« DE L’ESPACE SONORE AU LITTERAL, DU LITTERAL AU LITTERAIRE… »

1/
Metallophonie – Soundsculpture by Siegfried Fink

2/
Soundscape – Soundsculpture by Klaus Hinrich Stahmer

3/
Erik Satie: Pianoless Vexations- Randy Nordschow

4/
Erik Satie: Pianoless Vexations – Jay Sanders, Electric Guitar

5/
Let’s Go Flying – Yoko Ono

6/
Two songs for tape bow violin – Laurie Anderson

7/
Is anybody home – Laurie Anderson

8/
She’s dancing he’s dreaming – Julian Schnabel

9/
If you leave don’t come back- Julian Schnabel

10/
La jalousie – Alain Robbe Grillet

11/
The Talking Asshole – Frank Zappa

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Premières écoutes : Vendredi 16 oct, Dimanche 18 oct et mercredi 21 oct à 23H00

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ELEMENTS

Valéry Grancher est actif dans le monde de l’ART comme artiste, théoricien, commissaire et
conférencier depuis 1992.
Il est diplomé de l’Ecole Nationale des Beaux Arts de Paris (master hypermedia) en 1995.

biographie (en français)

biography (in english)

site Valéry Grancher

PRE-TEXTS

1- Jean-Jacques Lebel, Poemetrouve N 2

2- Luigi Russolo, Risveglio

3- Luigi Russolo, Macchina tipografica

4- Marcel Duchamp, entretien

5- Emmet Williams, Fluxus-Anthology_09

6- Joseph Beuys, Fluxus-Anthology_11

7- John Giorno – William Burroughs, Suicide Sutra

8- John Giorno – William Burroughs, Exterminator

9- Vladimir Maiakovski, Une aventure extraordinaire

10- FLAT – The Art of Truncation- Vertigo: Nabrishkan Dreams

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Premières écoutes : Vendredi 23 oct à 18h, puis tous les soirs jusqu’au 29, même horaire

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ELEMENTS

Pionnière de la poésie numérique dans les années 1990, Caterina Davinio, née en 1957 à Foggia, Italie, est une romancière, poète et artiste multimédia italienne. Son art a été présenté dans de nombreux pays, et plusieurs fois à la Biennale de Venise où elle a exposé pour la première fois de la poésie générée par ordinateur en 1997, dans VeneziaPoesia. Avec une série d’initiatives culturelles en Italie depuis 1992 elle a contribué à créer un pont entre la poésie expérimentale et le circuit de l’art vidéo et de l’art numérique. Rappelons: Electronìe d’art et autres écritures (1994), Oltre le arti elettroniche: la nuova sperimentazione (Au delà de l’art électronique: la nouvelle expérimentation, Musée Pecci, Prato, 1er avril 1995), Poevisioni elettroniche (1996 – 2000), Parole virtuali (Mots virtuels), en collaboration avec poètes visuels italiens et internationaux, comme Lamberto Pignotti, Eugenio Miccini, Julien Blaine, avec des artistes comme Luca Patella, Marco Nereo Rotelli, le « poétronic » Gianni Toti, Agricola De Cologne, Philadelpho Menezes, et d’autres.

Bio complète de Caterina Davinio

Caterina Davinio video/poémes sonores sur YouTube

COMPIL 2010

1/
Improvisation dans une clairière (3:37) avec David Chiesa – Bourg en bresse
2/
« Tu ne sais rien » (3:49) mixage Cosima Weiter
3/
Je telephone a moi (5:32)
4/
Fusion totale (16:08) Mixage et sons Yvan Etienne, d’après les impros et sons récoltés sur dictaphone par Charles Pennequin
5/
« RE » (5:03), avec Lise N – Charles Pennequin, mixage et sons Lise N.
6/
Europeen pire (4:13) précédé de C’est rigolo la vie – live at limoges
7/
Tu m’aime pu (3:31)
8/
Je n’ai rien a dire (2:48) Charles Pennequin, Ivan Germon
9/
Les lunettes (1:22) lecture publique, Rennes
10/
Questions pour un champion (3:36) improvisation dictaphone
11/
Extrait de « Dichte » (6:08) avec Yvan Etienne et Jean François Pauvros
12/
OUI (1:46)
13/
Mon binome (extrait 1) (11:44) Rennes 2006.
14/
Je ne veux pas rester en contact avec moi (3:01) Jean François Pauvros, Charles Pennequin
15/
Mon binôme (extrait 2) (16:46), Les Halles de Scaerbeck, Bruxelles
16/
La Ville est un trou (12:04) C.Pennequin, Jean-François pauvros
17/
Ton pain (1:41)
18/
Malade damour (1:48) mixage Joachim Montessuis
19/
Le dictaphone (1:00) mixage Stéphane Collin
20/
Romilly (0:37) lecture publique
21/
Cerveau (5:05)
22/
Aime toi (8:02) Charles pennequin, Jean-François Pauvros
23/
Désolé doug (0:47) (spots)
24/
Tué mon amour (1:33) Charles Pennequin, Jean-François Pauvros
25/
Mon cul ma bouche (2:45)
26/
L’hémorroïde (inédit) (0:57)
27/
Extrait concert à Blainville (25:25) avec Jean-François Pauvros, 2009
28/
Conardelar (7:04), Nantes.
29/
Impro durant une manif à Rennes (1:24) 2005
30/
Le mort (1:28)
31/
France stinks (6:47) Voix et traduction de la “France pue”, Thomas Sidoli, et voix synthétiques
32/
Tu veux la bite (3:17) Charles Pennequin, Jean-François Pauvros
33/
Je n’ai rien à dire (2:10), improvisation près de la gare de Rennes.

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Premières écoutes les : Jeudi 1er janvier à 12h,18h, minuit, 6H puis jusqu’au 7 janvier, même horaire

Ecouter la compil 2010 de Charles Pennequin sur votre lecteur

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ELEMENTS

Bio :
CHARLES PENNEQUIN est né le 15.11.1965, à Cambrai (Nord de la France).
Publication dans de nombreuses revues. Performances et concerts dans la France entière et un petit peu à côté.  Vidéos à l’arrache. Ecriture dans les blogs. Dessins sans regarder. Improvisations au dictaphone, au microphone, dans sa voiture, dans certains TGV. Quelques cris le long des deux voies. Petites chansons dans les carnets. Poèmes délabrés en public. Ecriture sur les murs. Charles Pennequin écrit depuis qu’il est né.

Publication :
Alain Véron, le temps d’un assassin, édition personnelle, 1995.
Le Père ce matin , éditions Carte Blanche, en 1997.
Ça va Chauffer, éditions Derrière la Salle de Bain, 1998.
Moins ça va, plus ça vient , Jardin Ouvrier, 1999.
Facial, Editions Facial, 99.
Dedans, Al Dante, novembre 1999.
Patate, éditions le jour, Pascal Doury, 2000.
CD 1 jour, Editions Le Jour, 2000.
1 jour, derrière la salle de bain, 2001.
Bobines, CD de poèmes, Croix des Landes, La Bazoge (72), 2001
Lettre à J.S, Al Dante, 2001.
Ecrans, Editions Voix/Richard Meïer, Collection vents contraires, 2002.
Bibi, 2002. P.O.L
Secret2, avec Antoine Dufeu, Merh, 2002.
Bine, Editions Ikko/Le corridor, 2003.
Bibine, Editions de l’Attente à Bordeaux, 2003.
Merci de votre visite, dessins de Charles Pennequin, Editions Mix à Paris.
Je me jette (avec le DVD intitulé jemejette), Al Dante 2004.
Mon Binôme, 2004. P.O.L
Entravés, Instant T hors série, le Triangle 2006.
Aoum & miam, Dernier télégramme, 2006.
Les doigts, Ragage éditeur, 2006.
Lambiner, Dernier Télégramme, janvier 2007.
T’es foutu charles pennequin, DVD, La plate forme Dunkerque, 2007
La ville est un trou, 2007. P.O.L
Moins ça va, plus ça vient, réédition par le Dernier Télégramme, 2008.
Poèmes à mes petites putains, l’Ane qui Butine, 2008.
Tué mon amour, CD avec Jean-François Pauvros, 2008.
Pas de tombeau pour Mesrine, Al Dante, 2008.
Tromaganda, le Dernier Cri, 2008.

Expositions de dessins et videos:
2004 : Galerie Jean-François Meyer à Marseille
2005 : Galerie du Triangle, Rennes.
2006 : La Cerisaie à Lectoure, 22 juillet 2006.
2006 : Librairie Solstice, Lille, avec Cécile Richard.
2008 : Al Dante, Limoges, avec Cécile Richard
2009 : Librairie « la mauvaise réputation », à Bordeaux, avec Cécile Richard.

Publication dans les revues :
Nioques, Jardin Ouvrier, Ouste, Java, Poézi Prolétèr, Action Poétique, RR, (h)apax, Fusées, If, Il Particolare, ffwl, Passage, Prospectus, ttc, G.P.U, Facial, éc/arts, Moue de Veau, le Corridor bleu, Doc(k)s, Ton Cul Pue, Freak Wave, Sapriphage, Complex Tri, la Grappe, Patate, Talkie Walkie, Quaderno, Stalker, de(s)générations, la RILI, Revue de 4/5, Fractal musik, Transversal Beaux-Arts Le Mans, TIJA, Respoetica, la Revista, Maison des Atrides & cie, Nuit Myrtide, A quel titre ?, Chais, Ceps, Avis de passage, Du Nerf, Carnet de bord, Boxon, Raison Basse, Poèmes accordés, Ecrivains en série, Améthystes de Thyl, Espace(s), Gazette de l’armée noire, etc.

http://charles_pennequin.20six.fr/
http://pennequin.rstin.com/
http://www.vefblog.net/charlespennequin/
http://www.myspace.com/charlespennequin

LA RUMBA, LE FLEUVE ET UN MONSTRE DANS LA GORGE

1/
Carnascialia – Canzone Numero Uno, voice by Demetrio Stratos in Roman’s Dialect (1979)

2/
Xavier Gautier – Rachel (2000)

3/
Adolf Wölfli – Fladermuus

4/
Adolf Wolfli – Musikstuck transkribiert/song 1 (1978)

5/
Demetrio Stratos – Luglio, Agosto, Settembre (Nero) (1973)

6/
Carnascialia – Cruzeiro do Sul (1979)

7/
Jean Dubuffet – Musical Experiments, Temps Radieux

8/
Madawg – Mad Dog

9/
Richard Foreman – Loop 19

10/
Adolf Wolfli – Kapittl schluss – 1978

11/
Concerto Prosodico – Tenzone tropicale (1976)

12/
Seth Price – Video Games Soundtracks 1983 – 1987 – album available at Reena Spauldings Fine Arts, Ny.

13/
Joseph Beuys – Zirkus (1985)

14/
Ghédalia Tazartès – La mort de Berchou.

15/
Demetrio Stratos – Cometa Rossa (con gli Area) (1975)

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Jours et heures de diffusion, semaine du 4 mars au 11 mars : Jeudi 4 mars à 12h,18h, minuit, 6H puis jusqu’au 11 mars, mêmes horaires quotidiens.

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ELEMENTS

Luca Francesconi, né en 1979 à Mantoue (Italie), vit et travaille à Paris et Milan.

Principales expositions personnelles

2009

Lauréat du Illy Prize – Present/Future (Jury : Hans Ulrich Obrist, Jens Hoffmann, Alexis Vaillant) Artissima 16, Turin

Invité à Present/Future, Artissima 16, curateur Aurélie Voltz, Turin.

“Calendario delle Semine” – Umberto Di Marino, Naples

2006

“A naked tree and some others works…” -Umberto Di Marino, Naples

Expositions de groupe

2010

Fondazione Sandretto Rebaudengo – curateur Francesco Bonami, Turin

2009

Spy numbers, curateur Marc-Olivier Wahler, Palais de Tokyo, Paris – F

Thanksgiving” – Peep Hole Project Space, curateur  Bruna Roccasalva, Vincenzo De Bellis, Anna Daneri, Milan

Fondazione F.Menna – curateur  Eugenio Viola – Salerne

L’ìmmagine sottile, galleria comunale d’arte contemporanea di Monfalcone, curateur A.Bruciati

2008

Palais de Tokyo, “Chateau de Tokyo”, curateur by Marc-Olivier Wahler – Paris-Fontainebleau

AssociazioneVianuova,(Airò,Francesconi,Panchal,Althamer,Dodge) curateur Lorenzo Bruni, Florence

Chroma, curateur Marco Tagliafierro, Novara

Soft Cell, Galleria Civica d’Arte Contemporanea di Monfalcone, curateur Andrea Bruciati – Monfalcone

2007

“L’Homme Nu 3/3”, curateur Aurélie Voltz, Maison Populaire, Montreuil, Paris -F

“Wundergarten”, Orto Botanico,curateur Helga Marsala, Palerme

“Forevard” Fendi Foundation,curateur  A.Bruciati, Rome

2006

“Hysteria Siberiana”, curateur Marc-Olivier Wahler,Cristina Guerra Gallery,  Lisbonne – P.

XII Biennale Contemporary Sacred Art, Teramo

The Mountains School of Arts, Los Angeles – USA

Special Project:

2009 – “Bronzo Grasso – Campi di frattura nello spazio espositivo” - Studio Alberto Mugnaini,  Milan

CONDUCTEUR  1.0

1) The tape Beatles « individual choice »
2) The Gerogerigegege «senzuri power up  Gero-p 1985 »
3) Set P Brundel « cri me a river 2001»
4) Charles Armikhanian « History of collage »
5) The tapes Beatles « wow we fell the amazing power »
6) Taniel Morales « de que se alimenta »
7) Flux Tellus :thomas schmit No. 13 from Sanitas-200 Theatre Pieces
8/ Flux Tellus :thomas schmit pl4
9) Flux Tellus :thomas schmit pl10
10) Flux Tellus : « georges Bretch » + James Tenney…
11) Taniel Morales « Que bueno $ 1000 cada hora »
12) Flux Tellus :thomas schmit pl6
13) Charles Armikhanian « RADII »
14) Amandine Casadamont & Angélique Tibau « Mad Map » épisode 1 (France Culture)
15) Pierre Albert Birot « Promethee »
16) Laurie Anderson « Born never asked »
17) Taniel Morales « usa tu cabesa »
18) Amandine Casadamont & Angélique Tibau « Mad Map » épisode 2 (France Culture)
19) Toshimaru Nakamura « Nimb # 9.1
20) Robert Ashley « interiors with flash »
21) Flux Tellus :thomas schmit pl12
22) Amandine Casadamont & Angélique Tibau « Mad Map » épisode 3 (France Culture)
24) Bernard Parmigiani « la roue ferris »
25) Claude Closky « Hydrastar » 5’37
26) The tape beatles « I’m think I’m in a heaven »
27) The tape beatles « logo »
28) Claude Closky « black list »
29) Philipp Glass « a secret solo »
30) Taniel Morales « intervencion de estela moon »
31) Pierre Albert Birot Promethee
32) Amandine Casadamont & Angélique Tibau « Mad Map » épisode 4 (France Culture)
34) the tape beatles « love song »
35) Flux Tellus :thomas schmit pl16
36) Jonathan Borofsky aka Jonnie Hitler « dreamer ‘s nightmare »
37) Amandine Casadamont « Les bons copains »
38) the tape beatles « I’m lonely »
39) Amandine Casadamont & Angélique Tibau « Derrière »
40) The tape beatles « rythm filler »
41) Walter Smetak « Akwas »
42) Flux Tellus :thomas schmit pl 20
43) Taniel Morales « Mejor en taxi. inconsciente colectiva »
44)amandine Casadamont « work in harmony »
45) Terry Fox « sueno interno 1979
46) Flux Tellus :thomas schmit pl 24
47) The tape Beatles « urgent rushing around »
48) Camille Bryen « tête de coq 1949 »
49) Charlemagne Palestine « Two fiths »
50) Amandine Casadamont « Ligne 2.0 »
51) Dj Food « raiding the 20th century»

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Premières écoutes : Jeudi 4 février à 12h, 22h, 6H puis jusqu’au 11 février, mêmes horaires

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ELEMENTS

Amandine Casadamont, plasticienne sonore, issue de la scène radiophonique (France Culture/France Inter…).

www.kit-cut.blogspot.com
www.myspace.com/amandinecasadamont
www.chantalchampagne.com

LYRE DURE

1/
Lyre Dure Prologue- Philippe Beck  (1′36)

2/
Lyre Dure VII – Philippe Beck   (3′35)

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Jours et heures de diffusion, semaine du 22 au 29 janvier : Jeudi 22 janvier à 12h,18h, minuit, 6H puis jusqu’au 29 janvier, mêmes horaires.

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ARTICLE

JE DECERNE MON PRIX DE POESIE

Par Didier Jacob, novembre 2009, sur son blog didier-jacob.blogs.nouvelobs.com

On juge un écrivain d’abord à ses titres. Il suffit de puiser dans la liste, somptueuse, des précédents livres de Philippe Beck pour entendre avec stupéfaction l’écho étrange. Son premier livre (1996): «Garde-manche hypocrite». Puis: «Chambre à roman fusible» ou «Rude merveilleux». Dernièrement: «Le fermé de l’époque». Ou encore, celui que je préfère peut-être à tous les autres: «Dans de la nature». Le génie affleure, mais n’affleure pas seulement. Il est partout en dessous (des couvertures). Le titre une pensée commencée, tandis que le bain coule. On plonge alors le livre dedans, qui est de l’écriture-écriture – écriture lavée, sans apparent contexte, sans nom d’auteur. L’impensé, véritablement.

lire la suite…

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ELEMENTS

Après une maîtrise de lettres et l’agrégation de philosophie, Philippe Beck soutient une thèse de doctorat de philosophie (Histoire et imagination) sous la direction de Jacques Derrida. Maître de conférences en Philosophie à l’université de Nantes depuis 1995, il y dispense spécialement des cours dans le domaine de l’esthétique, s’attachant notamment à préciser la différence entre littérature et philosophie.

En 1990, il est un membre fondateur de la revue de phénoménologie Alter (ENS de Saint-Cloud). Fondateur et rédacteur en chef de la revue de poésie Quaderno (éd. MeMo, Nantes, de 1998 à 2000), il est l’auteur de nombreux articles de poétologie et de critique. Il est par ailleurs membre du comité de rédaction des revues Cités et Droits de cités (PUF) ainsi que de la revue Agenda de la pensée contemporaine (Flammarion).

Régulièrement invité en France et dans le monde pour des lectures de son oeuvre et des conférences, il a été, en 2008, écrivain en résidence au Château de Blandy-les-Tours et, en 2009, lauréat de la « Mission Stendhal » en Chine. En tant que poète, il figure au sommaire de nombre de revues et anthologies. Certains de ses livres et poèmes ont été traduits en anglais, néerlandais, coréen, galicien, allemand.

Son travail de poète ( »tenir la langue et tenir à la tenue de la langue » a dit Jean-Luc Nancy) a été l’occasion de rencontres et de collaborations avec des musiciens et compositeurs contemporains. Il est le co-auteur du livret de l’opéra Pastorale de Gérard Pesson qui a également mis en musique des poèmes tirés de Chants populaires pour l’ensemble vocal Accentus. En 2009, a été créée une Oeuvre acousmatique de Philippe Mion d’après Lyre Dure.
+ sur wikipedia

Dossier Philippe Beck sur Remue.net

PLAYLIST

1/

Double Blind (love) 22.44 min. d’une performance télématique de 264 minutes.

Annie Abrahams. Living Room, Montpellier. Dimanche 29 novembre 2009.

Curt Cloninger. Black Mountain College Museum + Arts Center, Asheville, North Carolina, US.

2/

Adolf Wölfli (1864-1930)

Allgebrah Du bist Wonne 1:58

3/

Meredith Monk

Biography, « Education of the Girlchild » (8:00)

4/

Hugo Ball (1886-1927)

Totenklage (1916)

5/

John Cale

Loop (7:14)

The Velvet Underground: John Cale, Guitar and Feedback

6/

Robert Ashley

In Sara Mencken, Christ and Beethoveen there were men and women (1972)

Text: John Barton Wolgamot (written 1944)

Music: Robert Ashley + Paul DeMarinis

Voice: Robert Ashley

7/

Diamanda Galás –

Excerpt from Eyes Without Blood

8/

Henri Chopin

Cantata For Two Farts And Juan Carlos I (11:48)

9/

Oppera Internettikka – Protection et Sécurité Performance inter-média de Annie Abrahams & Igor Stromajer Avec Christine Kattner mezzosoprano. Opéra National de Montpellier Languedoc Roussillon, France, 15 décembre 2006.

Dernière Partie: Mutter Courage oips-4.mp3 (11 min 56 sec)

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Premières écoutes : Jeudi 8 avril à 16h puis toutes les 4h jusqu’au 15 avril.

Ecouter la playliste de Annie Abrahams sur votre lecteur

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ELEMENTS

Bio :

Annie Abrahams est une artiste hollandaise qui habite en France depuis 23 ans. Elle est docteur en biologie et diplômée de l’école des Beaux-Arts d’Arnhem. Son travail, qui utilise aussi bien la vidéo, la performance que l’Internet, questionne les relations interpersonnelles dans un monde de plus en plus médiatisé. Elle explore les possibilités et les limites de la communication en général et plus spécifiquement ses modalités propres au réseau.

Son projet « Being Human » a été présenté dans des festivals, musées et galeries partout dans le monde dans des lieux très divers comme par exemple le Centre Pompidou Paris,  Škuc Gallery  Ljubljana, La Centrale Powerhouse Montréal, Media Forum à Moscou, le New Museum à New York et Goldsmiths à Londres.

Une exposition personnelle « If not you not me » a eu lieu du 12 février au 21 mars dans la galerie HTTP à Londres. Après une résidence d’écriture et d’expérimentation elle a présenté « Huis Clos / No Exit – On Collaboration » une performance télématique avec 6 comédiens le 11 mars 2010 au CNES la Chartreuse de Villeneuve lez Avignon.

http://www.bram.org

http://aabrahams.wordpress.com

Oppera Internettikka – Protection et Sécurité:  http://bram.org/info/oips/

Double Blind (love):  http://aabrahams.wordpress.com/2009/12/09/double-blind-love-documentation/

Bio complète: http://bram.org/info/aaf.htm

CV:  http://bram.org/info/cv_aabrahams_fr.pdf

More extensive bio: http://aabrahams.wordpress.com/about/

CV:  http://bram.org/info/cv_aabrahams_english.pdf

DEMETRIO’S TONGUE

J’aimerais nommer cette liste Demetrio’s Tongue. Elle est dédiée à ce chanteur grec d’Alexandrie, formé culturellement et politiquement en Italie, passé de la musique pop aux expérimentations vocales et à l’enseignement universitaire, mort à New York d’une maladie du sang, à l’âge de trente-quatre ans, la veille d’un grand concert en son honneur à Milan.
S.Puglia

1/
Playliste – Salvatore Puglia
2/
Time After Time – Miles Davis
3/
Complainte De La Seine – Marianne Faithfull
4/
What Keeps Mankind Alive – Tom Waits
5/
What Keeps Mankind Alive -  W.Burroughs
6/
Pugni chiusi - I Ribelli
7/
Gioia e Rivoluzione  - Area & Demetrio Stratos
8/
Dio è morto  – Nomadi
9/
La Dolce Vita -  Nino Rota
10/
Giu’ La Testa - Ennio Moricone
11/
When a Man Loves a Woman – Otis Redding
12/
Fellini  - Rodolphe Burger
13/
C’est dans la Vallée -  Rodolphe Burger/OlivierCadiot
14/
Tante Elisabeth - Rodolphe Burger/OlivierCadiot
15/
I am a Passenger -  Iggy Pop
16/
Sentire – Philippe Poirier/Salvatore Puglia
17/
Princesse mandchoue - Philippe Poirier
18/
Aphrodite’s Lizard - Kat Onoma
19/
Story Tellers - Yves Dormoy /Rodolphe Burger
20/
Gagarine  - Yves Dormoy /Rodolphe Burger
21/
Tota’s Tongue - Philippe Poirier/Salvatore Puglia
22/
O Tzitziras o Mitziras - Demetrio Stratas
23/
Evaporazione -  Demetrio Stratos

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Premières écoutes les : Jeudi 12 novembre à 12h,18h, minuit, 6H puis jusqu’au 19 novembre, mêmes horaires

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ENTRETIEN
Salvatore Puglia, Dominique Balaÿ octobre 2009

DB: WebSYNradio propose aux artistes les archives d’UBUWeb comme point de départ : tu les a explorées d’une façon particulière,  peux tu nous faire part de ce  que tu y as trouvé, et qui ?

SP : J’avais auparavant collaboré, de manière ponctuelle, avec des amis musiciens (Rodolphe Burger, Philippe Poirier) pour des pochettes ou des installations. Une fois ou deux ils ont enregistré ma voix et ils en ont fait ce qu’ils ont voulu (voir: Tota’s Tongue de Poirier). Trois ou quatre fois j’ai donné des textes pour des chansons (toujours aux mêmes amis).
Les archives Ubu sont un outil incroyable. J’y ai cherché (et trouvé) les poètes sonores que j’admire (Bernard Heidsieck, Arrigo Lora-Totino) et surtout Demetrio Stratos, dont la rumeur disait en 1979 qu’il était mort à cause des médicaments qu’il prenait pour entretenir et pousser sa voix à des registres jamais atteints.

DB : Tu es cependant rapidement sorti des archives UBU pour nous proposer un ensemble de titres à la coloration très Italienne (E .Morricone) et amicale (R.Burger). Peux-tu expliquer ta sélection ?

SP : Amicale, d’abord, puisque nous sommes fait de l’étoffe dont les amis nous habillent. Mais chez R. Burger j’ai choisi les morceaux les plus poussés dans le sens de l’improvisation et du « bricolage », qui sont ceux de lui que je préfère. Par ailleurs, Burger et Poirier (avec entre autres Yves Dormoy) avaient crée à Strasbourg, au début des années 80, quand je les ai connus, un groupe de « jazz-rock », Oeuvre complète, inspiré par Wilhelm Breuker et les Westbrook, qui a peu vécu et que je regrette beaucoup.
Les morceaux de (ou avec) Demetrio Stratos que j’ai choisis ne couvrent meme pas une dizaine d’années, celles de mon adolescence et de mes vingt ans. Ce laps de temps, assez court, est d’une grande densité. Stratos en est pour moi l’emblème. De la musique pop, aux chansons engagées, au rock progressif, aux expérimentations vocales, il a été toujours loin avant. En ces mêmes années on voyait les films de Fellini et de Sergio Leone (ce dernier, pour se divertir, sans en percevoir le coté subversif), on écoutait le rythme and blues et, pour les plus « maudits » d’entre nous, Iggy Pop. On allait à des concerts gratuits, dans des vallées en Ombrie, par milliers, comme une tribou nomade, pour écouter Carla Bley et Miles Davis. J’ai voulu rendre compte de tout ça ; c’est un peu la colonne sonore d’une éducation en même temps esthétique et politique.

DB : La revue Droit de Cités qui héberge la radio a une vocation philosophique affirmée, du point de vue du profil de ses fondateurs et de ses animateurs, mais aussi de ses enjeux et de ses questionnements et ton travail a été reçu par les philosophes (le texte de Jacques Derrida « Sauver les Phénomènes, Pour Salvatore Puglia » http://salvatorepuglia.info/2009/11/04/sauver-les-phenomenes/, la belle méditation de Philippe Lacoue Labarthe sur le plomb, http://salvatorepuglia.info/2009/11/05/philippe-lacoue-labarthe-museo/ …). Peux tu nous préciser – ce qui intéressera certainement les lecteurs de Droit de Cités autant que les auditeurs de websynradio – quel est ton rapport à la philosophie et à l’histoire ?

SP : Mon rapport à la philosophie est en premier lieu en tant que sujet. C’est à dire que des philosophes (et je dois ajouter à ces deux noms ceux de Cadava, de Fynsk et de Loayza, et celui d’une sociologue, Lapierre) ont été amenés à écrire sur mon travail. Je ne connais pas la raison de ça. Moi-même, je viens du monde de l’écrit, mais j’étais un historien, par engagement, plutôt qu’un « penseur ». Et c’est par la pratique de l’histoire que je suis passé au visuel. J’ai commencé par subtiliser dans les archives tous ces petits papiers qui se glissent dans les fichiers, qui ont servi pour essuyer les plumes ou pour y accueillir des croquis distraits. Je faisais, dans mes heures de loisir, des montages de tous ces papiers, que je ne montrais pas. Un jour j’ai constaté l’insuffisance (ou le manque de passion) de ma recherche en histoire, et les montages sont devenus des tableaux d’abord et des installations ensuite. Une certaine critique du médium photographique, dans sa relation à la mémoire, m’a enfin autorisé à l’utiliser, ce médium, avec une relative liberté, ce qui m’a valu d’être adopté, en France, dans les années 90, dans la mouvance de la « photographie plasticienne ». J’imagine que la relation à l’écrit doit être évidente dans mon travail, et ça doit être la raison pour l’intérêt que des écrivains y ont portés. Et puis, encore une fois, l’aspect amical, le passage d’ami à ami. Mon attitude face à l’archivage, enfin : elle est en même temps de respect et de méfiance. Je sais par expérience combien les archives sont aléatoires et velléitaires, si on les regarde dans un effort de reconstruction d’un monde. Mais je connais la valeur, pour l’imagination et pour la création, de ces bribes sauvés du cataclysme, de ces bouts d’outils déterrés, dont on peut s’appliquer à construire une prolongation hasardeuse.

——
ELEMENTS

Après avoir travaillé dans le domaine de la recherche historique, Salvatore Puglia commence à exposer ses montages en 1985 (galerie Adeas, Strasbourg). Depuis lors, son activité d’artiste s’est toujours accompagnée d’investigations sur les sources documentaires des images, selon une pratique qui considère les traces de l’histoire comme de la matière à transformer.
En parallèle avec ses expositions, il a publié dans les revues Quaderni storici, Détail, Linea d’ombra, Revue de Littérature Générale, Vacarme, Lo sciacallo, Mediamatic, Issues in Contemporary Culture and Aesthetics, Any. Il a édité le volume collectif Via dalle immagini / Leaving Pictures (Salerne, 1999) et organisé les expositions Iconografie transitorie (Rome, 1999) et Memoria e storia (Naples, 2001).

Expositions personnelles (*: catalogue)

1985 Falsapartenza, Galerie ADEAS, Strasbourg
1987 A sea-change, Centro Ellisse, Naples
1988 Ash-boxes, Galerie FNAC, Strasbourg
Galerie Escapade, Paris
1990 Small Talks, Instituto Cultural de Macau, Macao *
313. Kein Marternbild. Institut culturel français, Naples
1992 Leçons d’anatomie, Galerie FNAC, Paris *
Museo, Galerie Alternance, Strasbourg *
1993 Par les yeux du langage, Atelier du chocolat, Marseille *
Aschenglorie, Lo Studio, Rome
Über die Schädelnerven, Galerie Alternance, Strasbourg
1994 Figure humaine, Espace Lézard, Colmar
Hortus deliciarum, Le Parvi, Paris
Music on Bones, Galeria 21, Sankt Pietroburg
Actes, Tribunal administratif, Strasbourg
1995 Abstracts of Anamnesis, Onassis Center, New York *
Histoire de l’oeil, Lo Studio, Rome *
L’image de l’autre, Galerie Artem, Quimper *
Trönur, Galerie Alternance, Strasbourg
1996 Still Lives, Lo Studio, Rome *
1997 Kópeskönyvek , Vizivarosi Galeria, Budapest
Iconostasis, Petit atelier, Paris
1998 3bisF, Aix en Provence
Centre d’Art Albert Chanot, Clamart
Stationen, Palais Yalta, Francfort *
1999 Iconografie transitorie, Lo Studio, Rome*
Bilder, Fotogalerie Wien, Vienne, Autriche *
Deutsche Menschen, Maison Heinrich Heine, Paris
2000 Project: Personal monuments, Overgaden, Copenhagen
A Parachute, Jan Van Eyck Academie, Maastricht
2001 Museum d’histoire industrielle, Société industrielle, Sainte Marie aux Mines
2003 La philosophie dans le boudoir, 3A, Rome
Sei lezioni di panneggio, Galleria Del Borgo, Rome *
2004 Six leçons de drapé, Moments d’art, Paris
Filmini, Borgotsunami, Roms
Antiquarium, Galleria Del Borgo, Rome
2005 Inventarium, Fnac Montparnasse, Paris *
2006 Futuro postumo, Fortezza di Montepulciano, Italie
Quattro pose statuarie, Lo Studio, Rome *
2007 Travaux 2001-2007, festival Cest dans la vallée, Sainte Marie aux Mines
2008 Ex voto, galerie Atypic, Toulouse
2009 Time drip, galleria s.t., Rome
L’Illustrazione Italiana, galerie EOF, Paris

Site de Salvatore Puglia
Démétrio Stratos sur wikipedia

websynradio – programmed by Carl Stone

1
Introseduction: Sexcha / 4:43 / Sonambulations / By Ros Bobos Ros Bobos
2
Lost Signals And Drifting Satellites / 8:20 / Lost Signals And Drifting Satellites / George Kentros / Annie Gosfield
3
Darkness Moves / 4:56 /Vibro 01 / David Toop
4
you had not changed but your cam… / 23:41 / you had not changed but your cam… / Tanner Menard
5
Dynasty Suites 1 / 22:36 / Dynasty Suites / Joseph Hammer
6
Yyyoooooo,Yyooooohhh,Yoooooh,Y… / 1:23 /Wild Why Wobbly
7
Yo Yo Yo Yoyo Yo, Hey… / 1:01 / Wild Why Wobbly
8
Uhh, Hey Eh. Check It Check It / 1:54 / Wild Why Wobbly
9
Damn I Can’t Go Uh-Uh, No! / 1:25 / Wild Why Wobbly
10
Rather, Uh Uh Uh . What ? What ? Uh / 1:39 / Wild Why Wobbly
11
All Day Long, Song After Song / 0:55 / Wild Why Wobbly
12
Booster / 4:55 / Night Science / Ben Neill
13
The Night Has Many Hours / 4:22 / The Night Has Many Hours / Roger Kleier
14
Gild / 1:56 / Kamiya Bar / Carl Stone
15
Axis / 6:24 / Kamiya Bar / Carl Stone
16
Young Jump / 4:30 / Kamiya Bar / Carl Stone
17
Big Gold / 4:56 / Kamiya Bar / Carl Stone
18
Cue / 9:15 / Kamiya Bar / Carl Stone
19
Cooking Papa / 10:38 / Kamiya Bar / Carl Stone
20
Val / 12:40 / Kamiya Bar / Carl Stone
21
Treads Echoing Far Away From Sea … / 7:18 / Saunter Chihei Hatakeyama
22
Transmission from Gemini / 6 8:30/ Untitled (December 2009) / Yann Novak
23
The Memory Palace / 8:16 / Untitled (December 2009) / Robert Crouch
24
Nyala: first section / 13:06 / Em:T1196 / Carl Stone
25
Nyala: second section / 3:34 / Em:T1196 / Carl Stone
26
Nyala: third section / 22:32 / Em:T1196 / Carl Stone
27
Nyala: fourth section 13:04 Em:T1196 / Carl Stone
28
Let All Mortal Flesh Keep Silence / 3:02 / Hmm / David Toop
29
Ryumon / 5:38 / Unreleased / Carl Stone
30
Suisei / 41:35/ Suisei / Yui Onodera
31
Shing Kee /15:36/ Four Pieces/ Carl Stone
32
Attari/ 19:45/ Unreleased/ Carl Stone
33
The Ghosts on Windows / 11:56/ Nakadai / Chas Smith
34
I Understand, Peter / 2:21 / Sonambulations / By Ros Bobos Ros Bobos
35
It Burn With It Burn, Burn, Take It, … / 0:28 / Wild Why Wobbly
36

Do It. Eat Me Raw, Stop It. Eat Me R… / 1:27 / Wild Why Wobbly
37
Can’t Stop It, Can’t Stop It, Can’t St… / 1:31 / Wild Why Wobbly
38
Puddle. Uh. Uh Uh Uh Uh Uh. Puddle. / 2:33 / Wild Why Wobbly
39
Don’t Stop, Don’t Dont’ Stop, Don’t … / 3:19 / Wild Why Wobbly
40
Usunibi / 4:24 / Odori Radical Fashion & /Carl Stone
41
01nagoya-sinkansen / 0:44 / Summer Tour Vol2 / Sawako
42
02tokyo-shimokita / 1:14 / Summer Tour Vol2 / Sawako
43
14cologne-sunday / 5:58 / Summer Tour Vol2 / Sawako
44
03canada-towardMUTEK / 0:31 / Summer Tour Vol2 / Sawako
45
04paris-children / 1:08 / Summer Tour Vol2 / Sawako
46
05paris-stationloop / 1:11 / Summer Tour Vol2 / Sawako
47
06bordeaux-washing / 0:19 / Summer Tour Vol2 / Sawako
48
07barcelona-practice / 1:32 / Summer Tour Vol2 / Sawako
49
08swiss-dinnerbell / 1:38 / Summer Tour Vol2 / Sawako
50
09swiss-nakaniwa / 1:06 / Summer Tour Vol2 / Sawako
51
10netherlands-reharsal / 1:16 / Summer Tour Vol2 / Sawako
52
11belgium-mizuame / 1:42 / Summer Tour Vol2 / Sawako
53
12belgium-macDemo / 0:36 / Summer Tour Vol2 / Sawako
54
13germany-industrialpark / 0:58 / Summer Tour Vol2 / Sawako
55
15UK-transit / 1:44 / Summer Tour Vol2 / Sawako
56
16lisbon-ambience / 1:04 / Summer Tour Vol2 / Sawako
57
17lisbon-frog 0:21 / Summer Tour Vol2 / Sawako
58
18lisbon-flute 1:18 / Summer Tour Vol2 / Sawako
59
19berlin-midnight / 1:08 / Summer Tour Vol2 / Sawako
60
20berlin-window / 3:07 / Summer Tour Vol2 / Sawako
61
22italy-station / 2:34 / Summer Tour Vol2 / Sawako
62
23Brooklyn-coolSummer / 0:42 / Summer Tour Vol2 / Sawako
63
Cranes Fly West 050506 / 11:57 / Threshold Richard Lainhart
64
Woo Lae Oak / 53:49 / Woo Lae Oak /  Carl Stone

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ECOUTER

Premières écoutes les : Jeudi 18 mars à 12h et minuit  puis jusqu’au 25 mars, mêmes horaires

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ELEMENTS
Carl Stone, compositeur américain né en 1953. Basé en Californie, Carl Stone compose de la musique électro-acoustique depuis les années 70, il intervient aussi bien dans son pays qu’en Australie ou, assez régulièrement, au Japon où il écrit pour des chorégraphes (Hiroshi Koike, Akira Kasai, Bill T. Jones, Setsuko Yamada, Ping Chong, June Watanabe, Kuniko Kisanuki, Rudy Perez, Hae Kyung Lee, and Blondell Cummings) , des cinéastes, conçoit des programmes radiophoniques et des installations multimédia.

site de Carl Stone

Playlist # 1

1/
Clarence White – Tuff & Stringt / Sessions 1966-68 – Bakersfield International
2/
Clarence White – Nasville West – Microwerks / Sierra Records.
3/
Clarence White / The Byrds – Live at The Filmore – February 1969 – Sony BMG
4/
Clarence White – Flatpick – Sierra Records
5/
Clarence White / The Kentucky Colonels – Apalachian Swing! – SP Records / EMI
6/
Clarence White / The Byrds – Sweetheart Of The Rodeo – Sony / BMG
7/
Cornell Dupree – Teasin’ – Wounded Bird Records
8/
Cornell Dupree / Donny Hathaway – In Performance – Atlantic Records
9/
Cornell Dupree / Stuff – Live in Montreux 1976 – Eagle Records
10/
Cornell Dupree / Stuff – Live in New-York & More Stuff – Collectables
11/
Cornell Dupree – Night Fever / The Versatile Sessions – Empire Records # 12 – Robert Quine / Richard Hell – Time – Matador Records
13/
Robert Quine / Lou Reed – The Blue Mask – Sony / BMG
14/
Robert Quine / Lou Reed – Legendary Hearts – Sony / BMG
15/
Robert Quine / Lou Reed – Live in Italy – Sony / BMG
16/
Robert Quine / Material – Temporary Music – Charly Records
17/
Robert Quine ( Marc Ribot, Ikue Mori ) – Painted Desert – Tzadik Records.
18/
Robert Quine / Richard Hell & The Voidoids – Blank Generation – Sire / Warner
19/
Robert Quine & Fred Maher – Basic – Virgin Records
20/
Robert Quine / Lloyd Cole – Lloyd Cole – Polydor Records.

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ECOUTER

La playliste de Noël Akchoté est proposée en mode lecture (pas de diffusion sur webSYNradio). A charge pour chacun de se procurer les albums…
Lire l’entretien ci dessous pour comprendre ce  qui motive ce choix éditorial.

——
ENTRETIEN

PUISSANCE DE LA MUSIQUE / DES PRATIQUES, UN QUOTIDIEN (# 1/3)

Noël Akchoté, Dominique Balaÿ, octobre 2009

A l’occasion de sa participation à webSYNradio, Noël Akchoté a bien voulu se prêter à un entretien pour « servir » ses playlistes. L’entretien s’est déroulé par écrit, au gré d’un échange de mails très chaleureux courant octobre 2009. Il donnera lieu à une publication en trois parties (correspondant aux trois playlistes) dans la revue Droit de Cités tout au long de 2010. Par ailleurs, une présentation à la société de curiosités fin décembre permettra aux heureux adhérents de découvrir l’entretien en lecture intégrale et d’écouter quelques morceaux extraits des playlistes composées par Noël Akchoté.
Voici donc la première partie où l’on comprend pourquoi les morceaux de la playliste ne sont pas diffusés sur webSYNradio… DB

DB : Juste pour fixer les choses : Je ne suis pas du tout spécialiste de musique et je ne suis pas non plus connaisseur de ton œuvre … ma première question est donc, moi qui ne te connais pas et toi qui ne me connais pas : acceptes tu toutes les invitations, d’où qu’elles viennent, qui que ce soit ?

NA : Je ne sais pas si j’accepte toutes les invitations en général mais disons que ces échanges et dialogues sont absolument centraux dans ce qui me fait poursuivre et avancer. D’une certaine façon je fais tout pour qu’ils puissent exister et clairement ils m’intéressent toujours beaucoup plus que les échanges spécialisés, sauf exception. Le fait de ne pas déjà savoir trop de choses de moi me semble être une bonne raison pour que l’on se parle, que l’on en parle éventuellement. Plus précisément, produire un livre, un album, des films c’est au départ pour les entendre, les voir, les lire. En tant que premier intéressé, non ? Si je le « sais » d’avance, il ne s’agira plus que de « vérifier » si le produit est « conforme ». Ca n’est pas tellement, voire pas du tout, ma pratique. Je ne réponds peut être pas à toutes les invitations, mais le désir de dialoguer, de parler, me donne envie toute de suite, et c’est plus à cela que je réponds. Et ensuite, très concrètement, le fait de ne pas savoir exactement ce que j’ai pu faire avant n’est en rien un problème, au contraire même. Les gens qui semblent « savoir », je ne m’y retrouve pas souvent. Ils savent des choses que je n’entends pas, assez régulièrement.

DB : WebSYNradio propose les archives d’UBU (ubu.com) comme point de départ, socle commun : or tu n’y as prêté aucune attention, Qu’est-ce à dire ? Ces archives ne t’intéressent pas ?

NA : Je pense que ce rapport à des bibliothèques demande d’avoir été assez tôt éduqué à cela, ce qui me semble renvoyer à la pratique et l’usage que des universitaires peuvent faire des livres. Cela reste pour moi un champ assez inconnu, de par mon parcours personnel. Et pourtant j’ai passé ma vie à chercher, fouiller, dénicher tous ces disques, livres, films qui n’étaient pas disponibles en magasin habituel, mais par d’autres biais, plus directs, de la main à la main, on va dire. Si une œuvre demeure pour moi un objet fondamentalement produit, une archive reste quelque chose qui se transmet d’un individu à d’autres. La transmission me semble jouer un jeu central dans tous les cas. Là aussi une archive est toujours signée de celui ou celle qui l’a produite, aussi objective qu’elle se veuille,  c’est une oreille, un œil. Dans le cas précis de webSYNradio, c’est plus la base du dialogue qui m’importe, j’attends d’y venir, que cela s’impose à moi en en parlant. J’irais bien sûr regarder mais je préfère le faire après, ne serait-ce que pour voir en quoi mes playlistes vont poser question ou problème ici.

DB : Etait-ce important pour toi de proposer des titres (des albums entiers en fait !) que l’on peut trouver sur Amazon, comme tu me l’as précisé ?

NA : Le disque est une industrie depuis toujours, les répercussions de ce fait vont très loin historiquement, esthétiquement et donc artistiquement au moins autant que commercialement. Il se passe depuis toujours, depuis les équipements les plus rudimentaires jusqu’ aux techniques les plus actuelles, la même chose lorsque l’on enregistre une image ou un son. C’est l’appréhension de ce fait qui pour de très nombreuses raisons culturelles, idéologiques, sociales, politiques, etc. n’est pas du tout lu de la même façon. En France tout particulièrement, où le texte est tout, mais disons aussi en Europe, un son ça ne dit pas grand chose sur soi-même, ça n’est pas une parole, un geste, un »statement« . Alors que dans les faits, avec ce que ce son véhicule d’information (sonore, musicale, textuelle, etc.), il y a tout un monde à déchiffrer, qui se déroule. On trouvera la même importance accordée à une prise de son qu’à une image cinématographique, photographique, qu’à la publication d’un texte.<br>Ca n’est pas Amazon la question ici (encore que si on voulait on pourrait en parler), mais celles des œuvres en tant que telles. J’achète toujours des disques comme j’achète des livres ou des films. Cela n’a rien à voir avec mes faiblesses à passer par le web pour trouver les informations, cela tient aux objets que sont les œuvres. Même des manuscrits posthumes, des enregistrements perdus ou inédits, etc. … il faudrait les « produire » pour les publier. Une œuvre a un début, une fin, un format, des tailles, des modes de production, passe et s’inscrit dans une économie. Lorsque ça passe par d’autres bais, c’est souvent ceux de l’université, et dans ce cas là, c’est l’idéologie (consciente ou pas) qui fait le travail. Pour moi, dans ce domaine culturel, le marché est plus lisible que l’université. Je vais « à 99% » sur Amazon parce que comme tout le monde lorsque je cherche un titre je veux pouvoir le trouver, l’avoir tout de suite ou à défaut le commander. Mais ma pratique fait aussi que ce que je recherche musicalement ressemble beaucoup plus à un travail de chercheur qu’à une simple écoute pour le plaisir. La question du prix, des droits, telle qu’elle se pose depuis quelque années, n’est pas non plus absente de la question. Ce que je paie, et trouve normal de payer, c’est ce travail d’édition, de production, tout simplement parce que ce que je désire dans ces cas là c’est cette œuvre = un objet fini. Il en va autrement pour les informations au kilo, ou les archives brutes.
Lorsque l’on parle de ces histoires de droits des artistes actuellement, on a tendance à oublier de préciser le détail de ces économies au grand public. En moyenne, dans le circuit commercial classique, un artiste touche environ 10% d’un tiers du prix de vente en magasin. Pour un album à 20 euros, la répartition est en gros 50 % pour le vendeur, 20 à 30% pour le distributeur et la différence au producteur, sur laquelle production l’artiste ne perçoit en retour que 10% du prix de vente du producteur.

DB : Te sens-tu solidaire de ma problématique par rapport au respect du copyright et éventuellement intéressé par la solution que je cherche ?

NA : « Solidaires » nous le sommes tous à partir du moment où l’on se retrouve à essayer des choses dans le même domaine je pense. Et même si cela ne semble pas forcement évident à me lire ici, je cherche assez radicalement des solutions, des pistes, des possibles actuellement. Je viens de mettre fin à une collaboration de 12 ans avec le Label Winter & Winter, pour des raisons qui tiennent directement à cette situation. Je crois au disque comme au livre, pas nécessairement à ses formes du moment. La consommation, les pratiques des plus jeunes avec le download « gratuit » posent des questions qui vont bien plus loin que celles du collectage des droits. Là pour le coup, les diverses industries de diffusion et de production, sauf les serveurs, ont été franchement à la ramasse, pas du tout intelligentes. Payer pour quelque chose qui vous fait plaisir, vous donne envie, ne sera jamais un problème je pense. Payer pour des autoroutes de vide intégral par contre touche au vol à mon avis. Depuis les tous premiers débuts, les tubes par exemple, passaient avant tout à la radio, et parfois on achetait une chanson, un album chez le disquaire  mais jamais la playliste entière de la station. <br>Cela fait longtemps que je pense que les tubes lourds en pop par exemple ne devraient pas se vendre sous forme de disque mais comme plus value attachée à des marques (un coca = un download par exemple). En plus c’est largement la pratique des éditeurs de ces titres mais on n’en parle pas tellement, et ce surtout parce que les maisons de disque n’ont pas du tout été capable de prendre le virage qui s imposait depuis dix ans au moins. C’est un peu comme avec les banques, après des années de néo-libéralisme quasi stalinien, jusqu’à dématérialiser le client intégralement, ma banque voudrait rétablir le dialogue : seulement le dialogue étant systématiquement payant, rien ne se passe plus. Le drame de l’industrie du disque actuellement, c’est de ne toujours pas être capable d accepter que le temps des profits outranciers sur le produit est mort. Les gamins qui se servent, on leur a donné toutes les raisons de le faire. Bref … vaste sujet.

DB : Peux-tu nous parler de ces morceaux que tu as choisis, et des différentes séquences qu’ils composent ? Pourquoi plusieurs playlistes plutôt qu’une : pourquoi pas tout dans la même playliste ?

NA : A la base, sur le web, jusqu’à présent, je vais chercher d’autres choses que celles que je trouve par les biais plus classiques -  d’ où le fait que je propose aussi « autrement ». J’ai regroupé en trois playlistes quelque chose que je fais tout à fait matériellement et concrètement chez moi avec des élastiques et CD en pochette souple. Je me fais des piles de choses dont le lien peut sembler parfois étrange mais qui sont l’état de ce que je cherche, ou travaille, au moment ou  je le fais. En plus je n’écoute quasiment jamais de musique hors contexte de travail depuis longtemps. J’écoute la Radio toute la journée et plutôt celle qui parle. D’où ces playlistes. Les trois groupes sont franchement arbitraires, une seule et unique liste me semblait trop longue et une fois de plus, ca ne ressemblerait pas à mes petits paquets avec élastique pour tenir le tout. Ces trois playlistes sont exactement ce que j’ai dans mon sac en ce moment lorsque je pars jouer à l’étranger et que je sais avoir quelques heures devant moi de libre. Elles représentent aussi le travail que je fais en ce moment sur différents styles de musiques, différentes approches de la guitare, du jeu et de la fonction de cet instrument. Ca va sembler un peu obtus mais depuis longtemps j’écoute avant tout des guitaristes et dans l’idée d apprendre toujours plus, de comprendre leur technique, leur approche, de penser a d’autres manières d aborder la guitare. <br>La guitare dont je joue est profondément électrique et celle du XXème siècle (sans doute parce qu’avant, en classique, il y a peu de chose). C est un instrument totalement hybride, imparfait, sans orthodoxie ni technique précise et fixe pour tout le monde. D’où mon intérêt à écouter tous les guitaristes possibles, parfois à en redécouvrir, à comprendre d’où ils viennent, ce qui fait qu’ils jouent tel style, tel instrument, tel matériel. Ces trois playlistes ne sont pas des « bibles » ou des « must hear » mais vraiment une sorte de croquis de ce que je fais actuellement. Sans doute aussi l’envie de proposer cela parce que moi même au premier degré je recherche ce genre de playlistes. Par exemple le site dédié a Robert Quine (robertquine.com) comprend un entretien où il détaille les albums et guitaristes importants pour lui, dans son évolution aussi, et j’avais tout acheté. Cela m’a permis de découvrir pas mal de choses, m’a fait ensuite écouter encore beaucoup d’autres choses, etc. … je me répète, mais pour découvrir j’ai besoin d un passeur, de quelqu’un à qui rattacher l’information. Sans quoi cela reste des signes dans le désordre, et la masse de ces signes est dorénavant beaucoup trop importante pour que je sache où aller trouver ce qui pourrait me servir, me plaire.

DB : Proposer des playlistes : – ce n’est pas la première fois que tu te prêtes à cette demande – comment le conçois-tu ? Plutôt  en musicien, en historien, en chroniqueur ? Ou en débordant  toutes ces approches particulières ?

NA : Je comprends que l’on puisse m’aborder par mes différentes pratiques, voire les séparer pour ce qu’elles sont. Néanmoins cela reste un tout pour moi. Et je pense que cette remarque tient largement au malentendu qu’on entretient avec les musiciens. Si j étais cinéaste par exemple, cela ne surprendrait personne que je parle de cinéma, de films, d’autres réalisateurs ou de tout autre sujet (sport, littérature, politique). En musique il y a une tendance lourde à voir l’artiste comme une sorte d’incapable dans sa bulle, sans véritable savoir sur sa pratique autre que celle de jouer. Les écrivains lisent et écrivent sur les auteurs depuis toujours par exemple, pourquoi pas les musiciens puisqu’ils le font de la même façon ?

Pour ce qui concerne une « Histoire » de la musique, effectivement la situation me semble assez sinistre et faible, en France tout particulièrement (aux Etats Unis ou en Allemagne, en Angleterre il en va déjà nettement autrement, on trouve beaucoup  d’ouvrages ne serait ce que biographiques dans les rayons).

DB : Avec ce que tu dis de l’histoire de la musique, on a l’impression qu’elle  n’a pas encore été écrite, ou pour être plus précis que la puissance de la musique n’a pas encore été captée comme a pu l’être la puissance du cinéma par exemple ?  Pourtant que d’ouvrages, que d’enseignement, que d’écoles, que d’Histoire …Peux-tu nous éclairer davantage là-dessus ?

NA : Un cinéaste sait parler d’un cadre, d’une lumière, historiquement, personnellement, politiquement, théoriquement. Un musicien ne parle pas tellement de micro, de table de mixage, de plan, de champ, dans les entretiens. Cela existe, beaucoup pourraient en parler mais cela ne semble pas une question. Je n’ai pas l’impression que la presse Jazz s’intéresse à Lester Bangs qui était un chroniqueur de jazz au départ et n’a jamais cessé de l’être toute sa courte vie. Ou que la presse rock aille chercher dans les pages de Mike Zwerin, Ben Sidran ou Leonard Feather. Souvent dans des entretiens, on cherche à me prouver que ma pratique horizontale et non verticale (en faisant des liens avant tout, peu importe la forme, les styles ou les champs), est « particulière », alors qu’elle me semble juste ce qu’il y a de plus normal. La spécialisation est devenue de plus en plus une exclusion au lieu d’être un approfondissement où l’on verrait que tellement de choses sont liées, ont la même origine, etc. … Le marché est toujours très idéologique : l’opposition, l’exclusion – le divorce est une force de vente. La raison en est simple, la musique a toujours été avant tout une plus value sociale, le fait d’appartenir et de s’y reconnaître, dans une génération, un groupe, etc. … On peut rattacher à un style musical des vêtements, des technologies de communication, de la bouffe ou des films, mais ne pas soulever les liens historiques qui existent entre Timbaland et Duke Ellington. Clairement aussi ce serait découvrir que pas mal des produits actuels sont faibles et que le temps historique fera son travail plus tard, pour l’instant il s’agit de vendre avant tout. Pour moi peu de choses s’opposent entre elles, la rentrée littéraire n’est pas du même ordre que l’histoire de la littérature, ce qui ne veut pas dire que des liens n’existent pas. Là aussi c’est un très vaste sujet qui demanderait des pages et des pages. Par exemple lorsque des ouvrages de la Pléiade seront disponibles en livre électronique, cela me permettra d’avoir le livre et sa version virtuelle, pas l’un contre l’autre. J ai l’impression que le débat autour du téléchargement se concentre une fois de plus sur de faux enjeux, alors que de véritables enjeux sont présents. La manière de fonctionner du web n’est en rien différente de ce qui était avant, c’est l’objet qui est plus rapide, plus puissant, autre, mais le fond de ce que l’on y fait reste le même à mon sens. Quelqu’un qui fait son ménage en écoutant une station commerciale FM n’écoute pas plus ces musiques que quelqu’un qui télécharge l équivalent de 3 semaines de musiques. Moi je pense pour terminer qu’en gros l’être humain fonctionne de la même manière depuis au moins 30 000 ans …<br> Lire un livre par exemple cela demande du temps, un temps dense et particulier, cela n’est pas compressible, pas plus à l’époque du web qu’au XVIème siècle.

(à suivre…)

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ELEMENTS

Noël Akchoté est un guitariste français né à Paris le 7 décembre 1968. Du jazz à l’improvisation, en passant par la chanson, le rock ou la variété, son parcours et ses pratiques permettent difficilement de lui attribuer un style précis, pas plus qu’une appartenance à un courant ou à un milieu musical spécifique.

C’est à 8 ans qu’il commence la guitare, puis il jouera et apprendra notamment avec Tal Farlow, Barney Wilen, Chet Baker, Philip Catherine, John Abercrombie.
Au début des années 1990, il s’éloigne du jazz pur pour s’intéresser davantage à une musique improvisée plus expérimentale. Il joue dans les groupes de Henri Texier, Louis Sclavis, Daniel Humair, Jacques Thollot, Sam Rivers mais également avec Derek Bailey, Eugene Chadbourne, Fred Frith, Evan Parker, Lol Coxhill, Tim Berne ou George Lewis et Trash Corporation. En 1991, il fonde l’Astrolab, laboratoire musical créé au début des « Instants chavirés » avec Thierry Madiot et en collaboration avec Benoit Delbecq et Daniel Beaussier qui se poursuivra jusqu’à fin 1994. En 1992, il reçoit le prix de composition du concours national de jazz de la Défense. En 1996, il rencontre Quentin Rollet aux Instants Chavirés à Montreuil et décident de monter ensemble le label Rectangle qui sera actif jusqu’en 2003 et publiera en tout une cinquantaine de disques. A l’occasion du disque Morceaux Choisis, qui réunit les Recyclers et des chanteurs, il entame une collaboration avec Katerine qui se poursuit aujourd’hui encore (notamment au cinéma). Rectangle a produit 2 albums de Jean-Louis Costes que Noël Akchoté invite désormais régulièrement sur ses disques « Cabaret ». Le label a également découvert Red en produisant son premier disque Felk, puis une reprise de l’intégralité de l’album Songs From A Room de Leonard Cohen. Red participe lui aussi aux « Cabarets ». Il a également participé à deux disques d’entretiens, l’un entre les Straub et Thierry Jousse, et l’autre avec la contrebassiste Joëlle Léandre.
En 1999, il débute une série d’enregistrements solos intitulés « Joseph » qui donneront lieu à 3 albums jusqu’en 2003.
Il a depuis collaboré avec David Grubbs, Luc Ferrari, David Sylvian, Jim G. Thirlwell (pour son groupe Steroïd Maximus), Bruno Letort, Max Nagl (actuellement encore au sein du quatuor jazz Big Four), Andrew Sharpley, Jean-François Pauvros ou le groupe Earth de Dylan Carlson.
Ses deux derniers disques solos pour le label allemand Winter & Winter sont consacrés à la musique du guitariste Sonny Sharrock (Sonny II en 2004) et à celle de Kylie Minogue (So Lucky en 2007). Parallèlement, il réalise pour la série « AudioFilms » de ce label des « Cabarets » enregistrés en public et réunissant des musiciens d’horizons toujours très variés. Il est également directeur musical de l’opéra Der Kastanienball – The Fall of Lucrezia Borgia sur un livret de Stefan Winter.
Noël Akchoté est membre de la rédaction du magazine musical autrichien Skug.
Il a travaillé sur les films de Thierry Jousse aussi bien comme acteur qu’en réalisant la bande originale de son premier long métrage Les Invisibles.
En 2007, il rédige la préface du livre Musiques expérimentales du journaliste Philippe Robert.

Discographie et bibbliographie de Noël Akchoté sur wikipedia
Textes de Noël Akchoté dans la revue SKUG
La playliste de Noël Akchoté dans les programmes non déterminés de la société de curiosités

MOUVEMENTS SANS CORPS

1/
Ergo Phizmiz: Phour Fonetic Sound Rooms

2/
Kathy Acker: Redoing Childhood “Outside the Law, Which Is Language’”

3/
Otto Muehl: Hygiene

4/
Andrzej Dobrowolski: Passacalia

5/
Pierre Guyotat: Progenitures “extrait de p. 14 A plus tard”

6/
Meredith Monk: « Candy Bullet and Moon »

7/
Charles Bernstein: Coco-Rimbay Cassette “Good Night”

8/
James Joyce: Anna Livia Plurabelle

9/
Masonna: Spectrum Ripper “Part IV”

10/
Gherasim Luca : Son corps léger

11/
Frank Zappa: The Talking Asshole

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Jours et heures de diffusion, semaine du 17 au 24 décembre : : Dimanche, Mercredi, Vendredi à 22H00

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Philippe Rahmy est né à Chêne-Bougeries (CH) en 1965, licencié en Lettres (UNIL), égyptologue de prédilection, Philippe Rahmy est l’un des membres fondateurs du site remue.net.

Philippe Rahmy a publié « Mouvement par la fin – un portrait de la douleur » (Cheyne Editeur 2005. Prix des Charmettes – Jean-Jacques Rousseau 2006. Sélection Fondation CH 2006. Réédition 2006/2008). Continuant d’explorer l’affrontement de souffrir les rapports du langage au désir et les figures grimaçantes de la perte, il a
publié en 2007 « Demeure le corps – chant d’exécration » chez le même éditeur (rééd. 2009), et les « SMS de la cloison », formes de l’urgence, aux éditions
publie.net en 2008.

Page Philippe Rahmy sur Remue.net

WONDERLAND ?

(part 1/3)

1/
Indonesian Kecak – UbuWeb Ethnopoetics – Ketjak : The Ramayana Monkey Chant
20:11

2/
Ana Igluka – Wonderland ?
6:12

3/
Max Ernst – Interview – 1960
00:49

4/
Patti Smith – Ah Ah Houdini – Poetry Reading, St. Mark’s Church, New York City, December 25, 1971
1:53

5/
Canada Inuit Games and Songs – UbuWeb Ethnopoetics – Imitation of the cries of geese – Katajjait with geese cres
2:45

6/
Lasry-Baschet Chronophagie « The Time Eaters » (Mid-1960s) – Chronophagie 1 (Jean Guerin, tabla; Teddy Lasry, flute)
19:09

7/
Marcel Duchamp – La Mariée mise à nue par ses célibataires mêmes
23:02

8/
Sainkho Namtchylak – UbuWeb Ethnopoetics – Night Birds
7:05

9/
Ana Igluka – Daou Deod – Ana Igluka (tx et musique), Ludovic Failler (photos)
en trois parties :
Daou Deod solo partie I :
Daou Deod solo partie II :
Daou Deod solo partie III :
durée totale : 51:38

10/
Guillaume Appolinaire – Le Pont Mirabeau – in Alcools 1913
1:14

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Premières écoutes : à partir du jeudi 8 janvier 18h, minuit, 6H,12h  puis jusqu’au 14 janvier, mêmes horaires

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ELEMENTS

Née le 11 mai 1975 à Rennes, Ana Igluka est auteur, musicienne et chanteuse (T.E.D. 1996 à 1999, Resistenz depuis 2003). À côté de cette forme «rock» Ana Igluka propose des «performances multimédia», épopées sonores et visuelles hors normes. Répondant à des commandes de créations radiophoniques, de chansons, de musiques ou de textes poétiques, Ana Igluka donne naissance à toutes sortes de bricolages sonores et textuels. À l’initiative de la radio Jet fm (www.jetfm.asso.fr), Ana Igluka, propose des lectures en musique depuis 1996.
Depuis 2007, sa curiosité et ses recherches s’étendent à la fiction, aux bruitages, à la Mémoire, aux balades sonores…
Ana Igluka, est membre de l’association Le Thermogène.
Le Thermogène, issu de la Culture Rock, est une association œuvrant pour l’envie de lire et d’écrire par le biais de spectacles multimédias tous publics, de créations radiophoniques, de livres disques artisanaux et d’actions pédagogiques.

www.lethermogene.net

anaigluka[at]free.fr

BLABLARECORDINGS

1/
Ludo-fiction éliminatoire avec subtilités de langage – D.Christoffel
2/
Débat pour qui dit mieux et démener la cause – D.Christoffel
3/
Récréation nocturne qui se la raconte – D.Christoffel

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Premières écoutes les : Jeudi 26 novembre à 12h,18h, minuit, 6H puis jusqu’au 3 décembre, mêmes horaires

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ENTRETIEN
David Christoffel, Dominique Balaÿ octobre 2009

Merci de ces questions, de leur variété qui m’a donné envie d’y répondre avec le plus de précision possible et qui, j’espère, vont permettre à WebSYNradio d’être ainsi aussi un lieu de réflexion sur la radio…

DB : Qu’est ce qui vous paraît suffisamment intéressant dans ce projet webSYN pour accepter d’ y participer ?

DC : Rares sont les projets web-f(n)-radio qui prennent en compte une chose qui me paraît très importante : le web implique l’objet radiophonique comme élément d’une interface, de sorte que l’élément radiophonique, en tant qu’objet virtuel, ne s’adresse plus à des auditeurs, mais est participé, métaphorisant, interagi par des utilisateurs. Le fait que la contribution soit proposée comme une action d’utilisation, m’a semblé requalifier l’acte artistique comme un protocole de participation et histoire de pousser la question de l’utilisation comme performance, j’ai voulu pousser moi aussi.

DB : Pourquoi  n’avez vous pas composé  une  playliste  à proprement  parlé (expression d’une préférence) ?

DC : Pour prendre la proposition à son point de consistance le plus littéral, pour affirmer qu’une playlist est en effet une contribution, pour entendre qu’une playlist composée introduit le problème du genre des éléments programmés, j’ai préféré que l’objet de la préférence consiste à pratiquer la radio en composant des éléments produits, c’est-à-dire en relâchant le souci de pertinence, toujours un peu hâtif quand il arrive après avec un air fouettard. C’est pour ça que le programmateur (faiseur de playlist), me semble une figure intéressante pour l’éditorialiste. Je veux dire : si tous les journalistes pouvaient être aussi cools que les programmateurs.

DB : pourquoi  avez-vous  ignoré le point de départ suggéré : c’est-à-dire le fonds commun  d’archives sonores existant sur le site ubu.com ?

DC : Les archives sonores d’ubu.com ont des entrées nominatives et une ampleur prestigieuse, formidable et anthologique. Cela peut poser la question de ce qui pourrait les compléter. Et il m’importait plutôt de penser ubu.com comme un endroit où ce qui peut y manquer abstraitement est une des actions proposées à l’utilisateur, c’est-à-dire une manière de dé-vectoraliser ubu.com. Qui plus est, la playlist supposait une opération de sélection et cela posait la question des critères de pertinence trop prégnante ou trop en avant de la composition des pièces retenues. Alors, pour remédier à cette gêne, le plus simple m’a semblé de limiter le nombre d’entrées, d’affirmer un triptyque comme un élément de composition (c’est-à-dire qu’un triptyque est une playlist).

DB : Vous avez choisi de donner 3 pièces intitulées BlaBla recordings : pouvez vous rappeler le contexte d’enregistrement de chacune de ces pièces  ?

DC : La chronologie des enregistrements : Ludo-fiction éliminatoire avec subtilités de langage a été enregistré dans le cadre d’une partie de jeu de rôle le 11 novembre 2006 à Paris. Débat pour qui dit mieux et démener la cause a été enregistré au siège national d’un grand parti politique (dont je n’ai jamais dévoilé la couleur partisane), lors des présélection et de la finale d’un concours d’éloquence entre les jeunes militants (les 8 et 23 novembre 2007). Récréation nocturne qui se la raconte a été enregistré dans un centre de loisirs à Clichy, le 28 mai 2008.

DB : Ces 3 pièces font elles partie d’une intégrale  déjà diffusée ? Si oui, pourquoi donner à entendre ces 3 là dans webSYNradio et pas d’autres ?

DC : Dans leurs versions longues (30′), ces pièces sont respectivement la Chevauchée fantastique, la Chevauchée démocratique et la Chevauché fantomatique. La série des Chevauchées se présente comme une série de docu-fictions, destinée aux radios associatives (et effectivement diffusée par Clin d’oeil, Plum FM, Radio Trouble Fête, Gascogne FM, Périgueux 103, Mélodie FM, Aquitaine Radio Diffusion, Radio Samoëns, Radio Hauts de Rouen, Emergence…). Dans cette série, il s’agit de pousser l’écriture documentaire dans les retranchements de la grammaire fictionnelle pour essayer de faire un problème politique des troubles énonciatifs que ça peut faire.

DB : Pouvez-vous expliquer le titre de ces pièces et revenir sur les différentes réactions que ce titre a pu susciter ?

DC : A renommer ces chevauchées au moment de les convertir en blablarecordings, il s’agissait de trouver une formulation synthétique du contenu selon le traitement/montage qu’il pouvait impliquer pour que les joueurs s’en entendent. Les réactions ne me sont pas encore arrivées : david.christoffel[AT]gmail.com

DB : Ces 3 pièces que vous donnez ont pour point commun d’être des situations parlées, où il y a de l’échange : paroles d’enfants, conduite d’une réunion publique, exposé magistral (belle « démonstration » sur le tri des déchets !), entretien en face à face…J’ai l’impression que ce qui vous a intéressé, ce sont davantage les situations que les propos,  et le  type d’énoncé plus que les personnes qui  les produisent ?

DC : En effet, il s’agissait moins de donner la parole à des individus que de s’immerger dans des contextes d’énonciation. Par expérience, j’ai constaté que l’extrême standardisation des techniques de sollicitation des intervenants est une des composantes majeures de l’hyper-formatage des prises de parole sur les supports vectoralistes (pour reprendre le mot d’Un manifeste Hacker). Chacune de ces expériences part d’une interpellation pour moi inédite. Au lieu de les interviewer sur leur pratique, il s’agissait de demander à des rôlistes d’enregistrer une partie, pour voir l’intérêt radiophonique que pouvait avoir une narration au contexte aussi autonome. De même, il s’agissait de dire aux jeunes militants : parce que vous faites un concours d’éloquence, il m’intéresse de venir dans votre parti politique faire des enregistrements. Et il s’agissait de volontiers perdre le contrôle de l’enregistrement des enfants quand leur mythomanie montait en pression alors que je ne leur avais jamais demandé que des souvenirs de nuits blanches.

DB : Mais il n’y a pas que des paroles, il y a des effets de montage, de la superposition, des faux raccords, des imbrications. Dans ces pièces, très montées (qui « couvrent bien le terrain »), la musique a un rôle de premier plan (souvent à l’arrière plan du reste) : quel est il exactement ?

DC : Ici, la musique est construite pour occuper les mêmes fonctions que dans les jeux vidéos. Elle participe de la coloration de l’action, est composée pour réagir aux changements de plan. Si bien qu’elle le soutient tandis que le montage peut s’entendre comme un élément musical. La permutation des niveaux hiérarchiques entre voix, ambiances sonores, traitement grammatical de la musique, fonctionne par abstractions. C’est bien souvent un résultat de la courbure prise par une séquence qui définit la dynamique morphologique du niveau suivant. Comme quoi.

DB : Par le titre même de l’une des pièces « ludo-fictio-eliminatoire-avec-subtilites-de-langage » : vous attirez l’attention sur une situation fictionnelle. L’aspect  documentaire ne fait-il  pas lui aussi partie de la donne, même si précisément il ne s’enclenche pas, il reste sur la ligne de départ ?

DC : La catégorie « blablarecordings » m’a été inspiré par l’appel à contribution de 108 FM / RADIO SANS FUITES pour le festival Bandit-Mages 2009. Cela fait référence aux « fieldrecordings » (dont je me souciais justement à ce moment-là) et c’est bien l’horizon d’envisager les dispositifs d’échanges verbaux comme des paysages qui m’intéressait dans ces expériences d’enregistrement. Autre contraire, les termes de « documentaire » et « fiction » me semblent cohérents dans un espace où l’objet de la radio est de « plaire, éduquer, instruire, informer, distraire » (pour reprendre les termes de Jacques Chaban Delmas quand il présentait la réforme de l’ORTF à l’Assemblée nationale, le 26 juin 1972). En ligne, le paysage multimedia radio répond plutôt à des objectifs comme « s’immerger, interagir, simuler ».

DB :  Pouvez-vous nous en dire un peu plus sur votre travail qui semble multiple : depuis les performances jusqu’aux textes théoriques , en insistant peut être sur la radio, et sur cette notion  de « post-radio » qui à l’entendre prononcer, ressemble à un  gag ?

La notion de « post-radio » a été avancé par le GRER pour réfléchir à l’évolution du langage radiophonique au cours des mutations technologiques que les médias sont en train de jouer. J’ai effectivement proposé une contribution à ce colloque, intitulée « Utopies délinéaires ». En tentant un rapprochement entre Lakoff et Tisseau, mon objet y est de dégager quelles utopies la délinéarisation doit permettre de réaliser, en évoquant pour les repenser dans une dynamique utopienne, quelques-unes de mes récentes expérimentations radiophoniques en ligne (la poétisation de l’indexation et le rubriquage méta-radiophonique dans le podcast de Criticalsecret, les catégorisations émergentes des intervenants dans Radio Thésards sur DDC, en passant par le Dictionnaire subjectif pour Canal Académie). Et c’est aussi à ce titre que mes travaux radiophoniques se ramifient avec mes activités poétiques dans lesquelles les différents régimes sémiotiques sonores (musiques, paroles, bruitages) sont associés avec plus ou moins d’autonomie vis-à-vis de leurs médias. C’est pour en expérimenter la dépendance relative que je fais aussi bien des créations radiophoniques que des opéras parlés et des performances de lectures avec bande sonore.

DB : Votre actualité en cours, prochaine ?

Je travaille sur deux projets discographiques, mettant en jeu l’extraction synthétique de mélodie dans un corpus parlé, développé par Greg Beller. Et je réfléchis à créer des formes radiophoniques délinéarisées d’interactivité.

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Site de David Christoffel

PLAYLISTE

1/

Marcel Broodthaers – Interview With A Cat

2/

Salvador Dalí – Methode-Paranoiaque

3/

Louise Lawler – Birdcalls

4/

John Baldessari – Second Language, Trying for the Worst with Dorit Cypis

5/

Les Levine – Lose

6/

Salvador Dalí – Le Génie

7/

Marcel Duchamp – textes extraits « A l’infinitif » (1912-20). Enregistré par Aspen Magazine, Novembre 1967, N.Y.

8/

James Lee Byars – Pronounce perfect until it appears, 1979

9/

Robert Filliou – Imitating the Sound of Birds, 1979

10/

Allan Kaprow – Courtesy, 1977

11/

Chris Burden – Send Me Your Money

12/

Salvador Dalí – La Folie

13/

Brion Gysin – « I Am », Machine-poem, 1960

14/

Robert Watts and Larry Miler – Laff Trance (extrait)

15/

John Cage – Lecture on Nothing, par Kaegan Sparks (2006)

16/

George Brecht – « Comb Music (Comb Event) » 1959-62. par John Armleder, 1988.

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Jours et heures de diffusion, semaine du 29 janvier au 4 février : Jeudi 29 janvier à 12h,18h, minuit, 6H puis jusqu’au 4 février, mêmes horaires quotidiens.

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Franck Scurti, né en 1965 à Lyon, est un artiste photographe et vidéaste contemporain.

Principales expositions individuelles

2009

Musée Picasso, La guerre et la paix, Valauris.

Replication, Le Creux De l’Enfer, Thiers.

2008

Empty world, Galerie Anne de Villepoix, Paris.

2007

Liverpool jackpot, Liverpool Biennial, Liverpool, England.

What is public sculpture?, Magasin CNAC, Grenoble, France.

2006

Air-mess, Hermes Shop window, Tokyo, Japan.

2005

Who? What? Why? How? When? Where?, Galerie Anne de Villepoix, Paris, France.

Who? What? Why? How? When? Where?, Galerie de Multiple, Paris, France.

2003

Trottoir gris / mur blanc, Galerie Jacky Strenz, Berlin, Germany.

Before and After, Kunsthaus Baselland, Muttenz/ Basel, Switzerland.

2002

Before and After, Palais de Tokyo, Paris, France.

Before and After, Centre National de la Photographie, Paris, France.

Tractatus Logico-Economicus, Galerie Anne de Villepoix, Paris, France.

Flags Vision, Frac Basse-Normandie, Caen, France.

Bibliographie (sélection)

« Curlet/Scurti »

Galeries Contemporaines, Centre Georges Pompidou, France, 1993

« Franck Scurti »

Centre d’Art de l’Espace Jules Verne, Brétigny-sur-Orge, France 1997.

Text by Luk Lambrecht

« Franck Scurti »

Le Parvis, Centre d’Art Contemporain, Pau, France, 1999,

Interview de Philippe Régnier

Interview de Pascal Rousseau.

« Before and After », 2002, Palais de Tokyo, Centre National de la photographie, Paris

Texte de Nicolas Bourriaud.

Interview de Sabine SChaschl-Cooper.

Texte de Régis Durand.

Interview de Jérôme Sans.

« The city is not a tree », 2003

Artist book limité à 250 exemplaires numérotées.

20 copies deluxe limited edition of de ce livre,  avec  la signature de l’artiste.

« Sept à sept », 2005

Livre au tirage limité à 285  exemplaires numérotés.

Collection « l’Art En Ecrit », Editions Jannink, Paris.

Textes: Franck Scurti

Site de Franck Scurti

INDIVIDU-ELLES

1- Kathy Acker: I was walking down the street

2- Lydia Lunch: What it is

3- Patti Smith : Parade

4- Diamanda Galas: Eyes without blood

5- Yoko Ono: Snow is falling all the time

6- Ann Magnuson: Made For Radio

7- Karen Finley: I’m an Ass Man

8- Jessica Hagedorn & The Ganster Choir: Tenement Lover

9- Catherine Jauniaux et Ikue Mori: Smell

10- Carolee Schneemann : Mother Lexicon

11- Gertrude Stein: Interview at the Algonquin Hotel, November 1934

12- Patrizia Vicinelli: Sette Poemi

13- Ann Waldmann: Plutonium Ode & Skin Meat Bones

14- Carol Parkinson: The Landlords Visit

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Premières écoutes les : mardi, jeudi, dimanche à 21h, du 15 au 22 janvier 2010.

Ecouter la playliste de Bérangère Maximin sur votre lecteur

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Dans son Home Sweet Home Studio à Paris, Bérangère Maximin fabrique des pièces sonores de divers genres, pièces électroniques de concert, lives, émissions radio sur les musiques transversales, esquisses sonores pour la scène. Elle intègre ainsi des line-ups très diverses de festivals en plein air, cycles de musique contemporaine, veillées lounge électroniques et événementiels musicaux et radio. A la sortie de son premier album « Tant Que Les Heures Passent » sur le label de John Zorn, Tzadik Records, Bérangère joue en solo live pour la première fois l’automne dernier, au Stone (NYC) puis à Mains d’Oeuvres (France). Cette série de morceaux pour laptop et voix en direct nommée ‘Stuck In A Nasty Little Film’ continue de se développer sur la route (Florence, Bologne, Milan, Marseille, Montpellier, Dijon, Besançon, Paris, Kiev, Moscou…). Entre autres, actuellement, elle finalise un second album dont la sortie est prévue sur le même label, et travaille sur la création d’une pièce mixte électroacoustique, une commande de l’Ina-GRM pour le prochain festival Présences électronique au 104 (mars 2010).

http://www.myspace.com/maximinberangere

PLAYLIST WEBSYNRADIO

1/
The Tape Beatles – A subtle buoyancy of pulse (01 Remain quiet and passive)

2/
Rammelzee & Jean Michel Basquiat – Test pressing

3/
Jim Burton – High country Helium

4/
Olek Mayang – Musique de l’Asie traditionnelle

5/
Richard Prince – Catherine (Tellus #5-6 – Special Audio Visual Issue)

6/
Brooks William – Demented Folk Tune

7/
The Tape Beatles – A subtle buoyancy of pulse é9 The law of always being nice)

8/
Kristin Oppenheim – Long gone

9/
Jonathan Borofsky – The Standard Chant

10/
Jonathan Borofsky aka Jonnie Hitler « dreamer ‘s nightmare »

11/
Lou Giansante – Balloon Man (Written by e.e. cummings)

12/
John Cage – Mushroom Haiku – excerpt from Silence

9. September 1992 - T.Weifenbach

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Premières écoutes les : Jeudi 11 février novembre à 12h,18h, minuit, 6H puis jusqu’au 18 février, mêmes horaires

Ecouter la playliste de Terri Weifenbach sur votre lecteur

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ELEMENTS

Terri Weifenbach, née en 1957, est une photographe totalement en dehors des modes et des courants. Loin de tout exotisme, avec un art du détail et de la couleur à la fois maitrisé et rafraichissant, elle explore les environs de sa ville natale, Washington.

Page de Terri Weifenbach sur la galerie Stephen Daiter

TOURS DE PISTES

Les Grandes Occasions peuvent être lues successivement, mais c’est en canon que ce texte cyclique prend tout son sens. (De répétitions en déclinaisons, il conduit l’auditeur de la surprise à l’amusement, de l’amusement à l’ennui, de l’ennui à l’écœurement jusqu’à ce qu’il adhère à nouveau, bien conscient de ce qui l’attend.) Plusieurs de mes textes s’écrivent par imitations, reprises avec variations. En s’accumulant, les différentes combinaisons forment une fugue, se répondant sur des mois, voire des années, comme en écho.
Pour Droit de Cités et webSYNradio, j’ai choisi de relier l’un d’entre eux: « De Joyeux Noël 2004 à Joyeux Noël 2005 » à des textes ou à des morceaux de musique qui ont la particularité de donner le tournis et l’envie de tourner.
Isabelle Lartault

1/
Isabelle Lartault : De Joyeux Noël 2004 à Joyeux Noël 2005, Les Grandes Occasions 1980-2010
2/
Jean-Sébastien Bach : 10 Fughetta, Godberg Variations – BWV 988
3/
Gertrude Stein : A Valentine to Sherwood Anderson, NY, Winter 34-35
4/
Cris et jeux de senza : République Centrafricaine, Voices of the World
5/
Bernard Heidsieck : Vaduz, UbuWeb/Pennsound Archive
6/
Henri Chopin : Les pirouettes vocales pour les pirouettements vocaux, Les Mirifiques
7/
The Residents : Diskomo, The Commercial Album
8/
Edith Piaf : La foule, De L’Accordéoniste à Milord
9/
Isabelle Lartault : De Joyeux Noël 2004 à Joyeux Noël 2005, Les Grandes Occasions 1980-2010
10/
Stockhausen : Stimmung, Model 3, Vichnu
11/
Stockhausen : Stimmung, Model 4, Usi-Afu
12/
Stockhausen : Stimmung, Model 5, Saturday
13/
Stockhausen : Stimmung, Model 11, Moo, Moo Coo, etc.
14/
Chant de deux fillettes : Côte d’Ivoire (Baoulé), Voices of the World
15/
Bhimsen Joshi : Raga Kala Shree, The Genius of Pt. B. Joshi
16/
Isabelle Lartault : De Joyeux Noël 2004 à Joyeux Noël 2005, Les Grandes Occasions 1980-2010
17/
Danse en rond : France (Brittany), Voices of the World
18/
Richard Long : Desert Circle, Happy New Year
19/
Charlemagne Palestine : Four Manifestations on Six Elements
20/
Frédéric Chopin : Waltze 6 In D Flat, op.64/1–, Waltzes, M.J. Pires
21/
Isabelle Lartault : De Joyeux Noël 2004 à Joyeux Noël 2005, Les Grandes Occasions 1980-2010

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Premières écoutes : jeudi 29 avril au 6 mai, 8 h, 16h et 24h

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ELEMENTS

Le travail d’écriture d’Isabelle Lartault relève à la fois de la poésie et du roman. Elle met en relation forme et contenu en leur inventant des prolongements à travers des lectures, performances ou vidéos. Avec gravité ou drôlerie, et un constant souci du dispositif spatial et sémiotique, Isabelle Lartault cherche particulièrement à dire le non-dit, mais elle aime aussi rappeler l’évidence de la répétition des cycles, que ces derniers soient propres au processus de la création, aux sentiments individuels ou aux événements de la vie ordinaire (sociaux, culturels ou autres) ou aux rythmes naturels (jours/nuit, saisons, …).
Elle a publié Les Grandes Occasions (Les Archives modernes, Dijon, 2000), Fil de Trame (Centre Vendôme pour les Arts plastiques, Paris, 2007), Je vais pas t’attendre, (Label Hypothèse, Paris, 2009) et de nombreux textes poétiques dans des revues littéraires et des textes critiques et entretiens à propos d’art contemporain. Un entretien, des extraits de textes et une vidéo sont actuellement publiés sur le site D-Fiction.

Isabelle-lartault.over-blog.net

PLAYLISTE

1/
I Am Still Alive – Matthieu Laurette  (Paris, The 21st Of November 2007)
2/
Sail On Sailor – Kristin Oppenheim
4/
Opus17a – Hanne Darboven
5/
Jacques Lacan-Petit discours à l’ORTF (2 décembre 1966)
6/
Tap Your Shoes – Kristin Oppenheim
7/
What’s your name little girl ? – Martha Rosler
8/
Hey Joe  – Kristin Oppenheim
9/
Nothing to Lose – Douglas Huebler presents Lawrence Weiner   (May 1978)
11/
She Was Long Gone – Kristin Oppenheim
12/
Jean luc Godard interviewé par Serge Daney
13/
Tickle – Kristin Oppenheim
14/
Birdcalls – Louise Lawler ( in Tell us 5#6)
15
A Woman Left Lonely – Kristin Oppenheim
16/
I Am Still Alive – Matthieu Laurette (Paris, The 24th Of January 2009)

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Premières écoutes les : Jeudi 29 octobre à 12h,18h, minuit, 6H puis jusqu’au 5 novembre, même horaire

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ELEMENTS

Matthieu Laurette, né en 1970 à Villeneuve-Saint-Georges, est un artiste multimédia français qui utilise les médias de masse et l’industrie du divertissement comme lieu et outil de production de son travail.
Il vit à Paris, Amsterdam et New York. (+ sur wikipedia )

biography M.Laurette in english

PLAYLISTE OU NE PAS ETRE

01 – « L’abécédaire » – Gilles Deleuze / A comme animal

02 – « La cruauté » – Antonin Artaud

03 – « Moby Dick » – Herman Melville / The Death of Achab

04 – « Ursonate » – Kurt Schwitters

05 – « The birds » – Alfred Hitchcock

06 – « Passionnément » – Gherasim Luca

07 – « Gesang der Junglinge » – Stockhausen

08 – « Interview with a cat » – Marcel Broodthaers

09 – « The Shining » – Stanley Kubrick

10 – « Solo » – Samuel Beckett / Performed by David Warrilow

11 – « Discs » – Marcel Duchamp and John Cage / music by John Cage

12 – « Okanagon » – Giacinto Scelsi

13 – « Spiral Jetty(excerpts)1970 » – Robert Smithson

14 – « Mutations » – Jean-Claude Risset

15 – « The American Gift » – Vito Acconci

16 – « One million years » – On Kawara

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Premières écoutes les : Jeudi 19 novembre à 12h,18h, minuit, 6H puis jusqu’au 26 novembre, mêmes horaires

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ENTRETIEN
Laurent Chambert, Dominique Balaÿ novembre 2009

Voici ma contribution. Je ne ménage pas la notion de playliste mais cela tu le sais déjà. Il y a des enjeux et j’ai essayé de donner des pistes pour poursuivre une réflexion. Plutôt que d’expliciter mes sources ou références j’ai choisi l’écriture. Il me semble que c’est une façon de travailler la logique même mise en œuvre. Il s’agit d’idées murement réfléchies. Je suis curieux de connaître tes impressions et les questions qui pourront les accompagner.
L.Chambert

DB : Comment abordes-tu d’une manière générale les sollicitations?  On sent très fort chez toi le besoin de densité dans l’échange, j’allais dire quelque soit le lieu, la situation et même l’interlocuteur…

LC : La sollicitation est souvent comme l’irruption ou l’imprévu, elle bouscule la vie. Je lui accorde toute mon attention avec en retour la nécessité d’exprimer mes préoccupations accompagnée de l’évaluation de ma capacité d’écoute et de compréhension. Répondre à une attente et simultanément l’entraîner dans l’échange. Je n’aurai pas de réponse définitive, seulement des propositions, plus souvent des questions. Echanger conduit au mouvement et permet d’avancer ensemble. Les communications qui organisent notre vie sociale s’érodent littéralement pour plus d’efficacité, de confort, de « retour à l’accueil appuyez sur étoile ». Influentes, elles érodent aussi notre besoin d’investir l’espace de la parole, de le construire, entretenir, réinventer. L’absence de pensée peut être occupé par un simulacre de pensée! Le discours ambiant ou dominant ou tout ce qui relève du banal est prêt à l’emploi. Un langage réduit à sa dimension fonctionnelle n’offre plus les prises suffisantes au développement de l’imaginaire. La parole active, articule et transforme en permanence notre pensée et plus tard sa forme écrite. La singularité, une ligne individuel, un événement accède par la voie du langage au collectif tout entier en devenant un sujet d’échange, une tentative de description, une réflexion. Toute contribution intensifie et participe à la mise en relation des hommes, agrandie l’étendue d’une culture. La parole est ce que l’on voudra bien risquer, mettre en jeu, vivre d’une certaine façon.

DB : Lorsque je t’ai sollicité, tu m’as tout de suite mis en garde contre le jeu un peu vain  des préférences et le piège de la playliste qui ne produit que de l’anecdotique, un vague environnement sonore : quel intérêt vois tu à participer à un projet comme celui de webSYNradio?

LC : Parler de culture c’est peut être avant tout se placer et se définir au sein d’une société. Cela me semble explicite pour une playliste. Dans un sens, elle rend possible une participation sans implication ou engagement vrai, dans l’autre, elle emportera la nécessité d’un dépassement. Les choix peuvent s’établir sur un mode collusif et devenir anecdotiques par simple redondance, décalque. La playliste sera une évaluation de l’aptitude à ce conformer à la grille des valeurs établies, la démonstration d’une capacité à les distinguer. C’est un peu comme l’image d’un homme qui pose pour une photographie officielle devant une bibliothèque (sa collection de « titres »). La playliste est un ensemble, elle pose une limite. Plusieurs nuances la distingue d’une liste ; la nécessité d’une durée pour être jouée dans un laps de temps raisonnable, celle de l’attention et l’association à un moyen technique de diffusion. L’écriture d’une playliste engage la nécessité de remonter, contrarier, son inclination. Les systèmes sociaux tendent à substituer la forme abstraite et individuelle de l’identité par des contenus concrets (surdéterminés, surproduits, aux contours nets et segmentés). La sensibilité trouve ainsi sa consistance et devient un objet évaluable avec l’aide de l’identique. Elle devient l’objet d’un contrôle et boucle l’individuel indéfiniment sur le collectif au collectif. La constitution d’une playliste musicale idéale est déjà proposée sur Internet. Le principe de ce service suppose que vous chercherez à écouter ce qu’écoutent tous ceux que vous estimez vous ressembler ou à qui vous voudriez ressembler. La référence communément partagée devient l’expression de son adhésion à un groupe ou une époque. Et bien pourquoi pas puisqu’il tient à chacun d’assumer la responsabilité d’avoir lu, entendu, vu, les contenus désignés par les intitulés. La tendance est dans l’existence d’une possibilité supplémentaire de relégation, de mise à distance, un nouvel écran de fumée. Sur une playliste, les contenus se présente d’abord comme des objets, des enveloppes qui pourront être désignées, nommées, référencées, comparées, validées, classées, hiérarchisées. A l’extrême, vidée si le gain de place est nécessaire, la capacité dépassée. Ici on se reconnecte à l’abyme d’une liste de liste, de liste, etc. A défaut de posséder un original, nous pouvons nous saisir d’un double, d’une copie, d’une reproduction, d’un pirate, imprimé, audio ou vidéo. Un penchant de collectionneur nous conduira à placer l’importance de l’acquisition dans la détention même du titre devenu trophée sur l’index d’une géographie personnelle, d’un catalogue (le name dropping, le réseau : logique de possession vs logique d’appartenance). Nous vivons entouré de livres, disques ou cassettes dont nous n’effleurons plus que la tranche. Nous avons tous l’expérience de la déambulation dans les rayons d’un libraire ou disquaire avec des espaces qui à la différence de la bibliothèque sont coupés de l’usage des objets présents. Vous disposerez d’un aperçu, d’une écoute et l’action restreinte de l’achat. Dans tous les cas « je serai mieux chez moi pour lire ce livre, écouter cette musique, trop de bruit, de lumière, de mouvement, manque d’espace, trop de promiscuité ». Inflation générale, le culturel est investi par l’industrie. Nous sommes entourés voire débordés et la maîtrise de repères s’avère opérante, socialement efficace et valorisante. Cette maîtrise est du côté de l’image, de l’artifice ou du masque, voir l’arbitraire d’une discrimination. Une playliste participe de ce mouvement qui nous conduit à l’uniformisation de penser, de sentir, d’être. Déplacement général, évolution, il s’agit d’un mode de relation sociale et l’inclusion est inévitable. Il s’agit alors de mettre à l’épreuve un mécanisme, une solution pour se départir. La playliste n’est pas l’exercice de sélection qu’il parait être mais la nécessité d’un dépassement, l’objet qui doit lancer sa discussion et dont pourra s’extraire la possibilité d’un partage, d’une effectivité, d’un devenir. Le projet webSYNradio ouvre cette remise en question, il ouvre l’espace d’un débat à venir. J’ai récemment mis en pratique la notion de programmation avec le projet « Un double persistant » à La Société de Curiosités, Paris. Il s’agit d’un ensemble constitué de copie d’extraits d’oeuvres trouvées sur Internet. Isolés, les fragments sont marqués par l’altération, l’incomplétude. La diffusion successive des séquences s’accompagne du traitement en temps réel de la piste sonore. En conservant les sources originales, le son des voix, les dialogues, les musiques, infiltrer une ligne de plus, une voix. Comment en quelque sorte marcher de concert en proposant à l’assistance un déplacement par le suivi de ma propre écoute. Rejoindre les sons déjà inscrits, improviser un être avec et finalement ensemble. Le programme de la soirée, une playliste développée, déployée, devenant l’espace d’un jeu, le temps d’une partie musicale.

DB : Les titres que tu as choisis ont l’air sur le papier de former une séquence, une constellation, autour de différentes figures? Peux-tu nous préciser ce qui a guidé ton choix?

LC : La succession amoindrit la puissance d’un seul au profit de l’ensemble. J’ai envisagé la possibilité de ne faire qu’un seul choix en le répétant à l’échelle de la durée d’une playliste. Une mise en boucle par la duplication avec l’idée du glissement comme une fuite par la répétition et peut être finalement la fêlure. J’ai amené ainsi une autre expérience et l’idée de l’onde. Les titres présentés sont pour moi l’épreuve de la sortie. Les oeuvres auxquelles ils appartiennent sont vastes et complexes et je n’en prétends pas à la maîtrise. Je reprends des rencontres associées d’une façon ou d’une autre par l’expérience de ce que je nomme une échappée à moi même. Il n’y a aucune modification interne des sources, éventuellement des cadrages temporels. Une projection sur l’ensemble ne peut recouvrir, elle ne s’inscrit pas, elle peut néanmoins s’éprouver. Les séquences articulées déploient une durée qui sera animée d’une grande variété de vitesse, une infinité de nuances. Il y a la possibilité d’un espace de partage, le passage sur toute une longueur, un plan pour l’esprit, imaginaire, un plan sensible, une mise en résonance, la communion de la sensation d’un ensemble. Une playliste décrite morceau par morceau amène inévitablement la profusion mais aussi ce qui annulerai ma propre contribution. Chacun assure une réception, entreprend un voyage, décide de ce qu’il entend et retient. Et c’est de cette expérience que je voudrais échanger ultérieurement.

DB : La radio n’est plus le premier vecteur de diffusion pour la musique :  la musique est partout (web, installation, performance, concert, environnement) , comment perçois tu ce phénomène? Comment y participes-tu?

LC : La musique est partout et nous oublions ainsi qu’il s’agit pour chaque production d’un effort même minime, d’un arrachement, d’une invention, d’un souffle. La profusion fabrique un cocon audio, un habillage sonore, un design pour l’oreille. Il y a un réel plaisir à se sentir dans l’action et le stimuli auditif procure cette impression. La profusion fait suite à la mise au point de moyens techniques efficaces pour la transmission et l’enregistrement. Elle découle aussi de la nécessité de produire constamment de nouvelles formes. Nous tolérons dans notre environnement la constance d’une image ce qui n’est pas le cas pour un phénomène sonore. Notre oreille réclame naturellement la diversité et un son continu devient vite fatigant, intrusif. Il est comme trop bien entendu et par conséquent perceptible, accaparant. A l’intérieur de ce qui est devenu un environnement culturel et sonore, ma production personnelle fonctionne un peu comme l’idée d’une fausse note! Je n’éprouve pas le désir de jouer la partition!

DB: Où en es tu dans ton exploration sonore, notamment dans ce que tu articules entre image et son? J’ai ici presque envie de parler de réalisation plus que de performance.

LC : Je travaille actuellement au développement du projet «Et si nous cessions d’avoir peur» à La Société de Curiosités à Paris. J’organise un contexte complet enfin qu’il puisse trouver une autonomie tout en conservant des liens continus avec un système de diffusion, un média, en l’occurrence télévisuel. Ce n’est pas une proposition critique, il n’y a aucune dualité mais plutôt l’histoire d’une coexistence avec la respiration spatiale et temporelle des deux configurations, d’un côté la télévision et sa réception usuelle, de l’autre l’émission d’une réappropriation par sa transformation même. Il s’agit avant tout d’une invention à vivre en action. Je peux néanmoins décrire les moyens mis en œuvre. La télévision est constitutive de notre environnement. Elle s’inscrit dans l’espace privé de façon claire en fonctionnant comme une fenêtre sur le monde. Et dans l’espace public? Objet de la convoitise, des pouvoirs, elle assure une visibilité socialement optimisée. Le politique va jouer une partie de sa représentation via les plateaux, sujets et débats. Elle est comme une arène où peuvent s’affronter les idées. On remarque néanmoins que la parole est donnée aux personnes en assurant déjà une certaine maîtrise, aux professionnels, spécialistes, éventuellement bavards ou inoffensifs, à toute parole ayant comme gagné une dimension de « représentation ». Son fonctionnement s’établit sur une relation puissante entre sources de pouvoir et projet général choisi pour notre société (le brassage permet l’indistinction de la source du contrôle, le mouvement est sa permanence). Elle a une grande capacité d’influence, elle fédère efficacement, elle exprime et impose sans violence apparente les modèles à suivre. Pour toutes ces raisons son accès en qualité d’individu, de sujet, fera l’objet d’un examen, d’un préalable, d’une identification. Elle conserve la nature d’un espace clos sur lui même, il est nécessaire de franchir un seuil, le pas d’une porte, d’un studio, il est nécessaire d’être invité, de s’asseoir à la table. La clôture est un des aspect qui peut la différencier du web. La télévision demeure l’espace par excellence du contrôle. Mais tout cela vous le savez certainement déjà! Nombreux sont ceux qui s’en accommoderont. Il suffit d’obtenir une admission ou audition (comme à la Cour sous l’ancien régime), éventuellement de se contenter d’être parmi le public invité à venir applaudir sur commande ou de participer à des jeux qui vous relèguent au rang de l’inconsistance. Les cinq minutes pour tous, la permanence pour peu, le spectacle de la vie en apnée. Il ne s’agit pas de se contenter d’une critique, d’attendre une éventuelle entrée en prenant place dans la file d’attente, d’envoyer une réclamation, d’attendre l’action d’un vote, d’espérer une sanction. Il s’agit dès à présent de faire l’épreuve de ce qui fabrique la télévision elle même, de déconnecter l’imposition d’un sens au profit de la matière première brute et à nouveau malléable, détachée, acceptée. Elle devient disponible pour une nouvelle configuration, disposition, aménagement. Elle rend l’appropriation du temps et de l’espace, l’expérience, l’imprévisible, le spontané, l’improvisation, le sensible.Avec «Et si nous cessions d’avoir peur», le public est invité à faire une expérience de réception. Les deux configurations (réception ou émision) sont distinctes et elle peuvent alterner à tout moment. L’ouverture est lancée avec le direct du journal de 20 heures. Le choix d’une source télévisuelle s’étend à toutes les chaînes disponibles. L’image est projetée sur un écran, il marque la limite entre deux espaces ; celui que l’on voit à distance principalement occupé par le présentateur et la salle ou s’installent les spectateurs. La disposition des sièges joue la frontalité d’une salle de projection cinématographique ou la disposition habituelle autour de l’objet télévision. L’écran centralise clairement l’attention. Le son est diffusé dans l’ensemble de l’espace et de façon homogène. Il est distribué à partir d’un point, contact, source d’un flux, pour rayonner et se répandre dans l’espace.

La télévision ne produit pas de son dans le dos de son spectateur.

Au bout d’un temps, la résolution de l’image change ; il ne s’agit pas d’un zoom, le cadre général ne se modifie pas. Il y a seulement un nombre moins important de pixels pour assurer la définition entière de l’image. Le visuel devient par conséquent abstrait (illisible) tout en conservant la vibration du flux qui continu à être transmis. L’apparition d’un damier géométrique de différentes couleurs et sa simplification reste proportionnelle à la transformation en temps réel du son. La source audio est transformée, elle devient la matière même d’une proposition musicale originale. Sa diffusion se disperse en plusieurs sources, à partir de plusieurs haut-parleurs. Il ne s’agit pas d’une déformation mais comme précédemment décrit, d’une reconfiguration. L’image par la stabilité de son cadre ménage l’impression d’une constante ambiguïté. On est placé devant l’impossibilité de savoir de quel côté elle se trouve vraiment : une projection au fond de l’oeil ou bien l’imagination projetant à travers ce dernier en raison de l’alternativité, le retour potentiel de l’un ou l’autre. La musique s’extrait d’une contingence qui pourrait la lier à l’image. Elle produit à son tour ses propres durées, rythmes, couleurs, respirations, intensités, silences. L’espace se retourne littéralement et il contient à nouveau ce qui se passe. Sa mesure retrouve l’étalonnage tangible des corps présents. Ce contexte libère une possibilité à l’improvisation. Il s’agit de faire quelque chose avec ce qui se trouve là, ce que l’on a amené avec soi, un instrument de musique, la voix, son expérience, une identité sans les signes, en action.

Images LC/ Lien : Et si nous cessions d’avoir peur / confrontation (3) – Laurent Chambert
http://www.youtube.com/watch?v=TgWzKyzomLE

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ELEMENTS

Laurent Chambert, artiste, né le 8 janvier 1967 à Saint Etienne.

http://www.laurentchambert.com
http://www.lastfm.fr/music/Laurent+Chambert
http://www.theothercolors.com

LA POESIE N’EST PLUS CE QU’ELLE ETAIT

1/
Technique poétique (Entretien Jean Pierre Balpe et Bernard Girard – Aligre FM)
2/
D’autres langues poétiques (Entretien Jean Pierre Balpe et Bernard Girard – Aligre FM)
3/
Futura (sonatine) – Ernst Jandl
4/
La poésie est ma petite amie – Sylvain Courtoux
5/
Ce corps vil – extrait1 – Bérangère Maximin
6/
My summer vacation – Alan Bigelow
7/
Ittoosang – Nicolas Fangione
8/
Performances (Entretien Jean Pierre Balpe et Bernard Girard – Aligre FM)
9/
20h24 – Anna O

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Premières écoutes les : Jeudi 5 novembre à 12h,18h, minuit, 6H puis jusqu’au 12 novembre, même horaire

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ELEMENTS

Jean Pierre Balpe est né le 3 octobre 1942 à Mende.

Poétique

Jean-Pierre Balpe, officier des Arts et Lettres, est un poète et chercheur dans le domaine de la relation entre littérature et informatique. Depuis 2006, il a succédé à Henri Deluy, en tant que directeur de la Biennale Internationale des Poètes en Val-de-Marne (BIPVAL). Outre ses livres, il a eu de nombreuses autres publications (poèmes, nouvelles, essais) dans des revues dont : Action poétique, Autrement, Æncrages & Co, Europe, Hors-Cadres, Journal de Royaumont, Traverses, Signes du présent, Miroir de la nouvelle, Correspondances, Nouvelle donne, La Mazarine, Le Temps Stratégique, etc. De plus il est Secrétaire Général de la revue Action poétique depuis 1974. Il a eu le Grand Prix Multimédia en 1999 de la SGDL pour le roman La Toile (ed. CYLIBRIS)

Universitaire

Professeur de l’Université Paris VIII de 1990 à 2005, il a été directeur du département hypermédia de l’Université Paris VIII de 1990 à 2005. Il a été aussi co-directeur du Centre Interdisciplinaire de Recherches en Esthétiques Numériques (Paris 8- Ministère de la Culture, DAP) et co-fondateur avec Maurice Benayoun du CITU (Création Interactive Transdisciplinaire Universitaire) qu’il a co-dirigé jusqu’en 2005. Très souvent invité à donner des conférences un peu partout dans le monde (Banff, Barcelone, Berlin, Bucarest, Calgary, Edmonton, Genève, Helsinki, Istamboul, Lisbonne, Mexico, Monterrey, Montréal, Naples, Oslo, Ottawa, Padou, Salerne, Toronto, Tunis, Turin, Mérida, Zagreb, etc.) a également publié de très nombreux articles de recherche dans des ouvrages collectifs ou des actes de conférences et colloques.

Artistique

Il a été responsable de la partie “textes” de l’exposition “les Immatériaux”, centre Georges Pompidou, 1984-1985
* Conseiller auprès de la Bibliothèque publique d’information pour l’exposition “Mémoires du futur”, 1987-1988.
(+ sur wikipedia )

Site de Jean Pierre Balpe

Autres liens :

http://marchodges.over-blog.com/
http://www.flickr.com/photos/jeanpierreb/
http://sensdelavie.canalblog.com/

POUR WEBSYNRADIO

1/
Jean-Michel Espitallier – L’hibiscus n’est pas un animal
(texte, voix : Jean-Michel Espitallier – son : Erik Bilabert, GRIM)

2/
Robert Fripp & Brian Eno – Healthy Colours

3/
Suicide – Televised Executions

4/
Zdenek Liska – Bande son de Rue des Crocodiles, Quay Brothers (Remix 2010, Jean-Michel Espitallier) (1’33’)

5/
Rimitti + Robert Fripp – Sidi Mansour

6/
Jean-Luc Godard – Bande-annonce de Pierrot le Fou.

7/
James Chance and the Contortions – Dish it out

8/
Jean-Michel Espitallier – Army (extraits)

9/
Tricky – Ghetto Youth

10/
Zeni Geva – On Suicide

11/
Robert Fripp – Cognitive Dissonance

12/
Glenn Branca – Bad Smells

13/
Jean-Michel Espitallier – Tête à flash
(Texte, voix, batterie, bruits divers : Jean-Michel Espitallier – Musique, guitare, prise de son : Laurent Prexl)

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Jours et heures de diffusion, semaine du 18 au 25  février : 12h,18h, minuit, 7H puis jusqu’au 25 février, mêmes horaires.

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RENDEZ VOUS

le 25/02, une  soirée à l’invitation de la Société de Curiosités pour découvrir le projet mené au sein de WebSYNradio.
Cette soirée accueille Noël Akchoté et Jean Michel Espitallier.

Toutes les infos sur :

http://instantnet.wordpress.com/la-societe-de-curiosites/soirees-passees/en-cours/synchronisations-de-websynradio/

++ Des traces de la soirée :

http://www.varias.info/2010/02/noel-akchote-et-jean-michel-espitallier-societe-de-curiosites-websynradio/

Réserver à lasocietedecuriosites@gmail.com

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ELEMENTS

Jean-Michel Espitallier est un écrivain français né le 4 octobre 1957. Il est le cofondateur de la revue « Java » (1989-2006) qui fut l’une des principales revues de poésie et d’écritures expérimentales des années quatre-vingt-dix et deux mille. Coordinateur d’un dossier sur la Nouvelle poésie française dans le « Magazine littéraire » (mars 2001), cet « enfant terrible de la poésie française », comme le décrit l’universitaire canadien John Stout, reste un franc-tireur, inclassable, atypique et volontiers iconoclaste dans son travail comme dans son parcours. Il mène parallèlement une carrière de batteur avec le groupe Prexley, travaille avec de nombreux artistes et notamment le bassiste expérimental Kasper T. Toeplitz. Il est également membre du jury du prix du livre rock.
« Jean-Michel Espitallier est l’un des poètes les plus mobiles et véloces de sa génération… » (Patrick Kéchichian, Le Monde)

+ sur wikipedia

Page Jean Michel Espitallier sur le site du CIPM

Playlist webSYNradio

1/
Guillaume Loizillon : Sale Affaire (1999, CD Imposture TRACE 010)
2/
Charles Amirkhanian : RADII (1972, Source ubuweb)
3/
Dièse 440 : Le curé : (1981, 33t à paraître)
4/
Takehisa Kosugi : Catch Wave, extrait (1975, Source ubuweb)
5/
Tony Mottola : Kemo Kimo (1963, 33t Tony Mottola plays country & western)
6/
Charles Dodge : Speech song (1973, 33t 10+2 : American text sound pieces)
7/
David Caroll : Nola (1963, 33t Solo encores)
8/
Z’ev : Salts of heavy metals, extrait (1981, maxi 45t, Salts of heavy metal)
9/
Julien Blaine & Guillaume Loizillon : Calmar (1999, CD 3 contre 1, TRACE 009)
10/
Laurie Anderson : N.Y social_life (1977, 33t New music for electronic and recorded media)
11/
Gregory Whitehead : Ice Music (1997, Source ubuweb)
12/
Guillaume Loizillon : Logomanie (1999, CD Imposture TRACE 010)
13/
Jean François Pauvros : Trash (2007, CD Documents TRACE 026)
14/
Karlheinz Stockhausen : telemusik, extrait (1966, 33t Deutsche Gramophon)
15/
Guillaume Loizillon : fontière (2010, à paraître)
16/
Michael Nyman : Mozart (1981, 33t A day in october)
17/
Guillaume Loizillon : Géométrie (1985, inédit)
18/
Sun Ra : Sun ra meets Sun Ra, extrait (1987, John Cage meets sun Ra, Source ubuweb)
19/
Guillaume Loizillon : machinapenser (1985, inédit)
20/
Joel Hubaut : The-Beauty-In-Breathing, extrait (1992, Source ubuweb)
21/
Laurie Anderson : Time to go (1977, 33t New music for electronic and recorded media)

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Jours et heures de diffusion, semaine du 11 au 18 mars : 12h,18h, minuit, 7H puis jusqu’au 18 février, mêmes horaires.
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ENTRETIEN

TRACES

Guillaume Loizillon, Dominique Balaÿ, février 2010

Pour prolonger et éclairer sa playliste webSYNradio, Guillaume Loizillon a bien voulu se prêter à un entretien où il nous rappelle la nécessité  de mener des explorations  hors des situations figées et des contextes trop connus :

Dominique Balaÿ : La playliste comme point de départ du projet webSYNradio : s’il y a un sens négatif – pointé par exemple par Laurent Chambert dans son entretien « Playliste ou ne pas être » : la playliste comme puissant signe de ralliement mais qui appauvrit le jeu de l’échange et renforce l’uniformisation culturelle – quel pourrait être le sens positif d’un tel exercice ?

Guillaume Loizillon : Comme compositeur c’est intéressant d’interroger un objet comme la playliste. Il faut d’abord fuir la tentation narcissique qui consisterait à y introduire exclusivement son propre travail (je l’ai fait cependant en certains points). J’apprécie d’avoir à choisir dans un stock prédéfini (Ubuweb). Je fréquente moi-même ce site qui contient d’ailleurs certaines des réalisations de Trace Label. Par contre j’ai trouvé intéressant d’y adjoindre d’autres éléments, partant de l’idée de rareté, d’inédit et aussi dans la perspective globale d’une construction sonore cohérente. Je me suis demandé s’il ne fallait pas agir comme « passeur » à composer une playliste. Je crois qu’elle se doit ne pas être didactique et s’écouter un peu comme une composition ou à tout le moins une proposition d’écoute originale.
C’est pour cela que j’ai désiré monter les extraits venus d’Ubuweb, ainsi que d’ajouter d’autres éléments qui me semblent prolonger cette collection.

Dominique Balaÿ : Pouvez-vous présenter vos différentes pratiques musicales et artistiques ?

Guillaume Loizillon : J’ai une pratique musicale et artistique que j’essaye d’avoir ouverte et variée et dans la continuité de ma vie. Dans une dénomination générique, on pourrait qualifier mon travail de musique électronique ou de musique expérimentale : D’un côté,  une définition par le dispositif instrumental et de l’autre par le genre, au sens de catalogage du terme.
Les deux approches manquent évidemment leur cible. Je crois nécessaire de déployer dans le temps ma pratique pour en avoir une approche plus juste.
J’ai une formation musicale académique et universitaire (j’enseigne d’ailleurs à l’université). À ce titre j’ai donc une spécialité , un « domaine de recherche » pour employer la terminologie universitaire : la synthèse sonore, la création avec l’ordinateur, et plus généralement les frontières entre les pratiques artistiques au cours du 20ème siècle et en ce début de 21ème . On le voit, un programme et une structure qui à la fois me nourrissent mais peuvent aussi risquer de me conditionner, d’où ma forte tendance à une revendication d’indépendance et à la tentative de fuir les dogmatismes.
Le fond de ma démarche est sans doute cette confrontation avec différentes approches musicales ou sonores ainsi qu’avec d’autres disciplines artistiques.
À la fin des années 70 et au début des années 80, j’ai fondé, avec 3 amis musiciens et un ami photographe, un groupe de musique électroacoustique live, Dièse 440 : Synthétiseurs analogiques, bandes magnétiques, diffusion en multicanaux et projections d’images sur un ballon sonde (!). Ce groupe a été un véritable point de départ. Par la suite nous avons joué avec le saxophoniste Barney Wilen. Un CD est sorti en 2007 et un 33t du groupe seul est prévu pour 2010, trente ans après !!  Avec l’un des membres de Dièse 440, Claude Micheli, j’ai rejoins par la suite Hektor Zazou pour une aventure avec le musicien Zaïrois Bony Bikaye, jusqu’au milieu des années 80. J’ai aussi travaillé avec un certain nombre d’autres artistes, des poètes sonores (dénomination générique et imparfaite mais commode), Jacques Donguy, Julien Blaine, Joel Hubaut,, des chorégraphes ,J_M Matos, la Cie V.M.T et en 2005, la Merce Cunningham Dance Company pour un « event » à l’Opéra de Paris.
Par ailleurs j’ai toujours parallèlement pratiqué seul, la musique en studio d’où je sors des réalisations réellement personnelles. Deux disques chez Trace Label et différentes participations à des projets collectifs.
Les travaux de groupe ou les collaborations m’ont profondément marqué et sans doute permis d’acquérir un statut de « professionnel », ils constituent ma pratique et nourrissent mes réalisations individuelles.
Sur le plan esthétique, je crois que les musiques « électroniques », dans le sens le plus large du terme, sont faites pour cohabiter avec les musiques instrumentales et avec les autres arts. Mon prochain disque est une série de séquences électro-acoustiques sur lesquelles j’ai demandé à différents instrumentistes solistes de venir improviser.
Depuis quelques années je développe également sur le site de Trace Label, des projets collaboratifs, comme Phono-Photo ou le Territoire qui explorent le réseau en tant qu’espace d’expérimentation. Ce mode de fonctionnement est pour moi appelé à se développer et sans doute à refonder l’idée même de label musical, où le disque comme tel est un instant du processus et non pas une fin en soi.

Enfin, dans ce panorama à la fois rapide mais que je sens déjà trop long, il faut prendre en compte mon activité d’enseignant chercheur qui me confère une position d’observateur, un contact permanent avec de jeunes créateurs et me pousse à poser une réflexion sur l’idée même de recherche et d’expertise.

Dominique Balaÿ : Dans votre travail (créations musicales, direction du label Trace), les notions de collaboration/participation/échange/coproduction/interaction semblent très importantes – d’ailleurs quelles notions priviligiez vous ?

Guillaume Loizillon : Avant toute chose, il faut préciser que je ne « dirige » pas le Trace Label. Le label est un projet qui regroupe 3 individus (longtemps 4) qui chacun y mènent des projets et des réalisations propres, en consultation avec les autres. Il y a parfois des projets menés de manière commune, principalement les réalisations collectives. Bien que parfois je le regrette, il n’y a pas véritablement de fonctionnement collégial mais plutôt une somme d’énergies indépendantes qui se fusionnent dans le label. À cet égard, la composition du label reste ouverte et peut accueillir des collaborateurs au gré des projets.

Concernant les mots qui précèdent, tous n’ont pas le même statut. La coproduction a des connotations fonctionnelles, l’interaction un rapport à la technique, souvent peu réfléchi, et qui conduit à des positions parfois dogmatiques : l’interactivité comme valeur en soi du fait de sa force technologique, sans que cet « inter » , ce qui réellement se constitue à l’intersection des disciplines, ne soit réellement questionné.
La collaboration et participation sont plus intéressantes dans la mesure où elles balisent plus strictement un cheminement créatif et fondent de véritables échanges et rencontres.

Dominique Balaÿ : Et ces notions de collaboration/participation/échange/coproduction sont elles premières: faire de la musique pour être ensemble ?
Sur un plan théorique, sur un plan pratique ?

Guillaume Loizillon : Il y a bien sur de cela, mais il faut aussi voir que ces modalités d’activités sont également toutes en rapport avec les redéfinitions techniques, sociales et politiques de ce que l’on appelle la culture , dans l’époque actuelle.
Ces moyens de fonctionnement me semblent intéressants dans la mesure où ils produisent effectivement et efficacement des réalisations et non pas seulement de la valeur éthique ou conceptuelle. Quand, il y a quelques années, j’ai travaillé avec Merce Cunnigham, j’ai eu ce sentiment de la force de l’efficacité du collectif. En effet, il n’y a eu aucune rencontre ni répétition préalable. Seule une définition stricte et assumée du projet et des échanges de courrier. Toutes les composantes (danse, musique, décors) sont préparées de manières séparées et ne se confrontent qu’au moment de la représentation, et tout cela fonctionne effectivement : respect du travail de chacun et fusion de l’ensemble dans le projet esthétique.

Le modèle du groupe rock ( au-delà de la stylistique) est fondateur également, mais il s’agit ici d’y adjoindre une dimension d’exploration des conditions mêmes de la création.
Le développement des techniques de communication, avec au centre Internet, oblige à cela. Il s’agit d’entrer dans ce débat d’une manière que je crois la plus intéressante que le terrain de la loi HADOPI ou autre pensée de la reconfiguration du modèle industriel et juridique, pour moi, sans grand intérêt en regard de la situation. Les deux parties prenantes de l’affaire ne m’intéressent ni l’une ni l’autre : les valeureux défenseurs de la création et du droit d’auteur et les consommateurs insatiables de l’identique sans cesse répété.

Dominique Balaÿ : Au cœur de vos pratiques, vous placez une affirmation d’indépendance : par rapport à quoi ? Au marché, aux institutions, aux ambiances et aux pressions de l’époque ? Aux catégorisations hâtives ? Comment assumez-vous cette indépendance ?

Guillaume Loizillon : Je suis bien conscient que l’on s’exprime toujours « depuis quelque part » et que la revendication d’indépendance est en grande partie un leurre. La question est, bien entendu, celle de l’influence des structures de détermination, qui ne sont jamais absentes. Que celles-ci s’appellent, « industrie culturelle », « ministère », « université », « académie » ou même « mouvance indépendante », je crois impossible d’y échapper.
J’essaie alors d’articuler ma pratique selon la plus grande liberté possible en regard de ces modèles. La réponse, sans doute imparfaite, que j’y apporte consiste à penser que la création artistique est une réalité et qu’elle est en quelque sorte « trans structure ».
Par contre, si ce plan esthétique est pensable, une indépendance en regard de celui-ci n’aurait que peu de sens et pourrait conduire à un véritable isolement.
L’idée d’indépendance est donc celle qui conduit le plus directement à une démarche « expérimentale » pris dans le sens d’aventure et de mise en acte de la pensée critique. Bien plus que celle d’expertise, je vois la démarche d’expérimentation comme composante d’un tel programme.

Dominique Balaÿ : Indépendance et pas autonomie ?

Guillaume Loizillon : L’autonomie, en matière de pratique artistique, je ne vois pas réellement ce que cela pourrait être. Je la crains même comme un chemin vers l’isolement. Il faudrait plutôt interroger la notion de minorité, qui peut se comprendre sur même plan que l’autonomie mais qui travaille le caractère social de groupe en regard du fait majoritaire.
Par ailleurs, l’autonomie, indique que l’on se rend absent à toutes les autres constructions sociales, politiques et esthétiques, ce qui me paraît, bien plus qu’illusoire.

Dominique Balaÿ : Question centrale : Au sein du label Trace, vous avez édité les poètes Julien Blaine, Charles Pennequin… Etes vous lecteur de poésie ?

Guillaume Loizillon : Question qui force à l’introspection. Je m’aperçois que la poésie, ou plutôt le poétique, est un fondement de ma manière d’analyser et de percevoir.
L’élucidation par le poétique est aussi puissante que bien des approches scientifiques comme :
- La pensée de la perception avec l’appareillage des neurosciences.
- Les sciences humaines appliquées à la lecture de l’art

Les « Correspondances » de Baudelaire, le sonnet des Voyelles de Rimbaud, « Zone » d’Appolinaire, l’ethnographie imaginaire d’Henri Michaux, fonctionnent pour moi comme des idéaux-types qui se développent également comme analyses.
Les propositions oulipiennes, en plus du caractère jouissif, me paraissent toucher profondément la mécanique créative.
Jacques Roubaud est également une figure que je trouve stimulante dans ses propositions d’une poésie qui se fabrique en contiguïté de l’existence.

Je m’aperçois cependant, que finalement je ne lis qu’assez peu de poésie.
Les poètes sonores avec qui j’ai travaillé représentent une de cette nécessité du poétique, peut-être plus essentiellement je l’avoue, que le poème comme objet littéraire.

Dominique Balaÿ : J’aimerai vous soumettre une questions qui m’anime à l’occasion de ce projet de webSYNradio : comment peut on définir une pratique collaborative ? Ce qui revient à se demander comment est il possible d’évaluer une pratique collaborative ?

Guillaume Loizillon : Le paradoxe du projet collectif est qu’il doit être défini le plus strictement possible par un individu ou un groupe pour pouvoir s’étendre et s’articuler comme réellement un jeu de collaboration. Le modèle littéraire oulipien peut à cet égard servir de référent. Dans son exacerbation de la contrainte c’est le collectif qui émerge et avec lui la possibilité de l’invention démultipliée. Le texte de Georges Perec « La chose », sur le free-jazz est très intéressant à lire sur ce thème.
La question de l’évaluation est, souvent pour le pire, extrêmement à la mode. Si l’on ne se laisse pas piéger par ce mot dans son acception quantitative (la plus pernicieuse) c’est le développement dans le temps et dans l’espace qui donne une dimension à un projet collaboratif. La technique également est centrale dans cette mise place. C’est, je crois, l’utilisation la plus pertinente d’Internet que de le penser comme support de partage. Dans ce contexte, il faut aussi en imaginer des « échappées » :

- Concrétisation sur support à un moment donné (Livre, revues, CD, DVD …)

- Rencontre dans des lieux fédérateurs. A cet égard, le Société des Curiosités en réinventant la notion de « club » me semble apparaître comme un projet qui intègre pleinement cette situation.

Dominique Balaÿ : au plaisir d’une prochaine rencontre alors, pourquoi pas à la société de curiosités  ! WebSYNradio se veut avant tout un espace d’échange et de réflexion. Seriez vous d’accord pour vous prêter à un échange avec Laurent Chambert (qui m’a signalé votre travail) et que webSYNradio/Droit de Cités pourrait relayer ?

Guillaume Loizillon : Je suis toujours prêt à dialoguer et développer des idées et des projets. Les débats esthétiques, dans ces temps de platitudes, me semblent du plus haut intérêt … politique.

Dominique Balaÿ : à bon entendeur, merci !

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ELEMENTS

Je suis né en 1957, et je  vis et travaille à Paris. Compositeur et musicien intéressé par tous les autres médias, depuis trois décennies, je reste attaché à une certaine  indépendance et toujours attiré vers des expériences, des recherches et des développements artistiques nouveaux  : musiques électroniques, improvisation, poésie sonore, installations et rencontres interdisciplinaires avec des plasticiens ou des chorégraphes. Outre mon travail personnel, j’ai collaboré entre autres avec : « Merce Cunningham Dance Company », Barney Wilen, Joel Hubaut, Jacques Donguy, Hektor Zazou, Jean-Marc Matos, Valère Novarina …

Je désire pouvoir penser une continuité entre une certaine exigence théorique et esthétique et l’ouverture la plus large aux propositions artistiques de l’époque qu’elles opèrent depuis le champs institutionnel, industriel ou « alternatif ». Ce choix s’attache à affirmer que, dans le contexte actuel de la mondialisation et de la marchandisation généralisée, la musique  peut  encore se vivre comme un espace permanent d’expérimentation ».

Je suis également maître de conférence au département musique de l’université Paris 8. J’y dispense des cours sur la création sonore, sur les rencontres entre la musique et les différents arts.

Je suis co-fondateur de label indépendant TRACE Label spécialisé dans les musiques électroacoustiques, la poésie sonore et l’improvisation J’y développe également des projets participatifs en ligne : Phono-Photo, La Carte…

Trace label : http://www.tracelab.com/

Site de Guillaume Loizillon

Playlist # 2

1/
Jaco Pastorius / Joni Mitchell – Shadows and Light – Asylum Records / Warner
2/
Jaco Pastorius – Holiday for Pans – Sound Hills Records
3/
Jaco Pastorius / Albert Mangelsdorff Trilogue – Live ! – MPS Records
4/
Jaco Pastorius – The Early Years Recordings – King International Inc.
5/
Jaco Pastorius, Paul Bley, Pat Metheny, Bruce Ditmas – Jaco – Jazz Doors Records.
6/
Larry Coryell – The Real Great Escape – Vanguard Records
7/
Larry Coryell & Philip Catherine – Twin House – Act Records
8/
Larry Coryell / Charles Mingus – Me Myself an Eye – Atlantic / Warner
9/
Larry Coryell – Basics – Vanguard Records
10/
Larry Coryell – Bolero -
11/
Link Wray and his Raymen – The Swan Single Collection – Rollercoaster Records
12/
Link Wray – Law of the Jungle – Ace Records
13/
Kenny Burell Trio – A Night at the Vanguard – Argo / Cadet Records
14/
Eric Gale – Blue Horizon – JVC Records
15/
Tania Maria – Via Brasil ( W. Boto and Hello ) – Barclay
16/
Paulhino Da Costa – Agora – Pablo Records
17/
David Spinozza – Spinozzza – A&M Records
18/
Cheap Trick – Dream Police – Epic / Legacy
19/
Larry Coryell / The Eleventh House with Larry Coryell – Vanguard Records
20/
Larry Coryell / Larry Coryell – Victor Bailey – Lenny White – Electric – Chesky Records

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ECOUTER

La playliste de Noël Akchoté est proposée en mode lecture (pas de diffusion sur webSYNradio). A charge pour chacun de se procurer les albums…
Lire la partie 1 de l’entretien pour comprendre ce qui motive ce choix éditorial.

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ENTRETIEN

PUISSANCE DE LA MUSIQUE / DES PRATIQUES, UN QUOTIDIEN (# 2/3)

Noël Akchoté, Dominique Balaÿ, octobre 2009

A l’occasion de sa participation à webSYNradio, Noël Akchoté a bien voulu se prêter à un entretien pour « servir » ses playlistes. L’entretien s’est déroulé par écrit, au gré d’un échange de mails très chaleureux courant octobre 2009. Il donnera lieu à une publication en trois parties (correspondant aux trois playlistes, lire la première partie de l’entretien) dans la revue Droit de Cités tout au long de 2010.
A ne pas manquer :  la société de Curiosités accueille le 25 février Noël Akchoté pour une première soirée SYNCHRO (+traces de la soirée ici ) concoctée par webSYNradio.
Voici donc la deuxième partie de l’entretien… DB

#2

Dominique Balaÿ : A travers tes réponses, tu donnes à voir (les paquets de disques dans ton sac de voyage : je les vois) et à entendre (l’envie de parler, d’échanger, la pointe de l’argumentation, autant que le moteur du travail en cours, tes pratiques). Je sors d’une visite sur robertquine.com …

Noël Akchoté : Oui je pensais aussi à des johnfahey.com, freddiegreen.org, mais éventuellement aussi au « pas tout Lacan » du site de l’école freudienne, au blog de Rafael Sorin sur les pages de Libération et d’autres chose encore de la même tenue. Là aussi l’immensité du web, on se rend compte rapidement à la pratique qu’elle se rétrécit vite. Je veux dire par là que les sites sérieux sont rares (pas 10 % des occurrences sur un sujet donné je pense), que le travail d’éditeur, de producteur, de passeur est comme toujours central dans la circulation des savoirs. On va par contre trouver à l’air libre, visibles là où ils ne l’étaient pas avant, des grappes de données strictement internes ( que ce soit le blog d’ ados d’une même école, les forums de partis politiques à usage interne, les cycles ou dossiers universitaires par programme ou autres collectionneurs ou curiosa en tout genre ). C’est intéressant d’ailleurs de voir le problème des droits sur internet se poser avec l’enjeu véritablement commercial des films ou des musiques, parce que dans d’ autres champs de savoir comme le texte, ça fait déjà un moment que le ménage a été fait (difficile de trouver maintenant des partitions, des textes non libres de droits et autres archives sauf totalement privées ou auto productions). Cela dit, c’est tout à fait cohérent et logique puisque une large partie du web comme de l’évolution culturelle et commerciale s’enroule autour du « moi je », de « l’auto fiction » ou du « regarde, ça pourrait être toi » des arts visuels.

DB : La musique comme signe de ralliement social et représentation d’un pouvoir : situation de tous les arts en fait. En musique comme au cinéma : les enjeux sont industriels, il y a une histoire d’échelle et de finalité,  à la différence de la peinture.

NA : Non ça n’est pas différent pour la peinture, comme pour la banque ou tout autre domaine sauf à chercher des niches sans aucun enjeu, ou vraiment privées (encore que, il faudrait pour parler du web garder en tête que tout ce qui touche au sexe directement ou indirectement représente en gros la moitié des connexions – voir les sites « mon ex.com » par exemple ou tout ce qui est free porn , souvent de très loin ce qui est à l’avant garde des applications possibles de l’outil) – ce ne sont pas les enjeux qui sont industriels je pense, c’est la finalité mais en cela rien de nouveau sous le soleil. L’industrie et la production culturelle sont liées comme l’ampoule et la lampe à EDF. Avec une particularité française qui est le sens que prend le terme « culture » dans ce pays. Cela n’est pas du tout un hasard si l’on a des Malraux, des Lang mais aussi bien d’autres politiques dans ce domaine depuis plusieurs siècles.  En France la culture est du politique à l’état pur, ça n’est même rien d’autre au fond, et il suffit de très peu de recherche pour en trouver les preuves factuelles. La culture y produit du culturel, d’ où de tous temps aussi son animosité radicale à l’encontre de l’art et des artistes autonomes. Par définition là aussi, l’artiste n’est qu’autonome (peu importe la nature des fonds qui lui permette de l’être d’ ailleurs, de l’ascèse, de la pauvreté aux grandes fortunes familiales, il y a de toujours des ponts et des liens entre ces deux extrêmes). L’industrie a besoin de l’art, des artistes, de leurs idées là où le politique s’en méfie à l’ extrême. L’industrie fait des contrats, ensuite des objets. La culture ne produit que des agents culturels. C’est même le seul progrès majeur dans ce domaine depuis environ une vingtaine d’années, le fait que les milieux culturels soient maintenant producteurs de l’ensemble de la chaine (écoles, diffusion, théorie, programmes). C’est donc tout à fait logique de voir le politique, la culture, courir après le marché qui lui a de véritables résultats, un chiffre d’affaire sans comparaison avec les ratages quasiment congénitaux à la culture. Pour reprendre ton exemple de peintre, on connaît tous des artistes visuels qui ne produisent plus que pour la prochaine biennale ou convention, qui n’ont pour la plupart même jamais connu d’autre mode de production. En cela, la radicalité c’est depuis la nuit des temps l’art. Le cinéma de Méliès à Spielberg, de Mekas à Tourneur n’a jamais été autre qu’industriel et à projections commerciales. Ne serait-ce que parce que le plus avant-gardiste des réalisateurs aura toujours besoin de Kodak, Pathé, Sony ou Apple Mac pour produire son objet. En musique il en va de même, c’est avec l’arrivée de Leo Fender et autres productions d’instruments industriels que les choses se mettent a évoluer sérieusement, à devenir véritablement accessibles à tous et donc produisent beaucoup plus d’hybrides, de musiques que l’on n’ entendait pas avant, qui ne sortaient pas du cadre local ou familial. Si tu prends les enregistrements ethnographiques que fait Alan Lomax pour la Library of Congress, le plus obscur bluesman perdu dans les campagnes sudistes ou autres américaines joue déjà des modèles à bas prix de chez Gibson, Martin, etc. … En France, la culture étant à ce point un sujet politique, on produit des œuvres qui resteront dans ce champs et sont à consommation immédiate, les Etats-Unis entendent « cultural » autrement, c’est l’appropriation par les gens de produits culturels commerciaux, d’ où à mon sens le fait qu’il soit possible là-bas de produire des choses à la fois mainstream et chargée de sens, ou de qualité tout en restant de l’entertainement aussi. En France les milieux culturels jouent bien sûr leurs artistes contre l’art en général, l’art n’étant pas récupérable par le politique, par définition.

DB : Mais la Musique comme puissance (titre de l’entretien): finalement tu en parles peu.

NA : Ce titre, qui est ta proposition ( et à laquelle je « contre » amicalement mais comme pour essayer de peser de l’ autre coté de la balance ), résonne pour moi entre : Nietzsche  » La Volonté de » ( et je suis lecteur de Fritz … au delà des imageries du bonhomme s entend ) et le « Puissance de la Parole » qui se trouve dans les Histoire(s) de JLG ( à moins que ce ne soit le titre du film « France Telecom », je ne sais plus au juste ). Pour moi, en tant que musicien, dire « Puissance de la » çela me fait immédiatement entendre ta place d’auditeur en fait. C’est un regard porté sur une expérience je crois, alors que pour le musicien en train de musiquer (je tiens à ce néologisme!), sur l’instant, il s’agit d’autre chose. Cela n’est pas par hasard que l’on se tient à la musique plutôt qu’à l’écriture, au montage ou d’autres formes artistiques. Il y a quelque chose de radicalement avant le verbe dans la musique. Très vaste sujet encore, j’espère y revenir, qui pose la question de l’écrit (tous les écrits), de la voix (puissance de la voix, ça marche par exemple : la voix porte), du sonore, du sens et donc immédiatement aussi du politique et de l’histoire (voire même du biologique ou physiologique). C’est pour cela que j’oppose à « Puissance » les termes de Quotidien et Pratique. Pour moi la musique est avant tout une pratique et de multiples quotidiens, mais dans tous les cas aussi une même musique faite de plein d’autres. Même lorsque je suis auditeur, j’écoute la musique sous cet angle. Ce qu’elles disent en émotion, en sens, en virtuosité ou autrement c’est la nature de la musique, par définition quasiment.

DB : Ce que tu dis de la situation du musicien qui se tient dans les limites et la peau technique de l’interprète : même si chez les classiques, c’est une haute fonction, elle reste bridée, cela reste une limite (le respect, la lettre du texte, de la partition). Selon toi, et pour paraphraser Jacques Derrida au sujet de la traduction, « qu’est ce qu’une interprétation « relevante » ?

NA : Je vais profiter du fait que je collecte des citations pour divers textes à venir : « Comprendre, c’est entendre et c’est s’entendre. On ne comprend jamais tout seul. Tout comprendre prouve l’autre. » Georges-Arthur Goldschmidt ( »A l’insu de Babel ») ou :  » De temps en temps, il me semble percevoir une question qui monte des profondeurs du silence. Mais celui qui la pose ne sait pas qu’il interroge, et celui à qui elle est posée ne sait pas qu’il est interrogé. » Martin Buber ( »III- La question Secrète – Judaïsme »).  Cela dit, cette position de traducteur est quasi d’ordre théologique, c’est la question de ce qui « est ». Je ne suis pas religieux, ça n’est pas la question ici, mais ça pose justement cette question du religieux, les différents textes « saints » ne font même que cela je crois, d’où l’intérêt porté par beaucoup d’autres personnes au-delà de la seule question religieuse. Disons plutôt que ce terme d’interprète est le seul qui vaille pour moi, quelque soit le texte (sa nature de composition, d’improvisation ou autre n’y change rien à mon sens, ce ne sont que de simples conventions et traditions pour désigner une même chose). Derrida, c’est intéressant pour moi parce que c’est par là que je suis rapidement allé chercher d’autres façons d’interpréter, de dérouler, de jouer, de dire un bout de quelque chose à un moment donné.
Je suis « autodidacte » c’est ma chance : je ne comprends rien d’autre que ce que j’ai l’impression d’entendre. Chez Derrida par exemple je serais bien en peine d’expliquer sa pensée, par contre son style, son rythme, ses pulsations à égrainer les mots dans un temps donné (un espace donné, pour la page), cela m’a tout de suite rappelé ce que l’on fait dans l’improvisation. La musique en cela ne diffère pas du tout des autres formes d’arts, on ne sait pas ce qu’elle dit non plus, on sait l’effet de sidération, d’attrait, d’émotion, etc. qu’elle produit en nous. On dit souvent  » ça fait sens » mais c’est surtout que ça fait signe de quelque chose. La traduction, c’est un échec annoncé d’avance, c’est justement pour cela que l’on s’y colle  je crois. Il n y a pas moins de traduction lorsque c’est son propre texte que si c’est celui d’un autre. En cela écrire, jouer, enregistrer est toujours une expérience dont on ne sait rien avant. Au fond écrire, c’est pour se lire, jouer pour s’entendre soi même. Au bout d un moment ce qui s’y dit peut avoir des effets de « puissance » mais pour celui qui dit, son temps, son être entier est dans le dire, donc dans un quotidien, des pratiques.

(à suivre…)

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RENDEZ VOUS

le 25/02, une  soirée à l’invitation de la Société de Curiosités pour découvrir le projet mené au sein de WebSYNradio.
Cette soirée accueille Noël Akchoté et Jean Michel Espitallier.

Toutes les infos sur :

http://instantnet.wordpress.com/soirees-a-venir/jeudi-25-fevrier-2010-synchro-1-websyradiodroit-de-cites-avec-noel-akchote-akchte/

Réserver à lasocietedecuriosites@gmail.com

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ELEMENTS

Noël Akchoté est un guitariste français né à Paris le 7 décembre 1968. Du jazz à l’improvisation, en passant par la chanson, le rock ou la variété, son parcours et ses pratiques permettent difficilement de lui attribuer un style précis, pas plus qu’une appartenance à un courant ou à un milieu musical spécifique…

Discographie et bibbliographie de Noël Akchoté sur wikipedia
Textes de Noël Akchoté dans la revue SKUG
La playliste de Noël Akchoté dans les programmes non déterminés de la société de curiosités

A PLAYLIST FROM NAPOLI

1/
Don Salvato’ – Enzo Avitabile (Napoletana)

2/
Kanzone Doce – Grana (K-album)

3/
World Citizen – I Won’t Be Disappointed – Looped Piano Amadeo Pace (Babel-21grammi)

4/
Natural Warmness – Mass (Self Organizing Structures)

5/
Ancora Ancora – Mina

6/
‘O Spuorc Feat Lucariell – CoSang (Chi More Pe’ Mme)

7/
Noise ringer – Mario Masullo & Andrea Gabriele (les couleurs ne meuvent pas les peuples)

8/
Torno ccà – 24 Grana (Underpop)

9/
Turn Your Lights Down Low – Bob Marley & The Wailers (Exodus)

10/
ma si viene stasera – Alessio (Gomorra Soundtrack)

11/
Io vorrei non vorrei ma se vuoi – Lucio Battisti (Le avventure di Lucio Battisti e Mogol)

12/
Fuje Tanno – CoSang (Chi More Pe’ Mme)

13/
Few birds – Mario Masullo & Andrea Gabriele (les couleurs ne meuvent pas les peuples)

14/
When Our Wings Are Cut, Can We Still Fly 2:22 Gustavo Santaolalla Babel-21grammi Soundtrack

15/
Billie Jean (Neomelodic Cover) – Michele Jeppson

16/
Limportante e’ finire – Mina (The platinum collection)

17/
Povere Mman – CoSang (Chi More Pe’ Mme)

18/
Mass (Test Session)

19/
La neve – 24 Grana (Underpop)

20/
Esageratamente – Anthony – Gomorra Soundtrack

21/
Luce e luna – 24 Grana (Underpop)

22/
Tu Me Acostumbraste – Chavela Vargas (Babel-21grammi)

23/
ODISSEA – La Famiglia (41 Parallelo)

visibile invisibile, 2009, Digital drawing on paper, red cotton thread, cm 35×50

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ECOUTER

Premières écoutes : Jeudi 15 juillet à 12h, 15h, 19h, et 23h, jusqu’au 22 juillet mêmes horaires

Ecouter la playliste de Bianco-Valente sur votre lecteur

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ELEMENTS

Le couple d’artistes Bianco-Valente expose son travail dans le monde entier.

Giovanna Bianco est née en Italie à  Latronico en 1962, Pino Valente est né à Naples en  1967.  Leur rencontre date de l’année 1993 à Naples, leurs premiers travaux communs apparaissent en 1994, ils vivent à Naples.

EXPOSITIONS PERSONNELLES (récentes)

2010
- Costellazione di me, Galleria VM21 artecontemporanea, Roma (IT)

2009
- Arte in transito, Paesaggio urbano e arte contemporanea, curated by Brunella Buscicchio, Ex Biblioteca Provinciale, Potenza (IT) (cat) (Link) (Backstage)
- Entità risonante, curated by Valentina Tanni, Fondazione Pastificio Cerere, Roma (IT) (Link)
- Bianco-Valente (with Mass), curated by Susanna Bianchini, Artprojx Space, London (GB)

2008
- visibile invisibile, Opere video e ambienti 1995-2008, curated by Emma Zanella and Vittoria Broggini, GAM Gallarate, Gallarate (IT) (cat) (Link)
- Materia prima, Galleria Alfonso Artiaco, Napoli (IT) (Backstage)
- Alfabeto esteso, curated by Riccardo Caldura, Galleria Contemporaneo, Mestre (Ve) (IT) (cat) (Link)

2007
- Relational, Paris Photo/Statement, VM21 artecontemporanea, Carrousel du Louvre, Paris (F) (cat)
- Tempo universale, Galleria Enrico Fornello, Prato (IT)
- Bianco-Valente (Sound and Video Installations in the ancient center of Latronico), curated by Ass.Cult. Vincenzo De Luca, Latronico (IT)
- Mindscapes, offiCina, Factory 798, Beijing (CN) (Link)

EXPOSITIONS COLLECTIVES  (récentes)

2010
- NETinSPACE: Universi al confine, a cura di Elena Giulia Rossi, Museo MAXXI, Roma (IT) (cat)
- Au pair, a cura di Giacinto Di Pietrantonio e Francesca Referza, Fondazione Menegaz per l’arte, Castelbasso, Teramo (IT) (cat)
- Eutopia, a cura di Marisa Vescovo e Alessandro Carrer, Urban Planning Exhibition Center, Shanghai (CN) (cat)
- Nove artisti per « Napoli milionaria », a cura di Lia De Venere e Fabrizio Vona, Palazzo Ducale di Martina Franca, Taranto (IT)
- Avventure minime. Miocinesia nell’arte oggi, curated by Antonello Tolve, Ex Convento di San Lorenzo, Salerno (IT) (cat)
- Let’s go outside, a cura di Daniele Capra, Superstudio Più, Milano (IT) (cat)
- Draft, performing videoart and music, curated by Silvia Grandi, Palazzo Re Enzo, Bologna (IT)

2009
- Barock, Arte, Scienza, Fede e Tecnologia nell’Età Contemporanea, curated by Eduardo Cicelyn and Mario Codognato, Madre Museo d’Arte Donna Regina, Napoli (IT) (cat)
- Lumen, curated by di Raffaele Gavarro, Museo Pecci, Prato (IT) (cat)
- Aqua, curated by Laura Barreca -time in jazz 2009-, Sa Casara, Berchidda, OT (IT)
- FishEye, International Experimental Film & Video Festival, curated by Bruno Di Marino, Nuovo Cinema Aquila, Roma (IT)
- Orfeo in contemporanea, curated by Lia De Venere, Palazzo Ducale di Martina Franca, Taranto (IT)
- Videoart Yearbook 2009, curated by R. Barilli, Chiostro di Santa Cristina, Bologna, (IT) (cat)
- SalernoCreativa/New Media, curated by Alfonso Amendola, Parco Urbano ex Area Salid, Salerno, (IT)
- Camera con vista , curated by Adriana Rispoli and Eugenio Viola, Istituto Italiano di Cultura, Palazzo italia, Beograd, (SRB) (cat)

+ sur http://www.bianco-valente.com/

Playliste #2

1- Roberto de Simone « Secondo Coro delle Lavandaie »

2- Guru Guru « Oxymoron »

3- The Folk Implosion « Raise The Bells »

4- Ghedalia Tazartes « Transports 01″

5- Mick Farren « Carnivorous Circus part I »

6- Walter Wegmüller « Der Herrscher »

7- Brigitte Fontaine et Areski « L’engourdie »

8- Sunbirds « Sunbirds »

9- Amon Düül II « Soap Shop Rock: Burning Sister »

10- Ultimate Spinach « (Ballad of) the hip death »

11- Avey Tare and Kria Brekkan « Sis Around The Sandmill »

12- Yatha Sidhra « A Meditation Mass » Part 4

13- Kevin Ayers « Oleh Oleh Bandu Bandong »

14- Ghedalia Tazartes « Elie »

15- Frankie Dymon Jr. « Sylvia »

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Premières écoutes : du jeudi 15 avril au 22 avril à 12h, 18h, 00h, 8h

Ecouter la playliste de Seb Jarnot (# 2) sur votre lecteur

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ELEMENTS

Découvrir, écouter, récouter  la première playliste de Seb Jarnot pour webSYNradio (décembre 2009)

Site de Seb Jarnot

BIC AUDIO 2005

Pen on paper

1/
track 1 – 3:55
2/
track 2 – 3:31
3/
track 3 – 3:30

Ces trois pièces audios Illustrent ce qu’est le scribouillis.
Ainsi s’offre à nous une pratique conçue comme répétitive et horizontale (de gauche à droite, de gauche à droite et ainsi de suite), qui nous permet d’apprécier la chorégraphie du dessin et nous immerge dans l’ambiance colorée d’un bureau sous influence du Bic, le fabricant français de stylo bille.

Dessin 100 x 70cm, Courtesy of The JUMEX collection
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Première écoute le : Jeudi 10 décembre 18h, puis jusqu’au 17 décembre 12h, 18h, 00h, 6H

Ecouter la playliste de Ignacio Uriarte sur votre lecteur

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ELEMENTS

Ignacio Uriarte est né en 1972 à Krefeld, Allemagne.
De 1992 à 1995 il a étudié la Gestion Administrative à Madrid et Mannheim et a travaillé pour des entreprises telles que Siemens, Canon, Interlub et Agilent Technologies en Allemagne, Espagne et au Mexique.
Il a également étudié les arts audiovisuels à Guadalajara, Mexique (2000 à 2002) et a quitté son dernier job sérieux en novembre 2003, se dévouant depuis à ce qu’il nomme « l’art bureautique ». Entre 2004 et 2006 il a intégré un programme de résidence d’artiste à Hangar du côté de Barcelone où il vit et travaille actuellement. (traduction http://www.salutpublic.be/2ou3choses/)

site de Ignacio Uriarte

PING-PONG DU SERVICE DES OREILLES

Tout a été prétexte pour passer d’une pièce à l’autre : c’est à un ping-pong très amateur que nous nous sommes livrés, voire à une amicale, enthousiaste, eclectique et paresseuse partie de pétanque … De nos conversations, échanges électroniques, absences, oublis, trous de mémoire, s’est faite cette liste essentiellement incomplète.
ea & ath.

1/
Bach – Mass In A, BWV 234 – Gloria - La Chapelle Royale, Collegium Vocale de Gand, Philippe Herreweghe (5:30)

2/
Kaoru - Grand Guignol – Naked City (0:54)

3/
Speedfreaks – Grand Guignol – Naked City(0:52)

4/
Bach – BWV0095-3 – Chorale (Sopran) – Bach collegium Japan, dir. Masaaki Suzuki (1:46)

5/
Bobangi – Aka Pygmies The African Rhythms (2:39)

6/
Guillaume de Machaut – Amours qui ha le povoir, Faus samblant, Vidi dominum, motet pour 3 voix – Ensemble Gilles Binchois (2:31)

7/
Gertrude Stein – If I Told Him (A Completed Portrait Of Picasso) (3:37)

8/
Kenneth Patchen (The Chamber Jazz Sextet) – Murder Of Two Men By A Young Kid Wearing Lemon Colored Gloves (1:19)

9/
Bob Dylan – Man on the street ( bootleg series vol 1)

10/
Beethoven – Trio des Esprits – no.5 in D major, op.70 no.1 – largo assai ed espressivo – Daniel Szepec, Jean-Guihen Queyras, Andreas Staier

11/

Béranger – Mon enterrement – Arnaud Marzorati, Yves Rechsteiner, Freddy Eichelberger

12/
Anton Webern – So ich traurig bin – Jody Pou, Emily Manzo (courtesy of www.shskh.com)

13/
Elena Andreyev & Antonin-Tri Hoang – Voix mouvantes  (inédit)

14/
Extrait de la cantate 95 de Bach -  « Schlage doch bald seelige stunde » – Makoto Sakurada (ténor) , Bach collegium Japan

Image Elena Andreyev
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Premières écoutes : Jeudi 15 juillet à 12h, 15h, 19h, et 23h, jusqu’au 22 juillet mêmes horaires

Ecouter la playliste de Elena Andreyev et Antonin-Tri Hoang sur votre lecteur

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ELEMENTS

Elena Andreyev

Diplômée du conservatoire Tchaïkovski de Moscou et titulaire d’un premier prix au CNSM de Paris dans la classe de Christophe Coin, Elena Andreyev pratique le violoncelle baroque et le violoncelle moderne. Membre des Arts Florissants, elle se produit également en soliste et en formation de chambre avec divers ensembles, principalement l’ensemble s:i.c., et le trio à cordes AnPaPié, qu’elle fonde en 2002 avec Alice Piérot et Fanny Paccoud. Elle collabore avec de nombreux compositeurs et participe à des formes expérimentales, (Sextuor, Commentaires et Entre Chien et Loup de Georges Aperghis, Forever Valley de Gérard Pesson) ainsi qu’avec le groupe Wandelweiser de Berlin, Giovanna Marini (La Bague Magique) ou Fred Frith (Landing, Setaccio). Dédicataire de pièces pour violoncelle seul (Aperghis, Pesson), elle vient d’en réaliser un enregistrement qui paraîtra en 2010. Elle est aussi poète.

www.trioanpapie.org

Antonin Tri Hoang

Duo

1. Conversation 1

2. AnnaO – La bébée Princess (introduction de l’album à paraître « She was a Princess »)

3. Conversation 2

4. SuperBravo – Dewdrop (extrait d’un album à paraître)

5. Haussmann Tree – One Sunday in 1979 (extrait d’album en préparation)

6. Conversation 3

7. Tristan Poupée – Chanson d’Icelle (extrait d’album en préparation)

8. Alain Descarmes – XXL

9. AnnaO – Je t’aime (extrait de l’album à paraître « She was a Princess »)

10. Conversation 4

11. Jean-Pierre Balpe – La course

12. AnnaO – 20h24 (extrait de l’album à paraître « She was a Princess »)

13. Tristan Poupée – My paper crown (extrait d’album en préparation)

14. Séverine – Sans lasso (extrait de l’album « Blàa »)

15. Conversation 5

16. Lou – La prunelle de mes yeux (extrait de l’album à paraître « Et après on verra »)

17. AnnaO – Since-Toute (inédit)

18. Anne Kawala – J’aime dehors

19. Françoise – Quite another Game (extrait de l’album « Dear »)

20. Conversation 6

21. Mark Mulholland – Hands of a clock (extrait de l’album « The Devil on the Stairs »)

22. Christophe Marchand-Kiss – Putsch (penser rien)

23. Barbara Carlotti – Cannes (extrait de l’album « Les lys brisés »)

24. Conversation 7

25. Nicolas Comment – Campagne dernière (extrait d’un album paraître)

26. AnnaO – Gare de l’Ouest (extrait de l’album à paraître « She was a Princess »)

En écho à la Carte blanche offerte à AnnaO du 19 avril au 21 avril 2010 à La Générale (14 avenue Parmentier – Paris), cette playliste webSYNradio propose une présentation de la démarche et du travail plastique, musical et poétique d’AnnaO, mais aussi des Conversations avec Alain Descarmes détaillant les parcours de ses invités poètes, écrivains et musiciens, des extraits de son album à paraître « She was a Princess » produit par Marc Collin + inédits & des morceaux de ses invités.

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Premières écoutes : du jeudi 15 avril au 22 avril à 13h36 »,  19h36′,  1h36′,  9h36′

Ecouter le duo AnnaO et Alain Descarmes sur votre lecteur

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ELEMENTS

AnnaO

Anne-Olivia Belzidsky dite AnnaO est poète, musicienne et plasticienne.

Publications : Action Poétique, Le Zaporogue #7, RUNBOOK-Art book

« She was a princess », album à paraître, imaginé par AnnaO & Marc Collin.

Elle s’est produite en tant que musicienne et/ou en tant que poète au Théâtre des Bouffes du Nord, aux trois baudets, à la Maison de la Poésie, à la Flèche d’Or, etc.

http://www.myspace.com/annaoetc
http://www.facebook.com/pages/AnnaO-etc/21657695661
http://annaoetc.blogspot.com/
http://www.facebook.com/pages/by-AnnaO/171055891939

Alain Descarmes

Auteur d’un premier recueil de poésie intitulé « Aucune Bretagne », Alain Descarmes donne de nombreux extraits de son travail à lire sur internet – récits, « instantanés », blog/atelier, roman en ligne in extenso, participations à des projets collectifs & revues (Runbook, Zaporogue, etc.). Il est également journaliste en presse écrite & web.

http://descarmes.blogspot.com/
http://beauteetbeaute.blogspot.com/
http://www.myspace.com/alaindescarmes

EST-CE DANS L’ESPRIT ?

1/Die Gedanken Sind Frei
Inédit
version d’un chant allemand du début du 19° siècle
voix : Rodolphe & Simon Burger
2/La Stanza
rareté
version italienne de « la chambre » de Kat Onoma, enregistrée à Milan avec le groupe Dining Rooms
3/Wild Thing
inédit
enregistrement live de la reprise des Troggs par Kat Onoma, Casino de Paris 1994
4/Cheval Mouvement
inédit
version live de Cheval Mouvement (Olivier Cadiot/R Burger)
enregistrée live à l’Akropolis à Prague avec le Meteor Band Extended
voix : R Burger & Black Sifichi
5/Demons in the details - R.Burger
Inédit
texte : John Giorno
musique: R Burger
Musique du spectacle Pavlova de Mathilde Monnier
6/Going Going Gone
Inédit
texte : Kathy Acker
musique : R Burger
voix : R Burger & Hélène Mathon
enregistrement Joël Theux au studio Klein Leberau
7/Je Nage – R.Burger
version live inédite d’un titre de l’album Hôtel Robinson (R Burger & Olivier Cadiot)
musique R Burger
voix : Gilles Deleuze
enregistrée à Alfortville par Joël Theux
8/Kimono – R.Burger
version live inédite d’un titre de l’album Meteor Show
texte : Anne Portugal
musique : R Burger
enregistrée à Alfortville par Joël Theux
9/Lady Mine
Inédit
texte Kathy Acker
musique : R Burger
voix : R Burger & Hélène Mathon
enregistrement Joël Theux au studio Klein Leberau
10/Long Legged Fly
version live inédite d’un morceau de Meteor show
texte : Yeats
musique : R Burger
enregistrée à Alfortville par Joël Theux
11/Prague
Inédit
Enregistrement live en studio avec le Meteor Band (Marco de Oliveira & Arnaud Dieterlen)
musique : R Burger
12/Road Trip – R.Burger
Inédit
texte : Stacy Doris
musique : R Burger
Enregistrement live en studio avec le Meteor Band (Marco de Oliveira & Arnaud Dieterlen)
13/Slow Rider
Rareté
version détournée d’un titre d’Eric Burdon
paru sur la compilation Dernière Bande 2001
Enrgistrement marco de Oiveira au studio Holzwaren
14/Sweet Jane
Inédit
reprise du morceau de Lou Reed
Enregistrement live en studio avec le Meteor Band (Marco de Oliveira & Arnaud Dieterlen)
15/Venus in Furs
Inédit
Reprise du morceau du Velvet Underground
Enregistrement live à Cavaillon avec le Meteor Band Extended (Marco de Oliveira & Arnaud Dieterlen + Lionel Pierres & Johan Guillon)
16/Waiting for my Man
Inédit
Reprise du morceau du Velvet Underground
Enregistrement live à l’Akropolis à Prague avec le Meteor Band Extended (Marco de Oliveira & Arnaud Dieterlen + Lionel Pierres & Johan Guillon)
voix : R Burger & Black Sifichi
17/Listen to liberty
Inédit
texte : Stacy Doris
musique: Rodolphe Burger
production: Yves Dormoy
18/Te suivrai-je ?
rareté (paru dans une compilation des Correspondances de Manosque)
texte : Eugène Savitzkaya
musique : R Burger
19/A wind suffers – R Burger
Demo inédite
Rodolphe Burger
voix : R Burger & Hélène Mathon
20/Stack O’Lee
inédit (démo coupée)
texte & musique : Sonny Boy Williamson
21/Porgy & Bess
Inédit
texte : Hélène Bessette
musique : R Burger
voix : Jane Birkin & R Burger
enregistré au Théâtre de la Colline lors d’un hommage à Hélène Bessette

photo Myriam Devidal- affiche concert Sète Novembre 2009
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Première écoute : Jeudi 25 mars 18h, puis jusqu’au 1er avril 12h, 18h, 00h, 6H

Ecouter la playliste de Rodolphe Burger sur votre lecteur

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Rodolphe Burger, né en 1957, passe son enfance dans la vallée de Sainte-Marie-aux-Mines. En 1980, il fonde le groupe Dernière Bande à Strasbourg, qui deviendra Kat Onoma en 1986 et perdurera jusqu’en 2004. Il en est le chanteur, guitariste et principal compositeur.
Il développe parallèlement à Kat Onoma une fructueuse carrière solo alternant disques davantage marqués par l’électronique (dont Meteor Show, qui reçoit en 1998 le prix Charles-Cros), ciné-concerts avec l’écrivain Pierre Alferi et collaborations diverses : James Blood Ulmer, Alain Bashung, Olivier Cadiot, Erik Marchand, Yves Dormoy, Jeanne Balibar, etc.
En 2002, il crée sa propre société de production et d’édition en reprenant le nom « Dernière Bande ». Depuis, il multiplie les projets liés au son et à l’image, s’écartant parfois notablement du rock des débuts de Kat Onoma mais exploitant les possibilités expérimentales que ce groupe contenait déjà en germe.
Rodolphe Burger apparaît dans Ne change rien, un film réalisé par Pedro Costa, présenté au festival de Cannes en mai 2009.
Sa rencontre avec des musiciens ouzbeks à Tachkent lui inspire le Projet « Planetarium Ousbek » mené en collaboration avec Yves Dormoy
Il a également créé le festival C’est dans la Vallée dont la 10° édition aura lieu du 7 au 10 octobre prochains.

Créations en cours:

Hommage à Mahmoud Darwich ( scène Nationale de Sète)
Faustus, lights the lights, opéra de Gertrud stein, adaptation Olivier Cadiot, musique RB, mise en scène Ludovic Lagarde
Hommage au Velvet (scène nationale de Sète, mai 2010 Festival d’Avignon 2010, concert dessiné avec Dupuy & Berberian, Cour d’Honneur, le 24 juillet)

Rodolphe Burger sur wikipedia

Site de Rodolphe Burger

Playliste #1

1/
Patti Smith – « Mary Jane »

2/
The Velvet Underground – « The gift »

3/
Can – « Oh Yeah »

4/
Silver Apples – « Program »

5/
Enrico Simonetti With Goblin – « Amore e Morte »

6/
People Like Us – « Dolly Pardon »

7/
Tuk – « German Holidays »

8/
Sonic Youth – « Providence »

9/
Kim Gordon / Ikue Mori / DJ Olive – « Stuck On Gum »

10/
Die Goldenen Zitronen – « Wenn ich ein Turnschuh wär »

11/
Fuck Buttons – « Bright Tomorrow »

12/
TBA – « Tbc Geo Doc. »

13/
The Alps – « Hallucinations »

14/
Chris Garneau – « Relief »

15/
Aphex Twin – « Kesson Dalef »

16/
Erik Satie – « Four Gnossiennes 1-Lent »

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Premières écoutes les : Jeudi 3 décembre à 12h,18h, minuit, 6H puis jusqu’au 10 décembre, mêmes horaires

Ecouter la playliste de Seb Jarnot sur votre lecteur

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Ce travail personnel fait régulièrement l’objet d’expositions et de participations à des projets artistiques en Europe et aux Etats Unis (Cavalier, We Are Familia…).

Découvrir la playliste #2 de Seb Jarnot

Site de Seb Jarnot

POESIE SUR ECOUTE ET LECTURE VERSATILE

1- Pierre Ménard : Au jour le jour (05:20)

2- Pierre Ménard : Neige (03:05)

3- François Bon : Lecture de la page 48 du livre Le clavier cannibale, écrit par Claro et publié aux Éditions Inculte, en 2009.

4- Drone / Pierre Ménard : Veille, extrait de Noir de monde [Digitalbiotope] (02:48)
http://liminaire.fr

5- Drone/ Pierre_Ménard : Elegante, extrait de Noir de monde [Digitalbiotope] (03:04)

6- Pierre Ménard : Le monde nouvelle formule (03:04)

7- Pierre Ménard : Ca c’est l’amour (06:36)

8- Dominique Pinon (Hamm), Charles Berling (Clov) et Christiane Cohendy (pour les didascalies) lisent la page 48 de la pièce de Samuel Beckett, Fin de partie de Samuel Beckett (01:30)

9- Pierre Ménard : 64 secondes (01:04)

10- Drone_/ Pierre_Menard : Intimite, extrait de Noir de monde [Digitalbiotope] (03:00)

10-Drone / Pierre_Menard : Morsure, extrait de Noir de monde [Digitalbiotope] (03:44)

11- Lise N. lit la page 48 du livre de Jean-Pierre Vernay, Fragments du rêve,
publié dans la collection Présence du Futur, aux éditions Denoël, en 1990.
Texte lu par Lise N.

12- Anne Savelli lit la page 48 de son livre, Cowboy Junkies / The Trinity Session, publié par Le Mot et le Reste, dans la Collection Solo, en 2008.

13- Pierre Ménard : Histoire (02:42)

14- Pierre Ménard : Drums and Guns (10:29)

15- Drone/ Pierre_Menard : Domino, extrait de Noir de monde [Digitalbiotope] (01:52)

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Ecoutes semaine du 1er au 8 avril: tous les jours à 21H00

Ecouter la playliste de Pierre Ménard sur votre lecteur

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Pierre Ménard est né en 1969, il vit à Paris. Il est bibliothécaire. Il anime régulièrement des ateliers d’écriture et de création multimédia. Présent au travers d’interventions en revues, il développe, parallèlement à son activité littéraire, une production sonore, tant en radio (France Culture, Nova Radio), que sur internet, à travers ses audioblogs (Page 48 : lectures versatiles, et Radio Marelle : poésie sur écoute), et ses créations sonores.

Il a publié Le spectre des armatures aux éditions Le Quartanier, en 2008. Il participe au comité d’orientation et publication de Publie.net et y anime la revue de création Internet : d’ici là. Il y a fait paraître deux ouvrages, En avant marge et En un jour (avec Esther Salmona) en 2008. Il a également publié Quand tu t’endors (album illustré par Mini labo), aux éditions Actes Sud Junior (album traduit en italien), ainsi que participé à deux ouvrages collectifs : Il me sera difficile de venir te voir (Correspondances littéraires sur les conséquences de la politique de l’immigration en France), publié par les éditions Vents d’ailleurs, et Écrivains en série, un guide des séries (1948-2008), publié chez Léo Scheer, dans la collection Laureli.

http://www.liminaire.fr

http://page48.blogspot.com

http://radiomarelle.blogspot.com

CARTOGRAPHIE SONORE

1/
Ocean Music 1968 – Walter De Maria – Drums and Nature

2/
Le condamné à mort – Jean Genet & André Almuro – Le condamné à mort

3/

Quatre Gnossiennes (lent) – Erik Satie – Pièces pour Guitare

4/
Jean Baudrillard with the chance band – Suicide moi

5/
bang bank – Martin kippenberger – Greatest Hits

6/
Dancing in the Carmen – People Like Us & Ergo Phizmiz – Rhapsody In Glue

7/
Quatre Gnossiennes (lent) – Erik Satie – Pièces pour Guitare

8/
Robbe-Grillet – Aspen – 40 Kbits

9/
Hisnia & hernia – Anthony J. Gnazzo – Big Ego

10/
Ja, Ja, Ja, Nee, Nee, Nee(Für Erwachsene) – Martin Kippenberger – Greatest Hits

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Premières écoutes : Jeudi 22 avril à 12h,18h, minuit, 6H puis jusqu’au 29 avril mêmes horaires

Ecouter la playliste de Frédéric Sanchez sur votre lecteur

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ENTRETIEN
Frédéric Sanchez, Dominique Balaÿ avril 2010

Vos premiers chocs musicaux ?
Mon premier choc musical, le disque des Beatles « Abbey Road », date de mes six ans. Je l’ai adoré surtout la deuxième face avec les titres qui s’enchaînent les uns après les autres comme une mélodie continue, infinie.
Puis il y a eu l’Album Blanc et en particulier le morceau Revolution 9, véritable chaos sonore constitué de boucles, de bandes jouées à l’envers, de musiques et de voix parlées étranges.
Ensuite je me suis surtout intéressé à la production autant pour la sonorité que pour le coté visuel du disque. Mes dieux se nommaient Brian Eno, Steve Lillywhite, Martin Hannet, Gilles Martin, Chris Thomas, Tony Visconti.
La musique est elle ce à quoi vous attachez le plus d’importance dans la dimension sonore ?
Non, ce qui retient mon attention c’est l’ensemble qui aboutit au disque. Plus que la musique, c’est l’univers qui s’en dégage. Voilà pourquoi je m’intéresse plus à la production qu’à la musique elle-même.
Votre rapport à la compilation, à la sélection ?
Pour moi la création d’une playliste est entièrement suggérée par l’idée de raconter une histoire. J’ai toujours aimé les albums conçu comme des livres : les concepts albums comme « La mort d’Orion » de Gérard Manset, « Berlin » de Lou Reed ou « Melody Nelson » de Serge Gainsbourg, les disques avec des personnages comme chez David Bowie ou un fil conducteur fort comme « In the court of the Crimson King » de King Crimson.
Qu’est ce qui a guidé votre choix pour cette playliste que vous livrez aux auditeurs de webSYNradio ?
Dans cette playliste, on pourrait y voir une autobiographie qui raconte un parcours individuel. Ce sont des titres qui se rapportent souvent à des évènements personnels et à mon rapport avec différents médiums (la mode, l’art contemporain et la littérature) qui sont à la base de mon travail.
Comment intégrez vous la commande dans votre travail, comme une contrainte, une stimulation, une nécessité ?
Comme une stimulation. Quand j’ai commencé à travailler sur les bandes sonores des défilés, c’était un véritable travail de création et de rencontres qui existe sans doute moins aujourd’hui. Je reviens toujours à cette idée de raconter une histoire et c’était bien le propos des défilés. De même mon travail actuel (cf. les pièces sonores que j’ai réalisées au Louvre ou à la galerie Serge Le borgne) est dans le même esprit. Utiliser le son comme un médium afin que le visiteur se transporte lui-même à travers une histoire.
Vous sentez vous partie prenante d’une filière ou d’une profession ?
Je me sens plutôt comme un franc tireur et je suis assez circonspect sur la place du son dans les lieux, notamment les lieux publics. S’il fallait en effet une plus grande reconnaissance de la place du son dans l’espace, il ne faudrait pas tomber dans le même travers que pour les images. Il y a déjà beaucoup de son partout, mais peu de gens se pose la question de sa pertinence.
Pouvez vous nous expliquer ce que représente pour vous la collaboration avec d’autres artistes ?
Toutes les collaborations que j’ai faites sont des rencontres mais toutes les rencontres n’ont pas abouti à des collaborations. En fait, comme vous l’avez noté, j’en ai réalisé très peu sans doute parce que je ne les sollicite pas et qu’elle sont dues au hasard et au désir de travailler ensemble sur un projet.
La production vous intéresse t-elle ? Pourriez-vous développer une activité de producteur/éditeur ?
La production quand elle est liée à un travail de direction artistique – comme on l’entend dans les pays anglo-saxons – est l’une des choses qui m’intéresse le plus. Cependant je ne me vois pas, de loin, faire ce travail moi-même.
Dans votre travail, vous avez eu l’occasion de croiser le marché à de nombreuses reprises 
et d’entretenir des relations privilégiées avec des marques : quelle différence faites-vous entre un contexte d’installation dans une galerie d’art et une commande pour une marque ?
Il y a une véritable différence entre la réalisation d’une pièce pour un musée ou une galerie et une commande. Une œuvre sonore n’engage que moi tandis que le travail que je réalise avec les marques entraîne certaines contraintes. Cependant la contrainte peut parfois aboutir à des réalisations extrêmement créatives. Sinon, je ne vois pas de différence entre mon travail en Europe et à New York. J’aime surtout avoir en face de moi des personnalités fortes.
Le texte présentant votre exposition « une utile illusion » qui s’est tenu récemment à la galerie Serge le Borgne met en avant la notion de continuité dans votre travail. Pouvez vous nous en dire plus sur cette notion : l’appliquez vous au matériau sonore lui même ?
Je parle de continuité parce que le travail que je réalise maintenant est le même que celui que je faisais dès le début. Que ce soit pour la mode, l’art ou tout autre médium, j’ai toujours eu la même relation avec le son. Cette idée de raconter une histoire. Une propension à penser que le son est intimement lié à l’environnement et aux émotions. Emmener les gens quelque part pour ensuite les laisser se perdre dans leurs propres rêves.

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ELEMENTS

Frédéric Sanchez est né en 1966. Il travaille le son depuis 1988. Ses premières créations sont pour la Mode : il conçoit les bandes sonores des défilés happenings du créateur belge Martin Margiela. Aujourd’hui Miuccia Prada, Marc Jacobs et Jean-Paul Gaultier, entre autres, font appel à lui pour illustrer leurs défilés d’images sonores.
Depuis 1998, il collabore avec des artistes et travaille à la conception d’oeuvres indépendantes. Il conçoit également l’environnement sonore d’espaces publics. Il intervient aussi comme arrangeur musical.

INSTALLATIONS
« une utile illusion »
Installation sonore – Galerie Cent8 Serge Leborgne – Paris – 2010
« Gainsbourg, artista, cantor, poeta etc… »
Commissaire – SESC – Sao Paulo – 2009
« Gainsbourg 2008 »
Commissaire – Cité de la Musique – Paris – 2008
« Castles In The Air »
Permutations 40 Artistes – 01 Musée Vide – Valence – 2008
« Castles In The Air »
Installation sonore – Galerie Cent’8 Serge Leborgne – Paris – 2007
« Console »
Performance sonore – FIAC – Grand Palais – Paris – 2005
« Ondes visibles »
Installation sonore – Réouverture de la Nef du Grand Palais – Paris – 2005
« La Salamandre »
Installation sonore – Exposition « Contrepoint » – Musée du Louvre – Paris – 2004
« Barca sua » et « E la nave va »
Créations musicales – Fondation du Musée d’Art Contemporain Grand Duc Jean – Biennale d’art
contemporain – Venise – 2001
« Bal(l)ade »
Promenade virtuelle et sonore – Fondation du Musée d’Art Contemporain Grand Duc Jean
Luxembourg – 2001
Creative Time in the Anchorage: Exposition Meaning in Fashion Through Presentation
Installation sonore – New York – 1999

++ site de Frédéric Sanchez