EUROPE MAIS PAS SALOPE

Dans le cadre de l’exposition DHS (collectif composé d’artistes, de scénographes et de  danseurs/performers, 22 oct- 20 nov, From Point to Point, Nîmes), Philippe Pannetier a composé une playliste diffusée par la sculpture sonore Macrosillons. L’idée était de ramasser les 5 années du régime  Sarkozy (dont 2 encore à venir !) en quelques titres  bien frappés : entre les différentes versions de la déclaration des droits de l’homme, le boudin du légionnaire et quelques détours par la Hongrie, c’est comme une bande son de l’époque qui nous est délivrée. Finalement tout sauf une mascarade, mais à l’échelle européenne, après le passage dévastateur du conquérant, un espace à réensemencer, en présence du public svp !

Durée totale : 8h49′
Principaux titres :

01. Déclaration des droits de Homme 1793
02. Désobéissance civile / Henry David Thoreau
03. Le tambour miniature / chant militaire
04. Bibliomanie / Gustave Flaubert
05. La petite piste / Chant Militaire
09. Sur les menteurs / Montaigne
10. Les plaisirs sont doux / Chant Militaire
11. Déclaration des droits de la femme citoyenne / Olympe de Gouges
12. Les casos / Chant Militaire
16. Signature du Traité de Lisbonne
18. En bleuité adorable / Friedrich Holderlin
19. La Civilisation électronique / Pierre André Arcand
20. Islam et Politique / Dr Ahmad Lô, Charh Sahih Mouslim
22. Memo / Chanson Hongroise
24. La recherche de la fécalite / Antonin Artaud Roger Blin
25. YOU PAY / Diego Cortez
26. Flies ben / Ben Paterson
29. Déclaration des droits de l’homme 1789
30. Le mousquetaire / Chant Militaire
31. Réflexions pour les sots / Voltaire
32. Le tambour miniature / Chant Militaire
34. Qu’est ce qu’une nation / Ernest Renan
35. En passant par Paris / Chant Militaire
36. Mr Pivre / Alphonse Allais
37. Le boudin / Chant Militaire
38. Déclaration des droits de l’homme 1795
39. Le Mandarin miraculeux / Bela Bartok
40. Poàme sans titre / Raoul Hausmann
42. Les grèves / Chant Militaires
44. Que philosopher c’est apprendre à mourir / Montaigne
45. Window / Robert Whitman
46. Cette-Fois / Samuel Beckett
49. Drip Music / Ben Patterson

expo DHS + macrosillons – galerie from point to point, Nîmes

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Podcast à partir du jeudi 21 octobre :

Ecouter la playliste de Philippe Pannetier & Macrosillons sur votre lecteur

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ELEMENTS

Philippe Pannetier

http://www.frompointtopoint.com/

Macrosillons

http://www.macrosillons.fr/

L’AUTRE N’EST PAS TOUJOURS INVISIBLE … TROUVEZ LE … TROUVEZ MOI

1/ Attlal, 2min
Philippe Mallier
La bande-son de la vidéo Attlal, reprend les lamentations de la chanteuse et leur donne un sens nouveau, les plaintes originelles se transformant en des soupirs aux connotations quasi sexuelles.

2/ Paul D. Miller, A.K.A. DJ Spooky (« the mix » as culture and as metaphor)

3/ The American Gift, 1976
Vito Acconci

4/ Morning to noon
Jean-Claude Risset, Sud (1985)

5/ President Bush from Redoing Childhood
Kathy Acker

6/ Break Word
Suhair Hamad
http://www.youtube.com/watch?v=U-viSN3HvsI&feature=related

7/ Black and White # 1
The Black and White # 1 video’s soundtrack is a slowed-down music-box sounds and echoed by the rotating carousel-like movement of much of the footage, and the audible voices of the military personnel underscore dehumanizing elements of the blurrily abstracted scene of destruction from afar.

8/ Varp1(extrait)
Soundtrack de la vidéo Femme et mari par La Kuzine
«…le contraire de l’image est le noir. Le noir reviendrait à être l’absence d’image donc le vide. Mais, sans le vide l’image ne peut se révéler. Le vide est à l’origine du monde visible. Le vide n’est pas le vide. Le vide est plein, le noir est riche car en lui existe toutes les images à venir…»
Zoulikha Bouabdellah, Octobre/2004-10-12

9/ La Robe
The soundtrack of the video La Robe is made of woman ul-ulating, rejoicing using their tongues and voices, as they do in the Arab world and in Africa. It is a signal emblematic of their presence and their existence. Being the women’s means of undisputed expression, this distinctive sound translates the states of their souls in both happy and tragic circumstances.

10/ Atomium, mium, mium (extrait)
Soundtrack de la vidéo Vois-le par Karim love
« En choisissant de jouer avec le voile, elle transpose l’opposition qui existe entre une image intérieure et une image extérieure sur le plan symbolique. Nous assistons à un dévoilement symbolique qui apparait comme un geste de liberté ultime. A l’évidence, nous sommes invités à nous méfier des apparences.
Extrait: Simon Njami, catalogue « L’image révélée », Tunis, Tunisie, 2006

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Première écoute : jeudi 23 septembre à 12h, 15h, 19h, et 00h, jusqu’au 30 septembre mêmes horaires

Ecouter la playliste de Zoulikha Bouabdellah sur votre lecteur

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Plasticienne et vidéaste franco-algérienne, Zoulikha Bouabdellah est née à Moscou le 20 juin 1977. Elle grandit à Alger jusqu’à l’âge de 16 ans avant de venir en France en 1993, alors que la guerre civile éclate.
Diplômée de l’École nationale supérieure d’arts de Cergy-Paris en 2002, Zoulikha Bouabdellah concentre son travail sur le déséquilibre et la dualité des cultures. En 2004, à l’occasion de l’exposition Africa Remix au centre Pompidou, l’artiste présente la vidéo «Dansons». En gros plan, on y voit son ventre orné de trois foulards superposés de couleur bleu, blanc et rouge, exécutant une danse orientale avec La Marseillaise en fond sonore. Insolente, drôle et surprenante, cette œuvre s’impose aujourd’hui comme une anticipation et une réponse aux débats qui se déroulent actuellement en France sur l’identité et le rapport à la Nation.
Ce questionnement se retrouve dans de nombreuses photographies évoquant le patrimoine algérien et français de l’artiste. Dans le triptyque intitulé «Ni entendu, ni parlé, ni vu», Zoulikha Bouabdellah pose avec un couscoussier qu’elle place tour à tour sur ses oreilles, sa bouche et ses yeux, comme pour dénoncer le silence et l’indifférence. Dans «Cité Dallas à Oued Zenati», l’artiste retravaille une photo de famille prise lors d’un mariage en affublant chacune des femmes du patronyme d’un des personnages du célèbre feuilleton américain. Une manière de s’interroger sur ses compatriotes qui nourrissent leurs fantasmes d’occidentalisation.
En 2008, Zoulikha Bouabdellah est récompensée par le prix Meurice pour l’art contemporain pour son œuvre «Le Baiser». Cette sculpture en bois, composée de deux colonnes dorique et ionique qui s’embrassent en un mouvement circulaire, célèbre la sensualité et le mouvement des corps. L’année suivante, l’artiste remporte le prix Abraaj Capital avec «Walk on the Sky, Pisces». Inspirée par un épisode légendaire entre le roi Salomon et la Reine de Saba, cette monumentale installation lumineuse est composée d’un toit formé de diodes dessinant la constellation du Poisson et se reflétant tel un miroir sur un sol parfaitement poli.
Zoulikha Bouabdellah vit et travaille à Paris.

http://www.zoulikhab.net/

CHOIX UNIQUE
Alvin Lucier : I’m sitting in a room (1969)

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Première écoute : jeudi 19 août à 12h, 19h, et 00h, jusqu’au 26 août mêmes horaires

Ecouter la playliste de Boris Achour sur votre lecteur

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Boris Achour, né à Marseille en 1966, est un artiste français.
Il est co-fondateur, en 1999, de Public, à Paris, un espace d’art contemporain géré par des artistes et curateurs indépendants. En 2002, il co-fonde Trouble, une revue d’essais critiques, avec Claire Jacquet, François Piron et Émilie Renard, qui sont rejoints, en 2005, par Guillaume Désanges.
Il enseigne à l’ENSAPC depuis janvier 2010.

Expositions personnelles récentes :
2009
Conatus : La rose est sans pourquoi, FRAC Champagne-Ardenne, Reims
Conatus : Celui dans la grotte, Galerie Georges-Philippe et Nathalie Vallois, Paris
2008
Conatus : A Forest, Montehermoso Cultural Center, Vitoria, Espagne (cat.)
Conatus : Timescape, Galerie Cesare Manzo, Rome, Italie
IIIIIIIIIIII, Galerie des Multiples, Paris (cat.)

Expositions Collectives récentes :
2010
Double Bind/Arrêtez d’essayer de me comprendre!, Villa Arson, Nice (cat.)
L’obstacle est la tautologie, Atelier de Benoît Maire, Paris (cat.)
2009
GAGARIN The Artists in their Own Words, S.M.A.K, Gent, Belgique
Les archipels réinventés, Centre Georges Pompidou, Paris (cat.)
Faux Jumeaux, S.M.A.K, Gent, Belgique (cat.)
La Force de l’Art, Grand Palais, Paris (cat.)

http://borisachour.net/

VOICES WITH TEXTS. VOIX A TEXTES.
Morceaux et textes par des poètes et musiciens, solo ou en collaboration.
A selection of pieces by poets and musicians in collaboration or solo.

1/
Lee Ann Brown, « Underwear », from A Song Cycle, live reading, NY 2003
2/
Tom Phillips & Gavin Bryars « Chorus (Love is Help Mate) » from Irma opera (1968)
3/
Sawako Nakayasu , « Capacity » on collective Kenning CD (2008)
4/
Ida Börjel & Mathias Kristerson , « Söndag V.42 2005 (Disponentgatan) » on collective Audioei #26 CD (2006)
5/
Caroline Bergvall & Adam Parkinson « 1DJ2MANY (microa) » unused mix, prep work towards installation (2010)
6/
Fred Frith, Pauline Oliveros & John Giorno , live from Les Soirees Nomades, Fondation Cartier, Paris 2008
7/
Charles Bernstein (libretto) & Ben Yarmolinsky (music) « The Show’s Sensational » from The Lenny Paschen Show opera (1992)
8/
Rosmarie Waldrop, « Short American Memory of Salem », live reading, Buffalo 1992
9/
Will Montgomery (sound) & Carol Watts (voice), « Pitch », homage to Luigi Nono (2010)
10/
Robert Ashley, « In Sara Mencken, Chirst and Beethoven there were men and women » (1972)
11/
Tracie Morris , « My Great Aunt Meets a Bush Supporter », Penn Sound studio rec (2005)
12/
Caroline Bergvall & Adam Parkinson « 1DJMANY (microb) » unused mix, prep work towards installation (2010)
13/
Laurie Anderson « Closed Circuits »  (1977)
14/
Linh Dinh « Eating Fried Chicken », Penn Sound studio rec (2007)
15/
Cia Rinne (text, voice) & Sebastian Eskildsen (sound design) « Sounds for Soloists » (2010)
16/
Vincent Broqua (voice, translation) “Crop”,  prep work towards installation (2010)
17/
Barbara Barg (drums, vocals) & Barbara Ess (bass, bells, vocals), « Excerpts from A streetcar named desire, for Blanche » on Tellus #5-6 audiocassette (1984)
18/
Bernadette Mayer, « Catullus #48″ (with the Latin).

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Première écoute : jeudi 25 novembre à 12h, 15h, 19h, et 00h, jusqu’au 2 décembre mêmes horaires

Ecouter la playliste de Caroline Bergvall sur votre lecteur (à partir du 2 décembre 2010)

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ELEMENTS

Caroline Bergvall is a writer and artist based in London, working across media, languages, and artforms. Projects alternate between books, audio pieces, performances and language installations. The forthcoming volume Meddle English: New and Selected Texts (Nightboat Books: NY, 2011) includes critical prose pieces and her work around Chaucerian English. She frequently collaborates with other artists and her most recent commission, created with a sound artist, a designer, two architects and four voices, is the installation Middling English (John Hansard Gallery, Southampton, Sept-October 2010). Other performances or installations have been presented at: the Arnolfini Gallery (Bristol); Hammer Museum, LA (w Rodney McMillian); The Poetry Marathon at the Serpentine Gallery (London), MOMA (NY); Tate Modern (London); Museum of Contemporary Arts (Antwerp). Her work addresses questions of new literacies, plurilingualism, body politics and accented practices. She has recently completed an AHRC Fellowship in the Creative and Performing Arts (2007-2010). She was the Director of Performance Writing, Dartington College of Arts (1994-2000), and co-Chair MFA in Writing, Bard College (NY, 2004-2006). She will be a Visiting Fellow in the Department of Visual Arts, University of Copenhagen in Spring 2011 where she will be developing audiotexts for netcasting with students and practitioners.

More info: www.carolinebergvall.com

LA RUMBA, LE FLEUVE ET UN MONSTRE DANS LA GORGE

1/
Carnascialia – Canzone Numero Uno, voice by Demetrio Stratos in Roman’s Dialect (1979)

2/
Xavier Gautier – Rachel (2000)

3/
Adolf Wölfli – Fladermuus

4/
Adolf Wolfli – Musikstuck transkribiert/song 1 (1978)

5/
Demetrio Stratos – Luglio, Agosto, Settembre (Nero) (1973)

6/
Carnascialia – Cruzeiro do Sul (1979)

7/
Jean Dubuffet – Musical Experiments, Temps Radieux

8/
Madawg – Mad Dog

9/
Richard Foreman – Loop 19

10/
Adolf Wolfli – Kapittl schluss – 1978

11/
Concerto Prosodico – Tenzone tropicale (1976)

12/
Seth Price – Video Games Soundtracks 1983 – 1987 – album available at Reena Spauldings Fine Arts, Ny.

13/
Joseph Beuys – Zirkus (1985)

14/
Ghédalia Tazartès – La mort de Berchou.

15/
Demetrio Stratos – Cometa Rossa (con gli Area) (1975)

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Jours et heures de diffusion, semaine du 4 mars au 11 mars : Jeudi 4 mars à 12h,18h, minuit, 6H puis jusqu’au 11 mars, mêmes horaires quotidiens.

Ecouter la playliste de Luca Francesconi sur votre lecteur

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Luca Francesconi, né en 1979 à Mantoue (Italie), vit et travaille à Paris et Milan.

Principales expositions personnelles

2009

Lauréat du Illy Prize – Present/Future (Jury : Hans Ulrich Obrist, Jens Hoffmann, Alexis Vaillant) Artissima 16, Turin

Invité à Present/Future, Artissima 16, curateur Aurélie Voltz, Turin.

“Calendario delle Semine” – Umberto Di Marino, Naples

2006

“A naked tree and some others works…” -Umberto Di Marino, Naples

Expositions de groupe

2010

Fondazione Sandretto Rebaudengo – curateur Francesco Bonami, Turin

2009

Spy numbers, curateur Marc-Olivier Wahler, Palais de Tokyo, Paris – F

Thanksgiving” – Peep Hole Project Space, curateur  Bruna Roccasalva, Vincenzo De Bellis, Anna Daneri, Milan

Fondazione F.Menna – curateur  Eugenio Viola – Salerne

L’ìmmagine sottile, galleria comunale d’arte contemporanea di Monfalcone, curateur A.Bruciati

2008

Palais de Tokyo, “Chateau de Tokyo”, curateur by Marc-Olivier Wahler – Paris-Fontainebleau

AssociazioneVianuova,(Airò,Francesconi,Panchal,Althamer,Dodge) curateur Lorenzo Bruni, Florence

Chroma, curateur Marco Tagliafierro, Novara

Soft Cell, Galleria Civica d’Arte Contemporanea di Monfalcone, curateur Andrea Bruciati – Monfalcone

2007

“L’Homme Nu 3/3”, curateur Aurélie Voltz, Maison Populaire, Montreuil, Paris -F

“Wundergarten”, Orto Botanico,curateur Helga Marsala, Palerme

“Forevard” Fendi Foundation,curateur  A.Bruciati, Rome

2006

“Hysteria Siberiana”, curateur Marc-Olivier Wahler,Cristina Guerra Gallery,  Lisbonne – P.

XII Biennale Contemporary Sacred Art, Teramo

The Mountains School of Arts, Los Angeles – USA

Special Project:

2009 – “Bronzo Grasso – Campi di frattura nello spazio espositivo” - Studio Alberto Mugnaini,  Milan

HISTORIQUE

1.Kathy Acker « I Will Stay with You Tonight »
2.Mick Jagger « Invocation of my Demon Brother » (Soundtrack for the Kenneth Anger Movie)
3.Robert Ashley « Purposeful Lady Slow Afternoon » (Sonic Arts Union)
4.David Behrman « Wave Train »
5.Alvin Curran « Magic Carpet »
6.Richard Foreman « Loop 1 : Now That Communism Is Dead, My Life Feels Empty »
7.Anthony Braxton « Comp. 40K, Comp. 63″ (The Montreux/Berlin Concerts)
8.Mauricio Kagel « Acustica side 2″
9.Kipper Kids « Sheik of Araby »
10.Anna Lockwood « Tiger Balm »
11.Alvin Lucier « Vespers »
12.Richard Maxfield « Pastoral Symphony »
13.Gordon Mumma « Hornpipe » (Sonic Arts Union)
14.Zeena Parkins & Chris Cutler « Qeh »
15.John Zorn & Ikue Mori & Fred Frith – « Festival of Improvisors »
16.Xenakis « Rebonds B », dir.Stéphan Aubé
17.Varese « Ionisation », dir Nicolas slonimsky
18.Frederic Rzewski « Coming Together »
19.James Tenney « Spectral Canon for Conlon Nancarrow »

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Première écoute : jeudi 9 décembre à 12h, et 20h jusqu’au 16 décembre mêmes horaires

Ecouter la playliste de William Winant sur votre lecteur

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ELEMENTS

William Winant est un percussionniste américain d’avant-garde . Il a collaboré et joué avec les plus grands musiciens dans le domaine de la musique expérimentale ou contemporaine : John Cage, Iannis Xenakis, Pierre Boulez, Frank Zappa, Keith Jarrett, Roscoe Mitchell, Anthony Braxton, Fred Frith, James Tenney, Terry Riley, Cecil Taylor, Gerry Hemingway, Mark Dresser, Barry Guy, Marylin Crispell, George Lewis, Steve Reich and Musicians, Nexus, Charles Wuorinen, Jean-Philippe Collard, Frederic Rzewski, Ursula Oppens, Joan LaBarbara, Danny Elfman/Oingo Boingo, Sonic Youth, Marc Ribot, Keith Rowe, Joey Barron, Bill Frisell, Yo-Yo Ma, ROVA, and the Kronos String Quartet.

Depuis les années 1990 il enseigne dans les facultés de Mills College, Oakland, et à Berkeley.

http://williamwinant.com/

1 – Les Gardiens (23:52)

Ces entretiens ont été réalisés grâce au concours de David Christoffel, de Gildas Veneau, du Musée d’art moderne de la ville de Paris et de certains de ses agents de surveillance, d’autres musées et d’autres agents de surveillance.

Les Gardiens ont fait l’objet d’une première édition publiée en feuilleton chaque mercredi du 15 octobre au 9 décembre 2009 sur Droit de Cités.

Cette seconde édition, en une seule bande-son, a été réalisée par l’aimable médiation de Dominique Balaÿ, à l’occasion de l’atelier webSYNradio.

Conception et réalisation Les gardiens : Samuel Zarka

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Premières écoutes : Jeudi 1er juillet à 10h, 15h, 19h, et 23h, jusqu’au 8 juillet mêmes horaires.

Ecouter la playliste de Samuel Zarka sur votre lecteur

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TEXTE

Réalisme

Quel est le rapport entre Les Gardiens, la revue Droit de Cités, l’art contemporain?

Cela commence par une expérience très commune : il y a quelques années, ce que je lisais sur l’art, dans la presse ou les livres sur ce sujet, me paraissait si souvent faux que cela a suscité :

- un travail d’explicitation historique et sociologique des dynamiques qui le constitue — à lire dans Art contemporain : le concept, à paraître en novembre 2010 aux PUF.

- Et Les Gardiens. Ils étaient la voie d’interrogation des profanes les plus informés sur les œuvres qu’on puisse trouver.

A cette fin, je n’ai pu m’y prendre autrement que selon une quasi-infiltration muséale. C’était déjà, sur un plan plus festivalier, le cas avec la pièce incorporel.



Car c’est bien ardu de faire les choses dans l’art sans être interrompu par des impératifs dits de « sécurité ».

Mais revenons aux Gardiens. Dans un jargon sciemment typique, j’écrivais ensuite, sur ce site, lors de la première édition, en feuilleton, du travail : Les gardiens sont au bord du cube blanc. A cette mention d’un ouvrage de référence dans la culture critique afférente [1], faisait suite ce petit adieu : Et puis professionnellement c’est le bord au-delà, ailleurs méchamment. Loin. Au revoir. Suivit la réalisation collective de la présente revue Droit de Cités, c’est-à-dire la construction d’une plate-forme de production et diffusion de contenus en ligne; des contenus nécessaires, au sens usuellement philosophique du terme, c’est-à-dire ne pouvant pas ne pas être; et par surcroît, n’existant pas ailleurs.

Les agents de surveillance rencontrés entre-temps, avaient-ils quelque chose à conter touchant leur expérience esthétique? Bien sûr, tous ont d’abord pris la question comme portant sur les œuvres qu’ils fréquentaient. Mais chaque fois, l’entretien abordait notamment leur expérience globale des lieux. Entre les deux pôles de la question, ils parlaient notamment ce qui s’entend sur l’enregistrement.

Tandis que webSYNradio propose de passer une bande-son, celle de son choix, pour tout le monde. A la bande-son, il s’agit aussi de joindre une documentation en image.

Ainsi qu’en texte. Cet ensemble s’inscrit dans une prévision, une date, la période d’une semaine, sur laquelle s’échelonnent les rendez-vous d’écoute, complétés d’un podcast. C’est une série d’expositions en fait (non sans jouer sur les mots).

Sans que cela nécessite d’être souligné, Les Gardiens décrivent une démarche proche de webSYNradio : fondée dans une expérience esthétique très intégrée dans les affaires courantes. Dès lors, on peut se demander si un artiste a pour fonction de produire du rêve ou de l’imaginaire; d’autant mieux lorsque le thème de l’imagination colonisée est devenu si courant [2]. La présente bande-son y répond à sa manière. Elle propose de passer des propos choisis selon le moment où il semble que ce qui se dit veut valoir d’une manière excessive par rapport à la circonstance artificielle de l’entretien. Une façon de choisir les coupes exactement explicitée par Mallarmé : « l’œuvre implique la disparition élocutoire du poète qui cède l’initiative aux mots » [3]. Cette disparition est alors une cession de ma parole en propre à une parole pourtant. C’est peut-être la voie même d’un art réaliste, parce que ce qui se dit pourrait exprimer ce qui est réellement vécu. Il y va de l’expression individuelle, et même singulière, de personnes selon des déterminations objectives communes.

Samuel ZARKA

[1] Brian O’Doherty, White Cube, L’espace de la galerie et son idéologie, Paris, Les presses du réel, 2008 (édition française).

[2] Quand j’étais étudiant, en cours, l’artiste Sylvie Blocher nous exhortait à « décoloniser notre imaginaire ».

[3] Merci à Dominique Pagani pour m’avoir indiqué cette citation.

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ELEMENTS

Samuel Zarka est directeur éditorial de Droit de Cités. Ingénieur du symbolique. Conférencier à l’Académie Royale des Beaux Arts de Liège.

Sites de Samuel Zarka :

ingenieurdusymbolique.fr

samuelzarka.net (index des productions)

PLAYLIST WEBSYNRADIO

1/
asher | directions

01 untitled (06.30.05) 15.45
02 untitled (07.02.05) 16.30
03 untitled (07.03.04) 18.30

composed by asher 2005.

2/
fourm | dust

01 I 08.18
02 I 09.06
03 I 06.53
04 I 05.47
05 I 11.51
06 I 07.47

produced by fourm 2006/2007.

3/
jörg koch | 10 guitar classics

01 blues I 08.34
02 rock’n'roll I 07.34
03 heavy metal I 06.22
04 fusion I 04.26
05 funk I 04.31

produced by jörg koch 2006.

4/
mahmoud refat | shift

01 extract 4.44
02 mute instructions 6.40
03 acrylic – part 1 3.12
04 acrylic – part 2 5.57
05 invaders 7.59
06 vio-let 6.15
07 sonic mutation 6.06
08 acrylic – tet 9.51
09 akiram 4.41

composed by mahmoud refat 2004.

5/
mahmoud refat + zimoun | statics I

01 statics01 14.49
02 statics02 08.52
03 statics03 09.43
04 statics04 03.18
05 statics05 21.13

composed by mahmoud refat + zimoun 2006.

6/
mahmoud refat, pe lang + zimoun | statics II

01 statics06 09.16
02 statics07 09.48
03 statics08 06.18
04 statics09 12.34
05 statics10 09.06

composed by mamoud refat, pe lang + zimoun 2006.

7/
zimoun | kabel 0.2

01 090 08.34
02 086 05.29
03 087 09.27
04 089 07.06
05 078 13.59

composed by zimoun 2004/2005.

fourm | dust | photography by skoltz_kolgen

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Premières écoutes : Jeudi 20 mai à 12h,20h puis jusqu’au 27 mai, mêmes horaires.

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ELEMENTS

Zimoun est un artiste suisse qui  travaille la matière sonore et produit des installations dans le monde entier. Il est également le fondateur du label / réseau  Leerraum [ ].
Pour un aperçu de son travail, vous trouverez ci dessous une compilation de vidéos :
http://www.zimoun.ch/works/compilation_vimeo_mov.html

website Zimoun:
http://zimoun.ch/

website Leerraum [ ]:
http://leerraum.ch/

Interview with Michael Lingner

Cet entretien est une version inédite issue des programmes donnés par David Goldenberg sur Résonance FM,
http://resonancefm.com

Des textes détaillés et un aperçu des travaux de  Michael Lingner ainsi que des différents auteurs et artistes évoqués dans l’entretien se trouvent sur le site de  Michael Lingner :  http://www.ask23.de

Michael Lingner

Exposition de  Michael Lingner

Travaux de Franz Erhard Walther

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Première écoute : jeudi 7 octobre  à 12h, 15h, 19h, et 00h, jusqu’au 14 octobre mêmes horaires

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ELEMENTS

David Goldenberg est un artiste , curateur et théoricien anglais. Il vit à Londres.

Des éléments complets sur le travail de D.Goldenberg sont présentés dans les ouvrages parus chez Thames ’s and Hudson  « Installation art » et  “New media in late 20th century art » . Récemment il a initié une démarche de réflexion à partir d’un un site web intitulé  Post Autonomy. Le site fonctionne comme une plate forme de recherche et un outil pour déployer le concept de Post autonomy.  Selon D.Goldenberg le concept de Post Autonomy est opérant pour comprendre l’état actuel de l’art contemporain. Le point de départ des nombreux échanges qui se tiennent sur les forums du site est que l’art a atteint ses limites pour comprendre l’autonomie : il s’agit alors de se projeter dans ce qui vient après et que D.Goldenberg désigne par Post Autonomy dans le but de mettre en place de nouvelles matrices pour réinventer l’art.

Expositions récentes :

2010
Common ground, visualising Post Autonomy, in collaboration with Maja Ciric, International project space, Belgrade, Serbia
1st Land art Biennial Mongolia
Fordham at Tate Britain, London, UK

2009
Mobile Documenta, Fordham Gallery, London, UK
Avant-garde below zero, Verbeke Foundation, Antwerp, Belgium
The time of Post Autonomy is now PT 2, Your space, Vanabbmuseum, The Nederlands
Translations and misinterpretations, Shedhalle, Zurich, Switzerland
The Climate of change, FACT, Liverpool, UK

2008
Liverpool Biennial, DTN, Artist Anonymous, A-Foundation, Liverpool, UK
Agitpop, London printmakers workshop, London, UK

2007
10th Istanbul Biennial, The time of Post Autonomy is now Pt 1
The Space of Post Autonomy, Local operations, Serpentine Gallery, London
Locally Localised Gravity, Plausable Artworlds, ICA Philadelphia, USA

www.postautonomy.co.uk

CONDUCTEUR  1.0

1) The tape Beatles « individual choice »
2) The Gerogerigegege «senzuri power up  Gero-p 1985 »
3) Set P Brundel « cri me a river 2001»
4) Charles Armikhanian « History of collage »
5) The tapes Beatles « wow we fell the amazing power »
6) Taniel Morales « de que se alimenta »
7) Flux Tellus :thomas schmit No. 13 from Sanitas-200 Theatre Pieces
8/ Flux Tellus :thomas schmit pl4
9) Flux Tellus :thomas schmit pl10
10) Flux Tellus : « georges Bretch » + James Tenney…
11) Taniel Morales « Que bueno $ 1000 cada hora »
12) Flux Tellus :thomas schmit pl6
13) Charles Armikhanian « RADII »
14) Amandine Casadamont & Angélique Tibau « Mad Map » épisode 1 (France Culture)
15) Pierre Albert Birot « Promethee »
16) Laurie Anderson « Born never asked »
17) Taniel Morales « usa tu cabesa »
18) Amandine Casadamont & Angélique Tibau « Mad Map » épisode 2 (France Culture)
19) Toshimaru Nakamura « Nimb # 9.1
20) Robert Ashley « interiors with flash »
21) Flux Tellus :thomas schmit pl12
22) Amandine Casadamont & Angélique Tibau « Mad Map » épisode 3 (France Culture)
24) Bernard Parmigiani « la roue ferris »
25) Claude Closky « Hydrastar » 5’37
26) The tape beatles « I’m think I’m in a heaven »
27) The tape beatles « logo »
28) Claude Closky « black list »
29) Philipp Glass « a secret solo »
30) Taniel Morales « intervencion de estela moon »
31) Pierre Albert Birot Promethee
32) Amandine Casadamont & Angélique Tibau « Mad Map » épisode 4 (France Culture)
34) the tape beatles « love song »
35) Flux Tellus :thomas schmit pl16
36) Jonathan Borofsky aka Jonnie Hitler « dreamer ‘s nightmare »
37) Amandine Casadamont « Les bons copains »
38) the tape beatles « I’m lonely »
39) Amandine Casadamont & Angélique Tibau « Derrière »
40) The tape beatles « rythm filler »
41) Walter Smetak « Akwas »
42) Flux Tellus :thomas schmit pl 20
43) Taniel Morales « Mejor en taxi. inconsciente colectiva »
44)amandine Casadamont « work in harmony »
45) Terry Fox « sueno interno 1979
46) Flux Tellus :thomas schmit pl 24
47) The tape Beatles « urgent rushing around »
48) Camille Bryen « tête de coq 1949 »
49) Charlemagne Palestine « Two fiths »
50) Amandine Casadamont « Ligne 2.0 »
51) Dj Food « raiding the 20th century»

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Premières écoutes : Jeudi 4 février à 12h, 22h, 6H puis jusqu’au 11 février, mêmes horaires

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ELEMENTS

Amandine Casadamont, plasticienne sonore, issue de la scène radiophonique (France Culture/France Inter…).

www.kit-cut.blogspot.com
www.myspace.com/amandinecasadamont
www.chantalchampagne.com

LYRE DURE

1/
Lyre Dure Prologue- Philippe Beck  (1′36)

2/
Lyre Dure VII – Philippe Beck   (3′35)

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Jours et heures de diffusion, semaine du 22 au 29 janvier : Jeudi 22 janvier à 12h,18h, minuit, 6H puis jusqu’au 29 janvier, mêmes horaires.

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ARTICLE

JE DECERNE MON PRIX DE POESIE

Par Didier Jacob, novembre 2009, sur son blog didier-jacob.blogs.nouvelobs.com

On juge un écrivain d’abord à ses titres. Il suffit de puiser dans la liste, somptueuse, des précédents livres de Philippe Beck pour entendre avec stupéfaction l’écho étrange. Son premier livre (1996): «Garde-manche hypocrite». Puis: «Chambre à roman fusible» ou «Rude merveilleux». Dernièrement: «Le fermé de l’époque». Ou encore, celui que je préfère peut-être à tous les autres: «Dans de la nature». Le génie affleure, mais n’affleure pas seulement. Il est partout en dessous (des couvertures). Le titre une pensée commencée, tandis que le bain coule. On plonge alors le livre dedans, qui est de l’écriture-écriture – écriture lavée, sans apparent contexte, sans nom d’auteur. L’impensé, véritablement.

lire la suite…

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ELEMENTS

Après une maîtrise de lettres et l’agrégation de philosophie, Philippe Beck soutient une thèse de doctorat de philosophie (Histoire et imagination) sous la direction de Jacques Derrida. Maître de conférences en Philosophie à l’université de Nantes depuis 1995, il y dispense spécialement des cours dans le domaine de l’esthétique, s’attachant notamment à préciser la différence entre littérature et philosophie.

En 1990, il est un membre fondateur de la revue de phénoménologie Alter (ENS de Saint-Cloud). Fondateur et rédacteur en chef de la revue de poésie Quaderno (éd. MeMo, Nantes, de 1998 à 2000), il est l’auteur de nombreux articles de poétologie et de critique. Il est par ailleurs membre du comité de rédaction des revues Cités et Droits de cités (PUF) ainsi que de la revue Agenda de la pensée contemporaine (Flammarion).

Régulièrement invité en France et dans le monde pour des lectures de son oeuvre et des conférences, il a été, en 2008, écrivain en résidence au Château de Blandy-les-Tours et, en 2009, lauréat de la « Mission Stendhal » en Chine. En tant que poète, il figure au sommaire de nombre de revues et anthologies. Certains de ses livres et poèmes ont été traduits en anglais, néerlandais, coréen, galicien, allemand.

Son travail de poète ( »tenir la langue et tenir à la tenue de la langue » a dit Jean-Luc Nancy) a été l’occasion de rencontres et de collaborations avec des musiciens et compositeurs contemporains. Il est le co-auteur du livret de l’opéra Pastorale de Gérard Pesson qui a également mis en musique des poèmes tirés de Chants populaires pour l’ensemble vocal Accentus. En 2009, a été créée une Oeuvre acousmatique de Philippe Mion d’après Lyre Dure.
+ sur wikipedia

Dossier Philippe Beck sur Remue.net

VIRAL SYMPHONY

01/
the enthrOning
Viral SymphOny, 1er mouvement.

02/
murmuring tOngue Of Ovid
Viral SymphOny, 2nd mouvement.
Ce mouvement est basé sur un enregistrement effectué par Joseph Nechvatal d’une lecture des Métamorphoses d’Ovide par Jane Smith en 1985.

03/
pastOral pleasures
Viral Symphony, 3ème mouvement

Joseph Nechvatal: sources sonores & synthé
Matthew Underwood: ingénierie sonore
Andrew Deutsch: ingénierie sonore
Stephane Sikora: programmation informatique
Jane Smith: voix (enregistrée en 1985)

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Première écoute : jeudi 30 septembre à 12h, 15h, 19h, et 00h, jusqu’au 7 octobre mêmes horaires

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Joseph Nechvatal est né à Chicago ( États-Unis) en 1951 et travaille entre Paris et New York. L’œuvre de Joseph Nechvatal, tant sur le plan technique que conceptuel, est devenu aujourd’hui une référence en matière d’art numérique. Docteur en philosophie de l’art et des nouvelles technologies, enseignant à la School of Visual Arts à New York.  Ses travaux récents sont le fruit d’un programme de virus informatiques développé par lui-même et Jean-Philippe Massonie lors d’une résidence à l’atelier Louis Pasteur, à Arbois, et à la Saline royale d’Arc-et-Senans, en 1991. En 2001 Joseph Nechvatal et Stéphane Sikora du collectif music2eye ont conjugué le projet initial de virus informatique avec les principes de la vie artificielle (a-life), c’est-à-dire la création de systèmes de synthèse qui reprennent les caractéristiques comportementales des systèmes vivants. Programmés en C++, des ferments de vie artificielle sont introduits sous la forme d’agents autonomes (les virus) qui « vivent » dans une image ou un son.

Les manifestations audio ainsi produites et retraitées par Andrew Deutsch et Matthew Underwood ont donné Viral SymphOny, une oeuvre aux résonnances proches de Yasunao Tone, Fluxus, Oval et Merzbow.

http://www.nechvatal.net/

1.000.048 ART’S BIRTHDAY, PLAYLIST 17 JANUARY 2011

1/ Robert Filliou – whispered history of art ( Fluxus Anthology 30th Anniversary 1962-1992)

2/ Jochen Arbeit – R In Hell (Solo)

3/ Brion Gysin – « I Am », Machine-poem, 1960

4/ The Beatles – Revolution 9 (White Album)

5/ Robert Watts and Larry Miler – Laff Trance (extrait)

6/ Black Rebel Motorcycle Club – And With This Comes (The Effects of 333)

7/ Chris Burden – The Atomic Alphabet (1982) – Extrait de Happy New Ear

8/Blixa Bargeld – All Alone Am I (Commissioned Music)

9/ Dieter Roth – novembersymphonie (1974)

10/ David Bowie – Heroes/Helden (Wir, Kinder Vom Bahnhof Zoo)

11/ Gerashim Luca – Passionnément

12/ Deerhunter – White Ink (Cryptograms)

13/ Charles Pennequin – Je n’ai rien à dire

14/ Einstürzende Neubauten – Ein Stuhl in Der Hölle (Haus der Lüge)

15/ The Folk Implosion « Raise The Bells »

16/ John Frusciante – Before The Beginning (The Empyrean Alternative)

17/ Pierre Ménard : Le monde nouvelle formule

18/ John Zorn – Poverty (Once Upon A Time in America) The Big Gundown

19/  Kurt Schwitters – Ursonate

20/ Motion Trio – Fly, to Janusz Pater (Play-Station)

21/ Claude Closky – black list

22/ RIEN – Mesto Piano (Requiem Pour Des Baroqueux)

23/James Tenney – Septet for Electric Guitars

24/ Serge Gainsbourg – Eau et gaz à tous les étages

25/ bang bank – Martin kippenberger – Greatest Hits

- REGAL en all. = étagères, forme d’installation récurrente dans le travail de Pierre Granoux
- cette playlist est un RÉGAL
- RUE REGALE, à Nîmes
( Image Paula G. Vidal)

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Podcast à partir du lundi 17 janvier :

Ecouter la playliste de Pierre Granoux & Macrosillons sur votre lecteur

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ELEMENTS

Pierre Granoux
http://blog.bazarmoderne.com/

Macrosillons
http://www.macrosillons.fr/

A CONTRE-COURANT

1 – Kristin Oppenheim
Sail On Sailor, 1994 (2:23)

2 – Lee ranaldo
The Bridge [3:12]
From Tellus #10: All Guitars! (1985)

3 – Gertrude Stein
The Making of Americans: Parts 1 & 2 (5:38)
recorded in New York, Winter 1934-35

4 – Jean-Luc Godard
Jean-Luc Godard entretien avec Serge Daney

5 – Patti Smith
Neo Boy – Hey Joe
Recorded live – Max’s Kansas City, NYC 1974

6 – Benoit Delbecq & Steve Argüelles
Line 1, 9′31
from Pianobook, 2003, Plush records
collection personnelle
courtesy Benoit Delbecq & Steve Argüelles

7 – Patti & Jesse Smith
Messages in a bottle

8 – Kristin Oppenheim
Hey Joe

9 – Roni Horn
Saying Water (1999)

10 – Poolplayers
A Rumoured Version of Ourselves
from Poolplayers, Way beyond the surface, Songlines recording, 2008
collection personnelle
courtesy Benoit Delbecq and Poolplayers

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Premières écoutes : Jeudi 13 mai à 22h, jusqu’au 20 mai mêmes horaires.

Ecouter la playliste de Marcelline Delbecq sur votre lecteur

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ENTRETIEN
Marcelline Delbecq, Dominique Balaÿ avril 2010

DB : Y a t-il eu des chocs sonores à l’origine de votre travail de création ?

MD : Oh que oui ! Je suis indirectement venue à l’art par la musique et ça remonte à très loin. J’ai découvert le Velvet Underground quand j’avais onze ans, et j’ai adoré leur musique tout de suite, sans pour autant comprendre ni les paroles ni l’histoire du groupe. J’ai collectionné leurs disques, et c’est via leur musique que je me suis intéressée à Warhol, la fameuse banane n’y étant pas pour rien. Et de Warhol j’ai dérivé vers la photographie et la fantasmagorie d’un mode de vie « Factorien ». Adolescente j’étais inconditionnelle des Inrockuptibles (ancienne version !) et de Bernard Lenoir. J’ai vu beaucoup de concerts, mais du rock et de la pop essentiellement, rien de bien original. Je pensais d’ailleurs un temps devenir photographe pour la presse musicale américaine mais j’ai complètement dérivé, notamment après avoir fréquenté de près des musiciens de rock quand je vivais aux Etats-Unis. Le milieu du rock ne m’a pas fascinée, alors je me suis tournée plus assidûment vers l’art. De fil en aiguille, mon travail est devenu littéraire et sonore et pas spécialement lié au rock’n’roll. La rencontre avec le travail de Dominique Petitgand et celui de Kristin Oppenheim au tout début de mes études d’art m’a certainement dirigée vers l’utilisation du son et de la voix en tant que médium à part entière.

Vous êtes photographe de formation, vous avez eu l’occasion de préciser être venue au cinéma par le récit et la fiction.

C’est exact, c’est la littérature qui m’a conduite au cinéma, pas la fréquentation des salles obscures. J’ai lu plus de livres que je n’ai vu de films et me suis d’abord intéressée à la construction de la fiction cinématographique en termes d’utilisation de mots pouvant susciter des images mentales, pas visuelles. J’ai lu beaucoup de scénarios et de scripts, observé beaucoup de film stills. Mon apprentissage de la photographie a énormément influencé mon approche du récit, c’est certain. Le cinéma est venu en deuxième lieu, par la force des choses. Il est maintenant une composante essentielle de mon univers. J’ai récemment écrit un texte pour la revue Trafic (Des impressions, des ombres, Trafic n°72, P.O.L) qui m’a obligée à me pencher sur mon rapport au cinéma. C’est là depuis toujours, mais c’est avant tout passé par l’écrit.

Pouvez vous exprimer votre rapport à la dimension sonore ?

Mon rapport à la dimension sonore ? Vaste sujet ! Par où commencer ? Je n’en ai aucune idée. J’aime le son car il s’échappe en même temps qu’il est produit. L’émission de la parole est du pur vent, et pourtant elle fait sens, fabriques des images volatiles, procure des sensations physiques. Au cinéma comme dans la vie, l’écoute est souvent moins sollicitée que le regard, et pourtant elle est tout aussi fondamentale. Au quotidien je suis très sensible aux sons, aux voix surtout. Une voix me marque plus facilement qu’une couleur d’yeux. J’aime les voix off au cinéma, les voix à la radio, dans la rue. Mais à vrai dire je ne sais pas comment cerner la dimension sonore dont vous parlez, puisqu’elle est infime et gigantesque à la fois.

Quelle est la part de la création quand vous vous attachez à l’exploration d’archives comme celle de UBU ?

Je crois qu’il n’y a aucune création de ma part, ce sont les auteurs choisis qui sont les créateurs, j’ai juste agencé une sélection en fonction de critères totalement subjectifs, avec l’envie de faire plonger les auditeurs dans un univers qui est le mien sans l’être tout à fait. UBU est un bijou, c’est un site exceptionnel, et on peut remercier internet pour ce genre d’initiative. Un tel regroupement d’œuvres sonores serait tellement plus ardu dans le réel, tandis que là tout est à portée de main, dans un catalogue d’une inestimable valeur historique et artistique. Je n’ai rien fait d’autre que me régaler, je n’ai strictement rien inventé en faisant cette playlist. Je l’ai pensée comme un stream of consciousness, dans lequel on puisse plonger à contre-courant.

La notion d’archives vous intéresse-t-elle ?

Evidemment oui, et il se trouve que c’est devenu très à la mode dans le milieu de l’art ! Il y a eu beaucoup d’expositions sur l’archive dernièrement, comme si à force de progrès technologique d’une insensée rapidité, les artistes avaient choisi de regarder en arrière plutôt qu’en avant. En développant la création d’images mentales oscillant entre passé et présent, je n’ai au départ pas du tout pris en compte l’aspect historico-nostalgique que certains des récits pouvaient véhiculer. Mais à l’évidence – et de toute façon c’est le destin même de la photographie que d’être déjà passée à l’instant de son présent – j’entretiens un rapport étroit au passé en tant que moteur d’imagination, l’idéalisation du futur ne m’inspire pas grand-chose. Internet a totalement bouleversé la notion d’archives, car il n’y a plus besoin de s’enfermer en bibliothèque pour trouver un ses sources. Toutefois je me demande ce que deviendra l’idée de correspondance, à laquelle je suis personnellement très attachée. Qui conserve les envois de mails et de sms ? L’écriture manuscrite est en train de totalement disparaître, on verra ce qui reste dans un demi-siècle. Si on n’avait pas gardé trace des écrits historiques, qu’ils soient littéraires ou administratifs, on aurait déjà oublié une bonne partie de notre histoire.

Pour votre playliste, vous avez choisi des artistes comme Kristin Oppenheim, que vous citez parmi vos références majeures : Pouvez-vous nous éclairer sur vos choix ?

Mon choix s’est porté sur des voix avant tout, des voix de femmes en particulier, qui m’accompagnent dans mon propre parcours. Quand j’ai découvert le travail de Kristin Oppenheim à Arles il y a des années, j’ai été fascinée par la force de sa présence, malgré un dispositif d’une grande simplicité. J’adore la voix de Patti Smith quand elle raconte des histoires, accompagnée par sa fille Jessee au piano. J’ai trouvé A message in a bottle sur internet, elle l’a réalisé pour une exposition à NYC, dont les oeuvres ont été commandées en écho à des lieux liés à l’histoire de l’immigration. En guise d’interludes s’est naturellement immiscée la musique de Benoît Delbecq et de Steve Argüelles, qui m’accompagne depuis des années. A cela s’ajoutent des artistes incontournables, qui sont des voix aussi, Godard par Daney, Roni Horn … Pour moi l’oeuvre ultime, tous domaines confondus, est Histoire(s) du Cinema de Godard en version CD chez ECM. C’est parfait, il n’y a rien à dire. Ma playlist fait pâle figure à côté …

La présence de Benoit Delbecq témoigne d’une relation privilégiée ? D’autres artistes ? Des lieux privilégiés pour recevoir votre travail ?

Benoit est mon cousin germain, mais nous nous sommes peu vus pendant longtemps. Je l’ai vraiment rencontré quand j’étais étudiante aux beaux-arts, et c’est devenu immédiatement une grande complicité. Nous avons dix ans d’écart, une génération. Il a tout de suite pris au sérieux ma pratique, alors que j’étais balbutiante, et lui musicien confirmé. Depuis, nous collaborons sur toutes sortes de projets, les siens, les miens, les nôtres. Je ne connais pas grand-chose au jazz, et sa musique est tellement éloignée de ce dont j’ai l’habitude qu’elle m’a ouvert un horizon que je n’aurais pas soupçonné. Nous venons de commencer un nouveau projet ensemble, avec le batteur Steve Argüelles et le bruiteur de cinéma Nicolas Becker. Je peux vous dire que l’univers musical et sonore produit par ce trio sur scène est une vraie claque dans la figure. Mon cercle privilégié de travail est très restreint. Benoît, Elina Löwensohn, mon amie actrice qui enregistre la plupart de mes textes, Nicolas Becker, le monteur son Mikaël Barre, et le regard fidèle d’une poignée de proches, qu’ils soient artistes, cinéastes ou écrivains (ils se reconnaîtront). Les lieux pour voir et entendre mon travail s’égrènent au fil des expositions, je n’ai pas encore de site internet donc il faut soit se renseigner soit tomber dessus par hasard. En vrac, dans les mois qui viennent, Bâle, Berlin, New York, Bordeaux, Castello, Moscou. Pour les amateurs de lecture, le texte de Trafic est une approche en profondeur qui, je pense, permet de se faire une idée précise de ce qui m’anime …
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ELEMENTS

EXPOSITIONS PERSONNELLES

LECTURES ET CONCERTS (récents)

PLAYLIST

1/

Double Blind (love) 22.44 min. d’une performance télématique de 264 minutes.

Annie Abrahams. Living Room, Montpellier. Dimanche 29 novembre 2009.

Curt Cloninger. Black Mountain College Museum + Arts Center, Asheville, North Carolina, US.

2/

Adolf Wölfli (1864-1930)

Allgebrah Du bist Wonne 1:58

3/

Meredith Monk

Biography, « Education of the Girlchild » (8:00)

4/

Hugo Ball (1886-1927)

Totenklage (1916)

5/

John Cale

Loop (7:14)

The Velvet Underground: John Cale, Guitar and Feedback

6/

Robert Ashley

In Sara Mencken, Christ and Beethoveen there were men and women (1972)

Text: John Barton Wolgamot (written 1944)

Music: Robert Ashley + Paul DeMarinis

Voice: Robert Ashley

7/

Diamanda Galás –

Excerpt from Eyes Without Blood

8/

Henri Chopin

Cantata For Two Farts And Juan Carlos I (11:48)

9/

Oppera Internettikka – Protection et Sécurité Performance inter-média de Annie Abrahams & Igor Stromajer Avec Christine Kattner mezzosoprano. Opéra National de Montpellier Languedoc Roussillon, France, 15 décembre 2006.

Dernière Partie: Mutter Courage oips-4.mp3 (11 min 56 sec)

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Premières écoutes : Jeudi 8 avril à 16h puis toutes les 4h jusqu’au 15 avril.

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ELEMENTS

Bio :

Annie Abrahams est une artiste hollandaise qui habite en France depuis 23 ans. Elle est docteur en biologie et diplômée de l’école des Beaux-Arts d’Arnhem. Son travail, qui utilise aussi bien la vidéo, la performance que l’Internet, questionne les relations interpersonnelles dans un monde de plus en plus médiatisé. Elle explore les possibilités et les limites de la communication en général et plus spécifiquement ses modalités propres au réseau.

Son projet « Being Human » a été présenté dans des festivals, musées et galeries partout dans le monde dans des lieux très divers comme par exemple le Centre Pompidou Paris,  Škuc Gallery  Ljubljana, La Centrale Powerhouse Montréal, Media Forum à Moscou, le New Museum à New York et Goldsmiths à Londres.

Une exposition personnelle « If not you not me » a eu lieu du 12 février au 21 mars dans la galerie HTTP à Londres. Après une résidence d’écriture et d’expérimentation elle a présenté « Huis Clos / No Exit – On Collaboration » une performance télématique avec 6 comédiens le 11 mars 2010 au CNES la Chartreuse de Villeneuve lez Avignon.

http://www.bram.org

http://aabrahams.wordpress.com

Oppera Internettikka – Protection et Sécurité:  http://bram.org/info/oips/

Double Blind (love):  http://aabrahams.wordpress.com/2009/12/09/double-blind-love-documentation/

Bio complète: http://bram.org/info/aaf.htm

CV:  http://bram.org/info/cv_aabrahams_fr.pdf

More extensive bio: http://aabrahams.wordpress.com/about/

CV:  http://bram.org/info/cv_aabrahams_english.pdf

LA PERFORMANCE

1/
Jerome Rothenberg
Y-V after dada
2/
Pierre-Albert Birot
Poèmes à crier et à danser
3/
John Giorno
Every one is a complete disapointment
4/
Noigandres
Cidade city cité
5/
Charlemagne Palestine
Sliding fifts for piano
6/
Mayakovsky
Four horse men
7/
Ghérasim Luca
Passionnément
8/
Dieter Roth
Lorelei
9/
Paul Dutton
M’n’an M’
10/
Sarenco + Franco Verdi
Paloma negra
11/
Julien Blaine
La virgule & l’apostrophe (extrait)
12/
Adriano Spatola
Hommage à Eric Satie
13/
Gil Wolman
La mémoire

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Premières écoutes : Jeudi 3 juin à 12h et minuit puis jusqu’au 10 juin, mêmes horaires.

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LA PERFORMANCE
C’est à partir de ce texte ou en rapport avec ce texte ou en opposition à ce texte que le plus important courant de la poésie contemporaine s’est positionné, que ce soient les poètes de la première génération encore fortement impliqués selon les avant-gardes historiques (futurisme, dada, cobra ou fluxus) : poésie concrète, poésie visuelle ou poésie sonore ; puis ceux de la génération suivante qui développèrent leur poésie par l’articulation aussi bien celle des voix que celle des corps (happening, poésie élémentaire, poésie action) qui amèneront la poésie essentielle de la fin du XXe siècle et du début du troisième millénaire : la performance.
Enfin ceux de la nouvelle génération qui restent dans leur corps et qui disent par la bouche et écrivent par leur langue ou celles et ceux qui ont prolongé les prothèses du magnétophone et du microphone par les ordinateurs et les outils électroniques.
Julien Blaine

LA PERFORMANCE

C’est un corps
dans un espace
et c’est un son
dans un corps,
ce son est celui de mon corps
ou celui de cet espace,
c’est un son de nature :
voix, viande, &c.
ou un son d’artifice :
musique, bruits, &c.
Puis c’est un geste
du corps
et un mouvement
de cet espace
et comment jouent ensemble
le geste du corps
et le mouvement de l’espace.
Le mouvement de l’espace
est proprement celui de l’espace
mais aussi du peuple de cet espace :
du public.
Là, tout va bouger :
le corps,
l’espace,
le son,
le geste…
Et la rencontre
sera
ou s’évaporera.
Là, aux entrepôts frigorifiques,
sous les voûtes
dans cet espace
en bord de Seine
aux frontières d’une friche industrielle
qui sera une université parisienne
(l’université Denis-Diderot)
la rencontre s’est établie…
Quant à l’enseignement :
l’université future
ne pourra jamais faire mieux.
————————————————–
octobre 2002

*Post-Scriptum
c’est un art désespéré

P.S. no 2
Si je dis « à ce jour », c’est comme s’il y avait une lueur d’espoir, or l’obscurité est totale.
Néanmoins, « à ce jour », toute révolte contre
l’injustice comme tout combat pour la justice – ce qui n’est pas la même chose –, celle des hommes, celle qui fait la différence avec la barbarie des animaux domestiques, ont été un échec. L’administration américaine made in USA (héréditaire et désormais truquée) et l’administration russe made in URSS (mais oui ! mon pote Poutine ! en URSS !)
règnent
règnent sur le monde
aidées par leurs chiens et leurs faucons
deux bêtes faciles à apprivoiser.
printemps 2003

P.S. no 3
En ce début de millénaire
la performance est guettée par 4 dangers :
1/ le gag trop intelligent
2/ le gag trop idiot
3/ la saynète théâtrale
4/ le monologue pour cabaret à touristes
1 risque :
1/ la longueur
et 2 réalités :
1/ les critiques hors média et hors style s’emparent, désormais, de cette discipline et, hors de cette culture, la définissent néanmoins (en tant qu’ingénieurs d’un appareil critique d’une machine hors circuit)
2/ ceux qui pratiquent ça parce que ce serait être à la mode…
et 5 con
tenus néfastes
1/ l’engage
ment
simpliste et altruiste
2/ le sexuelle
ment
nu ou opaque
3/ les symboliques et les ri
tu
els
pisse de chat et caca-boudin
4/ la mise en scène de l’antipathie spontanée et
radicale des artistes entre-deux (entre deux âges, entre deux styles, entre deux &c.) à l’égard des autres artistes (jeunes et vieux, physiques ou
technologiques, &c.)
5/ le retour au happening, gutaï et autres spectacles avec participation obligatoire du public.

P.S. no 4
En ce début de millénaire
la performance est partout avec le théâtre, la danse, la musique, les arts plastiques
et c’est tant mieux…
Mais elle est aussi enseignée dans les Écoles d’Art
et là c’est tant pis.
Pauvres écoliers qui se retrouvent face à des jeunes femmes ou des jeunes hommes voire des vieilles femmes et des vieux hommes qui sont loin de leur corps et de leurs actes, loin de leur vie et de leur désir, loin du risque et du plaisir, loin de la haine, de la révolte et de l’amour, et qui conduisent ces écoliers de colloques en séminaires sur les
autoroutes du savoir mort.

P.S. no 5
En ce début de millénaire,
moi,
après 42 ans passés à en faire (des perfs c. à d. des poëmes en chair et en os) j’arrête, j’arrêterai fin 2004. Je vous dirai et je vous dis : ça commence à Marseille à la Friche de la Belle-de-Mai le
18 novembre 2004.
Après, je me planquerai dans les résidus : livres, disques, films, expos et autres traces ordurières.

P.S. no 6
Finalement,
je fais des expositions
pour publier des livres :
des livres,
pas des catalogues.
Le livre dans l’espace
donne
le livre dans le livre.
Et après je peux lire
le livre,
le lire de tout mon corps,
en chair et en os…
printemps – été – automne – hiver 2003

P.S. no 7
Désormais, mon corps n’est plus à la mesure de mon ambition…

P.S. no 8
À part Balint Szombathy qui, bien que plus jeune, fait plus vieux que moi, j’étais le benjamin de la fournée de l’E.P.I. Zentrum Der Lange Atem
(Zbigniew Warpechowski et Jerzy Beres de Pologne, Janet Haufler de Suisse, Sten Hanson de Suède, Balint et moi), rencontre à l’initiative de Boris Nieslony…
Alors oui ! Je me suis dit : « Oui ! Je pourrais, comme eux, comme elle, continuer à performer, montrer mes rides et mes plis, mon souffle court et mes muscles flasques, ma peau flétrie et mes poils blancs et nos infirmités
(comment écrivais-je « ça », jadis, dans mes Bimots ? :
Poumons / goudronnés – Cartilages / déconjugués – Reins / ensablés – Foie /engorgé – Vaisseaux / encrassés – Peaux / rides – cheveux / blancs – Poils / gris – Muscles / douleurs -Viscères / douleurs – Squelette / douleurs – Cervelle / mémoire)
La vieillesse est déjà une performance si elle est
exhibitionniste. Mais c’est une perf, à partir d’un âge certain, à la portée de tous.
J’ai vu Isou en slip Kangourou, Esther enrubannée de scotch transparent, et la grosse et vieille queue de Jerzy peinte aux couleurs de la Pologne, et moi, en ai-je assez fait, nu, des « Appels au linge » ! L’ange et L’un seul ou le lange et le linceul…
Donc, désormais je resterai vêtu, et assis, calme, derrière une table, pour lire clair, sobre, digne (à la rigueur : debout), vrai.
Le texte, lui, sera à poil & au poil – c’est du moins mon souhait et ma volonté.
Je laisse à mes amis et à mes ennemis, à mes chers infirmes plus ou moins diminués, leurs textes dits, agités & datés.

P.S. no 9
J’ai été souvent ridicule et normalement grotesque de 1962 à 2004 (inclus)…

P.S. no 10
(le + & le – ) C’est bien, que j’arrête la perf.
(le poëme en chair&en os et à cor&à cri ) :
de 5 à 5 000 personnes spectatrices-auditrices, je n’ai toujours qu’un public de 2 personnes :
l’une qui dit :
« Vous êtes obligé d’hurler tout le temps ?* »
et l’autre qui me confirme que j’ai inventé le poëme olfactif**.

——————–
* il vocifère, il faut s’y faire
** Ecfruiture
automne 2004

P.S. no 11
Voilà plus de quarante ans que je voyage à travers le monde pour voir du pays, rencontrer les gens, et je ne visite que des auditoires.

P.S. no 12
Si j’étais sincère (vrai-ment), je dirais que j’arrête la perf aussi, surtout, à cause du trac qui me brûle l’estomac et me ligote le cœur les jours qui précèdent et me rend
insomniaque la nuit d’avant.
automne 2005

P.S. no 13
Militant, prêcheur, représentant, depuis 1962 j’ai dit et remué ma poésie tout autour du monde, j’ai agi devant des foules et des déserts.
Je voulais convaincre par la confrontation avec eux, avec elles, avec tous. Les mettre en face de la poésie
en chair & en os et à cor & à cri.
Mais le monde est large, long, épais, dispersé ; trop traversé, trop desservi.
Et le monstre qui m’écoute, qui me voit n’a que deux oreilles mais mille langues : je renonce.
hiver 2005

P.S. no 14
Celui que j’ai oublié dans toutes les précédentes publications de cette note : éliminer de la performance « l’esprit potache » qui a pris naissance dans le livre de Georges Duhamel, Les copains, et que l’on voit souvent resurgir chez les meilleurs d’entre nous.

P.S. no 15
(las ! : docte & magistral)
Éviter aussi d’être l’un de ces artistes misérables qui rament toute une vie vers la célèbre-autre-rive-d’en-face pour faire du sur-place. Soyez où vous êtes ou sachez où vous allez.t.
printemps 2007

P.S. no 16
Pour mes déclara©tions je ne veux désormais, aucune béquille ni musicale ni électronique.

P.S. No 17
Pour le peu qui m’en reste, Eddy a changé ma vie, Eddy est un vénitien qui a rejoint, jadis, sa chérie à Marseille. Sa mère tenait le café de la Giarina dès l’entrée de la Biennale et Eddy a grandi – tous les deux ans – parmi tous ces artistes biennalisés…
Il a repris le café restaurant du mac ( musée d’art contemporain de Marseille), c’est de famille !
Et après ma dernière presta©tion avec une sono dégueulasse, des ordinateurs qui calent et éclatent, des sons qui meurent, Eddy est venu vers moi :
“Tu as une présence géniale, tu es un artiste énorme : tu ne dois plus accepter de travailler dans de telles condition avec du matériel pourri et des techniciens incapables”
avec un délicieux relent d’accent italien et de l’agréable flagornerie dans les adjectifs du propos.
Ma si ! Je ne travaillerai plus dans des conditions techniques modestes &/8 médiocres.
printemps 2009

P.S. No 18
Écrire avec expression, donc dire ou faire avec expression et par conséquent éviter ce qui est déjà a déjà été mieux écrit, mieux dit ou mieux fait auparavant avec une expression parfaitement exprimée.
Exprimée à fond, sous toutes ces manifestations.
(expression : locution & démonstration)

P.S. No 19
J’ai dit :
“ Bye-bye la perf. “ et je m’y tiens.
Je n’ai pas dit :
“ Bye-bye les déclara©tions “
“ Bye-bye les concerts et les improvisa©tions “
“ Bye-bye les expositions, les installa©tions et les dé monstra©tions “
“ Bye-bye les publica©tions “
Je suis désolé d’attrister ainsi celles&ceux ami(e)s chéri(e)s neufs ou moribonds qui pensaient que j’avais dit :
“ Bye-bye à tout ! “
été 2009

P.S. No 20
La performance devient un art de citations et encore la méconnaissance ou la mais-connaissance des intervenants ne leur permet pas de savoir ou d’affirmer qui ils citent !
Je suis vieux et trop connaissant voire reconnaissant.

P.S. No 21
Le vieux nomade aspire désormais à une neuve sédentarité… D’ailleurs où que j’aille, je rencontre des amis que je connais déjà et qui me connaissent aussi – mieux que je ne les connais, sans doute – ou d’autres plus jeunes qui nous ressemblent…
automne 2009

P.S. No 22
Je ne lis plus, je feuillette parce que je fais, c’est le fait d’écrire…
Printemps 2010

P.S. No 23
À 67 ans achevée, je vois bien que j’ai raté ma vie sportive !
Printemps 2010

Julien Blaine
(2002/2010)

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ELEMENTS

Julien BLAiNE est né en 1942, à Rognac, au bord de l’Étang de Berre, flaque de mer jadis bleu-azur, aujourd’hui marron glacé. Il vit à Ventabren et à Marseille et nomadise le plus possible.
Dénommé aussi Christian POiTEViN (patronyme) et d’une ribambelle d’autres noms.
ÉDITEUR de Doc(k)s et d’une ribambelle d’autres périodiques.
AUTEUR de 13427 poëmes métaphysiques et d’une ribambelle d’autres livres et catalogues.
EXPOSANT de « du sorcier de V. au magicien de M. » et d’une ribambelle d’autres expositions.
A présenté en mai 2009 une importante exposition au [mac] Musée d’Art Contemporain de Marseille : un Tri.
ORGANISATEUR des Rencontres Internationales de Poésie de Tarascon et d’une ribambelle d’autres manifestations.
FONDATEUR du Centre International de Poésie de Marseille (C.I.P.M.) et d’une ribambelle d’autres espaces culturels.
CHANTIERS EN COURS : la poésie n’intéresse personne, la 5ème feuille ou l’écriture originelle, le Verssicône, Chom’art, Confidences d’Églantin, Text’art, Ihali, &c.

La vie & la phrase continuent…

Pour en savoir plus :
www.documentsdartistes.org/blaine

Playlist # 3 (fin)

1 – James Burton / Elvis Presley – As Recorded at Madison Square Garden – RCA / BMG
2 – James Burton / Elvis Presley – Elvis Live in Las Vegas – RCA / BMG
3 – James Burton / Elvis Presley – That’s The Way it Is – RCA / BMG
4 – James Burton / Elvis Presley – Raised on Rock – RCA / BMG
5 – James Burton / Elvis Presley – Moody Blue – RCA / BMG
6 – James Burton / Elvis Presley – Aloha from Hawaii Via Satellite – RCA / BMG
7 – James Burton / Elvis Presley – On Stage – RCA / BMG
8 – James Burton – The Guitar Sounds of James Burton – A&M records
9 – James Burton / Elvis Presley – Recorded Live on Stage in Memphis – RCA / BMG
10 – James Burton & Ralph Mooney – Corn Pickin’ and Slick Slidin’ – Sundazed / EMI
11 – James Burton / Gram Parsons – GP / Grievous Angel – Reprise Records
12 – James Burton / Emmylou Harris – Elite Hotel – Reprise / Rhino
13 – Larry Carlton – Sleepwalk – Warner Bros.
14 – Cornell Dupree / Donny Hathaway – Live – Atlantic Records
15 – Pee Wee Crayton – Things I Used to Do – Vanguard Records
16 – Don Rich & the Buckaroos – Country Pickin’ / The Don Rich Anthology – Sundazed / EMI
17 – Wah Wah Watson – Elementary – Sony Music Media
18 – Ted Nugent – Double Live Gonzo – Epic Records
19 – ZZ Top – Fandango – Warner Bros.
20 – Mike Stern / Steps Ahead – Live in Tokyo 1986 – NYC Records

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ECOUTER

La playliste de Noël Akchoté est proposée en mode lecture (pas de diffusion sur webSYNradio). A charge pour chacun de se procurer les albums…
Lire la partie 1 de l’entretien pour comprendre ce qui motive ce choix éditorial.

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ENTRETIEN

PUISSANCE DE LA MUSIQUE / DES PRATIQUES, UN QUOTIDIEN (# 3/3)

Noël Akchoté, Dominique Balaÿ, octobre 2009

A l’occasion de sa participation à webSYNradio, Noël Akchoté a bien voulu se prêter à un entretien pour « servir » ses playlistes. L’entretien s’est déroulé par écrit, au gré d’un échange de mails très chaleureux courant octobre 2009. Il a donné lieu à une publication en trois parties (correspondant aux trois playlistes, lire la première partie ,  lire la deuxième partie ) dans la revue Droit de Cités tout au long de 2010.
Voici donc la troisième et dernière partie de l’entretien… DB

Dominique Balaÿ   » Pour s’entendre soi même : pour se retrouver ? Ou pour s’entendre soi même « autre ». L’expérience de l’altérité est-elle possible en musique ?

Noël Akchoté : Non, sans même aller jusque là, juste pour s’entendre au sens le plus pratique, premier, simple (simpliste) du terme –  » Un Homme & Une Femme : Je ne dis pas non, un homme et une femme peuvent très bien s’entendre, du moins peuvent-ils s’entendre crier, en tant que tels. » (Lacan) – tout à fait dans ce sens là de l’entendement. D’ ailleurs si je dis cela c’est parce qu’ensuite dans ta question, la seule véritable altérité, absolument nécessaire, radicale, c est pour moi celle des hommes et des femmes. Irréductible, centrale, … Une femme n’est pas un homme, elle peut être avec, contre, sans, mais elle ne peut pas plus que l’homme être l’autre. C’est tout l’intérêt de la « chose » quand-même. Tout ce que deux êtres dissemblables peuvent tenter de commun, de communauté, d’unique à leur état d’altérité « partagé ». L’altérité de soi à soi c’est au mieux la schizophrénie («je suis un schizophrène qui a réussi, je n en ai pas de symptômes » – Lacan encore), c’est sinon juste de la cuisine interne, si ça permet des choses tant mieux pour l’individu, le plus souvent ça ne permet pas grand chose, ça bloque surtout je crois. L’artiste n’est « premier degré » que pour les diverses autorités universitaires, de presse, historiens, sociologues, critiques, … mais pour lui il en va tout à fait autrement, c’est net à la pratique (d’où mon titre de Quotidiens et Pratique). L’artiste est au contraire totalement multiple d’être justement entièrement un. Sans cela c’est l’asile immédiatement, ça ne serait pas un instant soutenable comme position si ça devait être une expérience premier degré. – S’entendre soi-même veut dire ici que ces quotidiens de travail de l’artiste lui serve justement a fabriquer des objets qu’il avait envie d’entendre, de voir, de lire au premier chef. C’est son propre et premier client, auditeur, lecteur. Et pour cause, une œuvre (il ne s’agit que de cela, un artiste produit des œuvres, rien d’autre, le reste c’est du folklore pour hagiographes ou gens de mauvaise foi), est un objet, une chose (un It en anglais, something, a thing).Si c’est un véritable artiste, cette chose (une crotte, un bon mot, une mélodie, selon …) vaut précisément pour toutes et tous. Cela a une certaine valeur universelle, cela dit justement quelque chose des autres, aux autres.

DB: Toujours cette question de la puissance, qui se pose peut être autrement : ce que peut le cinéma, ce que peut la musique, ce que peut la poésie, ce que peut la philosophie, est-ce la même chose. J’ai l’intuition que non ?

NA : Le terme de puissance, de pouvoir, de force ici, je ne le comprends pas en fait (je fais aussi exprès mais je parle du fond plutôt, je ne le comprends pas dans le fond). Ce qu’une œuvre « peut » c’est ce qu’elle provoque dans chacun (exit les histoires de « gouts » qui n’ont aucun intérêt ni aucune prise sur une œuvre, c’est des affaires personnelles çà les gouts, cela importe peu sauf pour celle ou celui qui voudrait en avoir, de peur justement de se faire prendre par cette supposée « puissance»). Si tu dis Poésie, Cinéma, Musique par exemple, chacune de ces formes artistiques sont effectivement structurellement, intrinsèquement, originellement différentes ( mais là aussi attention, l’ histoire prouve très bien que les choses ne furent pas ainsi il y a vingt ou trente siècles, que les choses évoluent, les fonctions, les perceptions etc. tout bouge – le XXème siècle a clairement sur-investi l’ archive, l’ autographe, la pièce unique, l’écrit aussi terriblement : La manière d’ éditer, de jouer, d’ approcher une partition de musique classique depuis 50 ans, n’a rien à voir avec ce qu’elles furent originellement, c’est là aussi très clair – de même que toutes les traductions sont à refaire sans cesse.). La forme de ces arts est une chose effectivement (ne serait-ce que par leur moyen de consommation, ou les besoins requis pour y accéder, mais là aussi de gros changements arrivent depuis le web), mais le fond me semble relativement très proche. Il faut savoir faire le ménage, le tri, aller au fond justement. A moins d’avoir, comme je le disais précédemment, une utilisation strictement sociale des arts (genre la Litho dans la chambre de l’hôtel Mercure, ou les rayons de CD pour montrer dans le salon quand les copains viennent, etc.). Une œuvre c’est drôlement bien foutu, extrêmement cohérent (de manière consciente ou pas). Cela se tient ou cela ne se tient pas auquel cas cela ne durera pas longtemps. Vraiment aucune inquiétude. La seule « Puissance » de l’œuvre que je peux voir c’est sa capacité unique à nous parler au présent, qu’elle date de cinq siècles ou de la semaine dernière. La mode se démode par définition, les œuvres pas, par définition de même.

DB : Mais je n’avance pas ce terme de puissance tout à fait dans ce sens là. Ce que peut la littérature, selon Maurice Blanchot par exemple : la littérature est une expérience de l’impersonnel et de l’impassible. La littérature peut l’impersonnel et l’impassible. De même, La philosophie peut l’amitié, la gaité. La poésie peut l’intensité, la métamorphose.

NA : Ce sont des « mots sur des choses ». L’impersonnel, l’impassible, c’est l’artiste justement. C’est une position qui rejoint tout à fait celle que je définis, faite de  » quotidiens & pratique ». En musique on veut toujours voir l’artiste comme « lui-même » alors que le musicien est aussi joueur qu’un auteur, qu’un comédien, etc. … on sait très bien que l’autofiction n’existe pas ou ne veut rien dire. Une ado qui raconte sa vie dans un cahier ou sur un blog cela n’a aucun intérêt en tant que tel sauf à une seule et unique condition : qu’elle raconte justement la vie qu’elle voudrait avoir, et où forcement des pans entiers de sa vie transparaitront, mais aussi des pans entiers de ce qui est précisément et profondément elle-même. On le sait très bien en histoire, les archives sont centrales mais le roman a toujours été plus fort et plus prenant pour dépeindre des réalités passées. La littérature peut être la gaité (je lis Caradec en ce moment par exemple), la musique l’impassible (voire Dokyo ou d’autres musiques du silence), et la métamorphose, des acteurs font cela très bien aussi. La poésie peut-elle être l’humour ? Mais bien sur ! Thomas Bernhard, Schopenhauer, Nietzsche, c’est hilarant, là où Manchette, Céline ou Ionesco sont plus graves.

DB : Je tourne encore autour de cette question (quelle est la puissance de la musique : que peut la musique ?) avec un autre exemple : la phrase inscrite sur l’étui de guitare de Woody Guthrie : « This Machine Kills Fascists », j’y entends sous le sens des mots (machine, tue, fasciste) et avant même que ces mots prennent sens, une puissance, l’expression d’une pure puissance, portée à bout de bras et qui trouvera son acte , son sens, sa pratique… une chanson par jour.

NA : Puissance pour l’utilisateur, Woody Guthrie dans ton exemple certainement : puissance en général, j’en doute. Je ne sais pas, selon moi, Paul Veyne est puissant, Topor est puissant, Depardieu est léger, Hendrix est lunaire, Django joueur, Grappelli subtil, Monk lumineux, Guignard chiant, Angot vide, Jean-Pierre Foucault me fait penser à Molière et il a se mérite de ne jamais se cacher, etc. A propos de Woody Guthrie, ce que tu dis être puissant chez lui, c’est une phrase au fond, pas sa musique ni ses chansons. Guitaristiquement parlant si on veut rentrer là dedans, c’est faible mais cela n’est pas tellement son sujet non plus, c’est peut être marquant historiquement, ou important en tant que sens commun, de ce que cela signale tout en le réduisant à une sorte de drapeau d’un moment, et encore localement. Léo Ferré n’était pas plus d’actualité à l’époque qu’aujourd’hui et pourtant c’est d’une actualité intime folle, tous les jours.  » Paris je ne t’aime plus » cela devait s’appliquer en 1792 comme en 2010, j’en suis certain. Si on essaie encore de se dépatouiller de cette « puissance », moi je dirais avant tout que la musique est « utile » et même parfois nécessaire. Ne serait-ce que parce que rien ne la remplace, on n’a pas cherché d’ailleurs, mais on n’aurait pas trouvé non plus.
C’est différent pour le cinéma : il y avait l’opéra avant, il y a maintenant les jeux vidéos, par exemple, cela peut changer- le problème actuel du cinéma (mais cela vaut pour beaucoup d’autres formes artistiques actuellement je pense) c’est qu’il est devenu du  » cinéma de cinéma », c’est très nostalgique avant même d’avoir vu les images, çà joue au cinéma, c’en est parfois, çà se prend d’avance pour un film. Cela peut tout à fait disparaitre sous cette forme, on n’est pas inquiet, cela reviendra sous une autre, comme toujours. La littérature non plus je ne vois pas qu’elle puisse être remplacée par autre chose, c’est la voix, la littérature, elle passe par l’écrit mais reste une voix. La philosophie idem, on peut y aller, elle sera là jusqu’à la dernière seconde. Le jazz a bien disparu, le blues aussi, la musique classique a été enterrée pour ce qu’elle était puis tous ces styles se sont transformés, il n’y a qu’à regarder un peu mieux de plus près, on verra bien que Sinatra, c’est Eminem. Gainsbourg c’est un individu unique mais j’en suis certain dans les 50 ans à venir on en verra un autre, autrement, mais peut être aussi fort, puissant. Prince, c est Duke Ellington, Britney il y en a eu depuis le départ de l’Entertainment américain, des mieux, des nettement pires aussi.

DB : Une chose que je soupçonne : la musique – comme le cinéma – est à un moment donné un art d’être ensemble, mais pas au sens commun lié aux situations de concert, plutôt au sens fort de coexistence, d’alliance (un peu plus que s’accorder donc) – partager le même plateau, un même espace : en quoi jouer avec un autre, avec d’autres, est-ce important, essentiel pour toi ? Qu’est ce qui se joue là ? S’agit-il de la même expérience avec tous ?

NA : Mais l’art ne parle qu’à l’universel, à tous, pour toujours, presque à l’infini et dans l’absolu. Donc il y a de l’ensemble là dedans forcement, que chacun s y retrouve ou pas. Les œuvres sont là, on peut mettre des décennies à les reconnaitre, parfois ne jamais les rencontrer, d autres fois les prendre dans la gueule littéralement, la fonction de miroir de l’œuvre est sa nature. Il y a ce coté dans toutes les grandes œuvres de te tutoyer toi, en tant qu’individu dans le groupe (qu’on y soit ou pas, qu’on veuille participer ou pas, on y est, la communauté des hommes cela n’est pas des mots uniquement, c’est tout a fait concret). Moi qui me lève très tôt pour marcher dans les rues de paris vers 6h, je marche au coté d’autres, les classes sociales à cette heure là sont tout à fait évidentes, on voit qui va où, pour quelles raisons, quels sont les destins, les métiers. J’y suis tout seul entouré de plein d autres, je n’y suis pas par hasard non plus. Il y a une compréhension de l’autre, au sens du « prendre avec » (con-prendre). Il n’y a d’altérité que si l’autre veut vous forcer à être comme lui sinon c’est bien normal que l’autre ne soit pas vous. Ensuite jouer avec d’autres, c’est aussi un métier, cela se fait dans un cadre qui a ses règles, ses rituels, un minimum de « commun » pour pouvoir le faire, que cela marche ou pas. C’est intéressant si vous allez voir une pièce de théâtre, de la danse, de l’opéra plusieurs représentations d’affilée, vous verrez que la même pièce, les mêmes interprètes dans un même lieu, au fil des soirs ne produit pas du tout le même spectacle. Deux personnes vont parler d’un même spectacle alors qu’ils en ont vu deux très différents dans le déroulement, le rythme, les enchainements. Un quatuor de Beethoven selon qui le joue cela peut n’avoir rien à voir. Il y avait cette émission passionnante sur France Musique, La Tribune de FM où l’on pouvait entendre dix versions différentes d’une même œuvre, et à la limite l’œuvre passait au second plan face aux interprètes. Si Glenn Gould joue Gibbons ou Bach, cela n’est ni Gibbons ni Bach. Il suffira d’écouter la même pièce par Scott Ross puis Alfred Brendel puis un enregistrement du début du siècle par exemple. L’œuvre a son intégrité, sa pensée, son intelligence, l’interprète aussi, ou pas. De même, lire un livre cela n’est pas le comprendre ou être en empathie, c’est déjà et avant tout le lire en tant que tel. En musique souvent face à une partition on ne comprend rien, c’est que l’on n’accepte pas d’ aller plus loin et de laisser le compositeur vous dire tout ce qu’il a mis dans sa composition. En tant qu’interprète il s’agit de se prêter à l’œuvre, on en est son véhicule, on est là pour faire le haut parleur et le décodeur éventuellement. On est parlé par l’œuvre…

DB : …Tout est là – « on est parlé par l’œuvre » – dans cette tournure passive : cette puissance de la musique ou de la voix qui me retourne…

NA : C’est central effectivement – en tant qu’ « artiste » (et le mot n’est pas mon préféré mais bon, c’est commun , cela permet de voir en gros où cela se passe ) , toutes ces histoires romantico-dilettantes-lyrico sont souvent fatigantes tant elle ne correspondent pas à la réalité de ces quotidiens – on est là pour que des œuvres puissent s’exprimer en tant que telles – régulièrement on trouve bizarre que des artistes aient des vies très réglées, tous les jours pareil, à remettre les choses sur la table, mais c’est automatiquement ce qu’il se passe quand tu entres la dedans…. Pour en revenir à ton expérience de l’autre dans le jeu, on ne peut faire l’expérience de cet autre qu’en étant à sa place déjà. Ceci dit toutes ces formes artistiques, et les arts de la scène en particulier, sont aussi un métier avec ses techniques, ses quotidiens. On peut tout à fait jouer avec des gens avec qui on ne passerait pas une heure, cela marche très bien, tant que l’autre s’en tient à son rôle je veux dire. On peut aussi se sentir très proche d un autre interprète et rater totalement du coup la pièce. Lorsque vous avez un partenaire sexuel par exemple, rien n’est garanti d’avance, il ne suffit pas d avoir envie du même coït, d’être d’accord sur le principe, sur ses effets pour que çà colle. Il y a de tout dans la sexualité, toutes les surprises, réussites sur le moment comme ratages sidéraux. Ce n’est pas de se sentir proche qui va forcement vous envoyer en l’air, au contraire, même çà peut tout à fait inhiber l’acte chez l’un des deux. Cela ne me semble pas très différent en musique ou dans le métier de musicien. La seule chose que je peux voir c’est le fait que tout de même les grands artistes sont des gens assez au clair avec toutes ces choses là. Une Longue expérience, de nombreuses réflexions sur le sujet vous permettent de savoir faire le tri entre tous les affects qui vous arrivent, éventuellement de laisser jouer la fonction seule si le reste ne marche pas, c’est un métier, clairement aussi.

DB: Tu as eu l’occasion de jouer avec Laurent Chambert à la société de curiosités : comment c’était ce soir là ?

NA : Une vraie rencontre sur l’instant, le vif mais de fond aussi. Celles que je préfère en somme. En fait dès le départ, il y a une histoire, et cette courte histoire peut avoir valeur d’exemple : j’avais rendez-vous à République dans un café au printemps dernier un après-midi et devais me rendre dans la soirée à une répétition de « Poésie B », je voulais manger un truc sur la route avant et je remonte vers Oberkampf pour prendre le métro à Parmentier. Dans les escaliers un jeune type qui sortait me demande si je ne suis pas moi-même, et m’explique qu’il aimerait m’inviter à un dispositif-projet de concert dans un nouveau lieu. On se reparle au mail, on trouve une date et ce soir-là, après le concert je parle avec un tas de gens dont assez longuement avec Laurent sans savoir qui il est, mais une personne s’impose dans la discussion très vite (Marie Möor, ce qui me ramène à mes débuts 25 ans plus tôt, et à Barney Wilen). Un peu plus tard Laurent me propose de participer à un projet avec lui dans ce même lieu, et comme avec toi ici, je fais un peu exprès de ne pas trop en savoir mais de laisser la rencontre se faire. En général, j’ai une confiance totale dans ce genre de carambolages, surtout si la personne en face te demande pour une raison ou une autre, je laisse l’autre avoir ses raisons de le faire et je réagis au désir de l’autre tout simplement. C’est un peu toute l’histoire de ma vie, tout s’est toujours fait accidentellement comme cela, c’est à dire « par hasard », donc sans le moindre hasard justement. Tout cela fait sens, même si cela peut prendre de longs moments avant de s’en rendre compte. On vient vous chercher, ou des rencontres se passent, à partir du moment où vous y êtes totalement ouverts. Les mêmes personnes à un autre moment, vous pouvez très bien être en face mais ne jamais les rencontrer. C’est récurrent chez moi ce type de rencontres, parfois en quelque secondes je peux me retrouver dans une situation qui va profondément changer ma vie, l’instant d’avant je n’en savais rien, et pourtant cela ne tombe jamais au hasard, cela arrive toujours à un moment central pour moi. Parfois ce sont des gens totalement anonymes, d’autres fois, des gens tout à fait célèbres mais que je ne reconnais pas (ou je peux même refouler dans ce cas là et ne pas me rendre compte de qui est qui). Le désir est communicatif, très clairement. Avec Laurent c’était très simple, il m’a invité à venir participer à son projet en tant que tel. Nous nous sommes rencontrés quelques heures avant, nous sommes allés prendre une bière pour parler un peu mais sans nécessairement détailler ce que nous allions faire le soir, et puis nous l’avons fait. Dans ce genre de rencontre, je cherche une sorte de lieu de partage entre la proposition de l’autre et mes intérêts du moment. Je sais que si j’avance une ligne, ne serait ce que d’être là ensemble à le faire, elle va me permettre d’appréhender le travail de l’autre. En gros j’ouvre un cadre, un champ, où le travail de l’autre va se révéler à moi, il ne s’agit pas de courir après l’autre, ça ne marche pas du tout. Il faut accepter que deux lignes se déroulent simultanément, si elles font sens ensemble, le sens se fera jour tout seul. Nous sommes là pour soutenir cela, pas pour le créer, pas pour le forcer non plus. Cela peut sembler un peu flou, mais c’est véritablement aussi simple que cela. Je parlais de religieux plus haut, mais il y a dans l’histoire des hommes des termes premiers que tout le monde reconnaît si on les pose, alors que pourtant chacun en a une expérience radicalement intime et différente. Ces mots, que ce soit Dieu, La Mort, La Vie, L’Amour, nous sont centraux d être justement indéfinissables, ou plus littéralement, à redéfinir à l’infini, pour chaque individu. Il y a dans la musique des choses qui ressemblent de très près à cette recherche, il y a donc aussi comme ailleurs, des gens qui ont trouvé des réponses, d’autres qui n’en veulent pas, d’autres pour qui seul le chemin compte etc. … mais la démarche est assez proche. La « quête » aussi.

Post-scriptum – Noël Akchoté

NA : Voila, en guise de conclusion, j’aimerais revenir sur ce titre qui oppose au départ (mais c’est le sens du dialogue justement), une « puissance de la musique » à des « quotidiens et une pratique ». Je n’oppose en rien les effets que produisent les œuvres au travail qu’elles nécessitent au quotidien : une pratique. Je dis simplement que  » faire » des œuvres est un travail qui vous permet justement de poser des faits, du sens, des images tout à fait précises et non pas des « révélations », des moments lyriques d’inspiration ou d’ affects. Il y a quelque chose dans le travail de l’artiste qui peut se rapprocher du travail de l’analysant dans une cure, tout est dedans mais tout n’est pas lisible, accessible, ordonné pour l’individu même si tout est absolument ordonné pourtant. C’est comme un sculpteur qui reçoit un bloc de pierre, il va falloir qu’il fasse émerger l’œuvre du bloc, mais l’œuvre est déjà là, présente en lui, le reste demande un quotidien, une pratique, donc un métier aussi. Cet aspect des choses, il suffit de lire les nombreuses correspondances d’artistes pour le voir, ils ne parlent que de cela. Il y avait récemment une série d’émissions autour de Simenon où il donnait sa définition de l’écrivain : un écrivain, c’est quelqu’un qui passe toute la matinée à ajouter une virgule, et toute l’après-midi à l’enlever.

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ELEMENTS

Noël Akchoté est un guitariste français né à Paris le 7 décembre 1968. Du jazz à l’improvisation, en passant par la chanson, le rock ou la variété, son parcours et ses pratiques permettent difficilement de lui attribuer un style précis, pas plus qu’une appartenance à un courant ou à un milieu musical spécifique…

Discographie et bibbliographie de Noël Akchoté sur wikipedia
Textes de Noël Akchoté dans la revue SKUG
La playliste de Noël Akchoté dans les programmes non déterminés de la société de curiosités

Quelle est la relation entre la politique et les entités culturelles en Europe aujourd’hui ?

Ce programme comprend un entretien qui réunit les membres de la plateforme moscovite ChtoDelat, notamment OxanaTimofeeva & d’autres participants.

Version inédite issue des programmes donnés par David Goldenberg sur Résonance FM,
http://resonancefm.com

OxanaTimofeeva

OxanaTimofeeva est actuellement chargée de recherche à la Jan van Eyck Academy, Maastricht, Pays Bas.

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Première écoute : jeudi 23 décembre à 12h, 15h, 19h, et 00h, jusqu’au 30 décembre mêmes horaires

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ELEMENTS

David Goldenberg est un artiste , curateur et théoricien anglais. Il vit à Londres. Des éléments complets sur le travail de D.Goldenberg sont présentés dans les ouvrages parus chez Thames ’s and Hudson « Installation art » et “New media in late 20th century art » .

Chtodelat est une plateforme fondée en 2003 par un collectif d’artistes, critiques, philosophes, écrivains originaires de Moscou, Saint Petersbourg et Nizhny Novgorod, dans le but de faire émerger des éléments d’échange sur les plans théorique, artistique et  militant.

Le collectif édite un magazine bilingue anglais-russe dont la ligne éditoriale insiste sur la nécessaire re-politisation de la vie intellectuelle russe dans le contexte international. L’édition de ce magazine accompagne le plus souvent des conférences ou des projets artistiques.

Les principaux contributeurs et participants sont : Olga Egorova/Tsaplya (artiste, St-Petersbourg), Artiom Magun (philosophe, St -Petersbourg), Nikolai Oleinikov (artiste, Moscou), Natalia Pershina/Glucklya (artiste, St-Petersbourg), Alexei Penzin (philosophe, Moscou), David Riff (critique d’art, Moscou), Alexander Skidan (poète, critique, St-Petersbourg), Kirill Shuvalov (artiste, St-Petersbourg), OxanaTimofeeva (philosophe, Moscou), et Dmitry Vilensky (artiste, St-Petersbourg).

http://www.chtodelat.org
http://www.chtodelat.org/images/pdfs/Chtodelat_09.pdf

Site de David Goldenberg : www.postautonomy.co.uk

BLUES WITH BEER, TABLE AND CHAIR …

1/ Michael SNOW : « Blues with Beer, Table and Chair »

2/ SCANNER :  « The THREE Women »

3/ Ilhan MIMAROGLU  « Coucou Bazar »

4/ Lionel MARCHETTI  «  Le chemin du chaman »

5/ Jean-Claude RISSET  « Sud »

6/ Trevor WISHART  « Red bird »

7/ Taylor DEUPREE :  « Live in Madrid »

8/ Meredith MONK :  « Rally »

9/ Bernard PARMEGIANI :  «  L’œil écoute »

Christian Zanesi

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Première écoute : jeudi 30 décembre 12h, 15h, 19h, et 00h, jusqu’au 6 janvier mêmes horaires

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ELEMENTS

Christian Zanesi est né à Lourdes en 1952, il commence sa formation musicale à l’université de Pau avec Marie-Françoise Lacaze et Guy Maneveau, et poursuit au Conservatoire de Paris avec Pierre Schaeffer et Guy Reibel. En 1977 il entre au Groupe de recherches musicales (GRM). Il y pratique tous les métiers du son et multiplie les expériences, les réalisations et les rencontres.
Il est à l’origine de nombreux projets dans les domaines de la radio, des publications et des manifestations musicales, notamment : l’émission Electromania sur France Musique, le festival Présences électronique et les coffrets CD « Archives GRM », « Bernard Parmegiani, l’œuvre musicale », « Luc Ferrari, l’œuvre électronique ». Christian Zanési est enfin cofondateur de l’association Ars Sonora, qui a pour but la diffusion et l’illustration des musiques électro-acoustiques, et qui fait notamment paraître une revue électronique trimestrielle, Ars Sonora Revue.

Il a écrit entre autres : Eclisses (1978), La Nuit Rebis (1979), Trois devinettes à écouter pendant l’orage (1980), Arkheion, les mots de Stockhausen (1955), Toto Valse (1966), ainsi que pour le cinéma (bandes-son des longs-métrages d’animation de René Laloux) et pour le théâtre (musiques des spectacles de François Joxe).
Depuis les années 1990 il compose dans son home studio et puise son inspiration dans la rencontre poétique avec des sons remarquables.

Il est aujourd’hui le directeur adjoint du GRM de l’Ina.

+ sur wikipedia

Playlist

1/
Listening To The Higsons – Robyn Hitchcock – Invisible Hitchcock

2/
Jammin’ With Top Dollar – Endless Boogie – Focus Level

3/
Gimme The Awesome – Endless Boogie – Focus Level

4/
The Manly Vibe – Endless Boogie – Focus Level

5/
Unknown – Unknown – Cambodian Rocks

6/
Ja, Ja, Ja, Nee, Nee, Nee - Martin Kippenberger – Beuys Best

7/
Way I Love – Mike Fellows – Limited Storyline Guest

8/
Sweetwaterfishes – Sara Glaxia – Flesh Records

9/
Commander 0f Space – Mike Fellows – Limited Storyline Guest

10/
Unknown – Unknown – Cambodian Rocks

11/
Dragonfly – Dead Meadow – Dead Meadow

12/
Lady – Dead Meadow – Dead Meadow

13/
Unknown – Unknown – Cambodian Rocks

14/
Low Lifes – Endless Boogie – Focus Level

15/
Sleepy Silver Door – Dead Meadow – Dead Meadow

16/
Yeah, I Know – C.R.E.E.P – Flesh Records

17/
Overwhelmed – K8 Hardy – Flesh Records

18/
Ja, Ja, Ja, Nee, Nee, Nee - Martin Kippenberger – Beuys Best

Pia Dehne – Eve of Destruction – Thursday, June 3rd to Sunday, July 18th, 2010 -  blackstongallery.com

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Première écoute : Jeudi 24 juin 18h, puis jusqu’au 1er juillet 12h, 18h, 00h, 6H

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ELEMENTS

Née à Düsseldorf (Allemagne), Pia Dehne est diplomée de l’école d’art de Düsseldorf où elle a étudié dans la classe de Markus Lüpertz. Pia Dehne s’installe à Berlin, et après sa deuxième exposition personnelle à la Galerie Kubinski, déménage à New York où elle vit et travaille actuellement. Elle a exposé son travail internationalement lors d’événements comme « What About New York? » à la Galerie du Jour à Paris en 2003, la présentation de son livre de dessins, I’m so happy I could die, par John Connelly à New York et Laura Mars Group à Berlin en 2003.

Le travail de Pia Dehne a fait l’objet de plusieurs expositions personnelles à New York : Naked City en 2004 (Deitch Projects) et Country Life en 2008 (Blackston Gallery).

Parmi les expositions de groupes récentes : For Your Eyes Only (De Markten, Bruxelles), et Hunt & Chase (James Salomon Contemporary, East Hampton) en 2010.

Toutes les infos sur le site de l’artiste : www.daysonearth.net

Born in Düsseldorf, Germany, Pia Dehne received her Master of Fine Arts from and studied under Professor Markus Lüpertz at the Düsseldorf Art Academy. Pia Dehne later lived in Berlin, and after her second solo exhibition there in 1999 at Galerie Kubinski, she moved to New York, where she currently lives and works.

She has exhibited in international venues such as Galerie du Jour in Paris 2003, What About New York?, and her book of 80 drawings, I’m so happy I could die was launched at John Connelly Presents in New York and shown at Laura Mars Group in Berlin during 2003. Dehne’s work has been the subject of  several solo exhibitions in New York including her first solo show, Naked City in 2004 at Deitch Projects, and Country Life at Blackston Gallery in 2008. Recent group exhibitions include the shows For Your Eyes Only at De Markten, Brussels, and Hunt & Chase at James Salomon Contemporary, East Hampton in 2010.

For more information visit the artist’s website

www.daysonearth.net

websynradio – programmed by Carl Stone

1
Introseduction: Sexcha / 4:43 / Sonambulations / By Ros Bobos Ros Bobos
2
Lost Signals And Drifting Satellites / 8:20 / Lost Signals And Drifting Satellites / George Kentros / Annie Gosfield
3
Darkness Moves / 4:56 /Vibro 01 / David Toop
4
you had not changed but your cam… / 23:41 / you had not changed but your cam… / Tanner Menard
5
Dynasty Suites 1 / 22:36 / Dynasty Suites / Joseph Hammer
6
Yyyoooooo,Yyooooohhh,Yoooooh,Y… / 1:23 /Wild Why Wobbly
7
Yo Yo Yo Yoyo Yo, Hey… / 1:01 / Wild Why Wobbly
8
Uhh, Hey Eh. Check It Check It / 1:54 / Wild Why Wobbly
9
Damn I Can’t Go Uh-Uh, No! / 1:25 / Wild Why Wobbly
10
Rather, Uh Uh Uh . What ? What ? Uh / 1:39 / Wild Why Wobbly
11
All Day Long, Song After Song / 0:55 / Wild Why Wobbly
12
Booster / 4:55 / Night Science / Ben Neill
13
The Night Has Many Hours / 4:22 / The Night Has Many Hours / Roger Kleier
14
Gild / 1:56 / Kamiya Bar / Carl Stone
15
Axis / 6:24 / Kamiya Bar / Carl Stone
16
Young Jump / 4:30 / Kamiya Bar / Carl Stone
17
Big Gold / 4:56 / Kamiya Bar / Carl Stone
18
Cue / 9:15 / Kamiya Bar / Carl Stone
19
Cooking Papa / 10:38 / Kamiya Bar / Carl Stone
20
Val / 12:40 / Kamiya Bar / Carl Stone
21
Treads Echoing Far Away From Sea … / 7:18 / Saunter Chihei Hatakeyama
22
Transmission from Gemini / 6 8:30/ Untitled (December 2009) / Yann Novak
23
The Memory Palace / 8:16 / Untitled (December 2009) / Robert Crouch
24
Nyala: first section / 13:06 / Em:T1196 / Carl Stone
25
Nyala: second section / 3:34 / Em:T1196 / Carl Stone
26
Nyala: third section / 22:32 / Em:T1196 / Carl Stone
27
Nyala: fourth section 13:04 Em:T1196 / Carl Stone
28
Let All Mortal Flesh Keep Silence / 3:02 / Hmm / David Toop
29
Ryumon / 5:38 / Unreleased / Carl Stone
30
Suisei / 41:35/ Suisei / Yui Onodera
31
Shing Kee /15:36/ Four Pieces/ Carl Stone
32
Attari/ 19:45/ Unreleased/ Carl Stone
33
The Ghosts on Windows / 11:56/ Nakadai / Chas Smith
34
I Understand, Peter / 2:21 / Sonambulations / By Ros Bobos Ros Bobos
35
It Burn With It Burn, Burn, Take It, … / 0:28 / Wild Why Wobbly
36

Do It. Eat Me Raw, Stop It. Eat Me R… / 1:27 / Wild Why Wobbly
37
Can’t Stop It, Can’t Stop It, Can’t St… / 1:31 / Wild Why Wobbly
38
Puddle. Uh. Uh Uh Uh Uh Uh. Puddle. / 2:33 / Wild Why Wobbly
39
Don’t Stop, Don’t Dont’ Stop, Don’t … / 3:19 / Wild Why Wobbly
40
Usunibi / 4:24 / Odori Radical Fashion & /Carl Stone
41
01nagoya-sinkansen / 0:44 / Summer Tour Vol2 / Sawako
42
02tokyo-shimokita / 1:14 / Summer Tour Vol2 / Sawako
43
14cologne-sunday / 5:58 / Summer Tour Vol2 / Sawako
44
03canada-towardMUTEK / 0:31 / Summer Tour Vol2 / Sawako
45
04paris-children / 1:08 / Summer Tour Vol2 / Sawako
46
05paris-stationloop / 1:11 / Summer Tour Vol2 / Sawako
47
06bordeaux-washing / 0:19 / Summer Tour Vol2 / Sawako
48
07barcelona-practice / 1:32 / Summer Tour Vol2 / Sawako
49
08swiss-dinnerbell / 1:38 / Summer Tour Vol2 / Sawako
50
09swiss-nakaniwa / 1:06 / Summer Tour Vol2 / Sawako
51
10netherlands-reharsal / 1:16 / Summer Tour Vol2 / Sawako
52
11belgium-mizuame / 1:42 / Summer Tour Vol2 / Sawako
53
12belgium-macDemo / 0:36 / Summer Tour Vol2 / Sawako
54
13germany-industrialpark / 0:58 / Summer Tour Vol2 / Sawako
55
15UK-transit / 1:44 / Summer Tour Vol2 / Sawako
56
16lisbon-ambience / 1:04 / Summer Tour Vol2 / Sawako
57
17lisbon-frog 0:21 / Summer Tour Vol2 / Sawako
58
18lisbon-flute 1:18 / Summer Tour Vol2 / Sawako
59
19berlin-midnight / 1:08 / Summer Tour Vol2 / Sawako
60
20berlin-window / 3:07 / Summer Tour Vol2 / Sawako
61
22italy-station / 2:34 / Summer Tour Vol2 / Sawako
62
23Brooklyn-coolSummer / 0:42 / Summer Tour Vol2 / Sawako
63
Cranes Fly West 050506 / 11:57 / Threshold Richard Lainhart
64
Woo Lae Oak / 53:49 / Woo Lae Oak /  Carl Stone

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Premières écoutes les : Jeudi 18 mars à 12h et minuit  puis jusqu’au 25 mars, mêmes horaires

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ELEMENTS
Carl Stone, compositeur américain né en 1953. Basé en Californie, Carl Stone compose de la musique électro-acoustique depuis les années 70, il intervient aussi bien dans son pays qu’en Australie ou, assez régulièrement, au Japon où il écrit pour des chorégraphes (Hiroshi Koike, Akira Kasai, Bill T. Jones, Setsuko Yamada, Ping Chong, June Watanabe, Kuniko Kisanuki, Rudy Perez, Hae Kyung Lee, and Blondell Cummings) , des cinéastes, conçoit des programmes radiophoniques et des installations multimédia.

site de Carl Stone

VOX

1-son_long_index.mp3
fred griot (inédit)

2-les_pas.mp3
fred griot & yann féry : les pas
trio parl# : http://www.fgriot.net/perf/parl/

3-son_nuaches6.mp3
fred griot : les nuaches
issu du projet town town http://www.fgriot.net/txt/town_town/town_sommaire.php

4-son_parl3_1_voitures.mp3
fred griot : les voitures passent
issu du projet town town

5-cargaison_favre.mp3
claude favre : cargai#song mer
issu du projet VIA
texte en ligne :  http://www.fgriot.net/txt/via/via_cargaison.php

6-chasse_fuck.mp3
fred griot : la chasse au fuck (version inédite)

7-son_parl4_2motor.mp3
fred griot : motor
issu du projet town town

8-son_boca2_2.mp3
fred griot : boca
issu du projet town town

9-son_parolordi_foret.mp3
fred griot : bum forêt
issu du projet town town

10-via_long_lang.mp3
fred griot : la long lang
issu du projet VIA
texte en ligne : http://www.fgriot.net/txt/via/via_long_lang.php

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Première écoute : jeudi 16 décembre à 12h, 15h, 19h, et 00h, jusqu’au 23 décembre mêmes horaires

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ELEMENTS

fred griot (1970 – fr) mène une recherche littéraire depuis long _ écrit court _ poésie et prose _ travail d’une matière de lang, travail d’une terre, organique, basale, rustre, racine. a voyagé souvent seul, au hasard, en train presque toujours. métier de dehors. explore depuis une dizaine d’années l’écriture via le net, avec ce qu’il permet de risque et de travail « à vue », associé au graphisme et au corps sonore de la lang. sonde la parole _ seul, et avec musiciens (trio parl#, avec Yann Féry – guitare, Eric Groleau – batterie) une quarantaine de scènes en Europe (Paris, Prague, Bratislava, Budapest, Bruxelles, Lyon, Marseille…) a participé à la conception des éditions numériques www.publie.net, créées par François Bon. membre de la rédaction de www.remue.net pendant 5 ans. chargé de cours d’édition numérique à la Sorbonne.   n’ayant pas abouti, écrit toujours, aggrave, enfonce le clou. et tout le reste sur www.fgriot.net

LA DISSOCIATION DU RÉEL

1/
Gérard Grisey, Partiels
2/
Tristan Murail, Désintégration
3/
Giacinto Scelsi, Ohoi
4/
Anton Webern, Cinq pièces Op. 10
5/
Iannis Xenakis, Metastasis
6/
György Ligeti, Atmosphères
7/
Hugues Dufourt, Le Déluge (D’après Poussin)

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Premières écoutes : Jeudi 10 juin à 12h,18h, minuit, 6H puis jusqu’au 17 juin mêmes horaires

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La dissociation du réel
Par Philippe Rahm

Avec « La dissociation des idées », paru en 1899, l’écrivain français Remy de Gourmont tente de formuler un processus de renouvellement des idées qui passe nécessairement par un premier moment d’effondrement des « lieux communs ». « Il y a deux manières de penser : ou accepter telles qu’elles sont en usage les idées et les associations d’idées, ou se livrer, pour son compte personnel, à de nouvelles associations et, ce qui est plus rare, à d’originales dissociations d’idées ». Il continue plus loin en expliquant qu’« il s’agit ou d’imaginer des rapports nouveaux entre les vieilles idées, les vieilles images, ou de séparer les vieilles idées, les vieilles images unies par la tradition, de les considérer une à une, quitte à les remanier et à ordonner une infinité de couples nouveaux qu’une nouvelle opération désunira encore, jusqu’à la formation toujours équivoque et fragile de nouveaux liens. » Et de donner des exemples des dissociations ou d’associations nouvelles telles que : « genou du câble », la « gueule du canon » par exemple. Cette méthode dissociative, Remy de Gourmont la compare à l’analyse en chimie : « L’analyse chimique ne conteste ni l’existence ni les qualités du corps qu’elle dissocie en divers éléments, souvent dissociables à leur tour ; elle se borne à libérer ces éléments et à offrir à la synthèse qui, en variant les proportions, en appelant des éléments nouveaux, obtiendra, si cela lui plaît, des corps entièrement différents. »

Le réel forme un bloc au départ et il est difficile a priori de savoir ce qui relève dans ce tout du nécessaire ou du superflu, de ce qui doit être là, et pour quelle raison, de ce qui est là par habitude, parce qu’il y a été associé un jour, peut-être même par hasard et que personne depuis ne l’a remis en question. Le paysage comme la ville ou l’architecture constituent aussi des ensembles, des touts comme des agrégats d’éléments qui, pour certains, n’ont peut-être aucune raison d’être, ne servent plus à rien, voir même n’ont jamais servi à rien. Ces blocs de réalité forment des images, des « lieux communs », des visages porteurs d’une mémoire collective et d’une identité partagée, faite de symboles, de traditions et d’habitudes dont on a souvent perdu le sens initial, la véritable raison d’être et la nécessité. Ces blocs, à la manière de la gestalt, forment des ensembles qui se refusent, il est dit, à la division en éléments, qui se refusent à l’analyse et à la critique. C’est d’ailleurs contre l’ « atomisme » et l’ « élémentarisme » comme théories de la perception que se constitua le mouvement de la Gestalt au début du 20ème siècle, contre finalement ces dissociations des idées et des formes apparues au 19ème siècle, d’abord dans les sciences, puis dans les arts, dans la littérature, dans la peinture. À la décomposition, à la dissociation comme méthode d’analyse « chimique » du tout, la Gestalt oppose une vision holistique en déclarant que « le tout est différent et n’est pas réductible à la somme de ses parties ».
En réévaluant mon travail aujourd’hui, je m’aperçois que je suis en totale antinomie avec cette vision gestaltiste des phénomènes, de leurs perceptions et de leurs productions. Je crois au contraire, avec Remy de Gourmont, mais aussi avec de nombreux autres moments d’invention des siècles précédents, à la décomposition, à la dissociation du tout en éléments pour ensuite le recomposer, le synthétiser, mais avec un certain nombre de ses éléments seulement (pas forcément tous), selon d’autres hiérarchies. Je pense au contraire de la Gestalt que les parties isolées sont plus intéressantes que le tout. Et la recomposition ou la « position » comme le dira plus tard le compositeur français Tristan Murail, dessine alors une forme nouvelle, prend une autre apparence, inattendue et insolite au premier regard, mais rendue à son essence et à la nécessité. Dissocier le réel, décomposer les lieux communs pour recomposer autrement, dans un ordre différents, sont des moments obligés de la réformation et de l’évolution des formes en même temps que celles de la société et des techniques. « L’imagination est l’analyse, elle est la synthèse… elle décompose toute la création, et, avec les matériaux amassés et disposés suivant des règles dont on ne peut trouver l’origine que dans le plus profond de l’âme, elle crée un monde nouveau, elle produit la sensation du neuf » (Baudelaire, Salon de 1859, in Au-delà du romantisme. Ecrits sur l’art).

L’Hormonorium, la Plage d’hiver, Diurnisme, le Gulf stream digestible ou les nouvelles gorges d’Olduvai sont ainsi très littéralement des dissociations électromagnétiques, biologiques et chimiques de paysages naturels, celui de la montagne, de la nuit, de la plage, du climat atlantique et des zones subsahariennes, recomposés ensuite en en gardant que deux ou trois éléments fondamentaux et nécessaires.

Analyse et dissociation du réel, plongée dans l’ infiniment petit et décomposition du tout en quelques éléments chimiques et électromagnétiques, production d’une nouvelle synthèse, sont ainsi les moments par lesquels je passe dans la production d’un projet. Comme Baudelaire, Marcel Schwob voulait procéder par synthèse, mais une synthèse libre, accusant le roman naturaliste et le roman analyste de parler synthèse mais de ne pas savoir en faire. Remy de Gourmont reprend ce terme de synthèse dans son essai sur la dissociation des idées, terme qui sera ensuite employé par le compositeur français Gérard Grisey dans son texte fondateur de 1979 « A propos de la synthèse instrumentale » dans lequel il propose d’abandonner le macrophonique pour le microphonique, d’explorer l’intérieur même du son, de voyager au cœur de ses spectres ; ce qui deviendra le programme de la musique dite « spectrale ». Dans un article consacré au compositeur romain Giancinto Scelsi, l’autre inventeur de la musique spectrale, Tristan Murail, en explique très clairement le processus : « On ne va plus com-poser (juxtaposer, superposer), mais dé-composer, voire tout simplement, poser le son. Décomposer le son dans son spectre et non plus composer les sons entre eux, c’est bien ainsi que l’on définit le point de départ de la méthode de composition maintenant appelée spectrale.» Et d’évoquer sa propre œuvre de 1983, Désintégrations dans laquelle il désintègre d’abord les sons instrumentaux, les réduit à leurs composantes essentielles, pour ensuite, éventuellement, les recomposer, ou plutôt pour synthétiser à partir de ces éléments des agrégats nouveaux.

Je partage totalement ce programme énoncé par Tristan Murail et dans ce sens, mon architecture pourrait être qualifiée de spectrale ou de synthèse spatiale, dans laquelle l’espace est entièrement décomposé en particules élémentaires, en longueurs d’onde, en taux d’humidité, en intensité lumineuses et en coefficient de transmission thermique pour être ensuite synthétisé en une nouvelle forme, plus essentielle et plus contemporaine. Mais l’intérêt que je porte à la décomposition du réel et à la synthèse de deux ou trois éléments chimiques et électromagnétiques qui le composent, ne relève pas uniquement d’un projet esthétique. Plus profondément, il me semble être un processus nécessaire dans la réévaluation des raisons fondamentales historiques, sous-jacentes, souvent masquées, qui ont généré le paysage humain, provoqué une certaine d’architecture, un type d’urbanisation, une manière d’aménager le territoire. C’est ensuite une méthode permettant de repenser l’architecture et l’urbanisme en dehors de tout lieu commun, cliché et pittoresque jusqu’à atteindre une certaine forme de vérité, d’économie et de beauté.

Liens internet :

hormonorium: http://www.philipperahm.com/data/projects/hormonorium/index-f.html
plage d’hiver: http://www.philipperahm.com/data/projects/winterbeach/index-f.html
diurnisme: http://www.philipperahm.com/data/projects/diurnisme/index-f.html
gulf stream digestible: http://www.philipperahm.com/data/projects/digestiblegulfstream/index-f.html
Les nouvelles gorges d’Olduvai: http://www.philipperahm.com/data/projects/newolduvaigorges/index-f.html

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ELEMENTS

Philippe Rahm (né en 1967) est architecte et diplômé de l’école Polytechnique de Lausanne en 1993. Il travaille actuellement à Paris et à Lausanne. En 2008, il est l’un des vingt architectes internationaux sélectionnés par Aaron Betsky pour la 11ème Biennale d’Architecture de Venise. En 2002, il représentait la Suisse à la 8ème Biennale d’architecture de Venise. En 2007, une exposition personnelle lui était consacrée au Centre Canadien d’Architecture de Montréal. En 2009, il est nominé au prix Ordos en Chine et était en 2008 l’un des architectes classé dans le top ten du prix international Chernikov. Il a participé à un grand nombre d’expositions (Archilab 2000, SF-MoMA 2001, Musée d’art moderne de la ville de Paris 2001, CCA Kitakyushu, Japon 2004, Mori art museum, Japon 2005, Frac centre, Orléans 2005, Centre Pompidou, Beaubourg 2003, 2005 et 2007, Kunsthaus Graz Autriche 2006, Manifesta 7, 2008, Louisiana museum, Danemark) et a donné des conférences sur son travail dans de nombreuses université dont Princeton, Harvard, Cooper Union et UCLA. Philippe Rahm a été résident de la Villa Medicis à Rome en 2000. Il travaille actuellement à plusieurs projets architecturaux privés et publics en France, Pologne, Italie et en Allemagne et a réalisé en 2009 la scénographie de « la Force de l’art 02 » au Grand-Palais à Paris. Il a été Diploma Unit Master à la AA School de Londres en 2005-2006, professeur invité à l’Académie d’Architecture de Mendrisio en Suisse en 2004-2005 à l’EPFL (Ecole Polytechnique Fédérale de Lausanne) en 2006-2007, directeur de Master à l’Ecole Nationale Supérieure d’Architecture de Paris-Malaquais en 2008. Il est actuellement professeur invité à l’école d’architecture de la Royal Danish Academy of Fine-Arts à Copenhague. Il est l’auteur du livre « architecture météorologique », récemment paru en France.

http://www.philipperahm.com

PLAYLISTE

1/

Marcel Broodthaers – Interview With A Cat

2/

Salvador Dalí – Methode-Paranoiaque

3/

Louise Lawler – Birdcalls

4/

John Baldessari – Second Language, Trying for the Worst with Dorit Cypis

5/

Les Levine – Lose

6/

Salvador Dalí – Le Génie

7/

Marcel Duchamp – textes extraits « A l’infinitif » (1912-20). Enregistré par Aspen Magazine, Novembre 1967, N.Y.

8/

James Lee Byars – Pronounce perfect until it appears, 1979

9/

Robert Filliou – Imitating the Sound of Birds, 1979

10/

Allan Kaprow – Courtesy, 1977

11/

Chris Burden – Send Me Your Money

12/

Salvador Dalí – La Folie

13/

Brion Gysin – « I Am », Machine-poem, 1960

14/

Robert Watts and Larry Miler – Laff Trance (extrait)

15/

John Cage – Lecture on Nothing, par Kaegan Sparks (2006)

16/

George Brecht – « Comb Music (Comb Event) » 1959-62. par John Armleder, 1988.

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Jours et heures de diffusion, semaine du 29 janvier au 4 février : Jeudi 29 janvier à 12h,18h, minuit, 6H puis jusqu’au 4 février, mêmes horaires quotidiens.

Ecouter la playliste de Franck Scurti sur votre lecteur

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ELEMENTS

Franck Scurti, né en 1965 à Lyon, est un artiste photographe et vidéaste contemporain.

Principales expositions individuelles

2009

Musée Picasso, La guerre et la paix, Valauris.

Replication, Le Creux De l’Enfer, Thiers.

2008

Empty world, Galerie Anne de Villepoix, Paris.

2007

Liverpool jackpot, Liverpool Biennial, Liverpool, England.

What is public sculpture?, Magasin CNAC, Grenoble, France.

2006

Air-mess, Hermes Shop window, Tokyo, Japan.

2005

Who? What? Why? How? When? Where?, Galerie Anne de Villepoix, Paris, France.

Who? What? Why? How? When? Where?, Galerie de Multiple, Paris, France.

2003

Trottoir gris / mur blanc, Galerie Jacky Strenz, Berlin, Germany.

Before and After, Kunsthaus Baselland, Muttenz/ Basel, Switzerland.

2002

Before and After, Palais de Tokyo, Paris, France.

Before and After, Centre National de la Photographie, Paris, France.

Tractatus Logico-Economicus, Galerie Anne de Villepoix, Paris, France.

Flags Vision, Frac Basse-Normandie, Caen, France.

Bibliographie (sélection)

« Curlet/Scurti »

Galeries Contemporaines, Centre Georges Pompidou, France, 1993

« Franck Scurti »

Centre d’Art de l’Espace Jules Verne, Brétigny-sur-Orge, France 1997.

Text by Luk Lambrecht

« Franck Scurti »

Le Parvis, Centre d’Art Contemporain, Pau, France, 1999,

Interview de Philippe Régnier

Interview de Pascal Rousseau.

« Before and After », 2002, Palais de Tokyo, Centre National de la photographie, Paris

Texte de Nicolas Bourriaud.

Interview de Sabine SChaschl-Cooper.

Texte de Régis Durand.

Interview de Jérôme Sans.

« The city is not a tree », 2003

Artist book limité à 250 exemplaires numérotées.

20 copies deluxe limited edition of de ce livre,  avec  la signature de l’artiste.

« Sept à sept », 2005

Livre au tirage limité à 285  exemplaires numérotés.

Collection « l’Art En Ecrit », Editions Jannink, Paris.

Textes: Franck Scurti

Site de Franck Scurti

INDIVIDU-ELLES

1- Kathy Acker: I was walking down the street

2- Lydia Lunch: What it is

3- Patti Smith : Parade

4- Diamanda Galas: Eyes without blood

5- Yoko Ono: Snow is falling all the time

6- Ann Magnuson: Made For Radio

7- Karen Finley: I’m an Ass Man

8- Jessica Hagedorn & The Ganster Choir: Tenement Lover

9- Catherine Jauniaux et Ikue Mori: Smell

10- Carolee Schneemann : Mother Lexicon

11- Gertrude Stein: Interview at the Algonquin Hotel, November 1934

12- Patrizia Vicinelli: Sette Poemi

13- Ann Waldmann: Plutonium Ode & Skin Meat Bones

14- Carol Parkinson: The Landlords Visit

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ECOUTER

Premières écoutes les : mardi, jeudi, dimanche à 21h, du 15 au 22 janvier 2010.

Ecouter la playliste de Bérangère Maximin sur votre lecteur

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ELEMENTS

Dans son Home Sweet Home Studio à Paris, Bérangère Maximin fabrique des pièces sonores de divers genres, pièces électroniques de concert, lives, émissions radio sur les musiques transversales, esquisses sonores pour la scène. Elle intègre ainsi des line-ups très diverses de festivals en plein air, cycles de musique contemporaine, veillées lounge électroniques et événementiels musicaux et radio. A la sortie de son premier album « Tant Que Les Heures Passent » sur le label de John Zorn, Tzadik Records, Bérangère joue en solo live pour la première fois l’automne dernier, au Stone (NYC) puis à Mains d’Oeuvres (France). Cette série de morceaux pour laptop et voix en direct nommée ‘Stuck In A Nasty Little Film’ continue de se développer sur la route (Florence, Bologne, Milan, Marseille, Montpellier, Dijon, Besançon, Paris, Kiev, Moscou…). Entre autres, actuellement, elle finalise un second album dont la sortie est prévue sur le même label, et travaille sur la création d’une pièce mixte électroacoustique, une commande de l’Ina-GRM pour le prochain festival Présences électronique au 104 (mars 2010).

http://www.myspace.com/maximinberangere

PLAYLIST WEBSYNRADIO

1/
The Tape Beatles – A subtle buoyancy of pulse (01 Remain quiet and passive)

2/
Rammelzee & Jean Michel Basquiat – Test pressing

3/
Jim Burton – High country Helium

4/
Olek Mayang – Musique de l’Asie traditionnelle

5/
Richard Prince – Catherine (Tellus #5-6 – Special Audio Visual Issue)

6/
Brooks William – Demented Folk Tune

7/
The Tape Beatles – A subtle buoyancy of pulse é9 The law of always being nice)

8/
Kristin Oppenheim – Long gone

9/
Jonathan Borofsky – The Standard Chant

10/
Jonathan Borofsky aka Jonnie Hitler « dreamer ‘s nightmare »

11/
Lou Giansante – Balloon Man (Written by e.e. cummings)

12/
John Cage – Mushroom Haiku – excerpt from Silence

9. September 1992 - T.Weifenbach

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Premières écoutes les : Jeudi 11 février novembre à 12h,18h, minuit, 6H puis jusqu’au 18 février, mêmes horaires

Ecouter la playliste de Terri Weifenbach sur votre lecteur

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ELEMENTS

Terri Weifenbach, née en 1957, est une photographe totalement en dehors des modes et des courants. Loin de tout exotisme, avec un art du détail et de la couleur à la fois maitrisé et rafraichissant, elle explore les environs de sa ville natale, Washington.

Page de Terri Weifenbach sur la galerie Stephen Daiter

SPILLOVER

Spillover is an audio track, consisting of four chapters, whose sounds were organized to fit into a 7-minute loop. The four chapters are titled after the first exercise in the four weeks of prayers in St. Ignatius of Loyola’s Spiritual Exercises.

Spillover is part of a larger piece including sculpture, video, and performance. A choreographed a dance accompanies this soundtrack as well as a dress that is very layered, sort of like a Victorian mourning dress. The top layers of the dress are black fabric, the underside layers are tan fabric, to match my skin tone. I will be dancing a 7 minute dance to the 7-minute looped Spillover audio repeatedly until my body can’t stand up anymore.

The result of this performance will be a highly edited video, showing the fabric switching from black to tan and showing that my body is slowly, failing. The video will have headphones nearby as an option for the viewer to hear the audio. Opposite this projected video, will be another projected video of me doing the same 7-minute dance to the same Spillover audio track, but inside the Prince sculpture (image provided). Because my body will be constricted by the sculpture’s weight and its material inflexibility, the movements will resemble something like a crude cartoon figure moving. The videos of each character, The Prince and myself, will face each other. This alignment with purposeful separation represents two things that were designed to be as together, but that inevitably will never sync up.

I titled the Soundtrack Spillover to refer to a term used to describe rapid ritual dancing (such as Sufi dancing). In Eugene d’Aquili and Andrew B. Newberg’s book, « The Mystical Mind; Probing the Biology of Religious Experience », its describes what happens to one’s arousal system when performing a rapid ritual:

 » …One can see a bottom up process with rapid external rhythms driving the arousal system. We hypothesize that the rapid external rhythmic drivers would eventually lead to a release of hippocampal inhibition on arousal centers in the brain. This would result in an increased arousal drive via the amygdala and cortex. This process continues until maximal arousal occurs, which, as mentioned before, leads to spillover and quiescent breakthrough. »

I organized the sounds to relate to how I formally weave abstraction within specificity when I am fusing forms into a single surface shell (such as in the sculpture, Mary, image provided).

The Chapters in Spillover are titled as follows:

Chapter 1:
Week One- Principle and Foundation
1:00-1:42

Chapter 2:
Week Two-The Call of the Temporal King
1:43-3:15

Chapter 3:
Week Three-First Contemplation
3:15-5:50

Chapter Four:
Week Four-Contemplation to Gain Love
5:51-7:00

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Première écoute : jeudi 2 septembre à 12h, 15h, 19h, et 00h, jusqu’au 9 septembre mêmes horaires

Ecouter la playliste de Bonnie Collura sur votre lecteur

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ELEMENTS

Prince
Cardboard, expandable foam, microcrystalline wax, ribbons, potting soil, make-up, help fiber, plastic, plaster, wood, steel, fake eyelashes, glitter
93×46x56 inches
2008

This version of the Prince fusion is a hollow form, built for me to perform in. I translated Spiritual Exercises (a prayer written by St. Ignatius Loyola that Bernini read daily at the end of his life) into dance steps. A seven-minute video records me performing this dance without the Prince armor on. This summer, I will be performing the dance with the Prince armor on top of me, and documenting it with another seven minute long video. Both videos will be projected facing one another to refer to dance partners who inevitably do not sync up.

Mary (detail: example of “vice surface” in the Seven sculptures)
Hydrostone, bondo, autobody paint, steel, wood, tinted plastic, Easter grass
37×16x18 inches
2010

Interested in the state when a form that may appear to be full of life begins to deflate under a life’s pressure, I often think of gestures that reflect an internal or external imprint. With the sculpture Mary, I wanted to make a hard cast look like a thin inflatable skin. This sculpture was cast in a fine cement, grafted to nine other molded sections, and sanded 40+ hours to negate the concrete’s inherent surface quality. From one side, Mary looks like a form contained with air. As one walks around its skin, it reveals itself as a hollow structure.

Bonnie Collura, 
assistant professor of art at Penn State University, received her BFA from Virginia Commonwealth University in 1994 and her Masters of Fine Art, concentrating in Sculpture, from Yale University in 1996. Upon graduating with her MFA she has been in numerous solo and group shows in New York, Germany, France and Italy. Her work has been reviewed in The New York Times, Art Forum, Art in America, Art News, Sculpture Magazine, BOMB magazine, Beautiful Decay, Time Out New York, and several other publications. She has been awarded The Emerging Artist Award in 1997 from the Aldrich Museum of Contemporary Art in Ridgefield, Connecticut, received a Guggenheim Fellowship Award, for Sculpture, in 2005, was awarded a MacDowell Colony Fellowship in 2010, and is a current nominee for a 2010 USA Fellowship in the Visual Arts Category (recipients to be announced in December 2010).

www.bonniecollurastudio.com

TOURS DE PISTES

Les Grandes Occasions peuvent être lues successivement, mais c’est en canon que ce texte cyclique prend tout son sens. (De répétitions en déclinaisons, il conduit l’auditeur de la surprise à l’amusement, de l’amusement à l’ennui, de l’ennui à l’écœurement jusqu’à ce qu’il adhère à nouveau, bien conscient de ce qui l’attend.) Plusieurs de mes textes s’écrivent par imitations, reprises avec variations. En s’accumulant, les différentes combinaisons forment une fugue, se répondant sur des mois, voire des années, comme en écho.
Pour Droit de Cités et webSYNradio, j’ai choisi de relier l’un d’entre eux: « De Joyeux Noël 2004 à Joyeux Noël 2005 » à des textes ou à des morceaux de musique qui ont la particularité de donner le tournis et l’envie de tourner.
Isabelle Lartault

1/
Isabelle Lartault : De Joyeux Noël 2004 à Joyeux Noël 2005, Les Grandes Occasions 1980-2010
2/
Jean-Sébastien Bach : 10 Fughetta, Godberg Variations – BWV 988
3/
Gertrude Stein : A Valentine to Sherwood Anderson, NY, Winter 34-35
4/
Cris et jeux de senza : République Centrafricaine, Voices of the World
5/
Bernard Heidsieck : Vaduz, UbuWeb/Pennsound Archive
6/
Henri Chopin : Les pirouettes vocales pour les pirouettements vocaux, Les Mirifiques
7/
The Residents : Diskomo, The Commercial Album
8/
Edith Piaf : La foule, De L’Accordéoniste à Milord
9/
Isabelle Lartault : De Joyeux Noël 2004 à Joyeux Noël 2005, Les Grandes Occasions 1980-2010
10/
Stockhausen : Stimmung, Model 3, Vichnu
11/
Stockhausen : Stimmung, Model 4, Usi-Afu
12/
Stockhausen : Stimmung, Model 5, Saturday
13/
Stockhausen : Stimmung, Model 11, Moo, Moo Coo, etc.
14/
Chant de deux fillettes : Côte d’Ivoire (Baoulé), Voices of the World
15/
Bhimsen Joshi : Raga Kala Shree, The Genius of Pt. B. Joshi
16/
Isabelle Lartault : De Joyeux Noël 2004 à Joyeux Noël 2005, Les Grandes Occasions 1980-2010
17/
Danse en rond : France (Brittany), Voices of the World
18/
Richard Long : Desert Circle, Happy New Year
19/
Charlemagne Palestine : Four Manifestations on Six Elements
20/
Frédéric Chopin : Waltze 6 In D Flat, op.64/1–, Waltzes, M.J. Pires
21/
Isabelle Lartault : De Joyeux Noël 2004 à Joyeux Noël 2005, Les Grandes Occasions 1980-2010

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Premières écoutes : jeudi 29 avril au 6 mai, 8 h, 16h et 24h

Ecouter la playliste de Isabelle Lartault sur votre lecteur

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ELEMENTS

Le travail d’écriture d’Isabelle Lartault relève à la fois de la poésie et du roman. Elle met en relation forme et contenu en leur inventant des prolongements à travers des lectures, performances ou vidéos. Avec gravité ou drôlerie, et un constant souci du dispositif spatial et sémiotique, Isabelle Lartault cherche particulièrement à dire le non-dit, mais elle aime aussi rappeler l’évidence de la répétition des cycles, que ces derniers soient propres au processus de la création, aux sentiments individuels ou aux événements de la vie ordinaire (sociaux, culturels ou autres) ou aux rythmes naturels (jours/nuit, saisons, …).
Elle a publié Les Grandes Occasions (Les Archives modernes, Dijon, 2000), Fil de Trame (Centre Vendôme pour les Arts plastiques, Paris, 2007), Je vais pas t’attendre, (Label Hypothèse, Paris, 2009) et de nombreux textes poétiques dans des revues littéraires et des textes critiques et entretiens à propos d’art contemporain. Un entretien, des extraits de textes et une vidéo sont actuellement publiés sur le site D-Fiction.

Isabelle-lartault.over-blog.net

TARKOS & Cie

1/
Christophe Tarkos : les nuages (in Pan)

2/
Christophe Tarkos : j’ai un problème

3/
Christian Prigent : liste des langues que je parle

4/
François Bon : impro dans le train

5/
Christophe Tarkos : l’homme de merde + je gonfle

6/
Christophe Tarkos : Tambour-Tambola

7/
Christophe Tarkos : le parpaing

8/
Blaise Cendrars : les îles

9/
Saul Williams : Sha-Clack-Clack (festival Def Poetry)
vidéo et sous-titrage français : http://www.youtube.com/watch?v=ojDKI8JxfLs

10/
Peter Orlovsky : lecture

11/
Allen Ginsberg : Howl

12/
Christophe Tarkos : le texte est expressif

13/
Christophe Tarkos : la compote

14/
Christophe Tarkos : le bidon

15/
Christophe Tarkos : la_poésie + les_têtes

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Première écoute : jeudi 16 septembre août à 12h, 19h, et 00h, jusqu’au 23 septembre mêmes horaires

Ecouter la playliste de Fred Griot sur votre lecteur

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ELEMENTS

Fred Griot (1970 – fr), french poet and writer.
Has been writing for more than 30 years _ mainly poetry and short prose _ working with the “language as a paste”. Travelled trough Europe several times, mostly alone, randomly, mainly by train. Outdoors job. Has been exploring writing via the Internet since 2000 on a work-in-progress basis, and combined with graphic design and the language’s sound material. Has been conducting researches on soundtracks and performances as a more physical aspect of text (solo or with musicians) perfomances in Paris, Prague, Budapest, Lille, Lyon, Bochum, Bratislava, Namur, Angers, Limoges, etc… (details here http://www.fgriot.net/perf/parl ). Co-manager with François Bon for www.publie.net digital publishing. Member of the www.remue.net editorial team for 5 years. Lecturer in digital publishing at the Sorbonne Univesity.
Point not reached, still writing, worsens, sticks the knife in deeper.
More on www.fgriot.net

Livres
• édition papier :
2010 : plateau, suivie de la voix ça (éditions maelstrÖm)
2010 : Refonder (éditions Mots Tessons)
2009 : la plui (éditions Dernier Télégramme)
2008 : Rouge Kwoma, 20 chants écrits d’après des peintures papous, pour l’exposition et le catalogue (commande Musée Branly des Arts Premiers)
2003 : la voix ça _ du seul s’enfoncer _ [caps 2 _ sous la lampe (hors commerce)
1994 : Désertia (hors commerce)
1988 : Pierre Fendre (hors commerce)

• édition numérique :
2010 : le grand gribouilleur de cru (éditions publie.net)
2009 : VIA (éditions publie.net et arte.tv)
2008 : du seul s’enfoncer _ la voix ça _ sous la lampe (éditions publie.net)
2007 : Visions (éditions publie.net)
2007 : Refonder (éditions publie.net)
2007 : plateau (éditions publie.net)

• édition papier – livres collectifs :
2010 : Vagues de Renaud Poillevé
2010 : Le réel, nouvel opium ? (catalogue exposition)
2007 : Avec mes yeux (éditions Verlag im Wald – Meschonnic, Emaz, Gellé…)
2007 : Dictionnaire collectif du roman populaire (éditions Nouveau Monde)

Oeuvres exclusivement numériques
flux (avec Thomas Deschamps – 2006/2007)
town town (triptyque – 2005/2006)

Revues papier (sélection)
2006, 2009, 2010 : N4728
2007 : Atelier de l’Agneau
2006 et 2007 : 22 montée des poètes (plusieurs n° dont un hors-série spécial consacré à mes travaux)

Revues web (sélection)
remue.net (membre du collectif de rédaction 2005-2009)
tierslivre.net
poezibao
d’ici là #2 (publie.net)
revue des ressources
libr-critique
sitaudis
zazieweb
le matricule des anges
labyrinthe
littératures & compagnies
pleut-il
les 70
la république mondiale des lettres
amontour

Lectures-performances
une quarantaine de performances :
- à Paris : banlieues bleues, maison de la poésie, théâtre ouvert, nuits remue, l’ermitage, revue des ressources, institut national d’histoire de l’art, biennale de la poésie du Val-de-Marne, gare au théâtre, librairies, médiathèques, clubs, etc…
- à Prague, Budapest, Bochum, Bielefield, Brastislava, Namur, Lyon, Lille, Angers, Limoges, Bruxelles, etc…

Film
Crops (court-métrage avec Philippe Rahmy, Sophie Magnaud – 2008)

LAUGHING WITH

1-
The outer-limits Intro

2-
William Burroughs – Mr Bradley, Mr Martin Hear Us Through The Hole In Thin Air

3-
Laughing with Timothy Leary

4-
Throbbing Gristle- United

5-
H. P. Lovecraft 1933 – WPA Newsreel Interview

6-
Kurt Shwitters – Ursonate

7-
Alfred Korzybski – Historical Note on the Structural diffrential

8-
Yves Klein – symphnonie Monoton

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Première écoute : jeudi 6 janvier à 12h, 15h, 19h, et 00h, jusqu’au 13 janvier mêmes horaires

Ecouter la playliste de Benjamin Sabatier sur votre lecteur

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ELEMENTS

Artiste plasticien, né en 1977 au Mans. Vit et travaille à Paris.

« Be it yourself! »
Depuis sa fondation en 2001, International Benjamin’s Kit anime le programme esthétique de Benjamin Sabatier au cœur des réalités sociales et économiques. Conçu comme structure de production et surtout œuvre à part entière, IBK, dont le logo évoque délibérément celui d’IKEA, contemple et réfléchit autant le monde marchand que l’histoire de l’art contemporain. En effet, le sigle IBK fait tout aussi sciemment écho à IKB (International Klein Blue), la célèbre couleur bleue brevetée par Yves Klein, tandis que le prénom de l’artiste renvoie (ad hoc) à Walter Benjamin et ses théories de l’art à l’ère de la reproductibilité technique de l’œuvre. Berceau de productions artistiques sérielles dont les matériaux sont systématiquement glanés dans l’univers immédiat, modeste ou résiduel, de la consommation, IBK est guidé par la volonté de rendre accessible l’art au plus grand nombre selon une devise proche de la philosophie du « Do It Yourself « , issue des utopies hippies des années soixante. La démarche de Benjamin Sabatier dans le cadre de cette structure ne se réduit cependant pas à la seule tentative de démocratisation du point de vue de la diffusion de l’objet. Son but premier est d’inviter à l’expérience artistique. Ses produits ne sont donc pas créés comme d’uniques objets de contemplation, ils requièrent la participation. Pour profiter pleinement d’une œuvre IBK, ses “clients” sont invités à ré-initier sa puissance par sa réalisation (son assemblage ou sa reproduction) et non pas son simple accrochage. Concept esthétique qui offre un modèle d’économie alternative pour le marché de l’art, IBK propose ainsi de gommer la séparation des fonctions de production et de consommation qui prive les producteurs et les consommateurs de leur savoir, c’est-à-dire de leur capacité de participation à la socialisation du monde par sa transformation. Face aux enjeux économiques actuels qui engagent le devenir de nos sociétés (enjeux liés à l’environnement, au traitement des déchets, au commerce équitable, à la croissance économique, ou encore au partage des “expériences” sociales au sens large), IBK propose le devenir “artiste” de chacun dans la fusion de l’expérience esthétique et créatrice.

Expositions personnelles récentes

2010
PLATFORM (performance), Centre Pompidou, Paris, France
2009
MANIFESTE, Point Ephémère, Paris, France
CHANTIER,  Galerie Jérôme de Noirmont, Paris, France
2008
SUPER PARTYCLES (cur. A-Kristof), MAK, Depot of Contemporary Art, Vienne, Autriche
FRAGILE, Centre Culturel Nicolas-Pomel, Issoire, France (cat.)

Bibliographie
Livres / Catalogues Personnels

CANET Marie, SENALDI Marco, FRAGILE, Edition de la ville d’Issoire, avril 2008.
JUY Sébastien, S.A.V., Edition Galerie Jérôme de Noirmont, Paris, 2005.
GAUTHIER Léa, Peinture en Kit, Edition Noirmont Prospect, Paris, 2003.

Site de l’artiste : http://www.ibk.fr
Représenté en France par la Galerie Jérôme de Noirmont, Paris
http://www.denoirmont.com

THE HYPNOTIST
all tracks by Joe Frawley

1. The Hypnotist

2. Left Cincinnati

3. The Girl on the Quay

4. Francine in Uniform

5. (t)ext

6. Angel Box Three

7. False Memory

8. Masque

9. In paradisium (Black lipstick)

10. Avenue of the Secret Fur

Kaleidoscope. Collage d’objet trouvé et manipulation digitale de Joe Frawley.
Image créée pour l’album  Audiotoop, 2010

I am a pianist, composer, and sound collage artist whose work falls between the cracks of several musical genres. My approach is to combine original music with found sound samples, both processed and arranged electronically, to explore subconscious states, such as dreams, trances, auditory hallucinations, involuntary memories, etc. The found sounds are appropriated from a variety of prerecorded media and include voices, sound effects, or musical samples, as well as original field recordings. I particularly enjoy recontextualizing speech samples (a favorite source being public radio interviews) and recombining them with other sounds to create new meanings. I aim to place the spoken word on equal footing with music, thereby calling attention to the musical qualities of speech, also taking advantage of the mood or tone the words evoke to augment the musical effect. Due to the prevalence of spoken word samples, the resulting work tends to suggest a narrative, however I try not to impose a particular story upon the listener, preferring instead the individual and subjective interpretations of imaginative minds. JF

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Première écoute : jeudi 13 janvier à 12h, 15h, 19h, et 00h, jusqu’au 20 janvier mêmes horaires

Ecouter la playliste de Joe Frawley sur votre lecteur

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ELEMENTS

Joe Frawley (b. July 4, 1971) is an experimental composer and pianist working out of New London, Connecticut, whose works blur the boundary between music and sound art. By layering and juxtaposing original music with processed found sounds, field recordings, and recontextualized speech fragments, the composer creates challenging yet accessible sound assemblages bearing a hypnotic dreamlike quality. His works have been widely broadcast internationally and appear on several prominent experimental music compilation CDs, including Vibrö No. 4: Music No Music, published by Double Entendre (Paris), and Audiotron, published by Extrapool (Netherlands).

Website: http://www.joefrawleymusic.info/

MACROSILLONS # 28.04.2010

1/
Laurie Anderson – O Superman

2/
Charles Armikhanian – RADII

3/
Eric Bogosian – Sitcom

4/
Julien Blaine & Guillaume Loizillon – Calmar

5/
Charles Pennequin – C’est rigolo la vie

6/
Ros Bobos – I understand Peter

7/
Pierre Guyotat – Progénitures

8/
Patti Smith – Prayer

9/
bpNichol – M.L.’s Dream

10/
John Giorno – Suicide Sutra

11/
Cosima Weiter & charles pennequin – Tu ne sais rien

12/
Yann Novak – Transmission from Gemini 6

Cette playliste a été diffusée une première fois à la galerie P.Pannetier le 28.04.2010 à l’occasion de la présentation  de  la sculpture sonore MACROSILLONS, conçue par Dominique Balaÿ, Jérôme Le Guezennec et Laurent Rump.

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Premières écoutes : jeudi 17 juin 12h,18h, minuit, 6H et jusqu’au 24 juin, mêmes horaires

Ecouter la playliste MACROSILLONS # 28.04.2010 sur votre lecteur

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ELEMENTS

MACROSILLONS  est une sculpture sonore qui diffuse des playlistes conçues par Dominique Balaÿ et Jérôme Le Guezennec.

Cette sculpture  mobilise des savoirs et des enjeux à la croisée de leurs pratiques artistiques et professionnelles : architecture et littérature, communication et urbanisme, son et espace. Leurs interrogations portent principalement sur la place de l’objet et les notions de réception, de contexte et d’environnement.

MACROSILLONS # 28.04.2010 est une autre étape dans cet échange et ce cheminement.

+ Macrosillons

www.macrosillons.fr

+ Dominique Balaÿ

www.varias.info

+ Jérôme Le Guezennec

www.e-environnement.fr

+ Circumnavigation

balguez.blogspot.com/

POUR WEBSYNRADIO

1/
Jean-Michel Espitallier – L’hibiscus n’est pas un animal
(texte, voix : Jean-Michel Espitallier – son : Erik Bilabert, GRIM)

2/
Robert Fripp & Brian Eno – Healthy Colours

3/
Suicide – Televised Executions

4/
Zdenek Liska – Bande son de Rue des Crocodiles, Quay Brothers (Remix 2010, Jean-Michel Espitallier) (1’33’)

5/
Rimitti + Robert Fripp – Sidi Mansour

6/
Jean-Luc Godard – Bande-annonce de Pierrot le Fou.

7/
James Chance and the Contortions – Dish it out

8/
Jean-Michel Espitallier – Army (extraits)

9/
Tricky – Ghetto Youth

10/
Zeni Geva – On Suicide

11/
Robert Fripp – Cognitive Dissonance

12/
Glenn Branca – Bad Smells

13/
Jean-Michel Espitallier – Tête à flash
(Texte, voix, batterie, bruits divers : Jean-Michel Espitallier – Musique, guitare, prise de son : Laurent Prexl)

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Jours et heures de diffusion, semaine du 18 au 25  février : 12h,18h, minuit, 7H puis jusqu’au 25 février, mêmes horaires.

Ecouter la playliste de Jean Michel Espitallier sur votre lecteur

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RENDEZ VOUS

le 25/02, une  soirée à l’invitation de la Société de Curiosités pour découvrir le projet mené au sein de WebSYNradio.
Cette soirée accueille Noël Akchoté et Jean Michel Espitallier.

Toutes les infos sur :

http://instantnet.wordpress.com/la-societe-de-curiosites/soirees-passees/en-cours/synchronisations-de-websynradio/

++ Des traces de la soirée :

http://www.varias.info/2010/02/noel-akchote-et-jean-michel-espitallier-societe-de-curiosites-websynradio/

Réserver à lasocietedecuriosites@gmail.com

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ELEMENTS

Jean-Michel Espitallier est un écrivain français né le 4 octobre 1957. Il est le cofondateur de la revue « Java » (1989-2006) qui fut l’une des principales revues de poésie et d’écritures expérimentales des années quatre-vingt-dix et deux mille. Coordinateur d’un dossier sur la Nouvelle poésie française dans le « Magazine littéraire » (mars 2001), cet « enfant terrible de la poésie française », comme le décrit l’universitaire canadien John Stout, reste un franc-tireur, inclassable, atypique et volontiers iconoclaste dans son travail comme dans son parcours. Il mène parallèlement une carrière de batteur avec le groupe Prexley, travaille avec de nombreux artistes et notamment le bassiste expérimental Kasper T. Toeplitz. Il est également membre du jury du prix du livre rock.
« Jean-Michel Espitallier est l’un des poètes les plus mobiles et véloces de sa génération… » (Patrick Kéchichian, Le Monde)

+ sur wikipedia

Page Jean Michel Espitallier sur le site du CIPM

PLAYLIST WEBSYNRADIO (durée totale: 7h28′)

1/ John Baldessari – Second Language, Trying for the Worst with Dorit Cypis
Diffusé sur KPFK, Close Radio, 17 février 1977.

2/ Kevin Drumm – Horror of Birth (2005) – Guillotine Licker – Present Tense – Returning – Smelling in Stereo

3/ Glenn Branca – Music For The Dance Bad Smells Choreographed By Twyla Tharp

4/ Dan Graham – My Religion -Extrait d’un travail audio : Ann Lee

5/ Luigi Russolo – Omaggio A Luigi Russolo FŸr Stimme Und Digitale Intonarumori.

6/ Douglas Huebler – Untitled
Diffusé sur KPFK, Close Radio, 3 janvier  1977.

7/ Mike Kelley – « Plato’s Cave, Rothko’s Chapel, Lincoln’s Profile » (version complète)
Avec Sonic Youth, Live at Artist’s Space, New York , 5 décembre 1986  avec Molly Cleator et Adam Rudolf.

8/ Max Neuhaus – The King of Denmark by Morton Feldman (extrait de Aspen 5 & 6)
Réalisé par by Max Neuhaus

9/ Janek Schaefer – Skate [Random Play Record] (2001)

10/ Wolf Vostell – « Elektronischer de-coll.age. Happening raum, » 1968 (extrait de Fluxus Anthology)

11/ Alain Robbe-Grillet – La jalousie, Lu par l’auteur, 1957.
extrait de Aspen No. 5+6

12/ Whitehouse, Dedicated to Peter Kürten (1981) – Dom

13/ Michael Nyman – Decay Music – 1-100  – Label Island Records, Obscure #6, 1976

14/ Martin Kippenberger  – Greatest Hits; 17 years of Martin Kippenberger’s Music – September In The Rain
avec Rüdiger Carl, Sven Åke Johansson, Christina Hahn, Achim Kubinski, Eric Mitchell et Albert Oehlen.

15/ Martha Rosler – What’s Your Name Little Girl?
Diffusé sur KPFK, Close Radio, (en direct), 1er Septembre 1977.

16/ Steve Roden – Rehearsal – Steve Roden and Stephen Vitiello à  Chinati Foundation, Marfa, Septembre 2007.

17/ John Armleder – « 16 Great Turn-Ons » 1988. Extrait de TELLUS.

18/ Chris Burden – The Atomic Alphabet (1982) – Extrait de Happy New Ear

19/ Jean-Claude Risset – Sud (1985) – Morning to noon

20/ La Monte Young – Drift Study 31 1 69 – Extrait de Aspen No. 8

21/ David Grubbs – « The Name of Ecstasy »

22/ Lawrence Weiner – Deutsche Angst (Peter Gordon & Lawrence Weiner, 1982) – Label : Les Disques Du Crépuscule, Belgique.

23/ Eliane Radigue – Geelriandre and Arthesis (1972) – Arthesis – Enregistré en 1972 au musée   Stedelijk  d’Amsterdam.

24/  Rhys Chatham (avec Glenn Branca, Nina Canal, Wharton Tiers) – Guitar Trio (1977)

25/ Roman Opalka – 1965/1-∞, Detail 1897108-2010495

26/ Francisco López – AVANT #3. Francisco López Part II – Extrait de AVANT: Music of The Spanish Avant-Garde

27/ Stoppage (interruption) – Un programme de Liam Gillick pour le CCC de Tours et la Villa Arson à Nice
CD 9504 – Lothar Hempel

28/ Bernhard Günter – Un Peu de Neige Salie (1993) – Sans titre I/92

29/ Marcel Duchamp – Sculpture Musicale  – Musicboxes version de Petr Kotik

30/ Philip Glass – A Secret Solo – extrait de Big Ego (Giorno Poetry Systems, 1978)

31/ Dieter Roth – novembersymphonie (1974)

32/ Stoppage (interruption) – Liam Gillick pour le CCC de Tours et la Villa Arson à Nice – Georgina Starr

33/ Ant Farm – CarMen . . . The Opera
Diffusé sur KPFK, Close Radio, 22 Novembre 1976.

34/ Rainer Ganahl – Heavy Metal – War & Music

Dominique Blais « Bernhard Günter « Un peu de neige salie (Untitled I/92) » 9′00 (1993) »
Poudre de fusain sur papier, 78.5 x 108 cm, 2009
Courtesy Galerie Xippas, Paris

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Première écoute : jeudi 4 novembre à 12h et 00h, jusqu’au 11 novembre mêmes horaires

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ELEMENTS

Dominique Blais est né en 1974, il vit et travaille à Paris. Il a récemment exposé à la galerie Xippas (mai-juin 2009), à la Galerie Edouard-Manet de Gennevilliers (Décélération, 2009) et la Force de l’art 02 (Grand Palais, 2009).

Dominique Blais s’attache à tisser des liens entre les composantes visuelles et sonores de notre environnement, en particulier grâce à ses installations sonores dotées d’une forte présence sculpturale. Il attire notamment l’attention du spectateur sur les qualités visuelles d’objets qui sont en premier lieu destinés à produire ou diffuser du son, et que, par la force de l’habitude, nous ne regardons jamais vraiment, comme des tourne-disques, des câbles, des enceintes ou des meubles rack (Transmission, 2009). De manière judicieusement complémentaire, il donne forme à des sons situés à la limite de l’imperceptible. Par exemple, à la Galerie de Noisy-le-Sec en 2008, il diffusait par un lustre pendu au plafond les bruits produits par l’activité quotidienne du centre d’art, jusqu’à lors négligés mais ainsi rendus perceptibles, formant une sorte de carte d’identité sonore du lieu. Par de subtiles jeux de transposition du sonore et du visuel, Dominique Blais prend à revers nos attentes et déroute nos sens, les ouvrant à de nouvelles possibilités de perception.

Expositions personnelles récentes

2010
Aposiopesis, Le Parvis, Ibos, France.
Dominique Blais / featuring François Lancien Guilberteau, inhale – exhale, Centre d’art contemporain Passages, Troyes, France.
L’Ellipse, Frac des Pays de la Loire, Salle Mario Toran, Carquefou, France.
En Aparté, FDC Satellite, Galerie Filles du Calvaire, Bruxelles, Belgique.

2009
Docks Art Fair, Foire d’art contemporain, Solo show, Galerie Xippas (Stand A02), Lyon, France.
Décélération, Galerie Edouard Manet, Gennevilliers, France.
Modules, Palais de Tokyo, Paris, France.
Galerie Xippas, Paris, France.
Inside The Circles, Tripode, Rezé, France.
Brumes, Galerie de l’Ecole Municipale d’Arts Plastiques, Cholet, France.

http://www.xippas.com/fr/artiste/dominique_blais

The dialectics of Post Autonomy ( Entretien II avec Michael Lingner )

Dans ce deuxième entretien (en allemand et anglais), Michael Lingner évoque Heidegger, le concept d’autonomie chez Schiller et la notion d’application chez Derrida, avant d’énoncer sa propre compréhension du concept de Post Autonomy développé par David Goldenberg.
L’entretien se poursuit avec David Goldenberg et Stephen Wright sur les notions clés soulevées.

Cet entretien est une version inédite issue des programmes donnés par David Goldenberg sur Résonance FM,
http://resonancefm.com

Exemple de proposition artistique s’inscrivant dans le champ du concept de Post Autonomy : la recontextualisation de la librairie publique de Clegg et Guttmann (1991)

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Première écoute : jeudi 18 novembre à 12h, 15h, 19h, et 00h, jusqu’au 25 novembre mêmes horaires

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ELEMENTS

David Goldenberg est un artiste , curateur et théoricien anglais. Il vit à Londres. Des éléments complets sur le travail de D.Goldenberg sont présentés dans les ouvrages parus chez Thames ’s and Hudson « Installation art » et “New media in late 20th century art » .

Des textes détaillés et un aperçu des travaux de Michael Lingner ainsi que des différents auteurs et artistes évoqués dans l’entretien se trouvent sur le site de Michael Lingner : http://www.ask23.de

Stephen Wright est critique d’art, directeur de recherche au Collège international de philosophie (Paris), enseignant en philosophie à l’école supérieure des Beaux arts de Toulon. Il vit à Paris.

Site de David Goldenberg : www.postautonomy.co.uk

Playlist webSYNradio

1/
Guillaume Loizillon : Sale Affaire (1999, CD Imposture TRACE 010)
2/
Charles Amirkhanian : RADII (1972, Source ubuweb)
3/
Dièse 440 : Le curé : (1981, 33t à paraître)
4/
Takehisa Kosugi : Catch Wave, extrait (1975, Source ubuweb)
5/
Tony Mottola : Kemo Kimo (1963, 33t Tony Mottola plays country & western)
6/
Charles Dodge : Speech song (1973, 33t 10+2 : American text sound pieces)
7/
David Caroll : Nola (1963, 33t Solo encores)
8/
Z’ev : Salts of heavy metals, extrait (1981, maxi 45t, Salts of heavy metal)
9/
Julien Blaine & Guillaume Loizillon : Calmar (1999, CD 3 contre 1, TRACE 009)
10/
Laurie Anderson : N.Y social_life (1977, 33t New music for electronic and recorded media)
11/
Gregory Whitehead : Ice Music (1997, Source ubuweb)
12/
Guillaume Loizillon : Logomanie (1999, CD Imposture TRACE 010)
13/
Jean François Pauvros : Trash (2007, CD Documents TRACE 026)
14/
Karlheinz Stockhausen : telemusik, extrait (1966, 33t Deutsche Gramophon)
15/
Guillaume Loizillon : fontière (2010, à paraître)
16/
Michael Nyman : Mozart (1981, 33t A day in october)
17/
Guillaume Loizillon : Géométrie (1985, inédit)
18/
Sun Ra : Sun ra meets Sun Ra, extrait (1987, John Cage meets sun Ra, Source ubuweb)
19/
Guillaume Loizillon : machinapenser (1985, inédit)
20/
Joel Hubaut : The-Beauty-In-Breathing, extrait (1992, Source ubuweb)
21/
Laurie Anderson : Time to go (1977, 33t New music for electronic and recorded media)

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Jours et heures de diffusion, semaine du 11 au 18 mars : 12h,18h, minuit, 7H puis jusqu’au 18 février, mêmes horaires.
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ENTRETIEN

TRACES

Guillaume Loizillon, Dominique Balaÿ, février 2010

Pour prolonger et éclairer sa playliste webSYNradio, Guillaume Loizillon a bien voulu se prêter à un entretien où il nous rappelle la nécessité  de mener des explorations  hors des situations figées et des contextes trop connus :

Dominique Balaÿ : La playliste comme point de départ du projet webSYNradio : s’il y a un sens négatif – pointé par exemple par Laurent Chambert dans son entretien « Playliste ou ne pas être » : la playliste comme puissant signe de ralliement mais qui appauvrit le jeu de l’échange et renforce l’uniformisation culturelle – quel pourrait être le sens positif d’un tel exercice ?

Guillaume Loizillon : Comme compositeur c’est intéressant d’interroger un objet comme la playliste. Il faut d’abord fuir la tentation narcissique qui consisterait à y introduire exclusivement son propre travail (je l’ai fait cependant en certains points). J’apprécie d’avoir à choisir dans un stock prédéfini (Ubuweb). Je fréquente moi-même ce site qui contient d’ailleurs certaines des réalisations de Trace Label. Par contre j’ai trouvé intéressant d’y adjoindre d’autres éléments, partant de l’idée de rareté, d’inédit et aussi dans la perspective globale d’une construction sonore cohérente. Je me suis demandé s’il ne fallait pas agir comme « passeur » à composer une playliste. Je crois qu’elle se doit ne pas être didactique et s’écouter un peu comme une composition ou à tout le moins une proposition d’écoute originale.
C’est pour cela que j’ai désiré monter les extraits venus d’Ubuweb, ainsi que d’ajouter d’autres éléments qui me semblent prolonger cette collection.

Dominique Balaÿ : Pouvez-vous présenter vos différentes pratiques musicales et artistiques ?

Guillaume Loizillon : J’ai une pratique musicale et artistique que j’essaye d’avoir ouverte et variée et dans la continuité de ma vie. Dans une dénomination générique, on pourrait qualifier mon travail de musique électronique ou de musique expérimentale : D’un côté,  une définition par le dispositif instrumental et de l’autre par le genre, au sens de catalogage du terme.
Les deux approches manquent évidemment leur cible. Je crois nécessaire de déployer dans le temps ma pratique pour en avoir une approche plus juste.
J’ai une formation musicale académique et universitaire (j’enseigne d’ailleurs à l’université). À ce titre j’ai donc une spécialité , un « domaine de recherche » pour employer la terminologie universitaire : la synthèse sonore, la création avec l’ordinateur, et plus généralement les frontières entre les pratiques artistiques au cours du 20ème siècle et en ce début de 21ème . On le voit, un programme et une structure qui à la fois me nourrissent mais peuvent aussi risquer de me conditionner, d’où ma forte tendance à une revendication d’indépendance et à la tentative de fuir les dogmatismes.
Le fond de ma démarche est sans doute cette confrontation avec différentes approches musicales ou sonores ainsi qu’avec d’autres disciplines artistiques.
À la fin des années 70 et au début des années 80, j’ai fondé, avec 3 amis musiciens et un ami photographe, un groupe de musique électroacoustique live, Dièse 440 : Synthétiseurs analogiques, bandes magnétiques, diffusion en multicanaux et projections d’images sur un ballon sonde (!). Ce groupe a été un véritable point de départ. Par la suite nous avons joué avec le saxophoniste Barney Wilen. Un CD est sorti en 2007 et un 33t du groupe seul est prévu pour 2010, trente ans après !!  Avec l’un des membres de Dièse 440, Claude Micheli, j’ai rejoins par la suite Hektor Zazou pour une aventure avec le musicien Zaïrois Bony Bikaye, jusqu’au milieu des années 80. J’ai aussi travaillé avec un certain nombre d’autres artistes, des poètes sonores (dénomination générique et imparfaite mais commode), Jacques Donguy, Julien Blaine, Joel Hubaut,, des chorégraphes ,J_M Matos, la Cie V.M.T et en 2005, la Merce Cunningham Dance Company pour un « event » à l’Opéra de Paris.
Par ailleurs j’ai toujours parallèlement pratiqué seul, la musique en studio d’où je sors des réalisations réellement personnelles. Deux disques chez Trace Label et différentes participations à des projets collectifs.
Les travaux de groupe ou les collaborations m’ont profondément marqué et sans doute permis d’acquérir un statut de « professionnel », ils constituent ma pratique et nourrissent mes réalisations individuelles.
Sur le plan esthétique, je crois que les musiques « électroniques », dans le sens le plus large du terme, sont faites pour cohabiter avec les musiques instrumentales et avec les autres arts. Mon prochain disque est une série de séquences électro-acoustiques sur lesquelles j’ai demandé à différents instrumentistes solistes de venir improviser.
Depuis quelques années je développe également sur le site de Trace Label, des projets collaboratifs, comme Phono-Photo ou le Territoire qui explorent le réseau en tant qu’espace d’expérimentation. Ce mode de fonctionnement est pour moi appelé à se développer et sans doute à refonder l’idée même de label musical, où le disque comme tel est un instant du processus et non pas une fin en soi.

Enfin, dans ce panorama à la fois rapide mais que je sens déjà trop long, il faut prendre en compte mon activité d’enseignant chercheur qui me confère une position d’observateur, un contact permanent avec de jeunes créateurs et me pousse à poser une réflexion sur l’idée même de recherche et d’expertise.

Dominique Balaÿ : Dans votre travail (créations musicales, direction du label Trace), les notions de collaboration/participation/échange/coproduction/interaction semblent très importantes – d’ailleurs quelles notions priviligiez vous ?

Guillaume Loizillon : Avant toute chose, il faut préciser que je ne « dirige » pas le Trace Label. Le label est un projet qui regroupe 3 individus (longtemps 4) qui chacun y mènent des projets et des réalisations propres, en consultation avec les autres. Il y a parfois des projets menés de manière commune, principalement les réalisations collectives. Bien que parfois je le regrette, il n’y a pas véritablement de fonctionnement collégial mais plutôt une somme d’énergies indépendantes qui se fusionnent dans le label. À cet égard, la composition du label reste ouverte et peut accueillir des collaborateurs au gré des projets.

Concernant les mots qui précèdent, tous n’ont pas le même statut. La coproduction a des connotations fonctionnelles, l’interaction un rapport à la technique, souvent peu réfléchi, et qui conduit à des positions parfois dogmatiques : l’interactivité comme valeur en soi du fait de sa force technologique, sans que cet « inter » , ce qui réellement se constitue à l’intersection des disciplines, ne soit réellement questionné.
La collaboration et participation sont plus intéressantes dans la mesure où elles balisent plus strictement un cheminement créatif et fondent de véritables échanges et rencontres.

Dominique Balaÿ : Et ces notions de collaboration/participation/échange/coproduction sont elles premières: faire de la musique pour être ensemble ?
Sur un plan théorique, sur un plan pratique ?

Guillaume Loizillon : Il y a bien sur de cela, mais il faut aussi voir que ces modalités d’activités sont également toutes en rapport avec les redéfinitions techniques, sociales et politiques de ce que l’on appelle la culture , dans l’époque actuelle.
Ces moyens de fonctionnement me semblent intéressants dans la mesure où ils produisent effectivement et efficacement des réalisations et non pas seulement de la valeur éthique ou conceptuelle. Quand, il y a quelques années, j’ai travaillé avec Merce Cunnigham, j’ai eu ce sentiment de la force de l’efficacité du collectif. En effet, il n’y a eu aucune rencontre ni répétition préalable. Seule une définition stricte et assumée du projet et des échanges de courrier. Toutes les composantes (danse, musique, décors) sont préparées de manières séparées et ne se confrontent qu’au moment de la représentation, et tout cela fonctionne effectivement : respect du travail de chacun et fusion de l’ensemble dans le projet esthétique.

Le modèle du groupe rock ( au-delà de la stylistique) est fondateur également, mais il s’agit ici d’y adjoindre une dimension d’exploration des conditions mêmes de la création.
Le développement des techniques de communication, avec au centre Internet, oblige à cela. Il s’agit d’entrer dans ce débat d’une manière que je crois la plus intéressante que le terrain de la loi HADOPI ou autre pensée de la reconfiguration du modèle industriel et juridique, pour moi, sans grand intérêt en regard de la situation. Les deux parties prenantes de l’affaire ne m’intéressent ni l’une ni l’autre : les valeureux défenseurs de la création et du droit d’auteur et les consommateurs insatiables de l’identique sans cesse répété.

Dominique Balaÿ : Au cœur de vos pratiques, vous placez une affirmation d’indépendance : par rapport à quoi ? Au marché, aux institutions, aux ambiances et aux pressions de l’époque ? Aux catégorisations hâtives ? Comment assumez-vous cette indépendance ?

Guillaume Loizillon : Je suis bien conscient que l’on s’exprime toujours « depuis quelque part » et que la revendication d’indépendance est en grande partie un leurre. La question est, bien entendu, celle de l’influence des structures de détermination, qui ne sont jamais absentes. Que celles-ci s’appellent, « industrie culturelle », « ministère », « université », « académie » ou même « mouvance indépendante », je crois impossible d’y échapper.
J’essaie alors d’articuler ma pratique selon la plus grande liberté possible en regard de ces modèles. La réponse, sans doute imparfaite, que j’y apporte consiste à penser que la création artistique est une réalité et qu’elle est en quelque sorte « trans structure ».
Par contre, si ce plan esthétique est pensable, une indépendance en regard de celui-ci n’aurait que peu de sens et pourrait conduire à un véritable isolement.
L’idée d’indépendance est donc celle qui conduit le plus directement à une démarche « expérimentale » pris dans le sens d’aventure et de mise en acte de la pensée critique. Bien plus que celle d’expertise, je vois la démarche d’expérimentation comme composante d’un tel programme.

Dominique Balaÿ : Indépendance et pas autonomie ?

Guillaume Loizillon : L’autonomie, en matière de pratique artistique, je ne vois pas réellement ce que cela pourrait être. Je la crains même comme un chemin vers l’isolement. Il faudrait plutôt interroger la notion de minorité, qui peut se comprendre sur même plan que l’autonomie mais qui travaille le caractère social de groupe en regard du fait majoritaire.
Par ailleurs, l’autonomie, indique que l’on se rend absent à toutes les autres constructions sociales, politiques et esthétiques, ce qui me paraît, bien plus qu’illusoire.

Dominique Balaÿ : Question centrale : Au sein du label Trace, vous avez édité les poètes Julien Blaine, Charles Pennequin… Etes vous lecteur de poésie ?

Guillaume Loizillon : Question qui force à l’introspection. Je m’aperçois que la poésie, ou plutôt le poétique, est un fondement de ma manière d’analyser et de percevoir.
L’élucidation par le poétique est aussi puissante que bien des approches scientifiques comme :
- La pensée de la perception avec l’appareillage des neurosciences.
- Les sciences humaines appliquées à la lecture de l’art

Les « Correspondances » de Baudelaire, le sonnet des Voyelles de Rimbaud, « Zone » d’Appolinaire, l’ethnographie imaginaire d’Henri Michaux, fonctionnent pour moi comme des idéaux-types qui se développent également comme analyses.
Les propositions oulipiennes, en plus du caractère jouissif, me paraissent toucher profondément la mécanique créative.
Jacques Roubaud est également une figure que je trouve stimulante dans ses propositions d’une poésie qui se fabrique en contiguïté de l’existence.

Je m’aperçois cependant, que finalement je ne lis qu’assez peu de poésie.
Les poètes sonores avec qui j’ai travaillé représentent une de cette nécessité du poétique, peut-être plus essentiellement je l’avoue, que le poème comme objet littéraire.

Dominique Balaÿ : J’aimerai vous soumettre une questions qui m’anime à l’occasion de ce projet de webSYNradio : comment peut on définir une pratique collaborative ? Ce qui revient à se demander comment est il possible d’évaluer une pratique collaborative ?

Guillaume Loizillon : Le paradoxe du projet collectif est qu’il doit être défini le plus strictement possible par un individu ou un groupe pour pouvoir s’étendre et s’articuler comme réellement un jeu de collaboration. Le modèle littéraire oulipien peut à cet égard servir de référent. Dans son exacerbation de la contrainte c’est le collectif qui émerge et avec lui la possibilité de l’invention démultipliée. Le texte de Georges Perec « La chose », sur le free-jazz est très intéressant à lire sur ce thème.
La question de l’évaluation est, souvent pour le pire, extrêmement à la mode. Si l’on ne se laisse pas piéger par ce mot dans son acception quantitative (la plus pernicieuse) c’est le développement dans le temps et dans l’espace qui donne une dimension à un projet collaboratif. La technique également est centrale dans cette mise place. C’est, je crois, l’utilisation la plus pertinente d’Internet que de le penser comme support de partage. Dans ce contexte, il faut aussi en imaginer des « échappées » :

- Concrétisation sur support à un moment donné (Livre, revues, CD, DVD …)

- Rencontre dans des lieux fédérateurs. A cet égard, le Société des Curiosités en réinventant la notion de « club » me semble apparaître comme un projet qui intègre pleinement cette situation.

Dominique Balaÿ : au plaisir d’une prochaine rencontre alors, pourquoi pas à la société de curiosités  ! WebSYNradio se veut avant tout un espace d’échange et de réflexion. Seriez vous d’accord pour vous prêter à un échange avec Laurent Chambert (qui m’a signalé votre travail) et que webSYNradio/Droit de Cités pourrait relayer ?

Guillaume Loizillon : Je suis toujours prêt à dialoguer et développer des idées et des projets. Les débats esthétiques, dans ces temps de platitudes, me semblent du plus haut intérêt … politique.

Dominique Balaÿ : à bon entendeur, merci !

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ELEMENTS

Je suis né en 1957, et je  vis et travaille à Paris. Compositeur et musicien intéressé par tous les autres médias, depuis trois décennies, je reste attaché à une certaine  indépendance et toujours attiré vers des expériences, des recherches et des développements artistiques nouveaux  : musiques électroniques, improvisation, poésie sonore, installations et rencontres interdisciplinaires avec des plasticiens ou des chorégraphes. Outre mon travail personnel, j’ai collaboré entre autres avec : « Merce Cunningham Dance Company », Barney Wilen, Joel Hubaut, Jacques Donguy, Hektor Zazou, Jean-Marc Matos, Valère Novarina …

Je désire pouvoir penser une continuité entre une certaine exigence théorique et esthétique et l’ouverture la plus large aux propositions artistiques de l’époque qu’elles opèrent depuis le champs institutionnel, industriel ou « alternatif ». Ce choix s’attache à affirmer que, dans le contexte actuel de la mondialisation et de la marchandisation généralisée, la musique  peut  encore se vivre comme un espace permanent d’expérimentation ».

Je suis également maître de conférence au département musique de l’université Paris 8. J’y dispense des cours sur la création sonore, sur les rencontres entre la musique et les différents arts.

Je suis co-fondateur de label indépendant TRACE Label spécialisé dans les musiques électroacoustiques, la poésie sonore et l’improvisation J’y développe également des projets participatifs en ligne : Phono-Photo, La Carte…

Trace label : http://www.tracelab.com/

Site de Guillaume Loizillon

Playlist # 2

1/
Jaco Pastorius / Joni Mitchell – Shadows and Light – Asylum Records / Warner
2/
Jaco Pastorius – Holiday for Pans – Sound Hills Records
3/
Jaco Pastorius / Albert Mangelsdorff Trilogue – Live ! – MPS Records
4/
Jaco Pastorius – The Early Years Recordings – King International Inc.
5/
Jaco Pastorius, Paul Bley, Pat Metheny, Bruce Ditmas – Jaco – Jazz Doors Records.
6/
Larry Coryell – The Real Great Escape – Vanguard Records
7/
Larry Coryell & Philip Catherine – Twin House – Act Records
8/
Larry Coryell / Charles Mingus – Me Myself an Eye – Atlantic / Warner
9/
Larry Coryell – Basics – Vanguard Records
10/
Larry Coryell – Bolero -
11/
Link Wray and his Raymen – The Swan Single Collection – Rollercoaster Records
12/
Link Wray – Law of the Jungle – Ace Records
13/
Kenny Burell Trio – A Night at the Vanguard – Argo / Cadet Records
14/
Eric Gale – Blue Horizon – JVC Records
15/
Tania Maria – Via Brasil ( W. Boto and Hello ) – Barclay
16/
Paulhino Da Costa – Agora – Pablo Records
17/
David Spinozza – Spinozzza – A&M Records
18/
Cheap Trick – Dream Police – Epic / Legacy
19/
Larry Coryell / The Eleventh House with Larry Coryell – Vanguard Records
20/
Larry Coryell / Larry Coryell – Victor Bailey – Lenny White – Electric – Chesky Records

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La playliste de Noël Akchoté est proposée en mode lecture (pas de diffusion sur webSYNradio). A charge pour chacun de se procurer les albums…
Lire la partie 1 de l’entretien pour comprendre ce qui motive ce choix éditorial.

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ENTRETIEN

PUISSANCE DE LA MUSIQUE / DES PRATIQUES, UN QUOTIDIEN (# 2/3)

Noël Akchoté, Dominique Balaÿ, octobre 2009

A l’occasion de sa participation à webSYNradio, Noël Akchoté a bien voulu se prêter à un entretien pour « servir » ses playlistes. L’entretien s’est déroulé par écrit, au gré d’un échange de mails très chaleureux courant octobre 2009. Il donnera lieu à une publication en trois parties (correspondant aux trois playlistes, lire la première partie de l’entretien) dans la revue Droit de Cités tout au long de 2010.
A ne pas manquer :  la société de Curiosités accueille le 25 février Noël Akchoté pour une première soirée SYNCHRO (+traces de la soirée ici ) concoctée par webSYNradio.
Voici donc la deuxième partie de l’entretien… DB

#2

Dominique Balaÿ : A travers tes réponses, tu donnes à voir (les paquets de disques dans ton sac de voyage : je les vois) et à entendre (l’envie de parler, d’échanger, la pointe de l’argumentation, autant que le moteur du travail en cours, tes pratiques). Je sors d’une visite sur robertquine.com …

Noël Akchoté : Oui je pensais aussi à des johnfahey.com, freddiegreen.org, mais éventuellement aussi au « pas tout Lacan » du site de l’école freudienne, au blog de Rafael Sorin sur les pages de Libération et d’autres chose encore de la même tenue. Là aussi l’immensité du web, on se rend compte rapidement à la pratique qu’elle se rétrécit vite. Je veux dire par là que les sites sérieux sont rares (pas 10 % des occurrences sur un sujet donné je pense), que le travail d’éditeur, de producteur, de passeur est comme toujours central dans la circulation des savoirs. On va par contre trouver à l’air libre, visibles là où ils ne l’étaient pas avant, des grappes de données strictement internes ( que ce soit le blog d’ ados d’une même école, les forums de partis politiques à usage interne, les cycles ou dossiers universitaires par programme ou autres collectionneurs ou curiosa en tout genre ). C’est intéressant d’ailleurs de voir le problème des droits sur internet se poser avec l’enjeu véritablement commercial des films ou des musiques, parce que dans d’ autres champs de savoir comme le texte, ça fait déjà un moment que le ménage a été fait (difficile de trouver maintenant des partitions, des textes non libres de droits et autres archives sauf totalement privées ou auto productions). Cela dit, c’est tout à fait cohérent et logique puisque une large partie du web comme de l’évolution culturelle et commerciale s’enroule autour du « moi je », de « l’auto fiction » ou du « regarde, ça pourrait être toi » des arts visuels.

DB : La musique comme signe de ralliement social et représentation d’un pouvoir : situation de tous les arts en fait. En musique comme au cinéma : les enjeux sont industriels, il y a une histoire d’échelle et de finalité,  à la différence de la peinture.

NA : Non ça n’est pas différent pour la peinture, comme pour la banque ou tout autre domaine sauf à chercher des niches sans aucun enjeu, ou vraiment privées (encore que, il faudrait pour parler du web garder en tête que tout ce qui touche au sexe directement ou indirectement représente en gros la moitié des connexions – voir les sites « mon ex.com » par exemple ou tout ce qui est free porn , souvent de très loin ce qui est à l’avant garde des applications possibles de l’outil) – ce ne sont pas les enjeux qui sont industriels je pense, c’est la finalité mais en cela rien de nouveau sous le soleil. L’industrie et la production culturelle sont liées comme l’ampoule et la lampe à EDF. Avec une particularité française qui est le sens que prend le terme « culture » dans ce pays. Cela n’est pas du tout un hasard si l’on a des Malraux, des Lang mais aussi bien d’autres politiques dans ce domaine depuis plusieurs siècles.  En France la culture est du politique à l’état pur, ça n’est même rien d’autre au fond, et il suffit de très peu de recherche pour en trouver les preuves factuelles. La culture y produit du culturel, d’ où de tous temps aussi son animosité radicale à l’encontre de l’art et des artistes autonomes. Par définition là aussi, l’artiste n’est qu’autonome (peu importe la nature des fonds qui lui permette de l’être d’ ailleurs, de l’ascèse, de la pauvreté aux grandes fortunes familiales, il y a de toujours des ponts et des liens entre ces deux extrêmes). L’industrie a besoin de l’art, des artistes, de leurs idées là où le politique s’en méfie à l’ extrême. L’industrie fait des contrats, ensuite des objets. La culture ne produit que des agents culturels. C’est même le seul progrès majeur dans ce domaine depuis environ une vingtaine d’années, le fait que les milieux culturels soient maintenant producteurs de l’ensemble de la chaine (écoles, diffusion, théorie, programmes). C’est donc tout à fait logique de voir le politique, la culture, courir après le marché qui lui a de véritables résultats, un chiffre d’affaire sans comparaison avec les ratages quasiment congénitaux à la culture. Pour reprendre ton exemple de peintre, on connaît tous des artistes visuels qui ne produisent plus que pour la prochaine biennale ou convention, qui n’ont pour la plupart même jamais connu d’autre mode de production. En cela, la radicalité c’est depuis la nuit des temps l’art. Le cinéma de Méliès à Spielberg, de Mekas à Tourneur n’a jamais été autre qu’industriel et à projections commerciales. Ne serait-ce que parce que le plus avant-gardiste des réalisateurs aura toujours besoin de Kodak, Pathé, Sony ou Apple Mac pour produire son objet. En musique il en va de même, c’est avec l’arrivée de Leo Fender et autres productions d’instruments industriels que les choses se mettent a évoluer sérieusement, à devenir véritablement accessibles à tous et donc produisent beaucoup plus d’hybrides, de musiques que l’on n’ entendait pas avant, qui ne sortaient pas du cadre local ou familial. Si tu prends les enregistrements ethnographiques que fait Alan Lomax pour la Library of Congress, le plus obscur bluesman perdu dans les campagnes sudistes ou autres américaines joue déjà des modèles à bas prix de chez Gibson, Martin, etc. … En France, la culture étant à ce point un sujet politique, on produit des œuvres qui resteront dans ce champs et sont à consommation immédiate, les Etats-Unis entendent « cultural » autrement, c’est l’appropriation par les gens de produits culturels commerciaux, d’ où à mon sens le fait qu’il soit possible là-bas de produire des choses à la fois mainstream et chargée de sens, ou de qualité tout en restant de l’entertainement aussi. En France les milieux culturels jouent bien sûr leurs artistes contre l’art en général, l’art n’étant pas récupérable par le politique, par définition.

DB : Mais la Musique comme puissance (titre de l’entretien): finalement tu en parles peu.

NA : Ce titre, qui est ta proposition ( et à laquelle je « contre » amicalement mais comme pour essayer de peser de l’ autre coté de la balance ), résonne pour moi entre : Nietzsche  » La Volonté de » ( et je suis lecteur de Fritz … au delà des imageries du bonhomme s entend ) et le « Puissance de la Parole » qui se trouve dans les Histoire(s) de JLG ( à moins que ce ne soit le titre du film « France Telecom », je ne sais plus au juste ). Pour moi, en tant que musicien, dire « Puissance de la » çela me fait immédiatement entendre ta place d’auditeur en fait. C’est un regard porté sur une expérience je crois, alors que pour le musicien en train de musiquer (je tiens à ce néologisme!), sur l’instant, il s’agit d’autre chose. Cela n’est pas par hasard que l’on se tient à la musique plutôt qu’à l’écriture, au montage ou d’autres formes artistiques. Il y a quelque chose de radicalement avant le verbe dans la musique. Très vaste sujet encore, j’espère y revenir, qui pose la question de l’écrit (tous les écrits), de la voix (puissance de la voix, ça marche par exemple : la voix porte), du sonore, du sens et donc immédiatement aussi du politique et de l’histoire (voire même du biologique ou physiologique). C’est pour cela que j’oppose à « Puissance » les termes de Quotidien et Pratique. Pour moi la musique est avant tout une pratique et de multiples quotidiens, mais dans tous les cas aussi une même musique faite de plein d’autres. Même lorsque je suis auditeur, j’écoute la musique sous cet angle. Ce qu’elles disent en émotion, en sens, en virtuosité ou autrement c’est la nature de la musique, par définition quasiment.

DB : Ce que tu dis de la situation du musicien qui se tient dans les limites et la peau technique de l’interprète : même si chez les classiques, c’est une haute fonction, elle reste bridée, cela reste une limite (le respect, la lettre du texte, de la partition). Selon toi, et pour paraphraser Jacques Derrida au sujet de la traduction, « qu’est ce qu’une interprétation « relevante » ?

NA : Je vais profiter du fait que je collecte des citations pour divers textes à venir : « Comprendre, c’est entendre et c’est s’entendre. On ne comprend jamais tout seul. Tout comprendre prouve l’autre. » Georges-Arthur Goldschmidt ( »A l’insu de Babel ») ou :  » De temps en temps, il me semble percevoir une question qui monte des profondeurs du silence. Mais celui qui la pose ne sait pas qu’il interroge, et celui à qui elle est posée ne sait pas qu’il est interrogé. » Martin Buber ( »III- La question Secrète – Judaïsme »).  Cela dit, cette position de traducteur est quasi d’ordre théologique, c’est la question de ce qui « est ». Je ne suis pas religieux, ça n’est pas la question ici, mais ça pose justement cette question du religieux, les différents textes « saints » ne font même que cela je crois, d’où l’intérêt porté par beaucoup d’autres personnes au-delà de la seule question religieuse. Disons plutôt que ce terme d’interprète est le seul qui vaille pour moi, quelque soit le texte (sa nature de composition, d’improvisation ou autre n’y change rien à mon sens, ce ne sont que de simples conventions et traditions pour désigner une même chose). Derrida, c’est intéressant pour moi parce que c’est par là que je suis rapidement allé chercher d’autres façons d’interpréter, de dérouler, de jouer, de dire un bout de quelque chose à un moment donné.
Je suis « autodidacte » c’est ma chance : je ne comprends rien d’autre que ce que j’ai l’impression d’entendre. Chez Derrida par exemple je serais bien en peine d’expliquer sa pensée, par contre son style, son rythme, ses pulsations à égrainer les mots dans un temps donné (un espace donné, pour la page), cela m’a tout de suite rappelé ce que l’on fait dans l’improvisation. La musique en cela ne diffère pas du tout des autres formes d’arts, on ne sait pas ce qu’elle dit non plus, on sait l’effet de sidération, d’attrait, d’émotion, etc. qu’elle produit en nous. On dit souvent  » ça fait sens » mais c’est surtout que ça fait signe de quelque chose. La traduction, c’est un échec annoncé d’avance, c’est justement pour cela que l’on s’y colle  je crois. Il n y a pas moins de traduction lorsque c’est son propre texte que si c’est celui d’un autre. En cela écrire, jouer, enregistrer est toujours une expérience dont on ne sait rien avant. Au fond écrire, c’est pour se lire, jouer pour s’entendre soi même. Au bout d un moment ce qui s’y dit peut avoir des effets de « puissance » mais pour celui qui dit, son temps, son être entier est dans le dire, donc dans un quotidien, des pratiques.

(à suivre…)

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RENDEZ VOUS

le 25/02, une  soirée à l’invitation de la Société de Curiosités pour découvrir le projet mené au sein de WebSYNradio.
Cette soirée accueille Noël Akchoté et Jean Michel Espitallier.

Toutes les infos sur :

http://instantnet.wordpress.com/soirees-a-venir/jeudi-25-fevrier-2010-synchro-1-websyradiodroit-de-cites-avec-noel-akchote-akchte/

Réserver à lasocietedecuriosites@gmail.com

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ELEMENTS

Noël Akchoté est un guitariste français né à Paris le 7 décembre 1968. Du jazz à l’improvisation, en passant par la chanson, le rock ou la variété, son parcours et ses pratiques permettent difficilement de lui attribuer un style précis, pas plus qu’une appartenance à un courant ou à un milieu musical spécifique…

Discographie et bibbliographie de Noël Akchoté sur wikipedia
Textes de Noël Akchoté dans la revue SKUG
La playliste de Noël Akchoté dans les programmes non déterminés de la société de curiosités

LISTEN TO MY PLAYLIST

1. Marina Rosenfled : The Emotional Orchestra

2. Andreas Ammer : Jugend Der Welt

3. Morton Feldman : The king of Denmark

4. Marcel Duchamp : La Mariée mise à nue par ses Célibataires, même
Realization for alto flute, trumpet, trombone, celesta, and marimbaphone by Petr Kotik. S.E.M. Ensemble.

5. Marcel Duchamp : Erratum Musical (for three voices)

6. Laurie Anderson : IS ANYBODY HOME

7. Luciano Berio and Bruno Maderna

8. John Cage : John Cage meet Sun Ra, Side B

9. John Cage : « Radio Music »

10. Nam June Paik : My Jubilee ist Unverhemmet

11. Wolf Vostell, « Elektronischer de-coll.age. Happening raum »

12. Juan Hidalgo : « Tamaran, » 1974

13. Ellen Fullman : Langzaam

14 . Group Ongaku : Object

15. Henri Chopin : Les Chuitantes Respirent

16. Joan La Barbara : Poem # 49

17. Louise Lawer : Birdcalls

18. Ikue Mori – drums, John Zorn – reeds and game calls, Lindsay Cooper – sax and electric bassoon, Fred Frith – electric guitar etc.

19. Conversation Piece (2005) voice and electronics: Jonathan Zorn and Rachel Thompson

20. Lily Greenham : Do You Wonder About This Society

21. Hallgrimur Vilhjálmsson : Serenade for six German Sirens, op.43
Total timing: 32′50
1st movement: sferico 8:56
2nd movement: pensoso 9:04
3nd movement: frullanto 14:43

22. Pauline Oliveros : Sound Pattern from Extended Voices

23. Luigi Russolo : die Kunst, Ronzatore

24. Luigi Russolo : die Kunst, Arco Enarmonico

25. Luigi Russolo : Macina Typografica

26. Isidor Isiou : Poème pour broyer le cafard

27. Erik Satie : Pianoless Vexations

28. Bruce Arnold Jazz Trio

29. George Maciunas, Solo for Lips and Tongue, 1:36

30. Terry Riley : Music Aether

31. Toshimaru Nakamura : Nimb

32. John Giorno : excerpt from Put Your Ear to Stone & Open Your Heart to the Sky

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Première écoute : jeudi 2 décembre à 23h, jusqu’au 9 décembre même horaire

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ELEMENTS

Tania Mouraud, née le 2 janvier 1942 à Paris, est une importante figure de l’art contemporain français.

Son œuvre revêt des formes très différentes, tout en restant fondée sur un réel engagement social et un questionnement ontologique ; elle mobilise chez le spectateur la conscience de soi et du monde dans lequel il se trouve.
Autodidacte, Tania Mouraud débute très jeune son parcours artistique avec ses « Initiation rooms », espaces dédiés à l’introspection.
Dans les années 70, c’est par une approche analytique et intellectuelle, que Tania Mouraud mêle art et philosophie dans un travail d’abord fondé sur les mots, puis plus tard sur leur typographie, porteuse de sens en elle-même.
À cette même période, les séries de photographies que réalise l’artiste se font de plus en plus nombreuses. A la fin des années 90, Tania Mouraud crée ses premières vidéos. Les thèmes de l’angoisse et de la responsabilité au monde, sont à la base des vidéos de cette artiste, dont la vie est marquée par le deuil et par la Shoah.
La vidéo amène Tania Mouraud au domaine du son. Après des concerts avec le groupe Unité de Production qu’elle fonde en 2002, Tania Mouraud se lance aujourd’hui dans des performances live en solo. Ses récentes installations vidéo, dont le son scelle la puissance, marquent un nouveau tournant dans son œuvre.
En 2009, Tania Mouraud est nommée au grade de chevalier dans l’ordre national du Mérite.

À ce jour, Tania Mouraud vit et travaille à Paris, et est représentée par la galerie Dominique Fiat.
+ sur wikipedia

ACTUALITÉS DE TANIA MOURAUD

25 novembre : publication
Sortie du DVD « Tania Mouraud Par Si… Par LA »,  Editions rue Visconti

8 sept 2010 -> 31 dec 2010 : Exposition
« Tania Mouraud photographe »
et parution d’un ouvrage aux éditions Rue Visconti – texte de Régis Durand
17/19 rue Visconti, 75006 Paris

24 sept 2010 -> 21 feb 2011 : Exposition
« elles @ centre pompidou »

15th October : parution de l’ouvrage  » Tania Mouraud : At The Core « 
texte de Catherine GRENIER

27 nov 2010 -> 27 feb 2011 : Exposition
« Une pièce de plus »
CCC
53 rue Marcel Tribut
37000 Tours, France
http://ccc-art.com

8 dec 2010 19H30 Performance sonore dans le cadre de l’exposition « Une pièce de plus » au CCC de Tours
ENSA_Bourges, La Box
17 rue Edouard Branly
F-18000 Bourges

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Dominique Fiat :
www.dominiquefiat.com

Site de Tania Mouraud
http://www.taniamouraud.com/

Playlist for webSYNradio

1/
Velemir Chlebnikov (1885-1922) – Esorcismo col riso (1908)
2/
Yoko Ono (b. 1933) – Let’s Go On Flying
3/
Mick Jagger (b. 1943) – Invocation Of My Demon Brother »
4/
Klaus Kinski (1926-1991) – Johann Wolfgang von Goethe – Der Totentanz
5/
Whitehouse – Pissfun
6/
Bob Cobbing (1920-2002) – Alphabet of Fishes, 1967
7/
Charlemagne Palestine (b. 1945) – Sliding Fifths For Piano (1972)
8/
Bengt Emil Johnson (b. 1936) – 1/1970; (bland)
9/
Mario Davidovsky – In Memoriam Edgar Varèse
10/
William S. Burroughs (1914-1997) – The Fish Poison Con
11/
Vladimir Ussachevsky (1911-1990) – Line Of Apogee (1967) Untitled
12/
Hugo Ball (1886-1927) – Karawane (1916)
13/
Angus MacLise (1938-1979) / Humming in the Night Skull
14/
Ilhan Mimaroglu (b. 1926) / Le Tombeau d’Edgar Poe, 1964
15/
Paul Bowles – Paul Bowles, narrator ‘Points in Time XI’
16/
Kurt Schwitters (1887-1948) – Ursonate, Merz #24 rec. Frankfurt, May 5, 1932
17/
Patti Smith (b. 1946) – Bitch
18/
Joseph Beuys (12. Mai 1921 in Krefeld; † 23. Januar 1986 in Düsseldorf) – B5 Endless Music
19/
John Cale – Loop – Aspen No. 5+6
20/
Sten Hanson (b. 1936) – Au 197,0
21/
Ilmar Laaban (b. 1921) – Eaux, 1975/1992
22/
Alvin Lucier (b. 1931) – I Am Sitting in a Room,
23/
Brion Gysin (1916-1986) – Junk Is No Good Baby
24/
The Gerogerigegege – Endless Humiliation
25/
Jean Genet – Jean Genet « Le condamné a mort » (1952)

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Première écoute : jeudi 20 janvier  à 12h et 23h, jusqu’au 27 janvier mêmes horaires

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ELEMENTS

Carl Michael von Hausswolff lives and works in Stockholm, Sweden

Since the end of the 70s, Hausswolff has worked as a composer using the recorder and sine waves as his main instruments. His concerts are often dynamic constructions using the acoustics in a specific space. His records has a conceptual and intellectual foundation where the composed sounds oscillates between sounding object and music. As a conceptual visual artist working with performance art, light- and sound installations and photography.

Hausswolff’s music has been performed throughout Europe and in North America and Asia in festivals such as Sonar, Electrograph, Cut&Splice and I.D.E.A.L. His compositions can be found released by labels such as Ash International, feld, Die Stadt, Firework Ed., Laton, SubRosa, Oral and RasterNoton. Hausswolff’s music is published by Touch, London. Musically he has collaborated with Graham Lewis (Wire), Mika Vainio (Pan sonic), Zbigniew Karkowski, Russell Haswell, and others.

Hausswolff’s audiovisual works have also found outlets in pictorial art. His « Red » series using red lights in various architectural misfittings has shown a rather critical side of his works. In Santa Fé an abandoned cemetery was lit up in the nighttime by 20 000 watts (Red Night, 1999); in Liverpool the river Mersey was treated (Red Mersey, 2004) and in Chiangmai, Zagreb, Rijeka, Kaliningrad and Chicago abandoned houses around the cities was lighted up and photographed (Red Empty, 2003-2010). His most recent red works include Red Sea Saw for the Luxembourg Cultural Capital 2007, Red Cochineal in Mexico and Red Dawn in Russia. His interest in architecture and topography has also resulted in the films “Hashima, Japan 2002”, “Al Qasr, Bahriyah Oasis, Egypt, 2005” and « Electra, Texas 2008″ made in collaboration with film maker Thomas Nordanstad.

In 1997 he launched a series of works under the title « Operations of Spirit Communication ». This work, inspired by Electronic Voice Phenomena (EVP) techniques, was combining and merging sound and vision using analogue and digital technologies such as oscilloscopes, radars and sonars. These ready-made machines were showing the possibilities of ghosts and other kinds of life forms living inside a certain space or inside the electricity grids. The cities of Paris, Linz, Bangkok, Shanghai, Banja Luka, Berlin, Kuala Lumpur, New York City, Tokyo, Frankfurt am Main, Stockholm and Copenhagen has been under this magnifying ghost glass. More recently the exhibition “The Complete Operations of Spirit Communication” was shown at OK Centrum in Linz, Austria. Hausswolff has also collaborated with EVP researcher Michael Esposito in several sessions.

His interest in audio and radio technology also came in light at the 49th Biennale di Venezia in 2001. In a collaborative work with Tommi Grönlund, Petteri Nisunen, Leif Elggren and Anders Tomrén, he had constructed a radio receiver that could play all radio transmissions from the Venice area at the same time. The entire Nordic Pavilion was filled with this mix of sounds producing a beautiful and at the same time profound religious audio graphic environment. Other radio tech works include the usage of scanners and EVP frequencies.

Hausswolf has also created a series of social platforms, places where people can meet and consume. His “Thinner- and Low Frequency Bar” was used at the Momentum biennial in Moss, Norway, Prato, Italy and London and his “Glue- (Tobacco-) and High Frequency Lounge” was used in Geneva and in Prato. These works show Hausswolff’s critical view on the society’s hypocritical treatment of drugs and addiction. The audience could sniff the highly toxic substances thinner and contact glue while smoking cigarettes and getting penetrated by the either low or high sine wave tones.

In 1993 he and Leif Elggren developed the ever-lasting conceptual piece “The Kingdoms of Elgaland-Vargaland”. Here a new country was established in the world. Its territories was all border areas between every country, the No Man Land, mental territories such as the hypnagogue dream state and digital areas on the Internet. Paraphernalia such as a constitution including flags, coat of arms, and national hymn was produced and letters was sent to every government in the world asking for recognition. In 1995 an application for membership in the United Nations was sent in and in 2005 the New United Nations was proclaimed. Elgaland-Vargaland now has over 700 citizens and is frequently manifesting itself through the channels of conceptual art. Embassies has been established in Stockholm, Mexico City, Oujda, London, New York, San Francisco, Osaka, Barcelona, Helsinki and many other places. In 1995 the country annexed Schlaraffenland and t the 50th Biennale di Venezia in 2003 the state annexed Thomas More’s Utopia at the Utopia Station project. A new embassy was recently inaugurated at the Haus der Kulturen der Welt in Berlin and the Island of The Dead (Isola di San Michele) in Venice was annexed June 10, 2007.

Hausswolff was a freelance curator at Färgfabriken Centre for Contemporary Art and Architecture in Stockholm. From 1999 until 2008 he has curated retrospective exhibitions by the works of the EVP pioneer Friedrich Jürgenson, his long time colleague Leif Elggren, and Swedish electronic music pioneer Rune Lindblad. He also curated a special exhibition of works by his mentor Brion Gysin as well as works by Max Fredriksson, Henrik Rylander and Henrik Andersson. He has later “artistified” Jürgenson, as well as Swedish mail bomb inventor Martin Ekenberg and now plans to introduce other non-artists such as US astronaut James Irwin, a Swedish 1927 hero Olga Eriksson (introduced 2007) and the Norweigian spy Selmer Nilsen, in the field of contemporary art.

IN 2003-08 he curated the sound art project “freq_out”, in Copenhagen, Oslo, Paris, Berlin, Chiangmai, Budapest and Kortrijk. This project includes the individual works from 12 sound artists shown in a collective way. The frequency range from 15 – 12 000 Hz was divided up into 12 sections and handed out to the artists. These exhibitions has showed a new way to deal and treat sound works as an exhibitional form, a form that mostly has been chaotic and non functional in many recent group shows. Artists included were Jacob Kirkegaard, J.G. Thirlwell, Jana Winderen, Finnbogi Petursson and Pomassl.

In 2003 Hausswolff curated the 2nd International Biennial for Contemporary Art in Göteborg, Sweden. Here he mixed sound artists like Ryoji Ikeda, Else Marie Pade and John Duncan with dictator painters from Libya and Cambodia; contemporary artists like Phill Niblock, Simone Kaern-Aaberg and Surasi Kusolwong with ready-made artists like Friedrich Jürgenson and Martin Ekenberg; painters like Jan Håfström with painters like Kim Gordon and Russell Haswell.

In spring 2005 Hausswolff completed his Starhouse project for The Land Foundation, organised by Kamin Lertchaiprasert and Rirkrit Tiravanija in Chiangmai, Thailand.

+ http://www.cmvonhausswolff.net/

ANDREA’S PLAYLIST FOR WEBSYNRADIO

1. Andrea Parkins -Ob-jest, the jettisoned, #1

2. Brion Gysin – I Have Come to Free the Words.

3. Chris Corsano – Island of Hammers (Dumb as an)

4. Matmos – Momento Mori

5. Ellen Fullman -Hiss Louder

6. C. Spencer Yeh – Live at Lampo (2008)

7. Joan La Barbara — from 73 Poems, Texts by Kenneth Goldsmith – Poem #4.

8. Joan La Barbara — from 73 Poems, Text by Kenneth Goldsmith – Poem #12.

9. Joan La Barbara – from 73 Poems, Texts by Kenneth Goldsmith – Poem #18

10. Bruce Nauman – Violin problem two/Playing two notes, very close together (extrait) 1969

11. Toshimaru Nakamura — Nimb 19.1

12.Andrea Parkins — Faulty (Broken Orbit), iv

13. Robert Ashley – She Was a Visitor extrait de « Extended Voices: New pieces for Chorus and for Voices Altered Electronically by Sound Synthesizer and Vocoder » (Track 4)

14. George Lewis – Voyager Duo 1

15. George Lewis – Voyager Duo 2

16. George Lewis – Voyager Duo 3

17. Andrea Parkins – Ob-jest, the jettisoned, #10

18. Eiiane Radigue – Arthesis (1973)

19. Alison Knowles – NIvea Cream

20. Alvin Lucier – Vespars (from LP Sonic Arts Union)

21. James Tenney – Septet for Electric Guitars

22. Gordon Mumma — Horn, a coulisse from antiquity, in the guise of an objet trouvé

23. Max Neuhaus- RadioNet (1977) – Part 2

24. Iannes Xenakis – Neg-Ale (sound from film on ubu)

25. Morton Feldman – The King of Denmark (from aspen 5 & 6)
realized by Max Neuhaus

26.Bernard Parmegiani – La Roue Ferris

27. Annea Lockwood — Tiger Balm

28. Andrea Parkins, Ob-jest, the jettisoned, #5

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Première écoute : jeudi 11 novembre à 12h, 19h, et 00h, jusqu’au 18 novembre mêmes horaires

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ELEMENTS

Andrea Parkins is a composer, sound/installation artist and improvising multi-instrumentalist, especially known for her uniquely gestural and textural approach to her electronically-processed accordion and customized live sound processing. Described by Steve Smith of The New York Times as a “sound-ist” and beyond category as an artist, performer and musician, she creates with her laptop electronics and Fender-amped accordion an intense and visceral sonic world, full of lush harmonics, noisy concretized disruption, and soaring electronic feedback.

Parkins’ work has been presented in NYC at the Whitney Museum of American Art. The Kitchen, Diapason sound gallery, and Experimental Intermedia; and internationally at contemporary arts festivals/venues including the first International Sound Art Festival in Mexico City, Sonic Circuits in the US, Unsound in Poland and NEXT in Bratislava.  She performs worldwide as a solo artist and in wide-ranging formations with innovators such as Otomo Yoshihide, David Watson, and Lê Quan Ninh, among many others;  across genre with avant-jazz saxophonist Ellery Eskelin and Wilco-guitarist Nels Cline, and in collaboration across medium with choreographers and filmmakers. As a sound artist and composer, her work includes electroacoustic solo and chamber pieces, scores for dance and film, electronic music works, and multi-diffusion audio installations featuring amplified objects that are found or made.  On an ongoing basis, Parkins develops and performs her primary project, a series of interactive audio/visual works inspired by Rube Goldberg’s circuitous machines.

Contact: amparkins@earthlink.net

www.myspace.com/andreaparkins