résonnances proches de Yasunao Tone, Fluxus, Oval et Merzbow.

http://www.nechvatal.net/

1.000.048 ART’S BIRTHDAY, PLAYLIST 17 JANUARY 2011

1/ Robert Filliou – whispered history of art ( Fluxus Anthology 30th Anniversary 1962-1992)

2/ Jochen Arbeit – R In Hell (Solo)

3/ Brion Gysin – « I Am », Machine-poem, 1960

4/ The Beatles – Revolution 9 (White Album)

5/ Robert Watts and Larry Miler – Laff Trance (extrait)

6/ Black Rebel Motorcycle Club – And With This Comes (The Effects of 333)

7/ Chris Burden – The Atomic Alphabet (1982) – Extrait de Happy New Ear

8/Blixa Bargeld – All Alone Am I (Commissioned Music)

9/ Dieter Roth – novembersymphonie (1974)

10/ David Bowie – Heroes/Helden (Wir, Kinder Vom Bahnhof Zoo)

11/ Gerashim Luca – Passionnément

12/ Deerhunter – White Ink (Cryptograms)

13/ Charles Pennequin – Je n’ai rien à dire

14/ Einstürzende Neubauten – Ein Stuhl in Der Hölle (Haus der Lüge)

15/ The Folk Implosion « Raise The Bells »

16/ John Frusciante – Before The Beginning (The Empyrean Alternative)

17/ Pierre Ménard : Le monde nouvelle formule

18/ John Zorn – Poverty (Once Upon A Time in America) The Big Gundown

19/  Kurt Schwitters – Ursonate

20/ Motion Trio – Fly, to Janusz Pater (Play-Station)

21/ Claude Closky – black list

22/ RIEN – Mesto Piano (Requiem Pour Des Baroqueux)

23/James Tenney – Septet for Electric Guitars

24/ Serge Gainsbourg – Eau et gaz à tous les étages

25/ bang bank – Martin kippenberger – Greatest Hits

- REGAL en all. = étagères, forme d’installation récurrente dans le travail de Pierre Granoux
- cette playlist est un RÉGAL
- RUE REGALE, à Nîmes
( Image Paula G. Vidal)

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Podcast à partir du lundi 17 janvier :

Ecouter la playliste de Pierre Granoux & Macrosillons sur votre lecteur

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ELEMENTS

Pierre Granoux
http://blog.bazarmoderne.com/

Macrosillons
http://www.macrosillons.fr/

A CONTRE-COURANT

1 – Kristin Oppenheim
Sail On Sailor, 1994 (2:23)

2 – Lee ranaldo
The Bridge [3:12]
From Tellus #10: All Guitars! (1985)

3 – Gertrude Stein
The Making of Americans: Parts 1 & 2 (5:38)
recorded in New York, Winter 1934-35

4 – Jean-Luc Godard
Jean-Luc Godard entretien avec Serge Daney

5 – Patti Smith
Neo Boy – Hey Joe
Recorded live – Max’s Kansas City, NYC 1974

6 – Benoit Delbecq & Steve Argüelles
Line 1, 9′31
from Pianobook, 2003, Plush records
collection personnelle
courtesy Benoit Delbecq & Steve Argüelles

7 – Patti & Jesse Smith
Messages in a bottle

8 – Kristin Oppenheim
Hey Joe

9 – Roni Horn
Saying Water (1999)

10 – Poolplayers
A Rumoured Version of Ourselves
from Poolplayers, Way beyond the surface, Songlines recording, 2008
collection personnelle
courtesy Benoit Delbecq and Poolplayers

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Premières écoutes : Jeudi 13 mai à 22h, jusqu’au 20 mai mêmes horaires.

Ecouter la playliste de Marcelline Delbecq sur votre lecteur

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ENTRETIEN
Marcelline Delbecq, Dominique Balaÿ avril 2010

DB : Y a t-il eu des chocs sonores à l’origine de votre travail de création ?

MD : Oh que oui ! Je suis indirectement venue à l’art par la musique et ça remonte à très loin. J’ai découvert le Velvet Underground quand j’avais onze ans, et j’ai adoré leur musique tout de suite, sans pour autant comprendre ni les paroles ni l’histoire du groupe. J’ai collectionné leurs disques, et c’est via leur musique que je me suis intéressée à Warhol, la fameuse banane n’y étant pas pour rien. Et de Warhol j’ai dérivé vers la photographie et la fantasmagorie d’un mode de vie « Factorien ». Adolescente j’étais inconditionnelle des Inrockuptibles (ancienne version !) et de Bernard Lenoir. J’ai vu beaucoup de concerts, mais du rock et de la pop essentiellement, rien de bien original. Je pensais d’ailleurs un temps devenir photographe pour la presse musicale américaine mais j’ai complètement dérivé, notamment après avoir fréquenté de près des musiciens de rock quand je vivais aux Etats-Unis. Le milieu du rock ne m’a pas fascinée, alors je me suis tournée plus assidûment vers l’art. De fil en aiguille, mon travail est devenu littéraire et sonore et pas spécialement lié au rock’n’roll. La rencontre avec le travail de Dominique Petitgand et celui de Kristin Oppenheim au tout début de mes études d’art m’a certainement dirigée vers l’utilisation du son et de la voix en tant que médium à part entière.

Vous êtes photographe de formation, vous avez eu l’occasion de préciser être venue au cinéma par le récit et la fiction.

C’est exact, c’est la littérature qui m’a conduite au cinéma, pas la fréquentation des salles obscures. J’ai lu plus de livres que je n’ai vu de films et me suis d’abord intéressée à la construction de la fiction cinématographique en termes d’utilisation de mots pouvant susciter des images mentales, pas visuelles. J’ai lu beaucoup de scénarios et de scripts, observé beaucoup de film stills. Mon apprentissage de la photographie a énormément influencé mon approche du récit, c’est certain. Le cinéma est venu en deuxième lieu, par la force des choses. Il est maintenant une composante essentielle de mon univers. J’ai récemment écrit un texte pour la revue Trafic (Des impressions, des ombres, Trafic n°72, P.O.L) qui m’a obligée à me pencher sur mon rapport au cinéma. C’est là depuis toujours, mais c’est avant tout passé par l’écrit.

Pouvez vous exprimer votre rapport à la dimension sonore ?

Mon rapport à la dimension sonore ? Vaste sujet ! Par où commencer ? Je n’en ai aucune idée. J’aime le son car il s’échappe en même temps qu’il est produit. L’émission de la parole est du pur vent, et pourtant elle fait sens, fabriques des images volatiles, procure des sensations physiques. Au cinéma comme dans la vie, l’écoute est souvent moins sollicitée que le regard, et pourtant elle est tout aussi fondamentale. Au quotidien je suis très sensible aux sons, aux voix surtout. Une voix me marque plus facilement qu’une couleur d’yeux. J’aime les voix off au cinéma, les voix à la radio, dans la rue. Mais à vrai dire je ne sais pas comment cerner la dimension sonore dont vous parlez, puisqu’elle est infime et gigantesque à la fois.

Quelle est la part de la création quand vous vous attachez à l’exploration d’archives comme celle de UBU ?

Je crois qu’il n’y a aucune création de ma part, ce sont les auteurs choisis qui sont les créateurs, j’ai juste agencé une sélection en fonction de critères totalement subjectifs, avec l’envie de faire plonger les auditeurs dans un univers qui est le mien sans l’être tout à fait. UBU est un bijou, c’est un site exceptionnel, et on peut remercier internet pour ce genre d’initiative. Un tel regroupement d’œuvres sonores serait tellement plus ardu dans le réel, tandis que là tout est à portée de main, dans un catalogue d’une inestimable valeur historique et artistique. Je n’ai rien fait d’autre que me régaler, je n’ai strictement rien inventé en faisant cette playlist. Je l’ai pensée comme un stream of consciousness, dans lequel on puisse plonger à contre-courant.

La notion d’archives vous intéresse-t-elle ?

Evidemment oui, et il se trouve que c’est devenu très à la mode dans le milieu de l’art ! Il y a eu beaucoup d’expositions sur l’archive dernièrement, comme si à force de progrès technologique d’une insensée rapidité, les artistes avaient choisi de regarder en arrière plutôt qu’en avant. En développant la création d’images mentales oscillant entre passé et présent, je n’ai au départ pas du tout pris en compte l’aspect historico-nostalgique que certains des récits pouvaient véhiculer. Mais à l’évidence – et de toute façon c’est le destin même de la photographie que d’être déjà passée à l’instant de son présent – j’entretiens un rapport étroit au passé en tant que moteur d’imagination, l’idéalisation du futur ne m’inspire pas grand-chose. Internet a totalement bouleversé la notion d’archives, car il n’y a plus besoin de s’enfermer en bibliothèque pour trouver un ses sources. Toutefois je me demande ce que deviendra l’idée de correspondance, à laquelle je suis personnellement très attachée. Qui conserve les envois de mails et de sms ? L’écriture manuscrite est en train de totalement disparaître, on verra ce qui reste dans un demi-siècle. Si on n’avait pas gardé trace des écrits historiques, qu’ils soient littéraires ou administratifs, on aurait déjà oublié une bonne partie de notre histoire.

Pour votre playliste, vous avez choisi des artistes comme Kristin Oppenheim, que vous citez parmi vos références majeures : Pouvez-vous nous éclairer sur vos choix ?

Mon choix s’est porté sur des voix avant tout, des voix de femmes en particulier, qui m’accompagnent dans mon propre parcours. Quand j’ai découvert le travail de Kristin Oppenheim à Arles il y a des années, j’ai été fascinée par la force de sa présence, malgré un dispositif d’une grande simplicité. J’adore la voix de Patti Smith quand elle raconte des histoires, accompagnée par sa fille Jessee au piano. J’ai trouvé A message in a bottle sur internet, elle l’a réalisé pour une exposition à NYC, dont les oeuvres ont été commandées en écho à des lieux liés à l’histoire de l’immigration. En guise d’interludes s’est naturellement immiscée la musique de Benoît Delbecq et de Steve Argüelles, qui m’accompagne depuis des années. A cela s’ajoutent des artistes incontournables, qui sont des voix aussi, Godard par Daney, Roni Horn … Pour moi l’oeuvre ultime, tous domaines confondus, est Histoire(s) du Cinema de Godard en version CD chez ECM. C’est parfait, il n’y a rien à dire. Ma playlist fait pâle figure à côté …

La présence de Benoit Delbecq témoigne d’une relation privilégiée ? D’autres artistes ? Des lieux privilégiés pour recevoir votre travail ?

Benoit est mon cousin germain, mais nous nous sommes peu vus pendant longtemps. Je l’ai vraiment rencontré quand j’étais étudiante aux beaux-arts, et c’est devenu immédiatement une grande complicité. Nous avons dix ans d’écart, une génération. Il a tout de suite pris au sérieux ma pratique, alors que j’étais balbutiante, et lui musicien confirmé. Depuis, nous collaborons sur toutes sortes de projets, les siens, les miens, les nôtres. Je ne connais pas grand-chose au jazz, et sa musique est tellement éloignée de ce dont j’ai l’habitude qu’elle m’a ouvert un horizon que je n’aurais pas soupçonné. Nous venons de commencer un nouveau projet ensemble, avec le batteur Steve Argüelles et le bruiteur de cinéma Nicolas Becker. Je peux vous dire que l’univers musical et sonore produit par ce trio sur scène est une vraie claque dans la figure. Mon cercle privilégié de travail est très restreint. Benoît, Elina Löwensohn, mon amie actrice qui enregistre la plupart de mes textes, Nicolas Becker, le monteur son Mikaël Barre, et le regard fidèle d’une poignée de proches, qu’ils soient artistes, cinéastes ou écrivains (ils se reconnaîtront). Les lieux pour voir et entendre mon travail s’égrènent au fil des expositions, je n’ai pas encore de site internet donc il faut soit se renseigner soit tomber dessus par hasard. En vrac, dans les mois qui viennent, Bâle, Berlin, New York, Bordeaux, Castello, Moscou. Pour les amateurs de lecture, le texte de Trafic est une approche en profondeur qui, je pense, permet de se faire une idée précise de ce qui m’anime …
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ELEMENTS

EXPOSITIONS PERSONNELLES

LECTURES ET CONCERTS (récents)

PLAYLIST

1/

Double Blind (love) 22.44 min. d’une performance télématique de 264 minutes.

Annie Abrahams. Living Room, Montpellier. Dimanche 29 novembre 2009.

Curt Cloninger. Black Mountain College Museum + Arts Center, Asheville, North Carolina, US.

2/

Adolf Wölfli (1864-1930)

Allgebrah Du bist Wonne 1:58

3/

Meredith Monk

Biography, « Education of the Girlchild » (8:00)

4/

Hugo Ball (1886-1927)

Totenklage (1916)

5/

John Cale

Loop (7:14)

The Velvet Underground: John Cale, Guitar and Feedback

6/

Robert Ashley

In Sara Mencken, Christ and Beethoveen there were men and women (1972)

Text: John Barton Wolgamot (written 1944)

Music: Robert Ashley + Paul DeMarinis

Voice: Robert Ashley

7/

Diamanda Galás –

Excerpt from Eyes Without Blood

8/

Henri Chopin

Cantata For Two Farts And Juan Carlos I (11:48)

9/

Oppera Internettikka – Protection et Sécurité Performance inter-média de Annie Abrahams & Igor Stromajer Avec Christine Kattner mezzosoprano. Opéra National de Montpellier Languedoc Roussillon, France, 15 décembre 2006.

Dernière Partie: Mutter Courage oips-4.mp3 (11 min 56 sec)

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Premières écoutes : Jeudi 8 avril à 16h puis toutes les 4h jusqu’au 15 avril.

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ELEMENTS

Bio :

Annie Abrahams est une artiste hollandaise qui habite en France depuis 23 ans. Elle est docteur en biologie et diplômée de l’école des Beaux-Arts d’Arnhem. Son travail, qui utilise aussi bien la vidéo, la performance que l’Internet, questionne les relations interpersonnelles dans un monde de plus en plus médiatisé. Elle explore les possibilités et les limites de la communication en général et plus spécifiquement ses modalités propres au réseau.

Son projet « Being Human » a été présenté dans des festivals, musées et galeries partout dans le monde dans des lieux très divers comme par exemple le Centre Pompidou Paris,  Škuc Gallery  Ljubljana, La Centrale Powerhouse Montréal, Media Forum à Moscou, le New Museum à New York et Goldsmiths à Londres.

Une exposition personnelle « If not you not me » a eu lieu du 12 février au 21 mars dans la galerie HTTP à Londres. Après une résidence d’écriture et d’expérimentation elle a présenté « Huis Clos / No Exit – On Collaboration » une performance télématique avec 6 comédiens le 11 mars 2010 au CNES la Chartreuse de Villeneuve lez Avignon.

http://www.bram.org

http://aabrahams.wordpress.com

Oppera Internettikka – Protection et Sécurité:  http://bram.org/info/oips/

Double Blind (love):  http://aabrahams.wordpress.com/2009/12/09/double-blind-love-documentation/

Bio complète: http://bram.org/info/aaf.htm

CV:  http://bram.org/info/cv_aabrahams_fr.pdf

More extensive bio: http://aabrahams.wordpress.com/about/

CV:  http://bram.org/info/cv_aabrahams_english.pdf

LA PERFORMANCE

1/
Jerome Rothenberg
Y-V after dada
2/
Pierre-Albert Birot
Poèmes à crier et à danser
3/
John Giorno
Every one is a complete disapointment
4/
Noigandres
Cidade city cité
5/
Charlemagne Palestine
Sliding fifts for piano
6/
Mayakovsky
Four horse men
7/
Ghérasim Luca
Passionnément
8/
Dieter Roth
Lorelei
9/
Paul Dutton
M’n’an M’
10/
Sarenco + Franco Verdi
Paloma negra
11/
Julien Blaine
La virgule & l’apostrophe (extrait)
12/
Adriano Spatola
Hommage à Eric Satie
13/
Gil Wolman
La mémoire

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Premières écoutes : Jeudi 3 juin à 12h et minuit puis jusqu’au 10 juin, mêmes horaires.

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LA PERFORMANCE
C’est à partir de ce texte ou en rapport avec ce texte ou en opposition à ce texte que le plus important courant de la poésie contemporaine s’est positionné, que ce soient les poètes de la première génération encore fortement impliqués selon les avant-gardes historiques (futurisme, dada, cobra ou fluxus) : poésie concrète, poésie visuelle ou poésie sonore ; puis ceux de la génération suivante qui développèrent leur poésie par l’articulation aussi bien celle des voix que celle des corps (happening, poésie élémentaire, poésie action) qui amèneront la poésie essentielle de la fin du XXe siècle et du début du troisième millénaire : la performance.
Enfin ceux de la nouvelle génération qui restent dans leur corps et qui disent par la bouche et écrivent par leur langue ou celles et ceux qui ont prolongé les prothèses du magnétophone et du microphone par les ordinateurs et les outils électroniques.
Julien Blaine

LA PERFORMANCE

C’est un corps
dans un espace
et c’est un son
dans un corps,
ce son est celui de mon corps
ou celui de cet espace,
c’est un son de nature :
voix, viande, &c.
ou un son d’artifice :
musique, bruits, &c.
Puis c’est un geste
du corps
et un mouvement
de cet espace
et comment jouent ensemble
le geste du corps
et le mouvement de l’espace.
Le mouvement de l’espace
est proprement celui de l’espace
mais aussi du peuple de cet espace :
du public.
Là, tout va bouger :
le corps,
l’espace,
le son,
le geste…
Et la rencontre
sera
ou s’évaporera.
Là, aux entrepôts frigorifiques,
sous les voûtes
dans cet espace
en bord de Seine
aux frontières d’une friche industrielle
qui sera une université parisienne
(l’université Denis-Diderot)
la rencontre s’est établie…
Quant à l’enseignement :
l’université future
ne pourra jamais faire mieux.
————————————————–
octobre 2002

*Post-Scriptum
c’est un art désespéré

P.S. no 2
Si je dis « à ce jour », c’est comme s’il y avait une lueur d’espoir, or l’obscurité est totale.
Néanmoins, « à ce jour », toute révolte contre
l’injustice comme tout combat pour la justice – ce qui n’est pas la même chose –, celle des hommes, celle qui fait la différence avec la barbarie des animaux domestiques, ont été un échec. L’administration américaine made in USA (héréditaire et désormais truquée) et l’administration russe made in URSS (mais oui ! mon pote Poutine ! en URSS !)
règnent
règnent sur le monde
aidées par leurs chiens et leurs faucons
deux bêtes faciles à apprivoiser.
printemps 2003

P.S. no 3
En ce début de millénaire
la performance est guettée par 4 dangers :
1/ le gag trop intelligent
2/ le gag trop idiot
3/ la saynète théâtrale
4/ le monologue pour cabaret à touristes
1 risque :
1/ la longueur
et 2 réalités :
1/ les critiques hors média et hors style s’emparent, désormais, de cette discipline et, hors de cette culture, la définissent néanmoins (en tant qu’ingénieurs d’un appareil critique d’une machine hors circuit)
2/ ceux qui pratiquent ça parce que ce serait être à la mode…
et 5 con
tenus néfastes
1/ l’engage
ment
simpliste et altruiste
2/ le sexuelle
ment
nu ou opaque
3/ les symboliques et les ri
tu
els
pisse de chat et caca-boudin
4/ la mise en scène de l’antipathie spontanée et
radicale des artistes entre-deux (entre deux âges, entre deux styles, entre deux &c.) à l’égard des autres artistes (jeunes et vieux, physiques ou
technologiques, &c.)
5/ le retour au happening, gutaï et autres spectacles avec participation obligatoire du public.

P.S. no 4
En ce début de millénaire
la performance est partout avec le théâtre, la danse, la musique, les arts plastiques
et c’est tant mieux…
Mais elle est aussi enseignée dans les Écoles d’Art
et là c’est tant pis.
Pauvres écoliers qui se retrouvent face à des jeunes femmes ou des jeunes hommes voire des vieilles femmes et des vieux hommes qui sont loin de leur corps et de leurs actes, loin de leur vie et de leur désir, loin du risque et du plaisir, loin de la haine, de la révolte et de l’amour, et qui conduisent ces écoliers de colloques en séminaires sur les
autoroutes du savoir mort.

P.S. no 5
En ce début de millénaire,
moi,
après 42 ans passés à en faire (des perfs c. à d. des poëmes en chair et en os) j’arrête, j’arrêterai fin 2004. Je vous dirai et je vous dis : ça commence à Marseille à la Friche de la Belle-de-Mai le
18 novembre 2004.
Après, je me planquerai dans les résidus : livres, disques, films, expos et autres traces ordurières.

P.S. no 6
Finalement,
je fais des expositions
pour publier des livres :
des livres,
pas des catalogues.
Le livre dans l’espace
donne
le livre dans le livre.
Et après je peux lire
le livre,
le lire de tout mon corps,
en chair et en os…
printemps – été – automne – hiver 2003

P.S. no 7
Désormais, mon corps n’est plus à la mesure de mon ambition…

P.S. no 8
À part Balint Szombathy qui, bien que plus jeune, fait plus vieux que moi, j’étais le benjamin de la fournée de l’E.P.I. Zentrum Der Lange Atem
(Zbigniew Warpechowski et Jerzy Beres de Pologne, Janet Haufler de Suisse, Sten Hanson de Suède, Balint et moi), rencontre à l’initiative de Boris Nieslony…
Alors oui ! Je me suis dit : « Oui ! Je pourrais, comme eux, comme elle, continuer à performer, montrer mes rides et mes plis, mon souffle court et mes muscles flasques, ma peau flétrie et mes poils blancs et nos infirmités
(comment écrivais-je « ça », jadis, dans mes Bimots ? :
Poumons / goudronnés – Cartilages / déconjugués – Reins / ensablés – Foie /engorgé – Vaisseaux / encrassés – Peaux / rides – cheveux / blancs – Poils / gris – Muscles / douleurs -Viscères / douleurs – Squelette / douleurs – Cervelle / mémoire)
La vieillesse est déjà une performance si elle est
exhibitionniste. Mais c’est une perf, à partir d’un âge certain, à la portée de tous.
J’ai vu Isou en slip Kangourou, Esther enrubannée de scotch transparent, et la grosse et vieille queue de Jerzy peinte aux couleurs de la Pologne, et moi, en ai-je assez fait, nu, des « Appels au linge » ! L’ange et L’un seul ou le lange et le linceul…
Donc, désormais je resterai vêtu, et assis, calme, derrière une table, pour lire clair, sobre, digne (à la rigueur : debout), vrai.
Le texte, lui, sera à poil & au poil – c’est du moins mon souhait et ma volonté.
Je laisse à mes amis et à mes ennemis, à mes chers infirmes plus ou moins diminués, leurs textes dits, agités & datés.

P.S. no 9
J’ai été souvent ridicule et normalement grotesque de 1962 à 2004 (inclus)…

P.S. no 10
(le + & le – ) C’est bien, que j’arrête la perf.
(le poëme en chair&en os et à cor&à cri ) :
de 5 à 5 000 personnes spectatrices-auditrices, je n’ai toujours qu’un public de 2 personnes :
l’une qui dit :
« Vous êtes obligé d’hurler tout le temps ?* »
et l’autre qui me confirme que j’ai inventé le poëme olfactif**.

——————–
* il vocifère, il faut s’y faire
** Ecfruiture
automne 2004

P.S. no 11
Voilà plus de quarante ans que je voyage à travers le monde pour voir du pays, rencontrer les gens, et je ne visite que des auditoires.

P.S. no 12
Si j’étais sincère (vrai-ment), je dirais que j’arrête la perf aussi, surtout, à cause du trac qui me brûle l’estomac et me ligote le cœur les jours qui précèdent et me rend
insomniaque la nuit d’avant.
automne 2005

P.S. no 13
Militant, prêcheur, représentant, depuis 1962 j’ai dit et remué ma poésie tout autour du monde, j’ai agi devant des foules et des déserts.
Je voulais convaincre par la confrontation avec eux, avec elles, avec tous. Les mettre en face de la poésie
en chair & en os et à cor & à cri.
Mais le monde est large, long, épais, dispersé ; trop traversé, trop desservi.
Et le monstre qui m’écoute, qui me voit n’a que deux oreilles mais mille langues : je renonce.
hiver 2005

P.S. no 14
Celui que j’ai oublié dans toutes les précédentes publications de cette note : éliminer de la performance « l’esprit potache » qui a pris naissance dans le livre de Georges Duhamel, Les copains, et que l’on voit souvent resurgir chez les meilleurs d’entre nous.

P.S. no 15
(las ! : docte & magistral)
Éviter aussi d’être l’un de ces artistes misérables qui rament toute une vie vers la célèbre-autre-rive-d’en-face pour faire du sur-place. Soyez où vous êtes ou sachez où vous allez.t.
printemps 2007

P.S. no 16
Pour mes déclara©tions je ne veux désormais, aucune béquille ni musicale ni électronique.

P.S. No 17
Pour le peu qui m’en reste, Eddy a changé ma vie, Eddy est un vénitien qui a rejoint, jadis, sa chérie à Marseille. Sa mère tenait le café de la Giarina dès l’entrée de la Biennale et Eddy a grandi – tous les deux ans – parmi tous ces artistes biennalisés…
Il a repris le café restaurant du mac ( musée d’art contemporain de Marseille), c’est de famille !
Et après ma dernière presta©tion avec une sono dégueulasse, des ordinateurs qui calent et éclatent, des sons qui meurent, Eddy est venu vers moi :
“Tu as une présence géniale, tu es un artiste énorme : tu ne dois plus accepter de travailler dans de telles condition avec du matériel pourri et des techniciens incapables”
avec un délicieux relent d’accent italien et de l’agréable flagornerie dans les adjectifs du propos.
Ma si ! Je ne travaillerai plus dans des conditions techniques modestes &/8 médiocres.
printemps 2009

P.S. No 18
Écrire avec expression, donc dire ou faire avec expression et par conséquent éviter ce qui est déjà a déjà été mieux écrit, mieux dit ou mieux fait auparavant avec une expression parfaitement exprimée.
Exprimée à fond, sous toutes ces manifestations.
(expression : locution & démonstration)

P.S. No 19
J’ai dit :
“ Bye-bye la perf. “ et je m’y tiens.
Je n’ai pas dit :
“ Bye-bye les déclara©tions “
“ Bye-bye les concerts et les improvisa©tions “
“ Bye-bye les expositions, les installa©tions et les dé monstra©tions “
“ Bye-bye les publica©tions “
Je suis désolé d’attrister ainsi celles&ceux ami(e)s chéri(e)s neufs ou moribonds qui pensaient que j’avais dit :
“ Bye-bye à tout ! “
été 2009

P.S. No 20
La performance devient un art de citations et encore la méconnaissance ou la mais-connaissance des intervenants ne leur permet pas de savoir ou d’affirmer qui ils citent !
Je suis vieux et trop connaissant voire reconnaissant.

P.S. No 21
Le vieux nomade aspire désormais à une neuve sédentarité… D’ailleurs où que j’aille, je rencontre des amis que je connais déjà et qui me connaissent aussi – mieux que je ne les connais, sans doute – ou d’autres plus jeunes qui nous ressemblent…
automne 2009

P.S. No 22
Je ne lis plus, je feuillette parce que je fais, c’est le fait d’écrire…
Printemps 2010

P.S. No 23
À 67 ans achevée, je vois bien que j’ai raté ma vie sportive !
Printemps 2010

Julien Blaine
(2002/2010)

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ELEMENTS

Julien BLAiNE est né en 1942, à Rognac, au bord de l’Étang de Berre, flaque de mer jadis bleu-azur, aujourd’hui marron glacé. Il vit à Ventabren et à Marseille et nomadise le plus possible.
Dénommé aussi Christian POiTEViN (patronyme) et d’une ribambelle d’autres noms.
ÉDITEUR de Doc(k)s et d’une ribambelle d’autres périodiques.
AUTEUR de 13427 poëmes métaphysiques et d’une ribambelle d’autres livres et catalogues.
EXPOSANT de « du sorcier de V. au magicien de M. » et d’une ribambelle d’autres expositions.
A présenté en mai 2009 une importante exposition au [mac] Musée d’Art Contemporain de Marseille : un Tri.
ORGANISATEUR des Rencontres Internationales de Poésie de Tarascon et d’une ribambelle d’autres manifestations.
FONDATEUR du Centre International de Poésie de Marseille (C.I.P.M.) et d’une ribambelle d’autres espaces culturels.
CHANTIERS EN COURS : la poésie n’intéresse personne, la 5ème feuille ou l’écriture originelle, le Verssicône, Chom’art, Confidences d’Églantin, Text’art, Ihali, &c.

La vie & la phrase continuent…

Pour en savoir plus :
www.documentsdartistes.org/blaine

Playlist # 3 (fin)

1 – James Burton / Elvis Presley – As Recorded at Madison Square Garden – RCA / BMG
2 – James Burton / Elvis Presley – Elvis Live in Las Vegas – RCA / BMG
3 – James Burton / Elvis Presley – That’s The Way it Is – RCA / BMG
4 – James Burton / Elvis Presley – Raised on Rock – RCA / BMG
5 – James Burton / Elvis Presley – Moody Blue – RCA / BMG
6 – James Burton / Elvis Presley – Aloha from Hawaii Via Satellite – RCA / BMG
7 – James Burton / Elvis Presley – On Stage – RCA / BMG
8 – James Burton – The Guitar Sounds of James Burton – A&M records
9 – James Burton / Elvis Presley – Recorded Live on Stage in Memphis – RCA / BMG
10 – James Burton & Ralph Mooney – Corn Pickin’ and Slick Slidin’ – Sundazed / EMI
11 – James Burton / Gram Parsons – GP / Grievous Angel – Reprise Records
12 – James Burton / Emmylou Harris – Elite Hotel – Reprise / Rhino
13 – Larry Carlton – Sleepwalk – Warner Bros.
14 – Cornell Dupree / Donny Hathaway – Live – Atlantic Records
15 – Pee Wee Crayton – Things I Used to Do – Vanguard Records
16 – Don Rich & the Buckaroos – Country Pickin’ / The Don Rich Anthology – Sundazed / EMI
17 – Wah Wah Watson – Elementary – Sony Music Media
18 – Ted Nugent – Double Live Gonzo – Epic Records
19 – ZZ Top – Fandango – Warner Bros.
20 – Mike Stern / Steps Ahead – Live in Tokyo 1986 – NYC Records

——
ECOUTER

La playliste de Noël Akchoté est proposée en mode lecture (pas de diffusion sur webSYNradio). A charge pour chacun de se procurer les albums…
Lire la partie 1 de l’entretien pour comprendre ce qui motive ce choix éditorial.

——
ENTRETIEN

PUISSANCE DE LA MUSIQUE / DES PRATIQUES, UN QUOTIDIEN (# 3/3)

Noël Akchoté, Dominique Balaÿ, octobre 2009

A l’occasion de sa participation à webSYNradio, Noël Akchoté a bien voulu se prêter à un entretien pour « servir » ses playlistes. L’entretien s’est déroulé par écrit, au gré d’un échange de mails très chaleureux courant octobre 2009. Il a donné lieu à une publication en trois parties (correspondant aux trois playlistes, lire la première partie ,  lire la deuxième partie ) dans la revue Droit de Cités tout au long de 2010.
Voici donc la troisième et dernière partie de l’entretien… DB

Dominique Balaÿ   » Pour s’entendre soi même : pour se retrouver ? Ou pour s’entendre soi même « autre ». L’expérience de l’altérité est-elle possible en musique ?

Noël Akchoté : Non, sans même aller jusque là, juste pour s’entendre au sens le plus pratique, premier, simple (simpliste) du terme –  » Un Homme & Une Femme : Je ne dis pas non, un homme et une femme peuvent très bien s’entendre, du moins peuvent-ils s’entendre crier, en tant que tels. » (Lacan) – tout à fait dans ce sens là de l’entendement. D’ ailleurs si je dis cela c’est parce qu’ensuite dans ta question, la seule véritable altérité, absolument nécessaire, radicale, c est pour moi celle des hommes et des femmes. Irréductible, centrale, … Une femme n’est pas un homme, elle peut être avec, contre, sans, mais elle ne peut pas plus que l’homme être l’autre. C’est tout l’intérêt de la « chose » quand-même. Tout ce que deux êtres dissemblables peuvent tenter de commun, de communauté, d’unique à leur état d’altérité « partagé ». L’altérité de soi à soi c’est au mieux la schizophrénie («je suis un schizophrène qui a réussi, je n en ai pas de symptômes » – Lacan encore), c’est sinon juste de la cuisine interne, si ça permet des choses tant mieux pour l’individu, le plus souvent ça ne permet pas grand chose, ça bloque surtout je crois. L’artiste n’est « premier degré » que pour les diverses autorités universitaires, de presse, historiens, sociologues, critiques, … mais pour lui il en va tout à fait autrement, c’est net à la pratique (d’où mon titre de Quotidiens et Pratique). L’artiste est au contraire totalement multiple d’être justement entièrement un. Sans cela c’est l’asile immédiatement, ça ne serait pas un instant soutenable comme position si ça devait être une expérience premier degré. – S’entendre soi-même veut dire ici que ces quotidiens de travail de l’artiste lui serve justement a fabriquer des objets qu’il avait envie d’entendre, de voir, de lire au premier chef. C’est son propre et premier client, auditeur, lecteur. Et pour cause, une œuvre (il ne s’agit que de cela, un artiste produit des œuvres, rien d’autre, le reste c’est du folklore pour hagiographes ou gens de mauvaise foi), est un objet, une chose (un It en anglais, something, a thing).Si c’est un véritable artiste, cette chose (une crotte, un bon mot, une mélodie, selon …) vaut précisément pour toutes et tous. Cela a une certaine valeur universelle, cela dit justement quelque chose des autres, aux autres.

DB: Toujours cette question de la puissance, qui se pose peut être autrement : ce que peut le cinéma, ce que peut la musique, ce que peut la poésie, ce que peut la philosophie, est-ce la même chose. J’ai l’intuition que non ?

NA : Le terme de puissance, de pouvoir, de force ici, je ne le comprends pas en fait (je fais aussi exprès mais je parle du fond plutôt, je ne le comprends pas dans le fond). Ce qu’une œuvre « peut » c’est ce qu’elle provoque dans chacun (exit les histoires de « gouts » qui n’ont aucun intérêt ni aucune prise sur une œuvre, c’est des affaires personnelles çà les gouts, cela importe peu sauf pour celle ou celui qui voudrait en avoir, de peur justement de se faire prendre par cette supposée « puissance»). Si tu dis Poésie, Cinéma, Musique par exemple, chacune de ces formes artistiques sont effectivement structurellement, intrinsèquement, originellement différentes ( mais là aussi attention, l’ histoire prouve très bien que les choses ne furent pas ainsi il y a vingt ou trente siècles, que les choses évoluent, les fonctions, les perceptions etc. tout bouge – le XXème siècle a clairement sur-investi l’ archive, l’ autographe, la pièce unique, l’écrit aussi terriblement : La manière d’ éditer, de jouer, d’ approcher une partition de musique classique depuis 50 ans, n’a rien à voir avec ce qu’elles furent originellement, c’est là aussi très clair – de même que toutes les traductions sont à refaire sans cesse.). La forme de ces arts est une chose effectivement (ne serait-ce que par leur moyen de consommation, ou les besoins requis pour y accéder, mais là aussi de gros changements arrivent depuis le web), mais le fond me semble relativement très proche. Il faut savoir faire le ménage, le tri, aller au fond justement. A moins d’avoir, comme je le disais précédemment, une utilisation strictement sociale des arts (genre la Litho dans la chambre de l’hôtel Mercure, ou les rayons de CD pour montrer dans le salon quand les copains viennent, etc.). Une œuvre c’est drôlement bien foutu, extrêmement cohérent (de manière consciente ou pas). Cela se tient ou cela ne se tient pas auquel cas cela ne durera pas longtemps. Vraiment aucune inquiétude. La seule « Puissance » de l’œuvre que je peux voir c’est sa capacité unique à nous parler au présent, qu’elle date de cinq siècles ou de la semaine dernière. La mode se démode par définition, les œuvres pas, par définition de même.

DB : Mais je n’avance pas ce terme de puissance tout à fait dans ce sens là. Ce que peut la littérature, selon Maurice Blanchot par exemple : la littérature est une expérience de l’impersonnel et de l’impassible. La littérature peut l’impersonnel et l’impassible. De même, La philosophie peut l’amitié, la gaité. La poésie peut l’intensité, la métamorphose.

NA : Ce sont des « mots sur des choses ». L’impersonnel, l’impassible, c’est l’artiste justement. C’est une position qui rejoint tout à fait celle que je définis, faite de  » quotidiens & pratique ». En musique on veut toujours voir l’artiste comme « lui-même » alors que le musicien est aussi joueur qu’un auteur, qu’un comédien, etc. … on sait très bien que l’autofiction n’existe pas ou ne veut rien dire. Une ado qui raconte sa vie dans un cahier ou sur un blog cela n’a aucun intérêt en tant que tel sauf à une seule et unique condition : qu’elle raconte justement la vie qu’elle voudrait avoir, et où forcement des pans entiers de sa vie transparaitront, mais aussi des pans entiers de ce qui est précisément et profondément elle-même. On le sait très bien en histoire, les archives sont centrales mais le roman a toujours été plus fort et plus prenant pour dépeindre des réalités passées. La littérature peut être la gaité (je lis Caradec en ce moment par exemple), la musique l’impassible (voire Dokyo ou d’autres musiques du silence), et la métamorphose, des acteurs font cela très bien aussi. La poésie peut-elle être l’humour ? Mais bien sur ! Thomas Bernhard, Schopenhauer, Nietzsche, c’est hilarant, là où Manchette, Céline ou Ionesco sont plus graves.

DB : Je tourne encore autour de cette question (quelle est la puissance de la musique : que peut la musique ?) avec un autre exemple : la phrase inscrite sur l’étui de guitare de Woody Guthrie : « This Machine Kills Fascists », j’y entends sous le sens des mots (machine, tue, fasciste) et avant même que ces mots prennent sens, une puissance, l’expression d’une pure puissance, portée à bout de bras et qui trouvera son acte , son sens, sa pratique… une chanson par jour.

NA : Puissance pour l’utilisateur, Woody Guthrie dans ton exemple certainement : puissance en général, j’en doute. Je ne sais pas, selon moi, Paul Veyne est puissant, Topor est puissant, Depardieu est léger, Hendrix est lunaire, Django joueur, Grappelli subtil, Monk lumineux, Guignard chiant, Angot vide, Jean-Pierre Foucault me fait penser à Molière et il a se mérite de ne jamais se cacher, etc. A propos de Woody Guthrie, ce que tu dis être puissant chez lui, c’est une phrase au fond, pas sa musique ni ses chansons. Guitaristiquement parlant si on veut rentrer là dedans, c’est faible mais cela n’est pas tellement son sujet non plus, c’est peut être marquant historiquement, ou important en tant que sens commun, de ce que cela signale tout en le réduisant à une sorte de drapeau d’un moment, et encore localement. Léo Ferré n’était pas plus d’actualité à l’époque qu’aujourd’hui et pourtant c’est d’une actualité intime folle, tous les jours.  » Paris je ne t’aime plus » cela devait s’appliquer en 1792 comme en 2010, j’en suis certain. Si on essaie encore de se dépatouiller de cette « puissance », moi je dirais avant tout que la musique est « utile » et même parfois nécessaire. Ne serait-ce que parce que rien ne la remplace, on n’a pas cherché d’ailleurs, mais on n’aurait pas trouvé non plus.
C’est différent pour le cinéma : il y avait l’opéra avant, il y a maintenant les jeux vidéos, par exemple, cela peut changer- le problème actuel du cinéma (mais cela vaut pour beaucoup d’autres formes artistiques actuellement je pense) c’est qu’il est devenu du  » cinéma de cinéma », c’est très nostalgique avant même d’avoir vu les images, çà joue au cinéma, c’en est parfois, çà se prend d’avance pour un film. Cela peut tout à fait disparaitre sous cette forme, on n’est pas inquiet, cela reviendra sous une autre, comme toujours. La littérature non plus je ne vois pas qu’elle puisse être remplacée par autre chose, c’est la voix, la littérature, elle passe par l’écrit mais reste une voix. La philosophie idem, on peut y aller, elle sera là jusqu’à la dernière seconde. Le jazz a bien disparu, le blues aussi, la musique classique a été enterrée pour ce qu’elle était puis tous ces styles se sont transformés, il n’y a qu’à regarder un peu mieux de plus près, on verra bien que Sinatra, c’est Eminem. Gainsbourg c’est un individu unique mais j’en suis certain dans les 50 ans à venir on en verra un autre, autrement, mais peut être aussi fort, puissant. Prince, c est Duke Ellington, Britney il y en a eu depuis le départ de l’Entertainment américain, des mieux, des nettement pires aussi.

DB : Une chose que je soupçonne : la musique – comme le cinéma – est à un moment donné un art d’être ensemble, mais pas au sens commun lié aux situations de concert, plutôt au sens fort de coexistence, d’alliance (un peu plus que s’accorder donc) – partager le même plateau, un même espace : en quoi jouer avec un autre, avec d’autres, est-ce important, essentiel pour toi ? Qu’est ce qui se joue là ? S’agit-il de la même expérience avec tous ?

NA : Mais l’art ne parle qu’à l’universel, à tous, pour toujours, presque à l’infini et dans l’absolu. Donc il y a de l’ensemble là dedans forcement, que chacun s y retrouve ou pas. Les œuvres sont là, on peut mettre des décennies à les reconnaitre, parfois ne jamais les rencontrer, d autres fois les prendre dans la gueule littéralement, la fonction de miroir de l’œuvre est sa nature. Il y a ce coté dans toutes les grandes œuvres de te tutoyer toi, en tant qu’individu dans le groupe (qu’on y soit ou pas, qu’on veuille participer ou pas, on y est, la communauté des hommes cela n’est pas des mots uniquement, c’est tout a fait concret). Moi qui me lève très tôt pour marcher dans les rues de paris vers 6h, je marche au coté d’autres, les classes sociales à cette heure là sont tout à fait évidentes, on voit qui va où, pour quelles raisons, quels sont les destins, les métiers. J’y suis tout seul entouré de plein d autres, je n’y suis pas par hasard non plus. Il y a une compréhension de l’autre, au sens du « prendre avec » (con-prendre). Il n’y a d’altérité que si l’autre veut vous forcer à être comme lui sinon c’est bien normal que l’autre ne soit pas vous. Ensuite jouer avec d’autres, c’est aussi un métier, cela se fait dans un cadre qui a ses règles, ses rituels, un minimum de « commun » pour pouvoir le faire, que cela marche ou pas. C’est intéressant si vous allez voir une pièce de théâtre, de la danse, de l’opéra plusieurs représentations d’affilée, vous verrez que la même pièce, les mêmes interprètes dans un même lieu, au fil des soirs ne produit pas du tout le même spectacle. Deux personnes vont parler d’un même spectacle alors qu’ils en ont vu deux très différents dans le déroulement, le rythme, les enchainements. Un quatuor de Beethoven selon qui le joue cela peut n’avoir rien à voir. Il y avait cette émission passionnante sur France Musique, La Tribune de FM où l’on pouvait entendre dix versions différentes d’une même œuvre, et à la limite l’œuvre passait au second plan face aux interprètes. Si Glenn Gould joue Gibbons ou Bach, cela n’est ni Gibbons ni Bach. Il suffira d’écouter la même pièce par Scott Ross puis Alfred Brendel puis un enregistrement du début du siècle par exemple. L’œuvre a son intégrité, sa pensée, son intelligence, l’interprète aussi, ou pas. De même, lire un livre cela n’est pas le comprendre ou être en empathie, c’est déjà et avant tout le lire en tant que tel. En musique souvent face à une partition on ne comprend rien, c’est que l’on n’accepte pas d’ aller plus loin et de laisser le compositeur vous dire tout ce qu’il a mis dans sa composition. En tant qu’interprète il s’agit de se prêter à l’œuvre, on en est son véhicule, on est là pour faire le haut parleur et le décodeur éventuellement. On est parlé par l’œuvre…

DB : …Tout est là – « on est parlé par l’œuvre » – dans cette tournure passive : cette puissance de la musique ou de la voix qui me retourne…

NA : C’est central effectivement – en tant qu’ « artiste » (et le mot n’est pas mon préféré mais bon, c’est commun , cela permet de voir en gros où cela se passe ) , toutes ces histoires romantico-dilettantes-lyrico sont souvent fatigantes tant elle ne correspondent pas à la réalité de ces quotidiens – on est là pour que des œuvres puissent s’exprimer en tant que telles – régulièrement on trouve bizarre que des artistes aient des vies très réglées, tous les jours pareil, à remettre les choses sur la table, mais c’est automatiquement ce qu’il se passe quand tu entres la dedans…. Pour en revenir à ton expérience de l’autre dans le jeu, on ne peut faire l’expérience de cet autre qu’en étant à sa place déjà. Ceci dit toutes ces formes artistiques, et les arts de la scène en particulier, sont aussi un métier avec ses techniques, ses quotidiens. On peut tout à fait jouer avec des gens avec qui on ne passerait pas une heure, cela marche très bien, tant que l’autre s’en tient à son rôle je veux dire. On peut aussi se sentir très proche d un autre interprète et rater totalement du coup la pièce. Lorsque vous avez un partenaire sexuel par exemple, rien n’est garanti d’avance, il ne suffit pas d avoir envie du même coït, d’être d’accord sur le principe, sur ses effets pour que çà colle. Il y a de tout dans la sexualité, toutes les surprises, réussites sur le moment comme ratages sidéraux. Ce n’est pas de se sentir proche qui va forcement vous envoyer en l’air, au contraire, même çà peut tout à fait inhiber l’acte chez l’un des deux. Cela ne me semble pas très différent en musique ou dans le métier de musicien. La seule chose que je peux voir c’est le fait que tout de même les grands artistes sont des gens assez au clair avec toutes ces choses là. Une Longue expérience, de nombreuses réflexions sur le sujet vous permettent de savoir faire le tri entre tous les affects qui vous arrivent, éventuellement de laisser jouer la fonction seule si le reste ne marche pas, c’est un métier, clairement aussi.

DB: Tu as eu l’occasion de jouer avec Laurent Chambert à la société de curiosités : comment c’était ce soir là ?

NA : Une vraie rencontre sur l’instant, le vif mais de fond aussi. Celles que je préfère en somme. En fait dès le départ, il y a une histoire, et cette courte histoire peut avoir valeur d’exemple : j’avais rendez-vous à République dans un café au printemps dernier un après-midi et devais me rendre dans la soirée à une répétition de « Poésie B », je voulais manger un truc sur la route avant et je remonte vers Oberkampf pour prendre le métro à Parmentier. Dans les escaliers un jeune type qui sortait me demande si je ne suis pas moi-même, et m’explique qu’il aimerait m’inviter à un dispositif-projet de concert dans un nouveau lieu. On se reparle au mail, on trouve une date et ce soir-là, après le concert je parle avec un tas de gens dont assez longuement avec Laurent sans savoir qui il est, mais une personne s’impose dans la discussion très vite (Marie Möor, ce qui me ramène à mes débuts 25 ans plus tôt, et à Barney Wilen). Un peu plus tard Laurent me propose de participer à un projet avec lui dans ce même lieu, et comme avec toi ici, je fais un peu exprès de ne pas trop en savoir mais de laisser la rencontre se faire. En général, j’ai une confiance totale dans ce genre de carambolages, surtout si la personne en face te demande pour une raison ou une autre, je laisse l’autre avoir ses raisons de le faire et je réagis au désir de l’autre tout simplement. C’est un peu toute l’histoire de ma vie, tout s’est toujours fait accidentellement comme cela, c’est à dire « par hasard », donc sans le moindre hasard justement. Tout cela fait sens, même si cela peut prendre de longs moments avant de s’en rendre compte. On vient vous chercher, ou des rencontres se passent, à partir du moment où vous y êtes totalement ouverts. Les mêmes personnes à un autre moment, vous pouvez très bien être en face mais ne jamais les rencontrer. C’est récurrent chez moi ce type de rencontres, parfois en quelque secondes je peux me retrouver dans une situation qui va profondément changer ma vie, l’instant d’avant je n’en savais rien, et pourtant cela ne tombe jamais au hasard, cela arrive toujours à un moment central pour moi. Parfois ce sont des gens totalement anonymes, d’autres fois, des gens tout à fait célèbres mais que je ne reconnais pas (ou je peux même refouler dans ce cas là et ne pas me rendre compte de qui est qui). Le désir est communicatif, très clairement. Avec Laurent c’était très simple, il m’a invité à venir participer à son projet en tant que tel. Nous nous sommes rencontrés quelques heures avant, nous sommes allés prendre une bière pour parler un peu mais sans nécessairement détailler ce que nous allions faire le soir, et puis nous l’avons fait. Dans ce genre de rencontre, je cherche une sorte de lieu de partage entre la proposition de l’autre et mes intérêts du moment. Je sais que si j’avance une ligne, ne serait ce que d’être là ensemble à le faire, elle va me permettre d’appréhender le travail de l’autre. En gros j’ouvre un cadre, un champ, où le travail de l’autre va se révéler à moi, il ne s’agit pas de courir après l’autre, ça ne marche pas du tout. Il faut accepter que deux lignes se déroulent simultanément, si elles font sens ensemble, le sens se fera jour tout seul. Nous sommes là pour soutenir cela, pas pour le créer, pas pour le forcer non plus. Cela peut sembler un peu flou, mais c’est véritablement aussi simple que cela. Je parlais de religieux plus haut, mais il y a dans l’histoire des hommes des termes premiers que tout le monde reconnaît si on les pose, alors que pourtant chacun en a une expérience radicalement intime et différente. Ces mots, que ce soit Dieu, La Mort, La Vie, L’Amour, nous sont centraux d être justement indéfinissables, ou plus littéralement, à redéfinir à l’infini, pour chaque individu. Il y a dans la musique des choses qui ressemblent de très près à cette recherche, il y a donc aussi comme ailleurs, des gens qui ont trouvé des réponses, d’autres qui n’en veulent pas, d’autres pour qui seul le chemin compte etc. … mais la démarche est assez proche. La « quête » aussi.

Post-scriptum – Noël Akchoté

NA : Voila, en guise de conclusion, j’aimerais revenir sur ce titre qui oppose au départ (mais c’est le sens du dialogue justement), une « puissance de la musique » à des « quotidiens et une pratique ». Je n’oppose en rien les effets que produisent les œuvres au travail qu’elles nécessitent au quotidien : une pratique. Je dis simplement que  » faire » des œuvres est un travail qui vous permet justement de poser des faits, du sens, des images tout à fait précises et non pas des « révélations », des moments lyriques d’inspiration ou d’ affects. Il y a quelque chose dans le travail de l’artiste qui peut se rapprocher du travail de l’analysant dans une cure, tout est dedans mais tout n’est pas lisible, accessible, ordonné pour l’individu même si tout est absolument ordonné pourtant. C’est comme un sculpteur qui reçoit un bloc de pierre, il va falloir qu’il fasse émerger l’œuvre du bloc, mais l’œuvre est déjà là, présente en lui, le reste demande un quotidien, une pratique, donc un métier aussi. Cet aspect des choses, il suffit de lire les nombreuses correspondances d’artistes pour le voir, ils ne parlent que de cela. Il y avait récemment une série d’émissions autour de Simenon où il donnait sa définition de l’écrivain : un écrivain, c’est quelqu’un qui passe toute la matinée à ajouter une virgule, et toute l’après-midi à l’enlever.

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ELEMENTS

Noël Akchoté est un guitariste français né à Paris le 7 décembre 1968. Du jazz à l’improvisation, en passant par la chanson, le rock ou la variété, son parcours et ses pratiques permettent difficilement de lui attribuer un style précis, pas plus qu’une appartenance à un courant ou à un milieu musical spécifique…

Discographie et bibbliographie de Noël Akchoté sur wikipedia
Textes de Noël Akchoté dans la revue SKUG
La playliste de Noël Akchoté dans les programmes non déterminés de la société de curiosités

Quelle est la relation entre la politique et les entités culturelles en Europe aujourd’hui ?

Ce programme comprend un entretien qui réunit les membres de la plateforme moscovite ChtoDelat, notamment OxanaTimofeeva & d’autres participants.

Version inédite issue des programmes donnés par David Goldenberg sur Résonance FM,
http://resonancefm.com

OxanaTimofeeva

OxanaTimofeeva est actuellement chargée de recherche à la Jan van Eyck Academy, Maastricht, Pays Bas.

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Première écoute : jeudi 23 décembre à 12h, 15h, 19h, et 00h, jusqu’au 30 décembre mêmes horaires

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ELEMENTS

David Goldenberg est un artiste , curateur et théoricien anglais. Il vit à Londres. Des éléments complets sur le travail de D.Goldenberg sont présentés dans les ouvrages parus chez Thames ’s and Hudson « Installation art » et “New media in late 20th century art » .

Chtodelat est une plateforme fondée en 2003 par un collectif d’artistes, critiques, philosophes, écrivains originaires de Moscou, Saint Petersbourg et Nizhny Novgorod, dans le but de faire émerger des éléments d’échange sur les plans théorique, artistique et  militant.

Le collectif édite un magazine bilingue anglais-russe dont la ligne éditoriale insiste sur la nécessaire re-politisation de la vie intellectuelle russe dans le contexte international. L’édition de ce magazine accompagne le plus souvent des conférences ou des projets artistiques.

Les principaux contributeurs et participants sont : Olga Egorova/Tsaplya (artiste, St-Petersbourg), Artiom Magun (philosophe, St -Petersbourg), Nikolai Oleinikov (artiste, Moscou), Natalia Pershina/Glucklya (artiste, St-Petersbourg), Alexei Penzin (philosophe, Moscou), David Riff (critique d’art, Moscou), Alexander Skidan (poète, critique, St-Petersbourg), Kirill Shuvalov (artiste, St-Petersbourg), OxanaTimofeeva (philosophe, Moscou), et Dmitry Vilensky (artiste, St-Petersbourg).

http://www.chtodelat.org
http://www.chtodelat.org/images/pdfs/Chtodelat_09.pdf

Site de David Goldenberg : www.postautonomy.co.uk

BLUES WITH BEER, TABLE AND CHAIR …

1/ Michael SNOW : « Blues with Beer, Table and Chair »

2/ SCANNER :  « The THREE Women »

3/ Ilhan MIMAROGLU  « Coucou Bazar »

4/ Lionel MARCHETTI  «  Le chemin du chaman »

5/ Jean-Claude RISSET  « Sud »

6/ Trevor WISHART  « Red bird »

7/ Taylor DEUPREE :  « Live in Madrid »

8/ Meredith MONK :  « Rally »

9/ Bernard PARMEGIANI :  «  L’œil écoute »

Christian Zanesi

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Première écoute : jeudi 30 décembre 12h, 15h, 19h, et 00h, jusqu’au 6 janvier mêmes horaires

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Christian Zanesi est né à Lourdes en 1952, il commence sa formation musicale à l’université de Pau avec Marie-Françoise Lacaze et Guy Maneveau, et poursuit au Conservatoire de Paris avec Pierre Schaeffer et Guy Reibel. En 1977 il entre au Groupe de recherches musicales (GRM). Il y pratique tous les métiers du son et multiplie les expériences, les réalisations et les rencontres.
Il est à l’origine de nombreux projets dans les domaines de la radio, des publications et des manifestations musicales, notamment : l’émission Electromania sur France Musique, le festival Présences électronique et les coffrets CD « Archives GRM », « Bernard Parmegiani, l’œuvre musicale », « Luc Ferrari, l’œuvre électronique ». Christian Zanési est enfin cofondateur de l’association Ars Sonora, qui a pour but la diffusion et l’illustration des musiques électro-acoustiques, et qui fait notamment paraître une revue électronique trimestrielle, Ars Sonora Revue.

Il a écrit entre autres : Eclisses (1978), La Nuit Rebis (1979), Trois devinettes à écouter pendant l’orage (1980), Arkheion, les mots de Stockhausen (1955), Toto Valse (1966), ainsi que pour le cinéma (bandes-son des longs-métrages d’animation de René Laloux) et pour le théâtre (musiques des spectacles de François Joxe).
Depuis les années 1990 il compose dans son home studio et puise son inspiration dans la rencontre poétique avec des sons remarquables.

Il est aujourd’hui le directeur adjoint du GRM de l’Ina.

+ sur wikipedia

Playlist

1/
Listening To The Higsons – Robyn Hitchcock – Invisible Hitchcock

2/
Jammin’ With Top Dollar – Endless Boogie – Focus Level

3/
Gimme The Awesome – Endless Boogie – Focus Level

4/
The Manly Vibe – Endless Boogie – Focus Level

5/
Unknown – Unknown – Cambodian Rocks

6/
Ja, Ja, Ja, Nee, Nee, Nee - Martin Kippenberger – Beuys Best

7/
Way I Love – Mike Fellows – Limited Storyline Guest

8/
Sweetwaterfishes – Sara Glaxia – Flesh Records

9/
Commander 0f Space – Mike Fellows – Limited Storyline Guest

10/
Unknown – Unknown – Cambodian Rocks

11/
Dragonfly – Dead Meadow – Dead Meadow

12/
Lady – Dead Meadow – Dead Meadow

13/
Unknown – Unknown – Cambodian Rocks

14/
Low Lifes – Endless Boogie – Focus Level

15/
Sleepy Silver Door – Dead Meadow – Dead Meadow

16/
Yeah, I Know – C.R.E.E.P – Flesh Records

17/
Overwhelmed – K8 Hardy – Flesh Records

18/
Ja, Ja, Ja, Nee, Nee, Nee - Martin Kippenberger – Beuys Best

Pia Dehne – Eve of Destruction – Thursday, June 3rd to Sunday, July 18th, 2010 -  blackstongallery.com

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Première écoute : Jeudi 24 juin 18h, puis jusqu’au 1er juillet 12h, 18h, 00h, 6H

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ELEMENTS

Née à Düsseldorf (Allemagne), Pia Dehne est diplomée de l’école d’art de Düsseldorf où elle a étudié dans la classe de Markus Lüpertz. Pia Dehne s’installe à Berlin, et après sa deuxième exposition personnelle à la Galerie Kubinski, déménage à New York où elle vit et travaille actuellement. Elle a exposé son travail internationalement lors d’événements comme « What About New York? » à la Galerie du Jour à Paris en 2003, la présentation de son livre de dessins, I’m so happy I could die, par John Connelly à New York et Laura Mars Group à Berlin en 2003.

Le travail de Pia Dehne a fait l’objet de plusieurs expositions personnelles à New York : Naked City en 2004 (Deitch Projects) et Country Life en 2008 (Blackston Gallery).

Parmi les expositions de groupes récentes : For Your Eyes Only (De Markten, Bruxelles), et Hunt & Chase (James Salomon Contemporary, East Hampton) en 2010.

Toutes les infos sur le site de l’artiste : www.daysonearth.net

Born in Düsseldorf, Germany, Pia Dehne received her Master of Fine Arts from and studied under Professor Markus Lüpertz at the Düsseldorf Art Academy. Pia Dehne later lived in Berlin, and after her second solo exhibition there in 1999 at Galerie Kubinski, she moved to New York, where she currently lives and works.

She has exhibited in international venues such as Galerie du Jour in Paris 2003, What About New York?, and her book of 80 drawings, I’m so happy I could die was launched at John Connelly Presents in New York and shown at Laura Mars Group in Berlin during 2003. Dehne’s work has been the subject of  several solo exhibitions in New York including her first solo show, Naked City in 2004 at Deitch Projects, and Country Life at Blackston Gallery in 2008. Recent group exhibitions include the shows For Your Eyes Only at De Markten, Brussels, and Hunt & Chase at James Salomon Contemporary, East Hampton in 2010.

For more information visit the artist’s website

www.daysonearth.net

websynradio – programmed by Carl Stone

1
Introseduction: Sexcha / 4:43 / Sonambulations / By Ros Bobos Ros Bobos
2
Lost Signals And Drifting Satellites / 8:20 / Lost Signals And Drifting Satellites / George Kentros / Annie Gosfield
3
Darkness Moves / 4:56 /Vibro 01 / David Toop
4
you had not changed but your cam… / 23:41 / you had not changed but your cam… / Tanner Menard
5
Dynasty Suites 1 / 22:36 / Dynasty Suites / Joseph Hammer
6
Yyyoooooo,Yyooooohhh,Yoooooh,Y… / 1:23 /Wild Why Wobbly
7
Yo Yo Yo Yoyo Yo, Hey… / 1:01 / Wild Why Wobbly
8
Uhh, Hey Eh. Check It Check It / 1:54 / Wild Why Wobbly
9
Damn I Can’t Go Uh-Uh, No! / 1:25 / Wild Why Wobbly
10
Rather, Uh Uh Uh . What ? What ? Uh / 1:39 / Wild Why Wobbly
11
All Day Long, Song After Song / 0:55 / Wild Why Wobbly
12
Booster / 4:55 / Night Science / Ben Neill
13
The Night Has Many Hours / 4:22 / The Night Has Many Hours / Roger Kleier
14
Gild / 1:56 / Kamiya Bar / Carl Stone
15
Axis / 6:24 / Kamiya Bar / Carl Stone
16
Young Jump / 4:30 / Kamiya Bar / Carl Stone
17
Big Gold / 4:56 / Kamiya Bar / Carl Stone
18
Cue / 9:15 / Kamiya Bar / Carl Stone
19
Cooking Papa / 10:38 / Kamiya Bar / Carl Stone
20
Val / 12:40 / Kamiya Bar / Carl Stone
21
Treads Echoing Far Away From Sea … / 7:18 / Saunter Chihei Hatakeyama
22
Transmission from Gemini / 6 8:30/ Untitled (December 2009) / Yann Novak
23
The Memory Palace / 8:16 / Untitled (December 2009) / Robert Crouch
24
Nyala: first section / 13:06 / Em:T1196 / Carl Stone
25
Nyala: second section / 3:34 / Em:T1196 / Carl Stone
26
Nyala: third section / 22:32 / Em:T1196 / Carl Stone
27
Nyala: fourth section 13:04 Em:T1196 / Carl Stone
28
Let All Mortal Flesh Keep Silence / 3:02 / Hmm / David Toop
29
Ryumon / 5:38 / Unreleased / Carl Stone
30
Suisei / 41:35/ Suisei / Yui Onodera
31
Shing Kee /15:36/ Four Pieces/ Carl Stone
32
Attari/ 19:45/ Unreleased/ Carl Stone
33
The Ghosts on Windows / 11:56/ Nakadai / Chas Smith
34
I Understand, Peter / 2:21 / Sonambulations / By Ros Bobos Ros Bobos
35
It Burn With It Burn, Burn, Take It, … / 0:28 / Wild Why Wobbly
36

Do It. Eat Me Raw, Stop It. Eat Me R… / 1:27 / Wild Why Wobbly
37
Can’t Stop It, Can’t Stop It, Can’t St… / 1:31 / Wild Why Wobbly
38
Puddle. Uh. Uh Uh Uh Uh Uh. Puddle. / 2:33 / Wild Why Wobbly
39
Don’t Stop, Don’t Dont’ Stop, Don’t … / 3:19 / Wild Why Wobbly
40
Usunibi / 4:24 / Odori Radical Fashion & /Carl Stone
41
01nagoya-sinkansen / 0:44 / Summer Tour Vol2 / Sawako
42
02tokyo-shimokita / 1:14 / Summer Tour Vol2 / Sawako
43
14cologne-sunday / 5:58 / Summer Tour Vol2 / Sawako
44
03canada-towardMUTEK / 0:31 / Summer Tour Vol2 / Sawako
45
04paris-children / 1:08 / Summer Tour Vol2 / Sawako
46
05paris-stationloop / 1:11 / Summer Tour Vol2 / Sawako
47
06bordeaux-washing / 0:19 / Summer Tour Vol2 / Sawako
48
07barcelona-practice / 1:32 / Summer Tour Vol2 / Sawako
49
08swiss-dinnerbell / 1:38 / Summer Tour Vol2 / Sawako
50
09swiss-nakaniwa / 1:06 / Summer Tour Vol2 / Sawako
51
10netherlands-reharsal / 1:16 / Summer Tour Vol2 / Sawako
52
11belgium-mizuame / 1:42 / Summer Tour Vol2 / Sawako
53
12belgium-macDemo / 0:36 / Summer Tour Vol2 / Sawako
54
13germany-industrialpark / 0:58 / Summer Tour Vol2 / Sawako
55
15UK-transit / 1:44 / Summer Tour Vol2 / Sawako
56
16lisbon-ambience / 1:04 / Summer Tour Vol2 / Sawako
57
17lisbon-frog 0:21 / Summer Tour Vol2 / Sawako
58
18lisbon-flute 1:18 / Summer Tour Vol2 / Sawako
59
19berlin-midnight / 1:08 / Summer Tour Vol2 / Sawako
60
20berlin-window / 3:07 / Summer Tour Vol2 / Sawako
61
22italy-station / 2:34 / Summer Tour Vol2 / Sawako
62
23Brooklyn-coolSummer / 0:42 / Summer Tour Vol2 / Sawako
63
Cranes Fly West 050506 / 11:57 / Threshold Richard Lainhart
64
Woo Lae Oak / 53:49 / Woo Lae Oak /  Carl Stone

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Premières écoutes les : Jeudi 18 mars à 12h et minuit  puis jusqu’au 25 mars, mêmes horaires

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ELEMENTS
Carl Stone, compositeur américain né en 1953. Basé en Californie, Carl Stone compose de la musique électro-acoustique depuis les années 70, il intervient aussi bien dans son pays qu’en Australie ou, assez régulièrement, au Japon où il écrit pour des chorégraphes (Hiroshi Koike, Akira Kasai, Bill T. Jones, Setsuko Yamada, Ping Chong, June Watanabe, Kuniko Kisanuki, Rudy Perez, Hae Kyung Lee, and Blondell Cummings) , des cinéastes, conçoit des programmes radiophoniques et des installations multimédia.

site de Carl Stone

VOX

1-son_long_index.mp3
fred griot (inédit)

2-les_pas.mp3
fred griot & yann féry : les pas
trio parl# : http://www.fgriot.net/perf/parl/

3-son_nuaches6.mp3
fred griot : les nuaches
issu du projet town town http://www.fgriot.net/txt/town_town/town_sommaire.php

4-son_parl3_1_voitures.mp3
fred griot : les voitures passent
issu du projet town town

5-cargaison_favre.mp3
claude favre : cargai#song mer
issu du projet VIA
texte en ligne :  http://www.fgriot.net/txt/via/via_cargaison.php

6-chasse_fuck.mp3
fred griot : la chasse au fuck (version inédite)

7-son_parl4_2motor.mp3
fred griot : motor
issu du projet town town

8-son_boca2_2.mp3
fred griot : boca
issu du projet town town

9-son_parolordi_foret.mp3
fred griot : bum forêt
issu du projet town town

10-via_long_lang.mp3
fred griot : la long lang
issu du projet VIA
texte en ligne : http://www.fgriot.net/txt/via/via_long_lang.php

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Première écoute : jeudi 16 décembre à 12h, 15h, 19h, et 00h, jusqu’au 23 décembre mêmes horaires

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ELEMENTS

fred griot (1970 – fr) mène une recherche littéraire depuis long _ écrit court _ poésie et prose _ travail d’une matière de lang, travail d’une terre, organique, basale, rustre, racine. a voyagé souvent seul, au hasard, en train presque toujours. métier de dehors. explore depuis une dizaine d’années l’écriture via le net, avec ce qu’il permet de risque et de travail « à vue », associé au graphisme et au corps sonore de la lang. sonde la parole _ seul, et avec musiciens (trio parl#, avec Yann Féry – guitare, Eric Groleau – batterie) une quarantaine de scènes en Europe (Paris, Prague, Bratislava, Budapest, Bruxelles, Lyon, Marseille…) a participé à la conception des éditions numériques www.publie.net, créées par François Bon. membre de la rédaction de www.remue.net pendant 5 ans. chargé de cours d’édition numérique à la Sorbonne.   n’ayant pas abouti, écrit toujours, aggrave, enfonce le clou. et tout le reste sur www.fgriot.net

LA DISSOCIATION DU RÉEL

1/
Gérard Grisey, Partiels
2/
Tristan Murail, Désintégration
3/
Giacinto Scelsi, Ohoi
4/
Anton Webern, Cinq pièces Op. 10
5/
Iannis Xenakis, Metastasis
6/
György Ligeti, Atmosphères
7/
Hugues Dufourt, Le Déluge (D’après Poussin)

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Premières écoutes : Jeudi 10 juin à 12h,18h, minuit, 6H puis jusqu’au 17 juin mêmes horaires

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La dissociation du réel
Par Philippe Rahm

Avec « La dissociation des idées », paru en 1899, l’écrivain français Remy de Gourmont tente de formuler un processus de renouvellement des idées qui passe nécessairement par un premier moment d’effondrement des « lieux communs ». « Il y a deux manières de penser : ou accepter telles qu’elles sont en usage les idées et les associations d’idées, ou se livrer, pour son compte personnel, à de nouvelles associations et, ce qui est plus rare, à d’originales dissociations d’idées ». Il continue plus loin en expliquant qu’« il s’agit ou d’imaginer des rapports nouveaux entre les vieilles idées, les vieilles images, ou de séparer les vieilles idées, les vieilles images unies par la tradition, de les considérer une à une, quitte à les remanier et à ordonner une infinité de couples nouveaux qu’une nouvelle opération désunira encore, jusqu’à la formation toujours équivoque et fragile de nouveaux liens. » Et de donner des exemples des dissociations ou d’associations nouvelles telles que : « genou du câble », la « gueule du canon » par exemple. Cette méthode dissociative, Remy de Gourmont la compare à l’analyse en chimie : « L’analyse chimique ne conteste ni l’existence ni les qualités du corps qu’elle dissocie en divers éléments, souvent dissociables à leur tour ; elle se borne à libérer ces éléments et à offrir à la synthèse qui, en variant les proportions, en appelant des éléments nouveaux, obtiendra, si cela lui plaît, des corps entièrement différents. »

Le réel forme un bloc au départ et il est difficile a priori de savoir ce qui relève dans ce tout du nécessaire ou du superflu, de ce qui doit être là, et pour quelle raison, de ce qui est là par habitude, parce qu’il y a été associé un jour, peut-être même par hasard et que personne depuis ne l’a remis en question. Le paysage comme la ville ou l’architecture constituent aussi des ensembles, des touts comme des agrégats d’éléments qui, pour certains, n’ont peut-être aucune raison d’être, ne servent plus à rien, voir même n’ont jamais servi à rien. Ces blocs de réalité forment des images, des « lieux communs », des visages porteurs d’une mémoire collective et d’une identité partagée, faite de symboles, de traditions et d’habitudes dont on a souvent perdu le sens initial, la véritable raison d’être et la nécessité. Ces blocs, à la manière de la gestalt, forment des ensembles qui se refusent, il est dit, à la division en éléments, qui se refusent à l’analyse et à la critique. C’est d’ailleurs contre l’ « atomisme » et l’ « élémentarisme » comme théories de la perception que se constitua le mouvement de la Gestalt au début du 20ème siècle, contre finalement ces dissociations des idées et des formes apparues au 19ème siècle, d’abord dans les sciences, puis dans les arts, dans la littérature, dans la peinture. À la décomposition, à la dissociation comme méthode d’analyse « chimique » du tout, la Gestalt oppose une vision holistique en déclarant que « le tout est différent et n’est pas réductible à la somme de ses parties ».
En réévaluant mon travail aujourd’hui, je m’aperçois que je suis en totale antinomie avec cette vision gestaltiste des phénomènes, de leurs perceptions et de leurs productions. Je crois au contraire, avec Remy de Gourmont, mais aussi avec de nombreux autres moments d’invention des siècles précédents, à la décomposition, à la dissociation du tout en éléments pour ensuite le recomposer, le synthétiser, mais avec un certain nombre de ses éléments seulement (pas forcément tous), selon d’autres hiérarchies. Je pense au contraire de la Gestalt que les parties isolées sont plus intéressantes que le tout. Et la recomposition ou la « position » comme le dira plus tard le compositeur français Tristan Murail, dessine alors une forme nouvelle, prend une autre apparence, inattendue et insolite au premier regard, mais rendue à son essence et à la nécessité. Dissocier le réel, décomposer les lieux communs pour recomposer autrement, dans un ordre différents, sont des moments obligés de la réformation et de l’évolution des formes en même temps que celles de la société et des techniques. « L’imagination est l’analyse, elle est la synthèse… elle décompose toute la création, et, avec les matériaux amassés et disposés suivant des règles dont on ne peut trouver l’origine que dans le plus profond de l’âme, elle crée un monde nouveau, elle produit la sensation du neuf » (Baudelaire, Salon de 1859, in Au-delà du romantisme. Ecrits sur l’art).

L’Hormonorium, la Plage d’hiver, Diurnisme, le Gulf stream digestible ou les nouvelles gorges d’Olduvai sont ainsi très littéralement des dissociations électromagnétiques, biologiques et chimiques de paysages naturels, celui de la montagne, de la nuit, de la plage, du climat atlantique et des zones subsahariennes, recomposés ensuite en en gardant que deux ou trois éléments fondamentaux et nécessaires.

Analyse et dissociation du réel, plongée dans l’ infiniment petit et décomposition du tout en quelques éléments chimiques et électromagnétiques, production d’une nouvelle synthèse, sont ainsi les moments par lesquels je passe dans la production d’un projet. Comme Baudelaire, Marcel Schwob voulait procéder par synthèse, mais une synthèse libre, accusant le roman naturaliste et le roman analyste de parler synthèse mais de ne pas savoir en faire. Remy de Gourmont reprend ce terme de synthèse dans son essai sur la dissociation des idées, terme qui sera ensuite employé par le compositeur français Gérard Grisey dans son texte fondateur de 1979 « A propos de la synthèse instrumentale » dans lequel il propose d’abandonner le macrophonique pour le microphonique, d’explorer l’intérieur même du son, de voyager au cœur de ses spectres ; ce qui deviendra le programme de la musique dite « spectrale ». Dans un article consacré au compositeur romain Giancinto Scelsi, l’autre inventeur de la musique spectrale, Tristan Murail, en explique très clairement le processus : « On ne va plus com-poser (juxtaposer, superposer), mais dé-composer, voire tout simplement, poser le son. Décomposer le son dans son spectre et non plus composer les sons entre eux, c’est bien ainsi que l’on définit le point de départ de la méthode de composition maintenant appelée spectrale.» Et d’évoquer sa propre œuvre de 1983, Désintégrations dans laquelle il désintègre d’abord les sons instrumentaux, les réduit à leurs composantes essentielles, pour ensuite, éventuellement, les recomposer, ou plutôt pour synthétiser à partir de ces éléments des agrégats nouveaux.

Je partage totalement ce programme énoncé par Tristan Murail et dans ce sens, mon architecture pourrait être qualifiée de spectrale ou de synthèse spatiale, dans laquelle l’espace est entièrement décomposé en particules élémentaires, en longueurs d’onde, en taux d’humidité, en intensité lumineuses et en coefficient de transmission thermique pour être ensuite synthétisé en une nouvelle forme, plus essentielle et plus contemporaine. Mais l’intérêt que je porte à la décomposition du réel et à la synthèse de deux ou trois éléments chimiques et électromagnétiques qui le composent, ne relève pas uniquement d’un projet esthétique. Plus profondément, il me semble être un processus nécessaire dans la réévaluation des raisons fondamentales historiques, sous-jacentes, souvent masquées, qui ont généré le paysage humain, provoqué une certaine d’architecture, un type d’urbanisation, une manière d’aménager le territoire. C’est ensuite une méthode permettant de repenser l’architecture et l’urbanisme en dehors de tout lieu commun, cliché et pittoresque jusqu’à atteindre une certaine forme de vérité, d’économie et de beauté.

Liens internet :

hormonorium: http://www.philipperahm.com/data/projects/hormonorium/index-f.html
plage d’hiver: http://www.philipperahm.com/data/projects/winterbeach/index-f.html
diurnisme: http://www.philipperahm.com/data/projects/diurnisme/index-f.html
gulf stream digestible: http://www.philipperahm.com/data/projects/digestiblegulfstream/index-f.html
Les nouvelles gorges d’Olduvai: http://www.philipperahm.com/data/projects/newolduvaigorges/index-f.html

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Philippe Rahm (né en 1967) est architecte et diplômé de l’école Polytechnique de Lausanne en 1993. Il travaille actuellement à Paris et à Lausanne. En 2008, il est l’un des vingt architectes internationaux sélectionnés par Aaron Betsky pour la 11ème Biennale d’Architecture de Venise. En 2002, il représentait la Suisse à la 8ème Biennale d’architecture de Venise. En 2007, une exposition personnelle lui était consacrée au Centre Canadien d’Architecture de Montréal. En 2009, il est nominé au prix Ordos en Chine et était en 2008 l’un des architectes classé dans le top ten du prix international Chernikov. Il a participé à un grand nombre d’expositions (Archilab 2000, SF-MoMA 2001, Musée d’art moderne de la ville de Paris 2001, CCA Kitakyushu, Japon 2004, Mori art museum, Japon 2005, Frac centre, Orléans 2005, Centre Pompidou, Beaubourg 2003, 2005 et 2007, Kunsthaus Graz Autriche 2006, Manifesta 7, 2008, Louisiana museum, Danemark) et a donné des conférences sur son travail dans de nombreuses université dont Princeton, Harvard, Cooper Union et UCLA. Philippe Rahm a été résident de la Villa Medicis à Rome en 2000. Il travaille actuellement à plusieurs projets architecturaux privés et publics en France, Pologne, Italie et en Allemagne et a réalisé en 2009 la scénographie de « la Force de l’art 02 » au Grand-Palais à Paris. Il a été Diploma Unit Master à la AA School de Londres en 2005-2006, professeur invité à l’Académie d’Architecture de Mendrisio en Suisse en 2004-2005 à l’EPFL (Ecole Polytechnique Fédérale de Lausanne) en 2006-2007, directeur de Master à l’Ecole Nationale Supérieure d’Architecture de Paris-Malaquais en 2008. Il est actuellement professeur invité à l’école d’architecture de la Royal Danish Academy of Fine-Arts à Copenhague. Il est l’auteur du livre « architecture météorologique », récemment paru en France.

http://www.philipperahm.com

J’Y ÉTAIS

1/
Brian ENO : Emerald and lime
2/
Franck ZAPPA : Yo mama
3/
Brian ENO : Emerald and Stone
4/
GSYBE (Godspeed You Black Emperor) : Skinny Antennas
5/-
GSYBE Godspeed You Black Emperor) : Moya
6/
Robert FRIPP et Brian ENO: Evening star
7/
Robert FRIPP et Brian ENO : Even space, Paris Olympia 1975
(j’y étais …)
8/
MERZBOW: Live in Korea
9/
Wolf EYES: Human animals
10/
HELDON: Marie virginie C.
(1976…Paris!)
11/
Richard PINHAS: AMANDINE P – La consulaire
12/
SCHIZOTROPE : Le Meilleur des mondes possibles, Le Voyageur (avec Maurice G.Dantec et Gilles Deleuze, 1999)
13/
Franck ZAPPA : solo extrait de One Shot deal en live (Mars 1979 Eppelheim)
14/
Richard WAGNER : RING (extrait d’une version dirigée par Otto Schenk)
15/
Jean Sebastien BACH : Art de la fugue, contrepoint 01, Glenn Gould
16/
Domenico SCARLATTI : Sonate en sol majeur, K 13 L 486 , Glenn Gould

concert Richard Pinhas, NAM JUN PAIK Museum, Séoul, 18 Decembre 2010

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Première écoute : jeudi 27 janvier à 12h et 23h, jusqu’au 3 février mêmes horaires

Ecouter la playliste de Richard Pinhas sur votre lecteur

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Richard Pinhas (pseudonyme occasionnel: Richard Dunn), né en 1951 est un musicien, producteur de disques et compositeur français. Il est guitariste et joueur de synthétiseur. En France, il est considéré comme l’un des pionniers de la musique électronique.

Actualités

http://www.richard-pinhas.com

SPILLOVER

Spillover is an audio track, consisting of four chapters, whose sounds were organized to fit into a 7-minute loop. The four chapters are titled after the first exercise in the four weeks of prayers in St. Ignatius of Loyola’s Spiritual Exercises.

Spillover is part of a larger piece including sculpture, video, and performance. A choreographed a dance accompanies this soundtrack as well as a dress that is very layered, sort of like a Victorian mourning dress. The top layers of the dress are black fabric, the underside layers are tan fabric, to match my skin tone. I will be dancing a 7 minute dance to the 7-minute looped Spillover audio repeatedly until my body can’t stand up anymore.

The result of this performance will be a highly edited video, showing the fabric switching from black to tan and showing that my body is slowly, failing. The video will have headphones nearby as an option for the viewer to hear the audio. Opposite this projected video, will be another projected video of me doing the same 7-minute dance to the same Spillover audio track, but inside the Prince sculpture (image provided). Because my body will be constricted by the sculpture’s weight and its material inflexibility, the movements will resemble something like a crude cartoon figure moving. The videos of each character, The Prince and myself, will face each other. This alignment with purposeful separation represents two things that were designed to be as together, but that inevitably will never sync up.

I titled the Soundtrack Spillover to refer to a term used to describe rapid ritual dancing (such as Sufi dancing). In Eugene d’Aquili and Andrew B. Newberg’s book, « The Mystical Mind; Probing the Biology of Religious Experience », its describes what happens to one’s arousal system when performing a rapid ritual:

 » …One can see a bottom up process with rapid external rhythms driving the arousal system. We hypothesize that the rapid external rhythmic drivers would eventually lead to a release of hippocampal inhibition on arousal centers in the brain. This would result in an increased arousal drive via the amygdala and cortex. This process continues until maximal arousal occurs, which, as mentioned before, leads to spillover and quiescent breakthrough. »

I organized the sounds to relate to how I formally weave abstraction within specificity when I am fusing forms into a single surface shell (such as in the sculpture, Mary, image provided).

The Chapters in Spillover are titled as follows:

Chapter 1:
Week One- Principle and Foundation
1:00-1:42

Chapter 2:
Week Two-The Call of the Temporal King
1:43-3:15

Chapter 3:
Week Three-First Contemplation
3:15-5:50

Chapter Four:
Week Four-Contemplation to Gain Love
5:51-7:00

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Première écoute : jeudi 2 septembre à 12h, 15h, 19h, et 00h, jusqu’au 9 septembre mêmes horaires

Ecouter la playliste de Bonnie Collura sur votre lecteur

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ELEMENTS

Prince
Cardboard, expandable foam, microcrystalline wax, ribbons, potting soil, make-up, help fiber, plastic, plaster, wood, steel, fake eyelashes, glitter
93×46x56 inches
2008

This version of the Prince fusion is a hollow form, built for me to perform in. I translated Spiritual Exercises (a prayer written by St. Ignatius Loyola that Bernini read daily at the end of his life) into dance steps. A seven-minute video records me performing this dance without the Prince armor on. This summer, I will be performing the dance with the Prince armor on top of me, and documenting it with another seven minute long video. Both videos will be projected facing one another to refer to dance partners who inevitably do not sync up.

Mary (detail: example of “vice surface” in the Seven sculptures)
Hydrostone, bondo, autobody paint, steel, wood, tinted plastic, Easter grass
37×16x18 inches
2010

Interested in the state when a form that may appear to be full of life begins to deflate under a life’s pressure, I often think of gestures that reflect an internal or external imprint. With the sculpture Mary, I wanted to make a hard cast look like a thin inflatable skin. This sculpture was cast in a fine cement, grafted to nine other molded sections, and sanded 40+ hours to negate the concrete’s inherent surface quality. From one side, Mary looks like a form contained with air. As one walks around its skin, it reveals itself as a hollow structure.

Bonnie Collura, 
assistant professor of art at Penn State University, received her BFA from Virginia Commonwealth University in 1994 and her Masters of Fine Art, concentrating in Sculpture, from Yale University in 1996. Upon graduating with her MFA she has been in numerous solo and group shows in New York, Germany, France and Italy. Her work has been reviewed in The New York Times, Art Forum, Art in America, Art News, Sculpture Magazine, BOMB magazine, Beautiful Decay, Time Out New York, and several other publications. She has been awarded The Emerging Artist Award in 1997 from the Aldrich Museum of Contemporary Art in Ridgefield, Connecticut, received a Guggenheim Fellowship Award, for Sculpture, in 2005, was awarded a MacDowell Colony Fellowship in 2010, and is a current nominee for a 2010 USA Fellowship in the Visual Arts Category (recipients to be announced in December 2010).

www.bonniecollurastudio.com

TOURS DE PISTES

Les Grandes Occasions peuvent être lues successivement, mais c’est en canon que ce texte cyclique prend tout son sens. (De répétitions en déclinaisons, il conduit l’auditeur de la surprise à l’amusement, de l’amusement à l’ennui, de l’ennui à l’écœurement jusqu’à ce qu’il adhère à nouveau, bien conscient de ce qui l’attend.) Plusieurs de mes textes s’écrivent par imitations, reprises avec variations. En s’accumulant, les différentes combinaisons forment une fugue, se répondant sur des mois, voire des années, comme en écho.
Pour Droit de Cités et webSYNradio, j’ai choisi de relier l’un d’entre eux: « De Joyeux Noël 2004 à Joyeux Noël 2005 » à des textes ou à des morceaux de musique qui ont la particularité de donner le tournis et l’envie de tourner.
Isabelle Lartault

1/
Isabelle Lartault : De Joyeux Noël 2004 à Joyeux Noël 2005, Les Grandes Occasions 1980-2010
2/
Jean-Sébastien Bach : 10 Fughetta, Godberg Variations – BWV 988
3/
Gertrude Stein : A Valentine to Sherwood Anderson, NY, Winter 34-35
4/
Cris et jeux de senza : République Centrafricaine, Voices of the World
5/
Bernard Heidsieck : Vaduz, UbuWeb/Pennsound Archive
6/
Henri Chopin : Les pirouettes vocales pour les pirouettements vocaux, Les Mirifiques
7/
The Residents : Diskomo, The Commercial Album
8/
Edith Piaf : La foule, De L’Accordéoniste à Milord
9/
Isabelle Lartault : De Joyeux Noël 2004 à Joyeux Noël 2005, Les Grandes Occasions 1980-2010
10/
Stockhausen : Stimmung, Model 3, Vichnu
11/
Stockhausen : Stimmung, Model 4, Usi-Afu
12/
Stockhausen : Stimmung, Model 5, Saturday
13/
Stockhausen : Stimmung, Model 11, Moo, Moo Coo, etc.
14/
Chant de deux fillettes : Côte d’Ivoire (Baoulé), Voices of the World
15/
Bhimsen Joshi : Raga Kala Shree, The Genius of Pt. B. Joshi
16/
Isabelle Lartault : De Joyeux Noël 2004 à Joyeux Noël 2005, Les Grandes Occasions 1980-2010
17/
Danse en rond : France (Brittany), Voices of the World
18/
Richard Long : Desert Circle, Happy New Year
19/
Charlemagne Palestine : Four Manifestations on Six Elements
20/
Frédéric Chopin : Waltze 6 In D Flat, op.64/1–, Waltzes, M.J. Pires
21/
Isabelle Lartault : De Joyeux Noël 2004 à Joyeux Noël 2005, Les Grandes Occasions 1980-2010

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Premières écoutes : jeudi 29 avril au 6 mai, 8 h, 16h et 24h

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ELEMENTS

Le travail d’écriture d’Isabelle Lartault relève à la fois de la poésie et du roman. Elle met en relation forme et contenu en leur inventant des prolongements à travers des lectures, performances ou vidéos. Avec gravité ou drôlerie, et un constant souci du dispositif spatial et sémiotique, Isabelle Lartault cherche particulièrement à dire le non-dit, mais elle aime aussi rappeler l’évidence de la répétition des cycles, que ces derniers soient propres au processus de la création, aux sentiments individuels ou aux événements de la vie ordinaire (sociaux, culturels ou autres) ou aux rythmes naturels (jours/nuit, saisons, …).
Elle a publié Les Grandes Occasions (Les Archives modernes, Dijon, 2000), Fil de Trame (Centre Vendôme pour les Arts plastiques, Paris, 2007), Je vais pas t’attendre, (Label Hypothèse, Paris, 2009) et de nombreux textes poétiques dans des revues littéraires et des textes critiques et entretiens à propos d’art contemporain. Un entretien, des extraits de textes et une vidéo sont actuellement publiés sur le site D-Fiction.

Isabelle-lartault.over-blog.net

TARKOS & Cie

1/
Christophe Tarkos : les nuages (in Pan)

2/
Christophe Tarkos : j’ai un problème

3/
Christian Prigent : liste des langues que je parle

4/
François Bon : impro dans le train

5/
Christophe Tarkos : l’homme de merde + je gonfle

6/
Christophe Tarkos : Tambour-Tambola

7/
Christophe Tarkos : le parpaing

8/
Blaise Cendrars : les îles

9/
Saul Williams : Sha-Clack-Clack (festival Def Poetry)
vidéo et sous-titrage français : http://www.youtube.com/watch?v=ojDKI8JxfLs

10/
Peter Orlovsky : lecture

11/
Allen Ginsberg : Howl

12/
Christophe Tarkos : le texte est expressif

13/
Christophe Tarkos : la compote

14/
Christophe Tarkos : le bidon

15/
Christophe Tarkos : la_poésie + les_têtes

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Première écoute : jeudi 16 septembre août à 12h, 19h, et 00h, jusqu’au 23 septembre mêmes horaires

Ecouter la playliste de Fred Griot sur votre lecteur

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Fred Griot (1970 – fr), french poet and writer.
Has been writing for more than 30 years _ mainly poetry and short prose _ working with the “language as a paste”. Travelled trough Europe several times, mostly alone, randomly, mainly by train. Outdoors job. Has been exploring writing via the Internet since 2000 on a work-in-progress basis, and combined with graphic design and the language’s sound material. Has been conducting researches on soundtracks and performances as a more physical aspect of text (solo or with musicians) perfomances in Paris, Prague, Budapest, Lille, Lyon, Bochum, Bratislava, Namur, Angers, Limoges, etc… (details here http://www.fgriot.net/perf/parl ). Co-manager with François Bon for www.publie.net digital publishing. Member of the www.remue.net editorial team for 5 years. Lecturer in digital publishing at the Sorbonne Univesity.
Point not reached, still writing, worsens, sticks the knife in deeper.
More on www.fgriot.net

Livres
• édition papier :
2010 : plateau, suivie de la voix ça (éditions maelstrÖm)
2010 : Refonder (éditions Mots Tessons)
2009 : la plui (éditions Dernier Télégramme)
2008 : Rouge Kwoma, 20 chants écrits d’après des peintures papous, pour l’exposition et le catalogue (commande Musée Branly des Arts Premiers)
2003 : la voix ça _ du seul s’enfoncer _ [caps 2 _ sous la lampe (hors commerce)
1994 : Désertia (hors commerce)
1988 : Pierre Fendre (hors commerce)

• édition numérique :
2010 : le grand gribouilleur de cru (éditions publie.net)
2009 : VIA (éditions publie.net et arte.tv)
2008 : du seul s’enfoncer _ la voix ça _ sous la lampe (éditions publie.net)
2007 : Visions (éditions publie.net)
2007 : Refonder (éditions publie.net)
2007 : plateau (éditions publie.net)

• édition papier – livres collectifs :
2010 : Vagues de Renaud Poillevé
2010 : Le réel, nouvel opium ? (catalogue exposition)
2007 : Avec mes yeux (éditions Verlag im Wald – Meschonnic, Emaz, Gellé…)
2007 : Dictionnaire collectif du roman populaire (éditions Nouveau Monde)

Oeuvres exclusivement numériques
flux (avec Thomas Deschamps – 2006/2007)
town town (triptyque – 2005/2006)

Revues papier (sélection)
2006, 2009, 2010 : N4728
2007 : Atelier de l’Agneau
2006 et 2007 : 22 montée des poètes (plusieurs n° dont un hors-série spécial consacré à mes travaux)

Revues web (sélection)
remue.net (membre du collectif de rédaction 2005-2009)
tierslivre.net
poezibao
d’ici là #2 (publie.net)
revue des ressources
libr-critique
sitaudis
zazieweb
le matricule des anges
labyrinthe
littératures & compagnies
pleut-il
les 70
la république mondiale des lettres
amontour

Lectures-performances
une quarantaine de performances :
- à Paris : banlieues bleues, maison de la poésie, théâtre ouvert, nuits remue, l’ermitage, revue des ressources, institut national d’histoire de l’art, biennale de la poésie du Val-de-Marne, gare au théâtre, librairies, médiathèques, clubs, etc…
- à Prague, Budapest, Bochum, Bielefield, Brastislava, Namur, Lyon, Lille, Angers, Limoges, Bruxelles, etc…

Film
Crops (court-métrage avec Philippe Rahmy, Sophie Magnaud – 2008)

LAUGHING WITH

1-
The outer-limits Intro

2-
William Burroughs – Mr Bradley, Mr Martin Hear Us Through The Hole In Thin Air

3-
Laughing with Timothy Leary

4-
Throbbing Gristle- United

5-
H. P. Lovecraft 1933 – WPA Newsreel Interview

6-
Kurt Shwitters – Ursonate

7-
Alfred Korzybski – Historical Note on the Structural diffrential

8-
Yves Klein – symphnonie Monoton

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Première écoute : jeudi 6 janvier à 12h, 15h, 19h, et 00h, jusqu’au 13 janvier mêmes horaires

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ELEMENTS

Artiste plasticien, né en 1977 au Mans. Vit et travaille à Paris.

« Be it yourself! »
Depuis sa fondation en 2001, International Benjamin’s Kit anime le programme esthétique de Benjamin Sabatier au cœur des réalités sociales et économiques. Conçu comme structure de production et surtout œuvre à part entière, IBK, dont le logo évoque délibérément celui d’IKEA, contemple et réfléchit autant le monde marchand que l’histoire de l’art contemporain. En effet, le sigle IBK fait tout aussi sciemment écho à IKB (International Klein Blue), la célèbre couleur bleue brevetée par Yves Klein, tandis que le prénom de l’artiste renvoie (ad hoc) à Walter Benjamin et ses théories de l’art à l’ère de la reproductibilité technique de l’œuvre. Berceau de productions artistiques sérielles dont les matériaux sont systématiquement glanés dans l’univers immédiat, modeste ou résiduel, de la consommation, IBK est guidé par la volonté de rendre accessible l’art au plus grand nombre selon une devise proche de la philosophie du « Do It Yourself « , issue des utopies hippies des années soixante. La démarche de Benjamin Sabatier dans le cadre de cette structure ne se réduit cependant pas à la seule tentative de démocratisation du point de vue de la diffusion de l’objet. Son but premier est d’inviter à l’expérience artistique. Ses produits ne sont donc pas créés comme d’uniques objets de contemplation, ils requièrent la participation. Pour profiter pleinement d’une œuvre IBK, ses “clients” sont invités à ré-initier sa puissance par sa réalisation (son assemblage ou sa reproduction) et non pas son simple accrochage. Concept esthétique qui offre un modèle d’économie alternative pour le marché de l’art, IBK propose ainsi de gommer la séparation des fonctions de production et de consommation qui prive les producteurs et les consommateurs de leur savoir, c’est-à-dire de leur capacité de participation à la socialisation du monde par sa transformation. Face aux enjeux économiques actuels qui engagent le devenir de nos sociétés (enjeux liés à l’environnement, au traitement des déchets, au commerce équitable, à la croissance économique, ou encore au partage des “expériences” sociales au sens large), IBK propose le devenir “artiste” de chacun dans la fusion de l’expérience esthétique et créatrice.

Expositions personnelles récentes

2010
PLATFORM (performance), Centre Pompidou, Paris, France
2009
MANIFESTE, Point Ephémère, Paris, France
CHANTIER,  Galerie Jérôme de Noirmont, Paris, France
2008
SUPER PARTYCLES (cur. A-Kristof), MAK, Depot of Contemporary Art, Vienne, Autriche
FRAGILE, Centre Culturel Nicolas-Pomel, Issoire, France (cat.)

Bibliographie
Livres / Catalogues Personnels

CANET Marie, SENALDI Marco, FRAGILE, Edition de la ville d’Issoire, avril 2008.
JUY Sébastien, S.A.V., Edition Galerie Jérôme de Noirmont, Paris, 2005.
GAUTHIER Léa, Peinture en Kit, Edition Noirmont Prospect, Paris, 2003.

Site de l’artiste : http://www.ibk.fr
Représenté en France par la Galerie Jérôme de Noirmont, Paris
http://www.denoirmont.com

THE HYPNOTIST
all tracks by Joe Frawley

1. The Hypnotist

2. Left Cincinnati

3. The Girl on the Quay

4. Francine in Uniform

5. (t)ext

6. Angel Box Three

7. False Memory

8. Masque

9. In paradisium (Black lipstick)

10. Avenue of the Secret Fur

Kaleidoscope. Collage d’objet trouvé et manipulation digitale de Joe Frawley.
Image créée pour l’album  Audiotoop, 2010

I am a pianist, composer, and sound collage artist whose work falls between the cracks of several musical genres. My approach is to combine original music with found sound samples, both processed and arranged electronically, to explore subconscious states, such as dreams, trances, auditory hallucinations, involuntary memories, etc. The found sounds are appropriated from a variety of prerecorded media and include voices, sound effects, or musical samples, as well as original field recordings. I particularly enjoy recontextualizing speech samples (a favorite source being public radio interviews) and recombining them with other sounds to create new meanings. I aim to place the spoken word on equal footing with music, thereby calling attention to the musical qualities of speech, also taking advantage of the mood or tone the words evoke to augment the musical effect. Due to the prevalence of spoken word samples, the resulting work tends to suggest a narrative, however I try not to impose a particular story upon the listener, preferring instead the individual and subjective interpretations of imaginative minds. JF

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Première écoute : jeudi 13 janvier à 12h, 15h, 19h, et 00h, jusqu’au 20 janvier mêmes horaires

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ELEMENTS

Joe Frawley (b. July 4, 1971) is an experimental composer and pianist working out of New London, Connecticut, whose works blur the boundary between music and sound art. By layering and juxtaposing original music with processed found sounds, field recordings, and recontextualized speech fragments, the composer creates challenging yet accessible sound assemblages bearing a hypnotic dreamlike quality. His works have been widely broadcast internationally and appear on several prominent experimental music compilation CDs, including Vibrö No. 4: Music No Music, published by Double Entendre (Paris), and Audiotron, published by Extrapool (Netherlands).

Website: http://www.joefrawleymusic.info/

MACROSILLONS # 28.04.2010

1/
Laurie Anderson – O Superman

2/
Charles Armikhanian – RADII

3/
Eric Bogosian – Sitcom

4/
Julien Blaine & Guillaume Loizillon – Calmar

5/
Charles Pennequin – C’est rigolo la vie

6/
Ros Bobos – I understand Peter

7/
Pierre Guyotat – Progénitures

8/
Patti Smith – Prayer

9/
bpNichol – M.L.’s Dream

10/
John Giorno – Suicide Sutra

11/
Cosima Weiter & charles pennequin – Tu ne sais rien

12/
Yann Novak – Transmission from Gemini 6

Cette playliste a été diffusée une première fois à la galerie P.Pannetier le 28.04.2010 à l’occasion de la présentation  de  la sculpture sonore MACROSILLONS, conçue par Dominique Balaÿ, Jérôme Le Guezennec et Laurent Rump.

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Premières écoutes : jeudi 17 juin 12h,18h, minuit, 6H et jusqu’au 24 juin, mêmes horaires

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ELEMENTS

MACROSILLONS  est une sculpture sonore qui diffuse des playlistes conçues par Dominique Balaÿ et Jérôme Le Guezennec.

Cette sculpture  mobilise des savoirs et des enjeux à la croisée de leurs pratiques artistiques et professionnelles : architecture et littérature, communication et urbanisme, son et espace. Leurs interrogations portent principalement sur la place de l’objet et les notions de réception, de contexte et d’environnement.

MACROSILLONS # 28.04.2010 est une autre étape dans cet échange et ce cheminement.

+ Macrosillons

www.macrosillons.fr

+ Dominique Balaÿ

www.varias.info

+ Jérôme Le Guezennec

www.e-environnement.fr

+ Circumnavigation

balguez.blogspot.com/

PLAYLIST WEBSYNRADIO (durée totale: 7h28′)

1/ John Baldessari – Second Language, Trying for the Worst with Dorit Cypis
Diffusé sur KPFK, Close Radio, 17 février 1977.

2/ Kevin Drumm – Horror of Birth (2005) – Guillotine Licker – Present Tense – Returning – Smelling in Stereo

3/ Glenn Branca – Music For The Dance Bad Smells Choreographed By Twyla Tharp

4/ Dan Graham – My Religion -Extrait d’un travail audio : Ann Lee

5/ Luigi Russolo – Omaggio A Luigi Russolo FŸr Stimme Und Digitale Intonarumori.

6/ Douglas Huebler – Untitled
Diffusé sur KPFK, Close Radio, 3 janvier  1977.

7/ Mike Kelley – « Plato’s Cave, Rothko’s Chapel, Lincoln’s Profile » (version complète)
Avec Sonic Youth, Live at Artist’s Space, New York , 5 décembre 1986  avec Molly Cleator et Adam Rudolf.

8/ Max Neuhaus – The King of Denmark by Morton Feldman (extrait de Aspen 5 & 6)
Réalisé par by Max Neuhaus

9/ Janek Schaefer – Skate [Random Play Record] (2001)

10/ Wolf Vostell – « Elektronischer de-coll.age. Happening raum, » 1968 (extrait de Fluxus Anthology)

11/ Alain Robbe-Grillet – La jalousie, Lu par l’auteur, 1957.
extrait de Aspen No. 5+6

12/ Whitehouse, Dedicated to Peter Kürten (1981) – Dom

13/ Michael Nyman – Decay Music – 1-100  – Label Island Records, Obscure #6, 1976

14/ Martin Kippenberger  – Greatest Hits; 17 years of Martin Kippenberger’s Music – September In The Rain
avec Rüdiger Carl, Sven Åke Johansson, Christina Hahn, Achim Kubinski, Eric Mitchell et Albert Oehlen.

15/ Martha Rosler – What’s Your Name Little Girl?
Diffusé sur KPFK, Close Radio, (en direct), 1er Septembre 1977.

16/ Steve Roden – Rehearsal – Steve Roden and Stephen Vitiello à  Chinati Foundation, Marfa, Septembre 2007.

17/ John Armleder – « 16 Great Turn-Ons » 1988. Extrait de TELLUS.

18/ Chris Burden – The Atomic Alphabet (1982) – Extrait de Happy New Ear

19/ Jean-Claude Risset – Sud (1985) – Morning to noon

20/ La Monte Young – Drift Study 31 1 69 – Extrait de Aspen No. 8

21/ David Grubbs – « The Name of Ecstasy »

22/ Lawrence Weiner – Deutsche Angst (Peter Gordon & Lawrence Weiner, 1982) – Label : Les Disques Du Crépuscule, Belgique.

23/ Eliane Radigue – Geelriandre and Arthesis (1972) – Arthesis – Enregistré en 1972 au musée   Stedelijk  d’Amsterdam.

24/  Rhys Chatham (avec Glenn Branca, Nina Canal, Wharton Tiers) – Guitar Trio (1977)

25/ Roman Opalka – 1965/1-∞, Detail 1897108-2010495

26/ Francisco López – AVANT #3. Francisco López Part II – Extrait de AVANT: Music of The Spanish Avant-Garde

27/ Stoppage (interruption) – Un programme de Liam Gillick pour le CCC de Tours et la Villa Arson à Nice
CD 9504 – Lothar Hempel

28/ Bernhard Günter – Un Peu de Neige Salie (1993) – Sans titre I/92

29/ Marcel Duchamp – Sculpture Musicale  – Musicboxes version de Petr Kotik

30/ Philip Glass – A Secret Solo – extrait de Big Ego (Giorno Poetry Systems, 1978)

31/ Dieter Roth – novembersymphonie (1974)

32/ Stoppage (interruption) – Liam Gillick pour le CCC de Tours et la Villa Arson à Nice – Georgina Starr

33/ Ant Farm – CarMen . . . The Opera
Diffusé sur KPFK, Close Radio, 22 Novembre 1976.

34/ Rainer Ganahl – Heavy Metal – War & Music

Dominique Blais « Bernhard Günter « Un peu de neige salie (Untitled I/92) » 9′00 (1993) »
Poudre de fusain sur papier, 78.5 x 108 cm, 2009
Courtesy Galerie Xippas, Paris

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Première écoute : jeudi 4 novembre à 12h et 00h, jusqu’au 11 novembre mêmes horaires

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ELEMENTS

Dominique Blais est né en 1974, il vit et travaille à Paris. Il a récemment exposé à la galerie Xippas (mai-juin 2009), à la Galerie Edouard-Manet de Gennevilliers (Décélération, 2009) et la Force de l’art 02 (Grand Palais, 2009).

Dominique Blais s’attache à tisser des liens entre les composantes visuelles et sonores de notre environnement, en particulier grâce à ses installations sonores dotées d’une forte présence sculpturale. Il attire notamment l’attention du spectateur sur les qualités visuelles d’objets qui sont en premier lieu destinés à produire ou diffuser du son, et que, par la force de l’habitude, nous ne regardons jamais vraiment, comme des tourne-disques, des câbles, des enceintes ou des meubles rack (Transmission, 2009). De manière judicieusement complémentaire, il donne forme à des sons situés à la limite de l’imperceptible. Par exemple, à la Galerie de Noisy-le-Sec en 2008, il diffusait par un lustre pendu au plafond les bruits produits par l’activité quotidienne du centre d’art, jusqu’à lors négligés mais ainsi rendus perceptibles, formant une sorte de carte d’identité sonore du lieu. Par de subtiles jeux de transposition du sonore et du visuel, Dominique Blais prend à revers nos attentes et déroute nos sens, les ouvrant à de nouvelles possibilités de perception.

Expositions personnelles récentes

2010
Aposiopesis, Le Parvis, Ibos, France.
Dominique Blais / featuring François Lancien Guilberteau, inhale – exhale, Centre d’art contemporain Passages, Troyes, France.
L’Ellipse, Frac des Pays de la Loire, Salle Mario Toran, Carquefou, France.
En Aparté, FDC Satellite, Galerie Filles du Calvaire, Bruxelles, Belgique.

2009
Docks Art Fair, Foire d’art contemporain, Solo show, Galerie Xippas (Stand A02), Lyon, France.
Décélération, Galerie Edouard Manet, Gennevilliers, France.
Modules, Palais de Tokyo, Paris, France.
Galerie Xippas, Paris, France.
Inside The Circles, Tripode, Rezé, France.
Brumes, Galerie de l’Ecole Municipale d’Arts Plastiques, Cholet, France.

http://www.xippas.com/fr/artiste/dominique_blais

The dialectics of Post Autonomy ( Entretien II avec Michael Lingner )

Dans ce deuxième entretien (en allemand et anglais), Michael Lingner évoque Heidegger, le concept d’autonomie chez Schiller et la notion d’application chez Derrida, avant d’énoncer sa propre compréhension du concept de Post Autonomy développé par David Goldenberg.
L’entretien se poursuit avec David Goldenberg et Stephen Wright sur les notions clés soulevées.

Cet entretien est une version inédite issue des programmes donnés par David Goldenberg sur Résonance FM,
http://resonancefm.com

Exemple de proposition artistique s’inscrivant dans le champ du concept de Post Autonomy : la recontextualisation de la librairie publique de Clegg et Guttmann (1991)

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Première écoute : jeudi 18 novembre à 12h, 15h, 19h, et 00h, jusqu’au 25 novembre mêmes horaires

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ELEMENTS

David Goldenberg est un artiste , curateur et théoricien anglais. Il vit à Londres. Des éléments complets sur le travail de D.Goldenberg sont présentés dans les ouvrages parus chez Thames ’s and Hudson « Installation art » et “New media in late 20th century art » .

Des textes détaillés et un aperçu des travaux de Michael Lingner ainsi que des différents auteurs et artistes évoqués dans l’entretien se trouvent sur le site de Michael Lingner : http://www.ask23.de

Stephen Wright est critique d’art, directeur de recherche au Collège international de philosophie (Paris), enseignant en philosophie à l’école supérieure des Beaux arts de Toulon. Il vit à Paris.

Site de David Goldenberg : www.postautonomy.co.uk

Playlist webSYNradio

1/
Guillaume Loizillon : Sale Affaire (1999, CD Imposture TRACE 010)
2/
Charles Amirkhanian : RADII (1972, Source ubuweb)
3/
Dièse 440 : Le curé : (1981, 33t à paraître)
4/
Takehisa Kosugi : Catch Wave, extrait (1975, Source ubuweb)
5/
Tony Mottola : Kemo Kimo (1963, 33t Tony Mottola plays country & western)
6/
Charles Dodge : Speech song (1973, 33t 10+2 : American text sound pieces)
7/
David Caroll : Nola (1963, 33t Solo encores)
8/
Z’ev : Salts of heavy metals, extrait (1981, maxi 45t, Salts of heavy metal)
9/
Julien Blaine & Guillaume Loizillon : Calmar (1999, CD 3 contre 1, TRACE 009)
10/
Laurie Anderson : N.Y social_life (1977, 33t New music for electronic and recorded media)
11/
Gregory Whitehead : Ice Music (1997, Source ubuweb)
12/
Guillaume Loizillon : Logomanie (1999, CD Imposture TRACE 010)
13/
Jean François Pauvros : Trash (2007, CD Documents TRACE 026)
14/
Karlheinz Stockhausen : telemusik, extrait (1966, 33t Deutsche Gramophon)
15/
Guillaume Loizillon : fontière (2010, à paraître)
16/
Michael Nyman : Mozart (1981, 33t A day in october)
17/
Guillaume Loizillon : Géométrie (1985, inédit)
18/
Sun Ra : Sun ra meets Sun Ra, extrait (1987, John Cage meets sun Ra, Source ubuweb)
19/
Guillaume Loizillon : machinapenser (1985, inédit)
20/
Joel Hubaut : The-Beauty-In-Breathing, extrait (1992, Source ubuweb)
21/
Laurie Anderson : Time to go (1977, 33t New music for electronic and recorded media)

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Jours et heures de diffusion, semaine du 11 au 18 mars : 12h,18h, minuit, 7H puis jusqu’au 18 février, mêmes horaires.
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ENTRETIEN

TRACES

Guillaume Loizillon, Dominique Balaÿ, février 2010

Pour prolonger et éclairer sa playliste webSYNradio, Guillaume Loizillon a bien voulu se prêter à un entretien où il nous rappelle la nécessité  de mener des explorations  hors des situations figées et des contextes trop connus :

Dominique Balaÿ : La playliste comme point de départ du projet webSYNradio : s’il y a un sens négatif – pointé par exemple par Laurent Chambert dans son entretien « Playliste ou ne pas être » : la playliste comme puissant signe de ralliement mais qui appauvrit le jeu de l’échange et renforce l’uniformisation culturelle – quel pourrait être le sens positif d’un tel exercice ?

Guillaume Loizillon : Comme compositeur c’est intéressant d’interroger un objet comme la playliste. Il faut d’abord fuir la tentation narcissique qui consisterait à y introduire exclusivement son propre travail (je l’ai fait cependant en certains points). J’apprécie d’avoir à choisir dans un stock prédéfini (Ubuweb). Je fréquente moi-même ce site qui contient d’ailleurs certaines des réalisations de Trace Label. Par contre j’ai trouvé intéressant d’y adjoindre d’autres éléments, partant de l’idée de rareté, d’inédit et aussi dans la perspective globale d’une construction sonore cohérente. Je me suis demandé s’il ne fallait pas agir comme « passeur » à composer une playliste. Je crois qu’elle se doit ne pas être didactique et s’écouter un peu comme une composition ou à tout le moins une proposition d’écoute originale.
C’est pour cela que j’ai désiré monter les extraits venus d’Ubuweb, ainsi que d’ajouter d’autres éléments qui me semblent prolonger cette collection.

Dominique Balaÿ : Pouvez-vous présenter vos différentes pratiques musicales et artistiques ?

Guillaume Loizillon : J’ai une pratique musicale et artistique que j’essaye d’avoir ouverte et variée et dans la continuité de ma vie. Dans une dénomination générique, on pourrait qualifier mon travail de musique électronique ou de musique expérimentale : D’un côté,  une définition par le dispositif instrumental et de l’autre par le genre, au sens de catalogage du terme.
Les deux approches manquent évidemment leur cible. Je crois nécessaire de déployer dans le temps ma pratique pour en avoir une approche plus juste.
J’ai une formation musicale académique et universitaire (j’enseigne d’ailleurs à l’université). À ce titre j’ai donc une spécialité , un « domaine de recherche » pour employer la terminologie universitaire : la synthèse sonore, la création avec l’ordinateur, et plus généralement les frontières entre les pratiques artistiques au cours du 20ème siècle et en ce début de 21ème . On le voit, un programme et une structure qui à la fois me nourrissent mais peuvent aussi risquer de me conditionner, d’où ma forte tendance à une revendication d’indépendance et à la tentative de fuir les dogmatismes.
Le fond de ma démarche est sans doute cette confrontation avec différentes approches musicales ou sonores ainsi qu’avec d’autres disciplines artistiques.
À la fin des années 70 et au début des années 80, j’ai fondé, avec 3 amis musiciens et un ami photographe, un groupe de musique électroacoustique live, Dièse 440 : Synthétiseurs analogiques, bandes magnétiques, diffusion en multicanaux et projections d’images sur un ballon sonde (!). Ce groupe a été un véritable point de départ. Par la suite nous avons joué avec le saxophoniste Barney Wilen. Un CD est sorti en 2007 et un 33t du groupe seul est prévu pour 2010, trente ans après !!  Avec l’un des membres de Dièse 440, Claude Micheli, j’ai rejoins par la suite Hektor Zazou pour une aventure avec le musicien Zaïrois Bony Bikaye, jusqu’au milieu des années 80. J’ai aussi travaillé avec un certain nombre d’autres artistes, des poètes sonores (dénomination générique et imparfaite mais commode), Jacques Donguy, Julien Blaine, Joel Hubaut,, des chorégraphes ,J_M Matos, la Cie V.M.T et en 2005, la Merce Cunningham Dance Company pour un « event » à l’Opéra de Paris.
Par ailleurs j’ai toujours parallèlement pratiqué seul, la musique en studio d’où je sors des réalisations réellement personnelles. Deux disques chez Trace Label et différentes participations à des projets collectifs.
Les travaux de groupe ou les collaborations m’ont profondément marqué et sans doute permis d’acquérir un statut de « professionnel », ils constituent ma pratique et nourrissent mes réalisations individuelles.
Sur le plan esthétique, je crois que les musiques « électroniques », dans le sens le plus large du terme, sont faites pour cohabiter avec les musiques instrumentales et avec les autres arts. Mon prochain disque est une série de séquences électro-acoustiques sur lesquelles j’ai demandé à différents instrumentistes solistes de venir improviser.
Depuis quelques années je développe également sur le site de Trace Label, des projets collaboratifs, comme Phono-Photo ou le Territoire qui explorent le réseau en tant qu’espace d’expérimentation. Ce mode de fonctionnement est pour moi appelé à se développer et sans doute à refonder l’idée même de label musical, où le disque comme tel est un instant du processus et non pas une fin en soi.

Enfin, dans ce panorama à la fois rapide mais que je sens déjà trop long, il faut prendre en compte mon activité d’enseignant chercheur qui me confère une position d’observateur, un contact permanent avec de jeunes créateurs et me pousse à poser une réflexion sur l’idée même de recherche et d’expertise.

Dominique Balaÿ : Dans votre travail (créations musicales, direction du label Trace), les notions de collaboration/participation/échange/coproduction/interaction semblent très importantes – d’ailleurs quelles notions priviligiez vous ?

Guillaume Loizillon : Avant toute chose, il faut préciser que je ne « dirige » pas le Trace Label. Le label est un projet qui regroupe 3 individus (longtemps 4) qui chacun y mènent des projets et des réalisations propres, en consultation avec les autres. Il y a parfois des projets menés de manière commune, principalement les réalisations collectives. Bien que parfois je le regrette, il n’y a pas véritablement de fonctionnement collégial mais plutôt une somme d’énergies indépendantes qui se fusionnent dans le label. À cet égard, la composition du label reste ouverte et peut accueillir des collaborateurs au gré des projets.

Concernant les mots qui précèdent, tous n’ont pas le même statut. La coproduction a des connotations fonctionnelles, l’interaction un rapport à la technique, souvent peu réfléchi, et qui conduit à des positions parfois dogmatiques : l’interactivité comme valeur en soi du fait de sa force technologique, sans que cet « inter » , ce qui réellement se constitue à l’intersection des disciplines, ne soit réellement questionné.
La collaboration et participation sont plus intéressantes dans la mesure où elles balisent plus strictement un cheminement créatif et fondent de véritables échanges et rencontres.

Dominique Balaÿ : Et ces notions de collaboration/participation/échange/coproduction sont elles premières: faire de la musique pour être ensemble ?
Sur un plan théorique, sur un plan pratique ?

Guillaume Loizillon : Il y a bien sur de cela, mais il faut aussi voir que ces modalités d’activités sont également toutes en rapport avec les redéfinitions techniques, sociales et politiques de ce que l’on appelle la culture , dans l’époque actuelle.
Ces moyens de fonctionnement me semblent intéressants dans la mesure où ils produisent effectivement et efficacement des réalisations et non pas seulement de la valeur éthique ou conceptuelle. Quand, il y a quelques années, j’ai travaillé avec Merce Cunnigham, j’ai eu ce sentiment de la force de l’efficacité du collectif. En effet, il n’y a eu aucune rencontre ni répétition préalable. Seule une définition stricte et assumée du projet et des échanges de courrier. Toutes les composantes (danse, musique, décors) sont préparées de manières séparées et ne se confrontent qu’au moment de la représentation, et tout cela fonctionne effectivement : respect du travail de chacun et fusion de l’ensemble dans le projet esthétique.

Le modèle du groupe rock ( au-delà de la stylistique) est fondateur également, mais il s’agit ici d’y adjoindre une dimension d’exploration des conditions mêmes de la création.
Le développement des techniques de communication, avec au centre Internet, oblige à cela. Il s’agit d’entrer dans ce débat d’une manière que je crois la plus intéressante que le terrain de la loi HADOPI ou autre pensée de la reconfiguration du modèle industriel et juridique, pour moi, sans grand intérêt en regard de la situation. Les deux parties prenantes de l’affaire ne m’intéressent ni l’une ni l’autre : les valeureux défenseurs de la création et du droit d’auteur et les consommateurs insatiables de l’identique sans cesse répété.

Dominique Balaÿ : Au cœur de vos pratiques, vous placez une affirmation d’indépendance : par rapport à quoi ? Au marché, aux institutions, aux ambiances et aux pressions de l’époque ? Aux catégorisations hâtives ? Comment assumez-vous cette indépendance ?

Guillaume Loizillon : Je suis bien conscient que l’on s’exprime toujours « depuis quelque part » et que la revendication d’indépendance est en grande partie un leurre. La question est, bien entendu, celle de l’influence des structures de détermination, qui ne sont jamais absentes. Que celles-ci s’appellent, « industrie culturelle », « ministère », « université », « académie » ou même « mouvance indépendante », je crois impossible d’y échapper.
J’essaie alors d’articuler ma pratique selon la plus grande liberté possible en regard de ces modèles. La réponse, sans doute imparfaite, que j’y apporte consiste à penser que la création artistique est une réalité et qu’elle est en quelque sorte « trans structure ».
Par contre, si ce plan esthétique est pensable, une indépendance en regard de celui-ci n’aurait que peu de sens et pourrait conduire à un véritable isolement.
L’idée d’indépendance est donc celle qui conduit le plus directement à une démarche « expérimentale » pris dans le sens d’aventure et de mise en acte de la pensée critique. Bien plus que celle d’expertise, je vois la démarche d’expérimentation comme composante d’un tel programme.

Dominique Balaÿ : Indépendance et pas autonomie ?

Guillaume Loizillon : L’autonomie, en matière de pratique artistique, je ne vois pas réellement ce que cela pourrait être. Je la crains même comme un chemin vers l’isolement. Il faudrait plutôt interroger la notion de minorité, qui peut se comprendre sur même plan que l’autonomie mais qui travaille le caractère social de groupe en regard du fait majoritaire.
Par ailleurs, l’autonomie, indique que l’on se rend absent à toutes les autres constructions sociales, politiques et esthétiques, ce qui me paraît, bien plus qu’illusoire.

Dominique Balaÿ : Question centrale : Au sein du label Trace, vous avez édité les poètes Julien Blaine, Charles Pennequin… Etes vous lecteur de poésie ?

Guillaume Loizillon : Question qui force à l’introspection. Je m’aperçois que la poésie, ou plutôt le poétique, est un fondement de ma manière d’analyser et de percevoir.
L’élucidation par le poétique est aussi puissante que bien des approches scientifiques comme :
- La pensée de la perception avec l’appareillage des neurosciences.
- Les sciences humaines appliquées à la lecture de l’art

Les « Correspondances » de Baudelaire, le sonnet des Voyelles de Rimbaud, « Zone » d’Appolinaire, l’ethnographie imaginaire d’Henri Michaux, fonctionnent pour moi comme des idéaux-types qui se développent également comme analyses.
Les propositions oulipiennes, en plus du caractère jouissif, me paraissent toucher profondément la mécanique créative.
Jacques Roubaud est également une figure que je trouve stimulante dans ses propositions d’une poésie qui se fabrique en contiguïté de l’existence.

Je m’aperçois cependant, que finalement je ne lis qu’assez peu de poésie.
Les poètes sonores avec qui j’ai travaillé représentent une de cette nécessité du poétique, peut-être plus essentiellement je l’avoue, que le poème comme objet littéraire.

Dominique Balaÿ : J’aimerai vous soumettre une questions qui m’anime à l’occasion de ce projet de webSYNradio : comment peut on définir une pratique collaborative ? Ce qui revient à se demander comment est il possible d’évaluer une pratique collaborative ?

Guillaume Loizillon : Le paradoxe du projet collectif est qu’il doit être défini le plus strictement possible par un individu ou un groupe pour pouvoir s’étendre et s’articuler comme réellement un jeu de collaboration. Le modèle littéraire oulipien peut à cet égard servir de référent. Dans son exacerbation de la contrainte c’est le collectif qui émerge et avec lui la possibilité de l’invention démultipliée. Le texte de Georges Perec « La chose », sur le free-jazz est très intéressant à lire sur ce thème.
La question de l’évaluation est, souvent pour le pire, extrêmement à la mode. Si l’on ne se laisse pas piéger par ce mot dans son acception quantitative (la plus pernicieuse) c’est le développement dans le temps et dans l’espace qui donne une dimension à un projet collaboratif. La technique également est centrale dans cette mise place. C’est, je crois, l’utilisation la plus pertinente d’Internet que de le penser comme support de partage. Dans ce contexte, il faut aussi en imaginer des « échappées » :

- Concrétisation sur support à un moment donné (Livre, revues, CD, DVD …)

- Rencontre dans des lieux fédérateurs. A cet égard, le Société des Curiosités en réinventant la notion de « club » me semble apparaître comme un projet qui intègre pleinement cette situation.

Dominique Balaÿ : au plaisir d’une prochaine rencontre alors, pourquoi pas à la société de curiosités  ! WebSYNradio se veut avant tout un espace d’échange et de réflexion. Seriez vous d’accord pour vous prêter à un échange avec Laurent Chambert (qui m’a signalé votre travail) et que webSYNradio/Droit de Cités pourrait relayer ?

Guillaume Loizillon : Je suis toujours prêt à dialoguer et développer des idées et des projets. Les débats esthétiques, dans ces temps de platitudes, me semblent du plus haut intérêt … politique.

Dominique Balaÿ : à bon entendeur, merci !

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ELEMENTS

Je suis né en 1957, et je  vis et travaille à Paris. Compositeur et musicien intéressé par tous les autres médias, depuis trois décennies, je reste attaché à une certaine  indépendance et toujours attiré vers des expériences, des recherches et des développements artistiques nouveaux  : musiques électroniques, improvisation, poésie sonore, installations et rencontres interdisciplinaires avec des plasticiens ou des chorégraphes. Outre mon travail personnel, j’ai collaboré entre autres avec : « Merce Cunningham Dance Company », Barney Wilen, Joel Hubaut, Jacques Donguy, Hektor Zazou, Jean-Marc Matos, Valère Novarina …

Je désire pouvoir penser une continuité entre une certaine exigence théorique et esthétique et l’ouverture la plus large aux propositions artistiques de l’époque qu’elles opèrent depuis le champs institutionnel, industriel ou « alternatif ». Ce choix s’attache à affirmer que, dans le contexte actuel de la mondialisation et de la marchandisation généralisée, la musique  peut  encore se vivre comme un espace permanent d’expérimentation ».

Je suis également maître de conférence au département musique de l’université Paris 8. J’y dispense des cours sur la création sonore, sur les rencontres entre la musique et les différents arts.

Je suis co-fondateur de label indépendant TRACE Label spécialisé dans les musiques électroacoustiques, la poésie sonore et l’improvisation J’y développe également des projets participatifs en ligne : Phono-Photo, La Carte…

Trace label : http://www.tracelab.com/

Site de Guillaume Loizillon