L’AUTRE N’EST PAS TOUJOURS INVISIBLE … TROUVEZ LE … TROUVEZ MOI

1/ Attlal, 2min
Philippe Mallier
La bande-son de la vidéo Attlal, reprend les lamentations de la chanteuse et leur donne un sens nouveau, les plaintes originelles se transformant en des soupirs aux connotations quasi sexuelles.

2/ Paul D. Miller, A.K.A. DJ Spooky (« the mix » as culture and as metaphor)

3/ The American Gift, 1976
Vito Acconci

4/ Morning to noon
Jean-Claude Risset, Sud (1985)

5/ President Bush from Redoing Childhood
Kathy Acker

6/ Break Word
Suhair Hamad
http://www.youtube.com/watch?v=U-viSN3HvsI&feature=related

7/ Black and White # 1
The Black and White # 1 video’s soundtrack is a slowed-down music-box sounds and echoed by the rotating carousel-like movement of much of the footage, and the audible voices of the military personnel underscore dehumanizing elements of the blurrily abstracted scene of destruction from afar.

8/ Varp1(extrait)
Soundtrack de la vidéo Femme et mari par La Kuzine
«…le contraire de l’image est le noir. Le noir reviendrait à être l’absence d’image donc le vide. Mais, sans le vide l’image ne peut se révéler. Le vide est à l’origine du monde visible. Le vide n’est pas le vide. Le vide est plein, le noir est riche car en lui existe toutes les images à venir…»
Zoulikha Bouabdellah, Octobre/2004-10-12

9/ La Robe
The soundtrack of the video La Robe is made of woman ul-ulating, rejoicing using their tongues and voices, as they do in the Arab world and in Africa. It is a signal emblematic of their presence and their existence. Being the women’s means of undisputed expression, this distinctive sound translates the states of their souls in both happy and tragic circumstances.

10/ Atomium, mium, mium (extrait)
Soundtrack de la vidéo Vois-le par Karim love
« En choisissant de jouer avec le voile, elle transpose l’opposition qui existe entre une image intérieure et une image extérieure sur le plan symbolique. Nous assistons à un dévoilement symbolique qui apparait comme un geste de liberté ultime. A l’évidence, nous sommes invités à nous méfier des apparences.
Extrait: Simon Njami, catalogue « L’image révélée », Tunis, Tunisie, 2006

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Première écoute : jeudi 23 septembre à 12h, 15h, 19h, et 00h, jusqu’au 30 septembre mêmes horaires

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Plasticienne et vidéaste franco-algérienne, Zoulikha Bouabdellah est née à Moscou le 20 juin 1977. Elle grandit à Alger jusqu’à l’âge de 16 ans avant de venir en France en 1993, alors que la guerre civile éclate.
Diplômée de l’École nationale supérieure d’arts de Cergy-Paris en 2002, Zoulikha Bouabdellah concentre son travail sur le déséquilibre et la dualité des cultures. En 2004, à l’occasion de l’exposition Africa Remix au centre Pompidou, l’artiste présente la vidéo «Dansons». En gros plan, on y voit son ventre orné de trois foulards superposés de couleur bleu, blanc et rouge, exécutant une danse orientale avec La Marseillaise en fond sonore. Insolente, drôle et surprenante, cette œuvre s’impose aujourd’hui comme une anticipation et une réponse aux débats qui se déroulent actuellement en France sur l’identité et le rapport à la Nation.
Ce questionnement se retrouve dans de nombreuses photographies évoquant le patrimoine algérien et français de l’artiste. Dans le triptyque intitulé «Ni entendu, ni parlé, ni vu», Zoulikha Bouabdellah pose avec un couscoussier qu’elle place tour à tour sur ses oreilles, sa bouche et ses yeux, comme pour dénoncer le silence et l’indifférence. Dans «Cité Dallas à Oued Zenati», l’artiste retravaille une photo de famille prise lors d’un mariage en affublant chacune des femmes du patronyme d’un des personnages du célèbre feuilleton américain. Une manière de s’interroger sur ses compatriotes qui nourrissent leurs fantasmes d’occidentalisation.
En 2008, Zoulikha Bouabdellah est récompensée par le prix Meurice pour l’art contemporain pour son œuvre «Le Baiser». Cette sculpture en bois, composée de deux colonnes dorique et ionique qui s’embrassent en un mouvement circulaire, célèbre la sensualité et le mouvement des corps. L’année suivante, l’artiste remporte le prix Abraaj Capital avec «Walk on the Sky, Pisces». Inspirée par un épisode légendaire entre le roi Salomon et la Reine de Saba, cette monumentale installation lumineuse est composée d’un toit formé de diodes dessinant la constellation du Poisson et se reflétant tel un miroir sur un sol parfaitement poli.
Zoulikha Bouabdellah vit et travaille à Paris.

http://www.zoulikhab.net/

CHOIX UNIQUE
Alvin Lucier : I’m sitting in a room (1969)

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Première écoute : jeudi 19 août à 12h, 19h, et 00h, jusqu’au 26 août mêmes horaires

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Boris Achour, né à Marseille en 1966, est un artiste français.
Il est co-fondateur, en 1999, de Public, à Paris, un espace d’art contemporain géré par des artistes et curateurs indépendants. En 2002, il co-fonde Trouble, une revue d’essais critiques, avec Claire Jacquet, François Piron et Émilie Renard, qui sont rejoints, en 2005, par Guillaume Désanges.
Il enseigne à l’ENSAPC depuis janvier 2010.

Expositions personnelles récentes :
2009
Conatus : La rose est sans pourquoi, FRAC Champagne-Ardenne, Reims
Conatus : Celui dans la grotte, Galerie Georges-Philippe et Nathalie Vallois, Paris
2008
Conatus : A Forest, Montehermoso Cultural Center, Vitoria, Espagne (cat.)
Conatus : Timescape, Galerie Cesare Manzo, Rome, Italie
IIIIIIIIIIII, Galerie des Multiples, Paris (cat.)

Expositions Collectives récentes :
2010
Double Bind/Arrêtez d’essayer de me comprendre!, Villa Arson, Nice (cat.)
L’obstacle est la tautologie, Atelier de Benoît Maire, Paris (cat.)
2009
GAGARIN The Artists in their Own Words, S.M.A.K, Gent, Belgique
Les archipels réinventés, Centre Georges Pompidou, Paris (cat.)
Faux Jumeaux, S.M.A.K, Gent, Belgique (cat.)
La Force de l’Art, Grand Palais, Paris (cat.)

http://borisachour.net/

Partant du lieu commun « femme = privé / homme = public », je souhaite analyser comment ces femmes mettent en question cette dichotomie et opèrent la désarticulation de la norme construite tant dans leur art que dans leur profession où l’on assimile souvent la précarité ou la flexibilité comme étant le fait des femmes, le génie ou la réussite revenant aux hommes. J’analyserai tant la visibilité de ces artistes que leurs représentations de femmes de pays d’Islam dans l’espace public français alors même qu’elles subissent une double discrimination.

En effet, en même temps que les femmes musulmanes dans les pays d’Islam sont retranchées dans l’espace du Mahrem, de l’intime, du privé, les femmes voilées se retrouvent au sein de l’espace public français sont tout autant invisibilisées. Dans cet espace public français surviennent toutefois des expositions — tant collectives qu’individuelles — par le bais des réseaux de femmes artistes qui s’emparent de la question. Ces femmes abordent des questionnements liées à leurs patries, leurs cultures d’origine (transformées par les luttes et les guerres) et en profitent pour nous donner leurs points de vue sur la place et le rôle des femmes dans ces changements.

J’analyserai la dimension politique de ces œuvres ainsi que le contexte dans lequel celles-ci sont rendues publiques afin de saisir les risques inhérents à leurs créations. Dans une première partie, je m’attacherai à saisir les logiques plurielles à l’œuvre pour mieux comprendre la façon dont elles s’inscrivent dans un ensemble de pratiques et de discours tant dans les trajectoires individuelles que collectives.

Dans un second temps, j’explorerai la manière dont les mondes de l’art interprètent les « femmes de pays d’Islam ».

I / « je » : la créativité féminine postcoloniale de pays d’Islam en France

Commençons par présenter un échantillon du travail qu’effectuent Zineb et Zoulikha, qui appartiennent à deux générations différentes d’artistes, afin de repérer les phénomènes de transmissions intergénérationnelles, cela afin de définir leur rapport à la catégorisation esthétique dont elles font l’objet : « femmes artistes du monde arabe » et/ou « de pays d’Islam ». Le choix de l’Algérie résulte de ma volonté de rendre cohérente une lecture de l’histoire coloniale et postcoloniale française.

Zineb Sedira est née en 1963, de parents algériens immigrés en France après l’indépendance de l’Algérie et a grandi à Gennevilliers. Elle part étudier les beaux arts en Angleterre où elle est installée depuis 1986. Son œuvre se lit comme une autobiographie mettant en lumière les paradoxes de sa double identité algérienne et française, auxquels s’ajoute son statut de résidente en Angleterre. A son arrivée à Londres, Zineb côtoie des membres femmes du black art tel Sonia Boyce, Zarina Bhimji et Pauline de Souza. Elles créent en 1998 le « Black Women Artists Study Group » qui l’ancre dans un contexte féministe. Zineb appartient à la deuxième génération des FAPI, elle expose depuis les années 90. Elle questionne et interprète le voile comme symbole de la dichotomie entre les images familières occidentales et les icônes et rituels arabes islamiques.

Cette thématique est encore plus présente dans les travaux de Zoulikha qui appartient à la troisième génération et expose depuis les années 2000, dans le contexte des débats suscités par la loi sur la laïcité de 2004.

L’affirmation d’une identité féministe postcoloniale hybride : du masque noir aux voiles bleus-blancs-rouges

Durant les débats sur le voile islamique, ce dernier a été considéré – tant par la classe politique que dans les débats féministes – comme symbole de l’absence de possibilité d’émancipation féminine. A cet effet, les FAPI utilisent le visage, la figure, le corps comme objet de questionnement de cette vision simpliste afin d’affirmer une identité multiple du voile. Les œuvres de Zineb Sedira prennent position en questionnant puis en contestant l’image simplificatrice qu’on prête au voile cela en explorant la polysémisation du signe. Zoulikha Bouabdellah, quant à elle, met en question l’idée reçue consistant à y voir un objet relié de manière identitaire à l’Orient afin de se positionner de façon universelle car hybride.

Self Portrait or the Virgin Mary (2000) est un triptyque photographique qui présente une femme portant le haïk, long voile algérien qui ne laisse entrevoir que les yeux. On la voit debout dans trois poses différentes mais sans que nous puissions jamais voir son visage. Vêtue de son voile blanc, elle apparaît sur un fond blanc symbole de spiritualité. Compte tenu de cette luminosité presque céleste, cette femme peut être aisément confondue avec la Vierge Marie ou encore une bonne sœur dont elle épouse les caractéristiques visuelles. En Occident, le voile noir, assimilé au voile islamique, est toujours perçu comme agressif. En s’appropriant de cette façon le blanc, Zineb Sedira suscite une autre réaction, un autre regard. Elle met en avant la sémantique commune des pratiques religieuses. En bouleversant des codes visuels sujets aux préjugés, elle invalide l’antagonisme entre l’islam et l’Occident.

Le jeu avec la binarité des signes fait l’objet d’un détournement similaire dans les œuvres de Zoulikha Bouabdellah. Née à Moscou en 1977, Zoulikha a ensuite grandi en Algérie jusqu’à obtention du baccalauréat. Elle rejoint Paris pour effectuer les Beaux Arts à Cergy. Dans sa vidéo Dansons, 2003, elle prend part au débat qui ont suivi les sifflements de la Marseillaise durant un match de foot entre la France et l’Algérie en 2002, et au débat sur le voile. Elle s’ en explique : « j’en étais affectée car ceux qui l’ont sifflée, ce sont des français ». Dans cette vidéo, les voiles bleu, blanc et rouge symbolisent le drapeau français, l’identité nationale française et obèrent l’équation « voile = islam », cela d’autant plus que ces voiles sont utilisés comme simples bouts de tissu. Noués à la taille, ils permettent la mise en valeur des hanches, procédé technique nécessaire pour effectuer une danse orientale sur un air représentatif de l’identité française : la Marseillaise. Zoulikha montre donc son attachement à la France et à l’Orient en brisant les préjugés autour du voile comme symbole de l’Orient, intégrant celui-ci en de multiples jeux. L’art de Zoulikha cherche inlassablement à mettre en évidence ce qui rapproche comme ce qui éloigne les individus.

Ces deux artistes opèrent une réécriture de l’histoire et une déconstruction des frontières symboliques en exploitant des techniques qui empruntent à l’anthropologie et à la sociologie : archives, interviews filmées, albums de photos de familles associés à un savoir-faire ancestral fondant l’authenticité islamique de leurs créations. C’est le cas de l’usage de la calligraphie, de la mosaïque, de la broderie et du motif géométrique islamique qui confèrent à chacun de leur art son originalité. En donnant à leurs œuvres une dimension religieuse, ces artistes dépassent l’interdit islamique de la représentation figurative (Miriam Cooke, Women Claim Islam). En somme, ces femmes nous font partager leurs histoires personnelles, celle d’un corps traversé par la mémoire des mille et une nuits, par l’orientalisme, le colonialisme, le nationalisme, la guerre civile et l’islamisme. Leur art multimédia leur permet de se défendre sur des scènes artistiques difficiles d’accès aux femmes. La volonté de transgression est exprimé par la revendication et moivé par le besoin d’extérioriser leurs points de vue sur l’identité des femmes françaises immigrées de pays d’Islam .

II / Visibilisation et réception : du « je » de la créativité féminine postcoloniale de pays d’Islam en contexte français. Effets de centre et réalités périphériques

a) D’un « je » exotique dans l’espace artistique institutionnel…

Les titres des expositions (cf. liste en fin d’article) suivent une actualité médiatico-politique entretenue par un vocable marketing aguicheur. La carrière de Zineb commence dans des expositions collectives commissionnées par des femmes de pays d’Islam engagées, revendicatives — auxquelles les deux premières générations de FAPI participent. Les intitulés convoquent un imaginaire exotique parfois orientalisant, ce d’autant plus que ces expositions comme ces artistes participent alors d’un regain d’intérêt pour l’orientalisme [1]. Ce vocable ne fait que reprendre les préjugés hérités du colonialisme et de l’orientalisme et l’ensemble du stigmate vécu individuellement par ces femmes. Elles sont perçues comme des migrantes s’exprimant sur les conditions des femmes et de l’Algérie alors même qu’elles revendiquent — au moins — une double appartenance culturelle française et algérienne en mettant en scène l’héritage, tant culturel que religieux, commun à ces deux territoires.

Si les œuvres en elles-mêmes contiennent une portée politique, comme je l’ai exposé dans ma première partie, leur mise en visibilité dans l’espace public en reconstruit le message en mettant l’accent sur le genre et l’identité (femmes, étrangères) des artistes. Elles se trouvent alors prises au piège de leur identité multiple. A cet égard, la réception des œuvres sur le voile de Zineb et Zoulikha est représentative : ces œuvres sont mobilisées comme discours aux vertus pédagogiques, explicatives et par là sont rendues apolitiques. Ces œuvres ne sont pas remarquées dans leur individualité mais au nom d’un message global émanant de femmes s’exprimant sur le voile et/ou sur leurs origines. En effet, Zineb et Zoulikha se rencontrent souvent dans les expositions collectives auxquelles elles participent, ce qui montre leur mise en scène délibérée comme femmes identifiée à un mouvement les englobant. Dans ce processus institutionnel, dans le jeu de la création féminine de l’art islamique contemporain en France, elles n’incarnent plus qu’un « nous ».

Au vu du crédit limité de légitimité attribué aux créations des FAPI, au vu aussi l’instrumentalisation dépolitisante, de leurs œuvres voyons maintenant quel usage est fait de leurs individualités au sein des galeries privées.

b) …au « je » personnel et économique au sein des galeries d’art privées

Depuis une dizaine d’années, les collectionneurs des pays du Golfe se font de plus en plus présents dans les ventes aux enchères internationales prestigieuses, et font parler d’eux comme acheteurs d’œuvres d’art à grande échelle — tant dans l’art islamique contemporain que dans la peinture orientaliste. Ayant acquis leur indépendance en plein questionnement sur leur identité nationale, les pays du Golfe trouvent à travers l’orientalisme un vecteur d’affirmation de l’héritage arabe. Toutefois, cet intérêt décroit avec l’établissement d’un art moderne arabe puis d’un art islamique contemporain — où les diasporas de pays d’islam en « occident » sont très actives. C’est donc à partir des années 80 que se forme un art islamique contemporain par le biais des achats de ces collectionneurs, qui y voient une forme représentative de la culture panarabe (à laquelle les nationalistes croient fermement). La majorité des pays du Golfe s’imposent alors de promouvoir et d’encourager cet art (à travers remises de prix et achats) et surtout, celui des femmes — et notamment par le biais de la créatrice du mouvement, la princesse Wijdan Ali de Jordanie.

Dans ce souci d’adaptation à une clientèle avide d’art islamique contemporain, et notamment de celui des FAPI, rares sont les galeries « occidentales » qui n’exposent pas de FAPI travaillant sur les femmes de pays d’Islam. En effet, une artiste est souvent représentée dans plusieurs galeries « occidentales » (sans que l’une d’entre elles en ait l’exclusivité). Cette stratégie est récurrente au sein du marché de l’art et a pour effet de positionner les FAPI dans les mondes de l’art non plus comme des femmes artistes mais comme des artistes qui « vendent » — fait habituellement attribué aux hommes.

Visant plus l’opportunité économique d’accueillir une nouvelle clientèle que la portée politique et engagée des œuvres de FAPI, les galeristes rendent caduque la catégorisation professionnelle selon le genre : femmes artistes = précaires et hommes artistes = salaire, qui marque la professionnalisation des artistes. Dans le même temps, les galeristes prennent le risque de dépolitiser les œuvres produites par des FAPI, en désamorçant leur pouvoir de subversion. Pour y parvenir, les galeries n’hésitent pas à se plier à la censure religieuse ou simplement puritaine. Ainsi, en même tant que les logiques du marché libèrent les femmes de certaines catégorisations, leur reconnaissance au sein du champ artistique produit des effets de soumission aux logiques des galeries, des musées et des critiques.

Etant donné que tout pouvoir tend à se normaliser pour mieux être exploité, le contre-pouvoir représenté par les FAPI est devenu dépendant du pouvoir des galeries.

c) Les normes de la transgression

L’engouement et la surqualification (cf. la cote des photos de l’iranienne Shirin Neshat est passée de 55 000 à une enchère de 241 000$ après avoir fait l’objet d’un reportage dans la revue spécialisée d’art contemporain islamique Canvas) des œuvres labélisées « FAPI » ont pour effet de faire prospérer des trajectoires artistiques (pour celles qui sont dans le système). Ces succès font appel d’air pour d’autres artistes en quête de visibilité et de reconnaissance.

Ce faisant, les « femmes de pays d’islam », comme sujet d’une œuvre plastique, deviennent un thème prisé dans le monde très fermé de l’art contemporain, et plus seulement s’agissant d’œuvres produites par des femmes. Il est même assez fréquent que des hommes artistes de pays d’islam — et pour que la comparaison soit valable, d’Algérie — retiennent le titre « femmes d’Alger » pour certaines de leurs œuvres. C’est notamment le cas de Djamel Tatah, un cas d’autant plus frappant que c’est la seule de ses œuvres à laquelle cet artiste à apposé un titre. Dans un entretien qu’il m’a accordé, il m’a expliqué que ce titre a été choisi par référence au célèbre tableau de Delacroix — tableau qu’il admire esthétiquement — et du fait de sa volonté de rendre hommage à sa mère, voix de la décolonisation.

De symbole politique, le thème des « femmes d’Alger » devient sujet populaire, forme canonique à imiter et à ce titre il nourrit l’émergence de normes de la transgression pour qui voudrait faire croire à un art engagé. D’un côté les FAPI se déchargent de l’héritage d’une historiographie imposée à travers l’orientalisme, pour défendre un art-sujet et permettre la décolonisation du tableau. Mais de l’autre, la réappropriation et la popularisation des « femmes d’Alger » par certains artistes érige l’orientalisme en lieu de mémoire, de référence. Le marché de l’art semble agir de même. C’est un paradoxe si l’on considère que les FAPI prétendent incarner une certaine authenticité des femmes d’Islam. Dans le même temps, leur installation en France et en Angleterre n’est pas sans effet sur leur vision, de même que cet implantation informe leurs trajectoires respectives, leurs expériences sociales et professionnelles, leur inscription dans des champs artistiques qui dépendent des logiques économiques animant les marchés de l’art.

Nous avons pu observer que les FAPI ont gagné en indépendance par rapport à la tendance habituelle qui avantage les hommes artistes et ce au moyen de l’esthétisation des sujets traités, mais aussi au prix de l’amoindrissement de leur force politique. Elles ont donc certes acquis une stature artistique professionnelle, mais que dire de leur processus d’autonomisation ? Il faudra pour cela renouveler cette étude dans quelques années.

Nabila MOKRANI

Science-Po Paris

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Voici la liste recensant les expositions collectives dont Zineb et Zoulikha ont fait partie en France de façon chronologique :

• Zineb Sedira

Expositions personnelles :

2007, « Videos by Zineb Sedira », Centre d’Art Contemporain du Parvis, Pau, France

2004, « Zineb Sedira: Telling stories with », Galerie Où, Marseille, France

2003, « Regard Croisé », Arles, France

Expositions collectives :

2009, « Carte blanche » à partir de la collection du FRAC Provence-Alpes-Côte d’Azur.

2009, « elles@centrepompidou » : artistes femmes dans les collections du Musée national d’art moderne, Centre Pompidou, Paris.

2009, « Mother Tongue » et « Mother, Father and I », in « Repères », installation permanente du musée, Cité nationale de l’Immigration, Paris.

2009, Jeu d’images, 1er cycle « Infinies résistances », invitée : Zineb Sedira, Cinéma l’Étoile, La Courneuve.

2008, « Sphères », Le Moulin de Boissy le Châtel, Galleria Continua, Boissy le Châtel.

2008, « Zineb Sedira : Ship-Wreck : The Death of a Journey », Paris, Galerie Kamel Mennour

2008, « Expérimental, art vidéo : Zineb Sedira, Katia Kameli, quelles représentations de l’Algérie ? », Montpellier, 30e Festival du Cinéma méditerranéen.

2006, « Entangled Tongues », Espace Culturel François Mitterand, Perigueux, France.

2006, « A Transitional Landscape », Galerie Kamel Mennour, Paris.

2005, « Africa Remix. L’Art contemporain d’un continent », Centre Georges Pompidou, Paris.

2004, « Musulmanes, musulmans », Parc de La Villette, Paris.

2003, « Voyages d’artistes – Algérie 2003 », Espace EDF – Electra, Paris.

2003, « Zineb Sedira, Zoulikha Bouabdellah », Espace Croisé, Roubaix.

2003, « Fantaisies du harem et nouvelles Shéhérazade », Musée d’Histoire Naturelle, Lyon.

2003, « Le XXè siècle dans l’art algérien », Orangerie du Sénat, Paris.

2003, « Ouvertures algériennes : créations vivantes, Zineb Sedira, Kader Attia, Khaled Belaïd, Farid Redouani, Samira Sahnoun », La Criée, Centre d’art contemporain, Rennes.

2003, « Regards contemporains sur la mosaïque antique », Abbaye de Montmajour.

2003, « Le XXè siècle dans l’art algérien », Château Borély, Marseille.

2000, « Breaking the veils », exposition itinérante, UNESCO, Paris.

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• Zoulikha Bouabdellah

Exposition personnelle :

2007, « Bleu, blanc, rouge and other colors », La B.A.N.K. gallery, Paris, France.

Expositions collectives :

2008, « Home ? », Galerie des tourelles, Nanterre, France.

2007, « Airs de Paris », Centre Georges Pompidou, Paris.

2007, « Sexy Souks », Point éphémère, Paris.

2005, « Africa Remix », Centre Georges Pompidou, Paris.

2004, « Beauté. Afrique@Nantes », Le Lieu unique, Nantes.

2004, « Les Afriques », Tri Postal, Lille.

2003, « Zineb Sedira / Zoulikha Bouabdellah », Espace croisé, Roubaix.

2003, « Une nuit d’Art…ventures, 93 artistes, Orlan invite Les Ex de Paris- Cergy », Paris.

2003, « Focus, pratique de la vidéo en école d’art », La Vitrine – Ecole supérieure d’art nationale de Paris.

2002, « L’ami de mon amie. » Cergy Connexion, Cergy-Pontoise, France.

[1] Voir la cote des tableaux orientalistes depuis les années 80.

]]> http://droitdecites.org/2009/10/15/lart-de-zined-sedira-et-zoulikha-bouabdellah-nabila-mokrani/feed/ 2 http://droitdecites.org/2009/10/02/samuel-zarka-sur-websynradio/ http://droitdecites.org/2009/10/02/samuel-zarka-sur-websynradio/#comments Fri, 02 Oct 2009 17:53:43 +0000 Dominique BALAŸ http://droitdecites.org/?p=6556 SAMUEL ZARKA

1 – Les Gardiens (23:52)

Ces entretiens ont été réalisés grâce au concours de David Christoffel, de Gildas Veneau, du Musée d’art moderne de la ville de Paris et de certains de ses agents de surveillance, d’autres musées et d’autres agents de surveillance.

Les Gardiens ont fait l’objet d’une première édition publiée en feuilleton chaque mercredi du 15 octobre au 9 décembre 2009 sur Droit de Cités.

Cette seconde édition, en une seule bande-son, a été réalisée par l’aimable médiation de Dominique Balaÿ, à l’occasion de l’atelier webSYNradio.

Conception et réalisation Les gardiens : Samuel Zarka

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Premières écoutes : Jeudi 1er juillet à 10h, 15h, 19h, et 23h, jusqu’au 8 juillet mêmes horaires.

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TEXTE

Réalisme

Quel est le rapport entre Les Gardiens, la revue Droit de Cités, l’art contemporain?

Cela commence par une expérience très commune : il y a quelques années, ce que je lisais sur l’art, dans la presse ou les livres sur ce sujet, me paraissait si souvent faux que cela a suscité :

- un travail d’explicitation historique et sociologique des dynamiques qui le constitue — à lire dans Art contemporain : le concept, à paraître en novembre 2010 aux PUF.

- Et Les Gardiens. Ils étaient la voie d’interrogation des profanes les plus informés sur les œuvres qu’on puisse trouver.

A cette fin, je n’ai pu m’y prendre autrement que selon une quasi-infiltration muséale. C’était déjà, sur un plan plus festivalier, le cas avec la pièce incorporel.



Car c’est bien ardu de faire les choses dans l’art sans être interrompu par des impératifs dits de « sécurité ».

Mais revenons aux Gardiens. Dans un jargon sciemment typique, j’écrivais ensuite, sur ce site, lors de la première édition, en feuilleton, du travail : Les gardiens sont au bord du cube blanc. A cette mention d’un ouvrage de référence dans la culture critique afférente [1], faisait suite ce petit adieu : Et puis professionnellement c’est le bord au-delà, ailleurs méchamment. Loin. Au revoir. Suivit la réalisation collective de la présente revue Droit de Cités, c’est-à-dire la construction d’une plate-forme de production et diffusion de contenus en ligne; des contenus nécessaires, au sens usuellement philosophique du terme, c’est-à-dire ne pouvant pas ne pas être; et par surcroît, n’existant pas ailleurs.

Les agents de surveillance rencontrés entre-temps, avaient-ils quelque chose à conter touchant leur expérience esthétique? Bien sûr, tous ont d’abord pris la question comme portant sur les œuvres qu’ils fréquentaient. Mais chaque fois, l’entretien abordait notamment leur expérience globale des lieux. Entre les deux pôles de la question, ils parlaient notamment ce qui s’entend sur l’enregistrement.

Tandis que webSYNradio propose de passer une bande-son, celle de son choix, pour tout le monde. A la bande-son, il s’agit aussi de joindre une documentation en image.

Ainsi qu’en texte. Cet ensemble s’inscrit dans une prévision, une date, la période d’une semaine, sur laquelle s’échelonnent les rendez-vous d’écoute, complétés d’un podcast. C’est une série d’expositions en fait (non sans jouer sur les mots).

Sans que cela nécessite d’être souligné, Les Gardiens décrivent une démarche proche de webSYNradio : fondée dans une expérience esthétique très intégrée dans les affaires courantes. Dès lors, on peut se demander si un artiste a pour fonction de produire du rêve ou de l’imaginaire; d’autant mieux lorsque le thème de l’imagination colonisée est devenu si courant [2]. La présente bande-son y répond à sa manière. Elle propose de passer des propos choisis selon le moment où il semble que ce qui se dit veut valoir d’une manière excessive par rapport à la circonstance artificielle de l’entretien. Une façon de choisir les coupes exactement explicitée par Mallarmé : « l’œuvre implique la disparition élocutoire du poète qui cède l’initiative aux mots » [3]. Cette disparition est alors une cession de ma parole en propre à une parole pourtant. C’est peut-être la voie même d’un art réaliste, parce que ce qui se dit pourrait exprimer ce qui est réellement vécu. Il y va de l’expression individuelle, et même singulière, de personnes selon des déterminations objectives communes.

Samuel ZARKA

[1] Brian O’Doherty, White Cube, L’espace de la galerie et son idéologie, Paris, Les presses du réel, 2008 (édition française).

[2] Quand j’étais étudiant, en cours, l’artiste Sylvie Blocher nous exhortait à « décoloniser notre imaginaire ».

[3] Merci à Dominique Pagani pour m’avoir indiqué cette citation.

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ELEMENTS

Samuel Zarka est directeur éditorial de Droit de Cités. Ingénieur du symbolique. Conférencier à l’Académie Royale des Beaux Arts de Liège.

Sites de Samuel Zarka :

ingenieurdusymbolique.fr

samuelzarka.net (index des productions)

PLAYLIST WEBSYNRADIO

1/
asher | directions

01 untitled (06.30.05) 15.45
02 untitled (07.02.05) 16.30
03 untitled (07.03.04) 18.30

composed by asher 2005.

2/
fourm | dust

01 I 08.18
02 I 09.06
03 I 06.53
04 I 05.47
05 I 11.51
06 I 07.47

produced by fourm 2006/2007.

3/
jörg koch | 10 guitar classics

01 blues I 08.34
02 rock’n'roll I 07.34
03 heavy metal I 06.22
04 fusion I 04.26
05 funk I 04.31

produced by jörg koch 2006.

4/
mahmoud refat | shift

01 extract 4.44
02 mute instructions 6.40
03 acrylic – part 1 3.12
04 acrylic – part 2 5.57
05 invaders 7.59
06 vio-let 6.15
07 sonic mutation 6.06
08 acrylic – tet 9.51
09 akiram 4.41

composed by mahmoud refat 2004.

5/
mahmoud refat + zimoun | statics I

01 statics01 14.49
02 statics02 08.52
03 statics03 09.43
04 statics04 03.18
05 statics05 21.13

composed by mahmoud refat + zimoun 2006.

6/
mahmoud refat, pe lang + zimoun | statics II

01 statics06 09.16
02 statics07 09.48
03 statics08 06.18
04 statics09 12.34
05 statics10 09.06

composed by mamoud refat, pe lang + zimoun 2006.

7/
zimoun | kabel 0.2

01 090 08.34
02 086 05.29
03 087 09.27
04 089 07.06
05 078 13.59

composed by zimoun 2004/2005.

fourm | dust | photography by skoltz_kolgen

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Premières écoutes : Jeudi 20 mai à 12h,20h puis jusqu’au 27 mai, mêmes horaires.

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ELEMENTS

Zimoun est un artiste suisse qui  travaille la matière sonore et produit des installations dans le monde entier. Il est également le fondateur du label / réseau  Leerraum [ ].
Pour un aperçu de son travail, vous trouverez ci dessous une compilation de vidéos :
http://www.zimoun.ch/works/compilation_vimeo_mov.html

website Zimoun:
http://zimoun.ch/

website Leerraum [ ]:
http://leerraum.ch/

A CONTRE-COURANT

1 – Kristin Oppenheim
Sail On Sailor, 1994 (2:23)

2 – Lee ranaldo
The Bridge [3:12]
From Tellus #10: All Guitars! (1985)

3 – Gertrude Stein
The Making of Americans: Parts 1 & 2 (5:38)
recorded in New York, Winter 1934-35

4 – Jean-Luc Godard
Jean-Luc Godard entretien avec Serge Daney

5 – Patti Smith
Neo Boy – Hey Joe
Recorded live – Max’s Kansas City, NYC 1974

6 – Benoit Delbecq & Steve Argüelles
Line 1, 9′31
from Pianobook, 2003, Plush records
collection personnelle
courtesy Benoit Delbecq & Steve Argüelles

7 – Patti & Jesse Smith
Messages in a bottle

8 – Kristin Oppenheim
Hey Joe

9 – Roni Horn
Saying Water (1999)

10 – Poolplayers
A Rumoured Version of Ourselves
from Poolplayers, Way beyond the surface, Songlines recording, 2008
collection personnelle
courtesy Benoit Delbecq and Poolplayers

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Premières écoutes : Jeudi 13 mai à 22h, jusqu’au 20 mai mêmes horaires.

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ENTRETIEN
Marcelline Delbecq, Dominique Balaÿ avril 2010

DB : Y a t-il eu des chocs sonores à l’origine de votre travail de création ?

MD : Oh que oui ! Je suis indirectement venue à l’art par la musique et ça remonte à très loin. J’ai découvert le Velvet Underground quand j’avais onze ans, et j’ai adoré leur musique tout de suite, sans pour autant comprendre ni les paroles ni l’histoire du groupe. J’ai collectionné leurs disques, et c’est via leur musique que je me suis intéressée à Warhol, la fameuse banane n’y étant pas pour rien. Et de Warhol j’ai dérivé vers la photographie et la fantasmagorie d’un mode de vie « Factorien ». Adolescente j’étais inconditionnelle des Inrockuptibles (ancienne version !) et de Bernard Lenoir. J’ai vu beaucoup de concerts, mais du rock et de la pop essentiellement, rien de bien original. Je pensais d’ailleurs un temps devenir photographe pour la presse musicale américaine mais j’ai complètement dérivé, notamment après avoir fréquenté de près des musiciens de rock quand je vivais aux Etats-Unis. Le milieu du rock ne m’a pas fascinée, alors je me suis tournée plus assidûment vers l’art. De fil en aiguille, mon travail est devenu littéraire et sonore et pas spécialement lié au rock’n’roll. La rencontre avec le travail de Dominique Petitgand et celui de Kristin Oppenheim au tout début de mes études d’art m’a certainement dirigée vers l’utilisation du son et de la voix en tant que médium à part entière.

Vous êtes photographe de formation, vous avez eu l’occasion de préciser être venue au cinéma par le récit et la fiction.

C’est exact, c’est la littérature qui m’a conduite au cinéma, pas la fréquentation des salles obscures. J’ai lu plus de livres que je n’ai vu de films et me suis d’abord intéressée à la construction de la fiction cinématographique en termes d’utilisation de mots pouvant susciter des images mentales, pas visuelles. J’ai lu beaucoup de scénarios et de scripts, observé beaucoup de film stills. Mon apprentissage de la photographie a énormément influencé mon approche du récit, c’est certain. Le cinéma est venu en deuxième lieu, par la force des choses. Il est maintenant une composante essentielle de mon univers. J’ai récemment écrit un texte pour la revue Trafic (Des impressions, des ombres, Trafic n°72, P.O.L) qui m’a obligée à me pencher sur mon rapport au cinéma. C’est là depuis toujours, mais c’est avant tout passé par l’écrit.

Pouvez vous exprimer votre rapport à la dimension sonore ?

Mon rapport à la dimension sonore ? Vaste sujet ! Par où commencer ? Je n’en ai aucune idée. J’aime le son car il s’échappe en même temps qu’il est produit. L’émission de la parole est du pur vent, et pourtant elle fait sens, fabriques des images volatiles, procure des sensations physiques. Au cinéma comme dans la vie, l’écoute est souvent moins sollicitée que le regard, et pourtant elle est tout aussi fondamentale. Au quotidien je suis très sensible aux sons, aux voix surtout. Une voix me marque plus facilement qu’une couleur d’yeux. J’aime les voix off au cinéma, les voix à la radio, dans la rue. Mais à vrai dire je ne sais pas comment cerner la dimension sonore dont vous parlez, puisqu’elle est infime et gigantesque à la fois.

Quelle est la part de la création quand vous vous attachez à l’exploration d’archives comme celle de UBU ?

Je crois qu’il n’y a aucune création de ma part, ce sont les auteurs choisis qui sont les créateurs, j’ai juste agencé une sélection en fonction de critères totalement subjectifs, avec l’envie de faire plonger les auditeurs dans un univers qui est le mien sans l’être tout à fait. UBU est un bijou, c’est un site exceptionnel, et on peut remercier internet pour ce genre d’initiative. Un tel regroupement d’œuvres sonores serait tellement plus ardu dans le réel, tandis que là tout est à portée de main, dans un catalogue d’une inestimable valeur historique et artistique. Je n’ai rien fait d’autre que me régaler, je n’ai strictement rien inventé en faisant cette playlist. Je l’ai pensée comme un stream of consciousness, dans lequel on puisse plonger à contre-courant.

La notion d’archives vous intéresse-t-elle ?

Evidemment oui, et il se trouve que c’est devenu très à la mode dans le milieu de l’art ! Il y a eu beaucoup d’expositions sur l’archive dernièrement, comme si à force de progrès technologique d’une insensée rapidité, les artistes avaient choisi de regarder en arrière plutôt qu’en avant. En développant la création d’images mentales oscillant entre passé et présent, je n’ai au départ pas du tout pris en compte l’aspect historico-nostalgique que certains des récits pouvaient véhiculer. Mais à l’évidence – et de toute façon c’est le destin même de la photographie que d’être déjà passée à l’instant de son présent – j’entretiens un rapport étroit au passé en tant que moteur d’imagination, l’idéalisation du futur ne m’inspire pas grand-chose. Internet a totalement bouleversé la notion d’archives, car il n’y a plus besoin de s’enfermer en bibliothèque pour trouver un ses sources. Toutefois je me demande ce que deviendra l’idée de correspondance, à laquelle je suis personnellement très attachée. Qui conserve les envois de mails et de sms ? L’écriture manuscrite est en train de totalement disparaître, on verra ce qui reste dans un demi-siècle. Si on n’avait pas gardé trace des écrits historiques, qu’ils soient littéraires ou administratifs, on aurait déjà oublié une bonne partie de notre histoire.

Pour votre playliste, vous avez choisi des artistes comme Kristin Oppenheim, que vous citez parmi vos références majeures : Pouvez-vous nous éclairer sur vos choix ?

Mon choix s’est porté sur des voix avant tout, des voix de femmes en particulier, qui m’accompagnent dans mon propre parcours. Quand j’ai découvert le travail de Kristin Oppenheim à Arles il y a des années, j’ai été fascinée par la force de sa présence, malgré un dispositif d’une grande simplicité. J’adore la voix de Patti Smith quand elle raconte des histoires, accompagnée par sa fille Jessee au piano. J’ai trouvé A message in a bottle sur internet, elle l’a réalisé pour une exposition à NYC, dont les oeuvres ont été commandées en écho à des lieux liés à l’histoire de l’immigration. En guise d’interludes s’est naturellement immiscée la musique de Benoît Delbecq et de Steve Argüelles, qui m’accompagne depuis des années. A cela s’ajoutent des artistes incontournables, qui sont des voix aussi, Godard par Daney, Roni Horn … Pour moi l’oeuvre ultime, tous domaines confondus, est Histoire(s) du Cinema de Godard en version CD chez ECM. C’est parfait, il n’y a rien à dire. Ma playlist fait pâle figure à côté …

La présence de Benoit Delbecq témoigne d’une relation privilégiée ? D’autres artistes ? Des lieux privilégiés pour recevoir votre travail ?

Benoit est mon cousin germain, mais nous nous sommes peu vus pendant longtemps. Je l’ai vraiment rencontré quand j’étais étudiante aux beaux-arts, et c’est devenu immédiatement une grande complicité. Nous avons dix ans d’écart, une génération. Il a tout de suite pris au sérieux ma pratique, alors que j’étais balbutiante, et lui musicien confirmé. Depuis, nous collaborons sur toutes sortes de projets, les siens, les miens, les nôtres. Je ne connais pas grand-chose au jazz, et sa musique est tellement éloignée de ce dont j’ai l’habitude qu’elle m’a ouvert un horizon que je n’aurais pas soupçonné. Nous venons de commencer un nouveau projet ensemble, avec le batteur Steve Argüelles et le bruiteur de cinéma Nicolas Becker. Je peux vous dire que l’univers musical et sonore produit par ce trio sur scène est une vraie claque dans la figure. Mon cercle privilégié de travail est très restreint. Benoît, Elina Löwensohn, mon amie actrice qui enregistre la plupart de mes textes, Nicolas Becker, le monteur son Mikaël Barre, et le regard fidèle d’une poignée de proches, qu’ils soient artistes, cinéastes ou écrivains (ils se reconnaîtront). Les lieux pour voir et entendre mon travail s’égrènent au fil des expositions, je n’ai pas encore de site internet donc il faut soit se renseigner soit tomber dessus par hasard. En vrac, dans les mois qui viennent, Bâle, Berlin, New York, Bordeaux, Castello, Moscou. Pour les amateurs de lecture, le texte de Trafic est une approche en profondeur qui, je pense, permet de se faire une idée précise de ce qui m’anime …
——
ELEMENTS

EXPOSITIONS PERSONNELLES

LECTURES ET CONCERTS (récents)

LA PERFORMANCE

1/
Jerome Rothenberg
Y-V after dada
2/
Pierre-Albert Birot
Poèmes à crier et à danser
3/
John Giorno
Every one is a complete disapointment
4/
Noigandres
Cidade city cité
5/
Charlemagne Palestine
Sliding fifts for piano
6/
Mayakovsky
Four horse men
7/
Ghérasim Luca
Passionnément
8/
Dieter Roth
Lorelei
9/
Paul Dutton
M’n’an M’
10/
Sarenco + Franco Verdi
Paloma negra
11/
Julien Blaine
La virgule & l’apostrophe (extrait)
12/
Adriano Spatola
Hommage à Eric Satie
13/
Gil Wolman
La mémoire

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Premières écoutes : Jeudi 3 juin à 12h et minuit puis jusqu’au 10 juin, mêmes horaires.

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——
LA PERFORMANCE
C’est à partir de ce texte ou en rapport avec ce texte ou en opposition à ce texte que le plus important courant de la poésie contemporaine s’est positionné, que ce soient les poètes de la première génération encore fortement impliqués selon les avant-gardes historiques (futurisme, dada, cobra ou fluxus) : poésie concrète, poésie visuelle ou poésie sonore ; puis ceux de la génération suivante qui développèrent leur poésie par l’articulation aussi bien celle des voix que celle des corps (happening, poésie élémentaire, poésie action) qui amèneront la poésie essentielle de la fin du XXe siècle et du début du troisième millénaire : la performance.
Enfin ceux de la nouvelle génération qui restent dans leur corps et qui disent par la bouche et écrivent par leur langue ou celles et ceux qui ont prolongé les prothèses du magnétophone et du microphone par les ordinateurs et les outils électroniques.
Julien Blaine

LA PERFORMANCE

C’est un corps
dans un espace
et c’est un son
dans un corps,
ce son est celui de mon corps
ou celui de cet espace,
c’est un son de nature :
voix, viande, &c.
ou un son d’artifice :
musique, bruits, &c.
Puis c’est un geste
du corps
et un mouvement
de cet espace
et comment jouent ensemble
le geste du corps
et le mouvement de l’espace.
Le mouvement de l’espace
est proprement celui de l’espace
mais aussi du peuple de cet espace :
du public.
Là, tout va bouger :
le corps,
l’espace,
le son,
le geste…
Et la rencontre
sera
ou s’évaporera.
Là, aux entrepôts frigorifiques,
sous les voûtes
dans cet espace
en bord de Seine
aux frontières d’une friche industrielle
qui sera une université parisienne
(l’université Denis-Diderot)
la rencontre s’est établie…
Quant à l’enseignement :
l’université future
ne pourra jamais faire mieux.
————————————————–
octobre 2002

*Post-Scriptum
c’est un art désespéré

P.S. no 2
Si je dis « à ce jour », c’est comme s’il y avait une lueur d’espoir, or l’obscurité est totale.
Néanmoins, « à ce jour », toute révolte contre
l’injustice comme tout combat pour la justice – ce qui n’est pas la même chose –, celle des hommes, celle qui fait la différence avec la barbarie des animaux domestiques, ont été un échec. L’administration américaine made in USA (héréditaire et désormais truquée) et l’administration russe made in URSS (mais oui ! mon pote Poutine ! en URSS !)
règnent
règnent sur le monde
aidées par leurs chiens et leurs faucons
deux bêtes faciles à apprivoiser.
printemps 2003

P.S. no 3
En ce début de millénaire
la performance est guettée par 4 dangers :
1/ le gag trop intelligent
2/ le gag trop idiot
3/ la saynète théâtrale
4/ le monologue pour cabaret à touristes
1 risque :
1/ la longueur
et 2 réalités :
1/ les critiques hors média et hors style s’emparent, désormais, de cette discipline et, hors de cette culture, la définissent néanmoins (en tant qu’ingénieurs d’un appareil critique d’une machine hors circuit)
2/ ceux qui pratiquent ça parce que ce serait être à la mode…
et 5 con
tenus néfastes
1/ l’engage
ment
simpliste et altruiste
2/ le sexuelle
ment
nu ou opaque
3/ les symboliques et les ri
tu
els
pisse de chat et caca-boudin
4/ la mise en scène de l’antipathie spontanée et
radicale des artistes entre-deux (entre deux âges, entre deux styles, entre deux &c.) à l’égard des autres artistes (jeunes et vieux, physiques ou
technologiques, &c.)
5/ le retour au happening, gutaï et autres spectacles avec participation obligatoire du public.

P.S. no 4
En ce début de millénaire
la performance est partout avec le théâtre, la danse, la musique, les arts plastiques
et c’est tant mieux…
Mais elle est aussi enseignée dans les Écoles d’Art
et là c’est tant pis.
Pauvres écoliers qui se retrouvent face à des jeunes femmes ou des jeunes hommes voire des vieilles femmes et des vieux hommes qui sont loin de leur corps et de leurs actes, loin de leur vie et de leur désir, loin du risque et du plaisir, loin de la haine, de la révolte et de l’amour, et qui conduisent ces écoliers de colloques en séminaires sur les
autoroutes du savoir mort.

P.S. no 5
En ce début de millénaire,
moi,
après 42 ans passés à en faire (des perfs c. à d. des poëmes en chair et en os) j’arrête, j’arrêterai fin 2004. Je vous dirai et je vous dis : ça commence à Marseille à la Friche de la Belle-de-Mai le
18 novembre 2004.
Après, je me planquerai dans les résidus : livres, disques, films, expos et autres traces ordurières.

P.S. no 6
Finalement,
je fais des expositions
pour publier des livres :
des livres,
pas des catalogues.
Le livre dans l’espace
donne
le livre dans le livre.
Et après je peux lire
le livre,
le lire de tout mon corps,
en chair et en os…
printemps – été – automne – hiver 2003

P.S. no 7
Désormais, mon corps n’est plus à la mesure de mon ambition…

P.S. no 8
À part Balint Szombathy qui, bien que plus jeune, fait plus vieux que moi, j’étais le benjamin de la fournée de l’E.P.I. Zentrum Der Lange Atem
(Zbigniew Warpechowski et Jerzy Beres de Pologne, Janet Haufler de Suisse, Sten Hanson de Suède, Balint et moi), rencontre à l’initiative de Boris Nieslony…
Alors oui ! Je me suis dit : « Oui ! Je pourrais, comme eux, comme elle, continuer à performer, montrer mes rides et mes plis, mon souffle court et mes muscles flasques, ma peau flétrie et mes poils blancs et nos infirmités
(comment écrivais-je « ça », jadis, dans mes Bimots ? :
Poumons / goudronnés – Cartilages / déconjugués – Reins / ensablés – Foie /engorgé – Vaisseaux / encrassés – Peaux / rides – cheveux / blancs – Poils / gris – Muscles / douleurs -Viscères / douleurs – Squelette / douleurs – Cervelle / mémoire)
La vieillesse est déjà une performance si elle est
exhibitionniste. Mais c’est une perf, à partir d’un âge certain, à la portée de tous.
J’ai vu Isou en slip Kangourou, Esther enrubannée de scotch transparent, et la grosse et vieille queue de Jerzy peinte aux couleurs de la Pologne, et moi, en ai-je assez fait, nu, des « Appels au linge » ! L’ange et L’un seul ou le lange et le linceul…
Donc, désormais je resterai vêtu, et assis, calme, derrière une table, pour lire clair, sobre, digne (à la rigueur : debout), vrai.
Le texte, lui, sera à poil & au poil – c’est du moins mon souhait et ma volonté.
Je laisse à mes amis et à mes ennemis, à mes chers infirmes plus ou moins diminués, leurs textes dits, agités & datés.

P.S. no 9
J’ai été souvent ridicule et normalement grotesque de 1962 à 2004 (inclus)…

P.S. no 10
(le + & le – ) C’est bien, que j’arrête la perf.
(le poëme en chair&en os et à cor&à cri ) :
de 5 à 5 000 personnes spectatrices-auditrices, je n’ai toujours qu’un public de 2 personnes :
l’une qui dit :
« Vous êtes obligé d’hurler tout le temps ?* »
et l’autre qui me confirme que j’ai inventé le poëme olfactif**.

——————–
* il vocifère, il faut s’y faire
** Ecfruiture
automne 2004

P.S. no 11
Voilà plus de quarante ans que je voyage à travers le monde pour voir du pays, rencontrer les gens, et je ne visite que des auditoires.

P.S. no 12
Si j’étais sincère (vrai-ment), je dirais que j’arrête la perf aussi, surtout, à cause du trac qui me brûle l’estomac et me ligote le cœur les jours qui précèdent et me rend
insomniaque la nuit d’avant.
automne 2005

P.S. no 13
Militant, prêcheur, représentant, depuis 1962 j’ai dit et remué ma poésie tout autour du monde, j’ai agi devant des foules et des déserts.
Je voulais convaincre par la confrontation avec eux, avec elles, avec tous. Les mettre en face de la poésie
en chair & en os et à cor & à cri.
Mais le monde est large, long, épais, dispersé ; trop traversé, trop desservi.
Et le monstre qui m’écoute, qui me voit n’a que deux oreilles mais mille langues : je renonce.
hiver 2005

P.S. no 14
Celui que j’ai oublié dans toutes les précédentes publications de cette note : éliminer de la performance « l’esprit potache » qui a pris naissance dans le livre de Georges Duhamel, Les copains, et que l’on voit souvent resurgir chez les meilleurs d’entre nous.

P.S. no 15
(las ! : docte & magistral)
Éviter aussi d’être l’un de ces artistes misérables qui rament toute une vie vers la célèbre-autre-rive-d’en-face pour faire du sur-place. Soyez où vous êtes ou sachez où vous allez.t.
printemps 2007

P.S. no 16
Pour mes déclara©tions je ne veux désormais, aucune béquille ni musicale ni électronique.

P.S. No 17
Pour le peu qui m’en reste, Eddy a changé ma vie, Eddy est un vénitien qui a rejoint, jadis, sa chérie à Marseille. Sa mère tenait le café de la Giarina dès l’entrée de la Biennale et Eddy a grandi – tous les deux ans – parmi tous ces artistes biennalisés…
Il a repris le café restaurant du mac ( musée d’art contemporain de Marseille), c’est de famille !
Et après ma dernière presta©tion avec une sono dégueulasse, des ordinateurs qui calent et éclatent, des sons qui meurent, Eddy est venu vers moi :
“Tu as une présence géniale, tu es un artiste énorme : tu ne dois plus accepter de travailler dans de telles condition avec du matériel pourri et des techniciens incapables”
avec un délicieux relent d’accent italien et de l’agréable flagornerie dans les adjectifs du propos.
Ma si ! Je ne travaillerai plus dans des conditions techniques modestes &/8 médiocres.
printemps 2009

P.S. No 18
Écrire avec expression, donc dire ou faire avec expression et par conséquent éviter ce qui est déjà a déjà été mieux écrit, mieux dit ou mieux fait auparavant avec une expression parfaitement exprimée.
Exprimée à fond, sous toutes ces manifestations.
(expression : locution & démonstration)

P.S. No 19
J’ai dit :
“ Bye-bye la perf. “ et je m’y tiens.
Je n’ai pas dit :
“ Bye-bye les déclara©tions “
“ Bye-bye les concerts et les improvisa©tions “
“ Bye-bye les expositions, les installa©tions et les dé monstra©tions “
“ Bye-bye les publica©tions “
Je suis désolé d’attrister ainsi celles&ceux ami(e)s chéri(e)s neufs ou moribonds qui pensaient que j’avais dit :
“ Bye-bye à tout ! “
été 2009

P.S. No 20
La performance devient un art de citations et encore la méconnaissance ou la mais-connaissance des intervenants ne leur permet pas de savoir ou d’affirmer qui ils citent !
Je suis vieux et trop connaissant voire reconnaissant.

P.S. No 21
Le vieux nomade aspire désormais à une neuve sédentarité… D’ailleurs où que j’aille, je rencontre des amis que je connais déjà et qui me connaissent aussi – mieux que je ne les connais, sans doute – ou d’autres plus jeunes qui nous ressemblent…
automne 2009

P.S. No 22
Je ne lis plus, je feuillette parce que je fais, c’est le fait d’écrire…
Printemps 2010

P.S. No 23
À 67 ans achevée, je vois bien que j’ai raté ma vie sportive !
Printemps 2010

Julien Blaine
(2002/2010)

——
ELEMENTS

Julien BLAiNE est né en 1942, à Rognac, au bord de l’Étang de Berre, flaque de mer jadis bleu-azur, aujourd’hui marron glacé. Il vit à Ventabren et à Marseille et nomadise le plus possible.
Dénommé aussi Christian POiTEViN (patronyme) et d’une ribambelle d’autres noms.
ÉDITEUR de Doc(k)s et d’une ribambelle d’autres périodiques.
AUTEUR de 13427 poëmes métaphysiques et d’une ribambelle d’autres livres et catalogues.
EXPOSANT de « du sorcier de V. au magicien de M. » et d’une ribambelle d’autres expositions.
A présenté en mai 2009 une importante exposition au [mac] Musée d’Art Contemporain de Marseille : un Tri.
ORGANISATEUR des Rencontres Internationales de Poésie de Tarascon et d’une ribambelle d’autres manifestations.
FONDATEUR du Centre International de Poésie de Marseille (C.I.P.M.) et d’une ribambelle d’autres espaces culturels.
CHANTIERS EN COURS : la poésie n’intéresse personne, la 5ème feuille ou l’écriture originelle, le Verssicône, Chom’art, Confidences d’Églantin, Text’art, Ihali, &c.

La vie & la phrase continuent…

Pour en savoir plus :
www.documentsdartistes.org/blaine

Playlist # 3 (fin)

1 – James Burton / Elvis Presley – As Recorded at Madison Square Garden – RCA / BMG
2 – James Burton / Elvis Presley – Elvis Live in Las Vegas – RCA / BMG
3 – James Burton / Elvis Presley – That’s The Way it Is – RCA / BMG
4 – James Burton / Elvis Presley – Raised on Rock – RCA / BMG
5 – James Burton / Elvis Presley – Moody Blue – RCA / BMG
6 – James Burton / Elvis Presley – Aloha from Hawaii Via Satellite – RCA / BMG
7 – James Burton / Elvis Presley – On Stage – RCA / BMG
8 – James Burton – The Guitar Sounds of James Burton – A&M records
9 – James Burton / Elvis Presley – Recorded Live on Stage in Memphis – RCA / BMG
10 – James Burton & Ralph Mooney – Corn Pickin’ and Slick Slidin’ – Sundazed / EMI
11 – James Burton / Gram Parsons – GP / Grievous Angel – Reprise Records
12 – James Burton / Emmylou Harris – Elite Hotel – Reprise / Rhino
13 – Larry Carlton – Sleepwalk – Warner Bros.
14 – Cornell Dupree / Donny Hathaway – Live – Atlantic Records
15 – Pee Wee Crayton – Things I Used to Do – Vanguard Records
16 – Don Rich & the Buckaroos – Country Pickin’ / The Don Rich Anthology – Sundazed / EMI
17 – Wah Wah Watson – Elementary – Sony Music Media
18 – Ted Nugent – Double Live Gonzo – Epic Records
19 – ZZ Top – Fandango – Warner Bros.
20 – Mike Stern / Steps Ahead – Live in Tokyo 1986 – NYC Records

——
ECOUTER

La playliste de Noël Akchoté est proposée en mode lecture (pas de diffusion sur webSYNradio). A charge pour chacun de se procurer les albums…
Lire la partie 1 de l’entretien pour comprendre ce qui motive ce choix éditorial.

——
ENTRETIEN

PUISSANCE DE LA MUSIQUE / DES PRATIQUES, UN QUOTIDIEN (# 3/3)

Noël Akchoté, Dominique Balaÿ, octobre 2009

A l’occasion de sa participation à webSYNradio, Noël Akchoté a bien voulu se prêter à un entretien pour « servir » ses playlistes. L’entretien s’est déroulé par écrit, au gré d’un échange de mails très chaleureux courant octobre 2009. Il a donné lieu à une publication en trois parties (correspondant aux trois playlistes, lire la première partie ,  lire la deuxième partie ) dans la revue Droit de Cités tout au long de 2010.
Voici donc la troisième et dernière partie de l’entretien… DB

Dominique Balaÿ   » Pour s’entendre soi même : pour se retrouver ? Ou pour s’entendre soi même « autre ». L’expérience de l’altérité est-elle possible en musique ?

Noël Akchoté : Non, sans même aller jusque là, juste pour s’entendre au sens le plus pratique, premier, simple (simpliste) du terme –  » Un Homme & Une Femme : Je ne dis pas non, un homme et une femme peuvent très bien s’entendre, du moins peuvent-ils s’entendre crier, en tant que tels. » (Lacan) – tout à fait dans ce sens là de l’entendement. D’ ailleurs si je dis cela c’est parce qu’ensuite dans ta question, la seule véritable altérité, absolument nécessaire, radicale, c est pour moi celle des hommes et des femmes. Irréductible, centrale, … Une femme n’est pas un homme, elle peut être avec, contre, sans, mais elle ne peut pas plus que l’homme être l’autre. C’est tout l’intérêt de la « chose » quand-même. Tout ce que deux êtres dissemblables peuvent tenter de commun, de communauté, d’unique à leur état d’altérité « partagé ». L’altérité de soi à soi c’est au mieux la schizophrénie («je suis un schizophrène qui a réussi, je n en ai pas de symptômes » – Lacan encore), c’est sinon juste de la cuisine interne, si ça permet des choses tant mieux pour l’individu, le plus souvent ça ne permet pas grand chose, ça bloque surtout je crois. L’artiste n’est « premier degré » que pour les diverses autorités universitaires, de presse, historiens, sociologues, critiques, … mais pour lui il en va tout à fait autrement, c’est net à la pratique (d’où mon titre de Quotidiens et Pratique). L’artiste est au contraire totalement multiple d’être justement entièrement un. Sans cela c’est l’asile immédiatement, ça ne serait pas un instant soutenable comme position si ça devait être une expérience premier degré. – S’entendre soi-même veut dire ici que ces quotidiens de travail de l’artiste lui serve justement a fabriquer des objets qu’il avait envie d’entendre, de voir, de lire au premier chef. C’est son propre et premier client, auditeur, lecteur. Et pour cause, une œuvre (il ne s’agit que de cela, un artiste produit des œuvres, rien d’autre, le reste c’est du folklore pour hagiographes ou gens de mauvaise foi), est un objet, une chose (un It en anglais, something, a thing).Si c’est un véritable artiste, cette chose (une crotte, un bon mot, une mélodie, selon …) vaut précisément pour toutes et tous. Cela a une certaine valeur universelle, cela dit justement quelque chose des autres, aux autres.

DB: Toujours cette question de la puissance, qui se pose peut être autrement : ce que peut le cinéma, ce que peut la musique, ce que peut la poésie, ce que peut la philosophie, est-ce la même chose. J’ai l’intuition que non ?

NA : Le terme de puissance, de pouvoir, de force ici, je ne le comprends pas en fait (je fais aussi exprès mais je parle du fond plutôt, je ne le comprends pas dans le fond). Ce qu’une œuvre « peut » c’est ce qu’elle provoque dans chacun (exit les histoires de « gouts » qui n’ont aucun intérêt ni aucune prise sur une œuvre, c’est des affaires personnelles çà les gouts, cela importe peu sauf pour celle ou celui qui voudrait en avoir, de peur justement de se faire prendre par cette supposée « puissance»). Si tu dis Poésie, Cinéma, Musique par exemple, chacune de ces formes artistiques sont effectivement structurellement, intrinsèquement, originellement différentes ( mais là aussi attention, l’ histoire prouve très bien que les choses ne furent pas ainsi il y a vingt ou trente siècles, que les choses évoluent, les fonctions, les perceptions etc. tout bouge – le XXème siècle a clairement sur-investi l’ archive, l’ autographe, la pièce unique, l’écrit aussi terriblement : La manière d’ éditer, de jouer, d’ approcher une partition de musique classique depuis 50 ans, n’a rien à voir avec ce qu’elles furent originellement, c’est là aussi très clair – de même que toutes les traductions sont à refaire sans cesse.). La forme de ces arts est une chose effectivement (ne serait-ce que par leur moyen de consommation, ou les besoins requis pour y accéder, mais là aussi de gros changements arrivent depuis le web), mais le fond me semble relativement très proche. Il faut savoir faire le ménage, le tri, aller au fond justement. A moins d’avoir, comme je le disais précédemment, une utilisation strictement sociale des arts (genre la Litho dans la chambre de l’hôtel Mercure, ou les rayons de CD pour montrer dans le salon quand les copains viennent, etc.). Une œuvre c’est drôlement bien foutu, extrêmement cohérent (de manière consciente ou pas). Cela se tient ou cela ne se tient pas auquel cas cela ne durera pas longtemps. Vraiment aucune inquiétude. La seule « Puissance » de l’œuvre que je peux voir c’est sa capacité unique à nous parler au présent, qu’elle date de cinq siècles ou de la semaine dernière. La mode se démode par définition, les œuvres pas, par définition de même.

DB : Mais je n’avance pas ce terme de puissance tout à fait dans ce sens là. Ce que peut la littérature, selon Maurice Blanchot par exemple : la littérature est une expérience de l’impersonnel et de l’impassible. La littérature peut l’impersonnel et l’impassible. De même, La philosophie peut l’amitié, la gaité. La poésie peut l’intensité, la métamorphose.

NA : Ce sont des « mots sur des choses ». L’impersonnel, l’impassible, c’est l’artiste justement. C’est une position qui rejoint tout à fait celle que je définis, faite de  » quotidiens & pratique ». En musique on veut toujours voir l’artiste comme « lui-même » alors que le musicien est aussi joueur qu’un auteur, qu’un comédien, etc. … on sait très bien que l’autofiction n’existe pas ou ne veut rien dire. Une ado qui raconte sa vie dans un cahier ou sur un blog cela n’a aucun intérêt en tant que tel sauf à une seule et unique condition : qu’elle raconte justement la vie qu’elle voudrait avoir, et où forcement des pans entiers de sa vie transparaitront, mais aussi des pans entiers de ce qui est précisément et profondément elle-même. On le sait très bien en histoire, les archives sont centrales mais le roman a toujours été plus fort et plus prenant pour dépeindre des réalités passées. La littérature peut être la gaité (je lis Caradec en ce moment par exemple), la musique l’impassible (voire Dokyo ou d’autres musiques du silence), et la métamorphose, des acteurs font cela très bien aussi. La poésie peut-elle être l’humour ? Mais bien sur ! Thomas Bernhard, Schopenhauer, Nietzsche, c’est hilarant, là où Manchette, Céline ou Ionesco sont plus graves.

DB : Je tourne encore autour de cette question (quelle est la puissance de la musique : que peut la musique ?) avec un autre exemple : la phrase inscrite sur l’étui de guitare de Woody Guthrie : « This Machine Kills Fascists », j’y entends sous le sens des mots (machine, tue, fasciste) et avant même que ces mots prennent sens, une puissance, l’expression d’une pure puissance, portée à bout de bras et qui trouvera son acte , son sens, sa pratique… une chanson par jour.

NA : Puissance pour l’utilisateur, Woody Guthrie dans ton exemple certainement : puissance en général, j’en doute. Je ne sais pas, selon moi, Paul Veyne est puissant, Topor est puissant, Depardieu est léger, Hendrix est lunaire, Django joueur, Grappelli subtil, Monk lumineux, Guignard chiant, Angot vide, Jean-Pierre Foucault me fait penser à Molière et il a se mérite de ne jamais se cacher, etc. A propos de Woody Guthrie, ce que tu dis être puissant chez lui, c’est une phrase au fond, pas sa musique ni ses chansons. Guitaristiquement parlant si on veut rentrer là dedans, c’est faible mais cela n’est pas tellement son sujet non plus, c’est peut être marquant historiquement, ou important en tant que sens commun, de ce que cela signale tout en le réduisant à une sorte de drapeau d’un moment, et encore localement. Léo Ferré n’était pas plus d’actualité à l’époque qu’aujourd’hui et pourtant c’est d’une actualité intime folle, tous les jours.  » Paris je ne t’aime plus » cela devait s’appliquer en 1792 comme en 2010, j’en suis certain. Si on essaie encore de se dépatouiller de cette « puissance », moi je dirais avant tout que la musique est « utile » et même parfois nécessaire. Ne serait-ce que parce que rien ne la remplace, on n’a pas cherché d’ailleurs, mais on n’aurait pas trouvé non plus.
C’est différent pour le cinéma : il y avait l’opéra avant, il y a maintenant les jeux vidéos, par exemple, cela peut changer- le problème actuel du cinéma (mais cela vaut pour beaucoup d’autres formes artistiques actuellement je pense) c’est qu’il est devenu du  » cinéma de cinéma », c’est très nostalgique avant même d’avoir vu les images, çà joue au cinéma, c’en est parfois, çà se prend d’avance pour un film. Cela peut tout à fait disparaitre sous cette forme, on n’est pas inquiet, cela reviendra sous une autre, comme toujours. La littérature non plus je ne vois pas qu’elle puisse être remplacée par autre chose, c’est la voix, la littérature, elle passe par l’écrit mais reste une voix. La philosophie idem, on peut y aller, elle sera là jusqu’à la dernière seconde. Le jazz a bien disparu, le blues aussi, la musique classique a été enterrée pour ce qu’elle était puis tous ces styles se sont transformés, il n’y a qu’à regarder un peu mieux de plus près, on verra bien que Sinatra, c’est Eminem. Gainsbourg c’est un individu unique mais j’en suis certain dans les 50 ans à venir on en verra un autre, autrement, mais peut être aussi fort, puissant. Prince, c est Duke Ellington, Britney il y en a eu depuis le départ de l’Entertainment américain, des mieux, des nettement pires aussi.

DB : Une chose que je soupçonne : la musique – comme le cinéma – est à un moment donné un art d’être ensemble, mais pas au sens commun lié aux situations de concert, plutôt au sens fort de coexistence, d’alliance (un peu plus que s’accorder donc) – partager le même plateau, un même espace : en quoi jouer avec un autre, avec d’autres, est-ce important, essentiel pour toi ? Qu’est ce qui se joue là ? S’agit-il de la même expérience avec tous ?

NA : Mais l’art ne parle qu’à l’universel, à tous, pour toujours, presque à l’infini et dans l’absolu. Donc il y a de l’ensemble là dedans forcement, que chacun s y retrouve ou pas. Les œuvres sont là, on peut mettre des décennies à les reconnaitre, parfois ne jamais les rencontrer, d autres fois les prendre dans la gueule littéralement, la fonction de miroir de l’œuvre est sa nature. Il y a ce coté dans toutes les grandes œuvres de te tutoyer toi, en tant qu’individu dans le groupe (qu’on y soit ou pas, qu’on veuille participer ou pas, on y est, la communauté des hommes cela n’est pas des mots uniquement, c’est tout a fait concret). Moi qui me lève très tôt pour marcher dans les rues de paris vers 6h, je marche au coté d’autres, les classes sociales à cette heure là sont tout à fait évidentes, on voit qui va où, pour quelles raisons, quels sont les destins, les métiers. J’y suis tout seul entouré de plein d autres, je n’y suis pas par hasard non plus. Il y a une compréhension de l’autre, au sens du « prendre avec » (con-prendre). Il n’y a d’altérité que si l’autre veut vous forcer à être comme lui sinon c’est bien normal que l’autre ne soit pas vous. Ensuite jouer avec d’autres, c’est aussi un métier, cela se fait dans un cadre qui a ses règles, ses rituels, un minimum de « commun » pour pouvoir le faire, que cela marche ou pas. C’est intéressant si vous allez voir une pièce de théâtre, de la danse, de l’opéra plusieurs représentations d’affilée, vous verrez que la même pièce, les mêmes interprètes dans un même lieu, au fil des soirs ne produit pas du tout le même spectacle. Deux personnes vont parler d’un même spectacle alors qu’ils en ont vu deux très différents dans le déroulement, le rythme, les enchainements. Un quatuor de Beethoven selon qui le joue cela peut n’avoir rien à voir. Il y avait cette émission passionnante sur France Musique, La Tribune de FM où l’on pouvait entendre dix versions différentes d’une même œuvre, et à la limite l’œuvre passait au second plan face aux interprètes. Si Glenn Gould joue Gibbons ou Bach, cela n’est ni Gibbons ni Bach. Il suffira d’écouter la même pièce par Scott Ross puis Alfred Brendel puis un enregistrement du début du siècle par exemple. L’œuvre a son intégrité, sa pensée, son intelligence, l’interprète aussi, ou pas. De même, lire un livre cela n’est pas le comprendre ou être en empathie, c’est déjà et avant tout le lire en tant que tel. En musique souvent face à une partition on ne comprend rien, c’est que l’on n’accepte pas d’ aller plus loin et de laisser le compositeur vous dire tout ce qu’il a mis dans sa composition. En tant qu’interprète il s’agit de se prêter à l’œuvre, on en est son véhicule, on est là pour faire le haut parleur et le décodeur éventuellement. On est parlé par l’œuvre…

DB : …Tout est là – « on est parlé par l’œuvre » – dans cette tournure passive : cette puissance de la musique ou de la voix qui me retourne…

NA : C’est central effectivement – en tant qu’ « artiste » (et le mot n’est pas mon préféré mais bon, c’est commun , cela permet de voir en gros où cela se passe ) , toutes ces histoires romantico-dilettantes-lyrico sont souvent fatigantes tant elle ne correspondent pas à la réalité de ces quotidiens – on est là pour que des œuvres puissent s’exprimer en tant que telles – régulièrement on trouve bizarre que des artistes aient des vies très réglées, tous les jours pareil, à remettre les choses sur la table, mais c’est automatiquement ce qu’il se passe quand tu entres la dedans…. Pour en revenir à ton expérience de l’autre dans le jeu, on ne peut faire l’expérience de cet autre qu’en étant à sa place déjà. Ceci dit toutes ces formes artistiques, et les arts de la scène en particulier, sont aussi un métier avec ses techniques, ses quotidiens. On peut tout à fait jouer avec des gens avec qui on ne passerait pas une heure, cela marche très bien, tant que l’autre s’en tient à son rôle je veux dire. On peut aussi se sentir très proche d un autre interprète et rater totalement du coup la pièce. Lorsque vous avez un partenaire sexuel par exemple, rien n’est garanti d’avance, il ne suffit pas d avoir envie du même coït, d’être d’accord sur le principe, sur ses effets pour que çà colle. Il y a de tout dans la sexualité, toutes les surprises, réussites sur le moment comme ratages sidéraux. Ce n’est pas de se sentir proche qui va forcement vous envoyer en l’air, au contraire, même çà peut tout à fait inhiber l’acte chez l’un des deux. Cela ne me semble pas très différent en musique ou dans le métier de musicien. La seule chose que je peux voir c’est le fait que tout de même les grands artistes sont des gens assez au clair avec toutes ces choses là. Une Longue expérience, de nombreuses réflexions sur le sujet vous permettent de savoir faire le tri entre tous les affects qui vous arrivent, éventuellement de laisser jouer la fonction seule si le reste ne marche pas, c’est un métier, clairement aussi.

DB: Tu as eu l’occasion de jouer avec Laurent Chambert à la société de curiosités : comment c’était ce soir là ?

NA : Une vraie rencontre sur l’instant, le vif mais de fond aussi. Celles que je préfère en somme. En fait dès le départ, il y a une histoire, et cette courte histoire peut avoir valeur d’exemple : j’avais rendez-vous à République dans un café au printemps dernier un après-midi et devais me rendre dans la soirée à une répétition de « Poésie B », je voulais manger un truc sur la route avant et je remonte vers Oberkampf pour prendre le métro à Parmentier. Dans les escaliers un jeune type qui sortait me demande si je ne suis pas moi-même, et m’explique qu’il aimerait m’inviter à un dispositif-projet de concert dans un nouveau lieu. On se reparle au mail, on trouve une date et ce soir-là, après le concert je parle avec un tas de gens dont assez longuement avec Laurent sans savoir qui il est, mais une personne s’impose dans la discussion très vite (Marie Möor, ce qui me ramène à mes débuts 25 ans plus tôt, et à Barney Wilen). Un peu plus tard Laurent me propose de participer à un projet avec lui dans ce même lieu, et comme avec toi ici, je fais un peu exprès de ne pas trop en savoir mais de laisser la rencontre se faire. En général, j’ai une confiance totale dans ce genre de carambolages, surtout si la personne en face te demande pour une raison ou une autre, je laisse l’autre avoir ses raisons de le faire et je réagis au désir de l’autre tout simplement. C’est un peu toute l’histoire de ma vie, tout s’est toujours fait accidentellement comme cela, c’est à dire « par hasard », donc sans le moindre hasard justement. Tout cela fait sens, même si cela peut prendre de longs moments avant de s’en rendre compte. On vient vous chercher, ou des rencontres se passent, à partir du moment où vous y êtes totalement ouverts. Les mêmes personnes à un autre moment, vous pouvez très bien être en face mais ne jamais les rencontrer. C’est récurrent chez moi ce type de rencontres, parfois en quelque secondes je peux me retrouver dans une situation qui va profondément changer ma vie, l’instant d’avant je n’en savais rien, et pourtant cela ne tombe jamais au hasard, cela arrive toujours à un moment central pour moi. Parfois ce sont des gens totalement anonymes, d’autres fois, des gens tout à fait célèbres mais que je ne reconnais pas (ou je peux même refouler dans ce cas là et ne pas me rendre compte de qui est qui). Le désir est communicatif, très clairement. Avec Laurent c’était très simple, il m’a invité à venir participer à son projet en tant que tel. Nous nous sommes rencontrés quelques heures avant, nous sommes allés prendre une bière pour parler un peu mais sans nécessairement détailler ce que nous allions faire le soir, et puis nous l’avons fait. Dans ce genre de rencontre, je cherche une sorte de lieu de partage entre la proposition de l’autre et mes intérêts du moment. Je sais que si j’avance une ligne, ne serait ce que d’être là ensemble à le faire, elle va me permettre d’appréhender le travail de l’autre. En gros j’ouvre un cadre, un champ, où le travail de l’autre va se révéler à moi, il ne s’agit pas de courir après l’autre, ça ne marche pas du tout. Il faut accepter que deux lignes se déroulent simultanément, si elles font sens ensemble, le sens se fera jour tout seul. Nous sommes là pour soutenir cela, pas pour le créer, pas pour le forcer non plus. Cela peut sembler un peu flou, mais c’est véritablement aussi simple que cela. Je parlais de religieux plus haut, mais il y a dans l’histoire des hommes des termes premiers que tout le monde reconnaît si on les pose, alors que pourtant chacun en a une expérience radicalement intime et différente. Ces mots, que ce soit Dieu, La Mort, La Vie, L’Amour, nous sont centraux d être justement indéfinissables, ou plus littéralement, à redéfinir à l’infini, pour chaque individu. Il y a dans la musique des choses qui ressemblent de très près à cette recherche, il y a donc aussi comme ailleurs, des gens qui ont trouvé des réponses, d’autres qui n’en veulent pas, d’autres pour qui seul le chemin compte etc. … mais la démarche est assez proche. La « quête » aussi.

Post-scriptum – Noël Akchoté

NA : Voila, en guise de conclusion, j’aimerais revenir sur ce titre qui oppose au départ (mais c’est le sens du dialogue justement), une « puissance de la musique » à des « quotidiens et une pratique ». Je n’oppose en rien les effets que produisent les œuvres au travail qu’elles nécessitent au quotidien : une pratique. Je dis simplement que  » faire » des œuvres est un travail qui vous permet justement de poser des faits, du sens, des images tout à fait précises et non pas des « révélations », des moments lyriques d’inspiration ou d’ affects. Il y a quelque chose dans le travail de l’artiste qui peut se rapprocher du travail de l’analysant dans une cure, tout est dedans mais tout n’est pas lisible, accessible, ordonné pour l’individu même si tout est absolument ordonné pourtant. C’est comme un sculpteur qui reçoit un bloc de pierre, il va falloir qu’il fasse émerger l’œuvre du bloc, mais l’œuvre est déjà là, présente en lui, le reste demande un quotidien, une pratique, donc un métier aussi. Cet aspect des choses, il suffit de lire les nombreuses correspondances d’artistes pour le voir, ils ne parlent que de cela. Il y avait récemment une série d’émissions autour de Simenon où il donnait sa définition de l’écrivain : un écrivain, c’est quelqu’un qui passe toute la matinée à ajouter une virgule, et toute l’après-midi à l’enlever.

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ELEMENTS

Noël Akchoté est un guitariste français né à Paris le 7 décembre 1968. Du jazz à l’improvisation, en passant par la chanson, le rock ou la variété, son parcours et ses pratiques permettent difficilement de lui attribuer un style précis, pas plus qu’une appartenance à un courant ou à un milieu musical spécifique…

Discographie et bibbliographie de Noël Akchoté sur wikipedia
Textes de Noël Akchoté dans la revue SKUG
La playliste de Noël Akchoté dans les programmes non déterminés de la société de curiosités

Playlist

1/
Listening To The Higsons – Robyn Hitchcock – Invisible Hitchcock

2/
Jammin’ With Top Dollar – Endless Boogie – Focus Level

3/
Gimme The Awesome – Endless Boogie – Focus Level

4/
The Manly Vibe – Endless Boogie – Focus Level

5/
Unknown – Unknown – Cambodian Rocks

6/
Ja, Ja, Ja, Nee, Nee, Nee - Martin Kippenberger – Beuys Best

7/
Way I Love – Mike Fellows – Limited Storyline Guest

8/
Sweetwaterfishes – Sara Glaxia – Flesh Records

9/
Commander 0f Space – Mike Fellows – Limited Storyline Guest

10/
Unknown – Unknown – Cambodian Rocks

11/
Dragonfly – Dead Meadow – Dead Meadow

12/
Lady – Dead Meadow – Dead Meadow

13/
Unknown – Unknown – Cambodian Rocks

14/
Low Lifes – Endless Boogie – Focus Level

15/
Sleepy Silver Door – Dead Meadow – Dead Meadow

16/
Yeah, I Know – C.R.E.E.P – Flesh Records

17/
Overwhelmed – K8 Hardy – Flesh Records

18/
Ja, Ja, Ja, Nee, Nee, Nee - Martin Kippenberger – Beuys Best

Pia Dehne – Eve of Destruction – Thursday, June 3rd to Sunday, July 18th, 2010 -  blackstongallery.com

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Première écoute : Jeudi 24 juin 18h, puis jusqu’au 1er juillet 12h, 18h, 00h, 6H

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ELEMENTS

Née à Düsseldorf (Allemagne), Pia Dehne est diplomée de l’école d’art de Düsseldorf où elle a étudié dans la classe de Markus Lüpertz. Pia Dehne s’installe à Berlin, et après sa deuxième exposition personnelle à la Galerie Kubinski, déménage à New York où elle vit et travaille actuellement. Elle a exposé son travail internationalement lors d’événements comme « What About New York? » à la Galerie du Jour à Paris en 2003, la présentation de son livre de dessins, I’m so happy I could die, par John Connelly à New York et Laura Mars Group à Berlin en 2003.

Le travail de Pia Dehne a fait l’objet de plusieurs expositions personnelles à New York : Naked City en 2004 (Deitch Projects) et Country Life en 2008 (Blackston Gallery).

Parmi les expositions de groupes récentes : For Your Eyes Only (De Markten, Bruxelles), et Hunt & Chase (James Salomon Contemporary, East Hampton) en 2010.

Toutes les infos sur le site de l’artiste : www.daysonearth.net

Born in Düsseldorf, Germany, Pia Dehne received her Master of Fine Arts from and studied under Professor Markus Lüpertz at the Düsseldorf Art Academy. Pia Dehne later lived in Berlin, and after her second solo exhibition there in 1999 at Galerie Kubinski, she moved to New York, where she currently lives and works.

She has exhibited in international venues such as Galerie du Jour in Paris 2003, What About New York?, and her book of 80 drawings, I’m so happy I could die was launched at John Connelly Presents in New York and shown at Laura Mars Group in Berlin during 2003. Dehne’s work has been the subject of  several solo exhibitions in New York including her first solo show, Naked City in 2004 at Deitch Projects, and Country Life at Blackston Gallery in 2008. Recent group exhibitions include the shows For Your Eyes Only at De Markten, Brussels, and Hunt & Chase at James Salomon Contemporary, East Hampton in 2010.

For more information visit the artist’s website

www.daysonearth.net

LA DISSOCIATION DU RÉEL

1/
Gérard Grisey, Partiels
2/
Tristan Murail, Désintégration
3/
Giacinto Scelsi, Ohoi
4/
Anton Webern, Cinq pièces Op. 10
5/
Iannis Xenakis, Metastasis
6/
György Ligeti, Atmosphères
7/
Hugues Dufourt, Le Déluge (D’après Poussin)

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Premières écoutes : Jeudi 10 juin à 12h,18h, minuit, 6H puis jusqu’au 17 juin mêmes horaires

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La dissociation du réel
Par Philippe Rahm

Avec « La dissociation des idées », paru en 1899, l’écrivain français Remy de Gourmont tente de formuler un processus de renouvellement des idées qui passe nécessairement par un premier moment d’effondrement des « lieux communs ». « Il y a deux manières de penser : ou accepter telles qu’elles sont en usage les idées et les associations d’idées, ou se livrer, pour son compte personnel, à de nouvelles associations et, ce qui est plus rare, à d’originales dissociations d’idées ». Il continue plus loin en expliquant qu’« il s’agit ou d’imaginer des rapports nouveaux entre les vieilles idées, les vieilles images, ou de séparer les vieilles idées, les vieilles images unies par la tradition, de les considérer une à une, quitte à les remanier et à ordonner une infinité de couples nouveaux qu’une nouvelle opération désunira encore, jusqu’à la formation toujours équivoque et fragile de nouveaux liens. » Et de donner des exemples des dissociations ou d’associations nouvelles telles que : « genou du câble », la « gueule du canon » par exemple. Cette méthode dissociative, Remy de Gourmont la compare à l’analyse en chimie : « L’analyse chimique ne conteste ni l’existence ni les qualités du corps qu’elle dissocie en divers éléments, souvent dissociables à leur tour ; elle se borne à libérer ces éléments et à offrir à la synthèse qui, en variant les proportions, en appelant des éléments nouveaux, obtiendra, si cela lui plaît, des corps entièrement différents. »

Le réel forme un bloc au départ et il est difficile a priori de savoir ce qui relève dans ce tout du nécessaire ou du superflu, de ce qui doit être là, et pour quelle raison, de ce qui est là par habitude, parce qu’il y a été associé un jour, peut-être même par hasard et que personne depuis ne l’a remis en question. Le paysage comme la ville ou l’architecture constituent aussi des ensembles, des touts comme des agrégats d’éléments qui, pour certains, n’ont peut-être aucune raison d’être, ne servent plus à rien, voir même n’ont jamais servi à rien. Ces blocs de réalité forment des images, des « lieux communs », des visages porteurs d’une mémoire collective et d’une identité partagée, faite de symboles, de traditions et d’habitudes dont on a souvent perdu le sens initial, la véritable raison d’être et la nécessité. Ces blocs, à la manière de la gestalt, forment des ensembles qui se refusent, il est dit, à la division en éléments, qui se refusent à l’analyse et à la critique. C’est d’ailleurs contre l’ « atomisme » et l’ « élémentarisme » comme théories de la perception que se constitua le mouvement de la Gestalt au début du 20ème siècle, contre finalement ces dissociations des idées et des formes apparues au 19ème siècle, d’abord dans les sciences, puis dans les arts, dans la littérature, dans la peinture. À la décomposition, à la dissociation comme méthode d’analyse « chimique » du tout, la Gestalt oppose une vision holistique en déclarant que « le tout est différent et n’est pas réductible à la somme de ses parties ».
En réévaluant mon travail aujourd’hui, je m’aperçois que je suis en totale antinomie avec cette vision gestaltiste des phénomènes, de leurs perceptions et de leurs productions. Je crois au contraire, avec Remy de Gourmont, mais aussi avec de nombreux autres moments d’invention des siècles précédents, à la décomposition, à la dissociation du tout en éléments pour ensuite le recomposer, le synthétiser, mais avec un certain nombre de ses éléments seulement (pas forcément tous), selon d’autres hiérarchies. Je pense au contraire de la Gestalt que les parties isolées sont plus intéressantes que le tout. Et la recomposition ou la « position » comme le dira plus tard le compositeur français Tristan Murail, dessine alors une forme nouvelle, prend une autre apparence, inattendue et insolite au premier regard, mais rendue à son essence et à la nécessité. Dissocier le réel, décomposer les lieux communs pour recomposer autrement, dans un ordre différents, sont des moments obligés de la réformation et de l’évolution des formes en même temps que celles de la société et des techniques. « L’imagination est l’analyse, elle est la synthèse… elle décompose toute la création, et, avec les matériaux amassés et disposés suivant des règles dont on ne peut trouver l’origine que dans le plus profond de l’âme, elle crée un monde nouveau, elle produit la sensation du neuf » (Baudelaire, Salon de 1859, in Au-delà du romantisme. Ecrits sur l’art).

L’Hormonorium, la Plage d’hiver, Diurnisme, le Gulf stream digestible ou les nouvelles gorges d’Olduvai sont ainsi très littéralement des dissociations électromagnétiques, biologiques et chimiques de paysages naturels, celui de la montagne, de la nuit, de la plage, du climat atlantique et des zones subsahariennes, recomposés ensuite en en gardant que deux ou trois éléments fondamentaux et nécessaires.

Analyse et dissociation du réel, plongée dans l’ infiniment petit et décomposition du tout en quelques éléments chimiques et électromagnétiques, production d’une nouvelle synthèse, sont ainsi les moments par lesquels je passe dans la production d’un projet. Comme Baudelaire, Marcel Schwob voulait procéder par synthèse, mais une synthèse libre, accusant le roman naturaliste et le roman analyste de parler synthèse mais de ne pas savoir en faire. Remy de Gourmont reprend ce terme de synthèse dans son essai sur la dissociation des idées, terme qui sera ensuite employé par le compositeur français Gérard Grisey dans son texte fondateur de 1979 « A propos de la synthèse instrumentale » dans lequel il propose d’abandonner le macrophonique pour le microphonique, d’explorer l’intérieur même du son, de voyager au cœur de ses spectres ; ce qui deviendra le programme de la musique dite « spectrale ». Dans un article consacré au compositeur romain Giancinto Scelsi, l’autre inventeur de la musique spectrale, Tristan Murail, en explique très clairement le processus : « On ne va plus com-poser (juxtaposer, superposer), mais dé-composer, voire tout simplement, poser le son. Décomposer le son dans son spectre et non plus composer les sons entre eux, c’est bien ainsi que l’on définit le point de départ de la méthode de composition maintenant appelée spectrale.» Et d’évoquer sa propre œuvre de 1983, Désintégrations dans laquelle il désintègre d’abord les sons instrumentaux, les réduit à leurs composantes essentielles, pour ensuite, éventuellement, les recomposer, ou plutôt pour synthétiser à partir de ces éléments des agrégats nouveaux.

Je partage totalement ce programme énoncé par Tristan Murail et dans ce sens, mon architecture pourrait être qualifiée de spectrale ou de synthèse spatiale, dans laquelle l’espace est entièrement décomposé en particules élémentaires, en longueurs d’onde, en taux d’humidité, en intensité lumineuses et en coefficient de transmission thermique pour être ensuite synthétisé en une nouvelle forme, plus essentielle et plus contemporaine. Mais l’intérêt que je porte à la décomposition du réel et à la synthèse de deux ou trois éléments chimiques et électromagnétiques qui le composent, ne relève pas uniquement d’un projet esthétique. Plus profondément, il me semble être un processus nécessaire dans la réévaluation des raisons fondamentales historiques, sous-jacentes, souvent masquées, qui ont généré le paysage humain, provoqué une certaine d’architecture, un type d’urbanisation, une manière d’aménager le territoire. C’est ensuite une méthode permettant de repenser l’architecture et l’urbanisme en dehors de tout lieu commun, cliché et pittoresque jusqu’à atteindre une certaine forme de vérité, d’économie et de beauté.

Liens internet :

hormonorium: http://www.philipperahm.com/data/projects/hormonorium/index-f.html
plage d’hiver: http://www.philipperahm.com/data/projects/winterbeach/index-f.html
diurnisme: http://www.philipperahm.com/data/projects/diurnisme/index-f.html
gulf stream digestible: http://www.philipperahm.com/data/projects/digestiblegulfstream/index-f.html
Les nouvelles gorges d’Olduvai: http://www.philipperahm.com/data/projects/newolduvaigorges/index-f.html

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ELEMENTS

Philippe Rahm (né en 1967) est architecte et diplômé de l’école Polytechnique de Lausanne en 1993. Il travaille actuellement à Paris et à Lausanne. En 2008, il est l’un des vingt architectes internationaux sélectionnés par Aaron Betsky pour la 11ème Biennale d’Architecture de Venise. En 2002, il représentait la Suisse à la 8ème Biennale d’architecture de Venise. En 2007, une exposition personnelle lui était consacrée au Centre Canadien d’Architecture de Montréal. En 2009, il est nominé au prix Ordos en Chine et était en 2008 l’un des architectes classé dans le top ten du prix international Chernikov. Il a participé à un grand nombre d’expositions (Archilab 2000, SF-MoMA 2001, Musée d’art moderne de la ville de Paris 2001, CCA Kitakyushu, Japon 2004, Mori art museum, Japon 2005, Frac centre, Orléans 2005, Centre Pompidou, Beaubourg 2003, 2005 et 2007, Kunsthaus Graz Autriche 2006, Manifesta 7, 2008, Louisiana museum, Danemark) et a donné des conférences sur son travail dans de nombreuses université dont Princeton, Harvard, Cooper Union et UCLA. Philippe Rahm a été résident de la Villa Medicis à Rome en 2000. Il travaille actuellement à plusieurs projets architecturaux privés et publics en France, Pologne, Italie et en Allemagne et a réalisé en 2009 la scénographie de « la Force de l’art 02 » au Grand-Palais à Paris. Il a été Diploma Unit Master à la AA School de Londres en 2005-2006, professeur invité à l’Académie d’Architecture de Mendrisio en Suisse en 2004-2005 à l’EPFL (Ecole Polytechnique Fédérale de Lausanne) en 2006-2007, directeur de Master à l’Ecole Nationale Supérieure d’Architecture de Paris-Malaquais en 2008. Il est actuellement professeur invité à l’école d’architecture de la Royal Danish Academy of Fine-Arts à Copenhague. Il est l’auteur du livre « architecture météorologique », récemment paru en France.

http://www.philipperahm.com

SPILLOVER

Spillover is an audio track, consisting of four chapters, whose sounds were organized to fit into a 7-minute loop. The four chapters are titled after the first exercise in the four weeks of prayers in St. Ignatius of Loyola’s Spiritual Exercises.

Spillover is part of a larger piece including sculpture, video, and performance. A choreographed a dance accompanies this soundtrack as well as a dress that is very layered, sort of like a Victorian mourning dress. The top layers of the dress are black fabric, the underside layers are tan fabric, to match my skin tone. I will be dancing a 7 minute dance to the 7-minute looped Spillover audio repeatedly until my body can’t stand up anymore.

The result of this performance will be a highly edited video, showing the fabric switching from black to tan and showing that my body is slowly, failing. The video will have headphones nearby as an option for the viewer to hear the audio. Opposite this projected video, will be another projected video of me doing the same 7-minute dance to the same Spillover audio track, but inside the Prince sculpture (image provided). Because my body will be constricted by the sculpture’s weight and its material inflexibility, the movements will resemble something like a crude cartoon figure moving. The videos of each character, The Prince and myself, will face each other. This alignment with purposeful separation represents two things that were designed to be as together, but that inevitably will never sync up.

I titled the Soundtrack Spillover to refer to a term used to describe rapid ritual dancing (such as Sufi dancing). In Eugene d’Aquili and Andrew B. Newberg’s book, « The Mystical Mind; Probing the Biology of Religious Experience », its describes what happens to one’s arousal system when performing a rapid ritual:

 » …One can see a bottom up process with rapid external rhythms driving the arousal system. We hypothesize that the rapid external rhythmic drivers would eventually lead to a release of hippocampal inhibition on arousal centers in the brain. This would result in an increased arousal drive via the amygdala and cortex. This process continues until maximal arousal occurs, which, as mentioned before, leads to spillover and quiescent breakthrough. »

I organized the sounds to relate to how I formally weave abstraction within specificity when I am fusing forms into a single surface shell (such as in the sculpture, Mary, image provided).

The Chapters in Spillover are titled as follows:

Chapter 1:
Week One- Principle and Foundation
1:00-1:42

Chapter 2:
Week Two-The Call of the Temporal King
1:43-3:15

Chapter 3:
Week Three-First Contemplation
3:15-5:50

Chapter Four:
Week Four-Contemplation to Gain Love
5:51-7:00

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Première écoute : jeudi 2 septembre à 12h, 15h, 19h, et 00h, jusqu’au 9 septembre mêmes horaires

Ecouter la playliste de Bonnie Collura sur votre lecteur

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ELEMENTS

Prince
Cardboard, expandable foam, microcrystalline wax, ribbons, potting soil, make-up, help fiber, plastic, plaster, wood, steel, fake eyelashes, glitter
93×46x56 inches
2008

This version of the Prince fusion is a hollow form, built for me to perform in. I translated Spiritual Exercises (a prayer written by St. Ignatius Loyola that Bernini read daily at the end of his life) into dance steps. A seven-minute video records me performing this dance without the Prince armor on. This summer, I will be performing the dance with the Prince armor on top of me, and documenting it with another seven minute long video. Both videos will be projected facing one another to refer to dance partners who inevitably do not sync up.

Mary (detail: example of “vice surface” in the Seven sculptures)
Hydrostone, bondo, autobody paint, steel, wood, tinted plastic, Easter grass
37×16x18 inches
2010

Interested in the state when a form that may appear to be full of life begins to deflate under a life’s pressure, I often think of gestures that reflect an internal or external imprint. With the sculpture Mary, I wanted to make a hard cast look like a thin inflatable skin. This sculpture was cast in a fine cement, grafted to nine other molded sections, and sanded 40+ hours to negate the concrete’s inherent surface quality. From one side, Mary looks like a form contained with air. As one walks around its skin, it reveals itself as a hollow structure.

Bonnie Collura, 
assistant professor of art at Penn State University, received her BFA from Virginia Commonwealth University in 1994 and her Masters of Fine Art, concentrating in Sculpture, from Yale University in 1996. Upon graduating with her MFA she has been in numerous solo and group shows in New York, Germany, France and Italy. Her work has been reviewed in The New York Times, Art Forum, Art in America, Art News, Sculpture Magazine, BOMB magazine, Beautiful Decay, Time Out New York, and several other publications. She has been awarded The Emerging Artist Award in 1997 from the Aldrich Museum of Contemporary Art in Ridgefield, Connecticut, received a Guggenheim Fellowship Award, for Sculpture, in 2005, was awarded a MacDowell Colony Fellowship in 2010, and is a current nominee for a 2010 USA Fellowship in the Visual Arts Category (recipients to be announced in December 2010).

www.bonniecollurastudio.com

TARKOS & Cie

1/
Christophe Tarkos : les nuages (in Pan)

2/
Christophe Tarkos : j’ai un problème

3/
Christian Prigent : liste des langues que je parle

4/
François Bon : impro dans le train

5/
Christophe Tarkos : l’homme de merde + je gonfle

6/
Christophe Tarkos : Tambour-Tambola

7/
Christophe Tarkos : le parpaing

8/
Blaise Cendrars : les îles

9/
Saul Williams : Sha-Clack-Clack (festival Def Poetry)
vidéo et sous-titrage français : http://www.youtube.com/watch?v=ojDKI8JxfLs

10/
Peter Orlovsky : lecture

11/
Allen Ginsberg : Howl

12/
Christophe Tarkos : le texte est expressif

13/
Christophe Tarkos : la compote

14/
Christophe Tarkos : le bidon

15/
Christophe Tarkos : la_poésie + les_têtes

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Première écoute : jeudi 16 septembre août à 12h, 19h, et 00h, jusqu’au 23 septembre mêmes horaires

Ecouter la playliste de Fred Griot sur votre lecteur

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Fred Griot (1970 – fr), french poet and writer.
Has been writing for more than 30 years _ mainly poetry and short prose _ working with the “language as a paste”. Travelled trough Europe several times, mostly alone, randomly, mainly by train. Outdoors job. Has been exploring writing via the Internet since 2000 on a work-in-progress basis, and combined with graphic design and the language’s sound material. Has been conducting researches on soundtracks and performances as a more physical aspect of text (solo or with musicians) perfomances in Paris, Prague, Budapest, Lille, Lyon, Bochum, Bratislava, Namur, Angers, Limoges, etc… (details here http://www.fgriot.net/perf/parl ). Co-manager with François Bon for www.publie.net digital publishing. Member of the www.remue.net editorial team for 5 years. Lecturer in digital publishing at the Sorbonne Univesity.
Point not reached, still writing, worsens, sticks the knife in deeper.
More on www.fgriot.net

Livres
• édition papier :
2010 : plateau, suivie de la voix ça (éditions maelstrÖm)
2010 : Refonder (éditions Mots Tessons)
2009 : la plui (éditions Dernier Télégramme)
2008 : Rouge Kwoma, 20 chants écrits d’après des peintures papous, pour l’exposition et le catalogue (commande Musée Branly des Arts Premiers)
2003 : la voix ça _ du seul s’enfoncer _ [caps 2 _ sous la lampe (hors commerce)
1994 : Désertia (hors commerce)
1988 : Pierre Fendre (hors commerce)

• édition numérique :
2010 : le grand gribouilleur de cru (éditions publie.net)
2009 : VIA (éditions publie.net et arte.tv)
2008 : du seul s’enfoncer _ la voix ça _ sous la lampe (éditions publie.net)
2007 : Visions (éditions publie.net)
2007 : Refonder (éditions publie.net)
2007 : plateau (éditions publie.net)

• édition papier – livres collectifs :
2010 : Vagues de Renaud Poillevé
2010 : Le réel, nouvel opium ? (catalogue exposition)
2007 : Avec mes yeux (éditions Verlag im Wald – Meschonnic, Emaz, Gellé…)
2007 : Dictionnaire collectif du roman populaire (éditions Nouveau Monde)

Oeuvres exclusivement numériques
flux (avec Thomas Deschamps – 2006/2007)
town town (triptyque – 2005/2006)

Revues papier (sélection)
2006, 2009, 2010 : N4728
2007 : Atelier de l’Agneau
2006 et 2007 : 22 montée des poètes (plusieurs n° dont un hors-série spécial consacré à mes travaux)

Revues web (sélection)
remue.net (membre du collectif de rédaction 2005-2009)
tierslivre.net
poezibao
d’ici là #2 (publie.net)
revue des ressources
libr-critique
sitaudis
zazieweb
le matricule des anges
labyrinthe
littératures & compagnies
pleut-il
les 70
la république mondiale des lettres
amontour

Lectures-performances
une quarantaine de performances :
- à Paris : banlieues bleues, maison de la poésie, théâtre ouvert, nuits remue, l’ermitage, revue des ressources, institut national d’histoire de l’art, biennale de la poésie du Val-de-Marne, gare au théâtre, librairies, médiathèques, clubs, etc…
- à Prague, Budapest, Bochum, Bielefield, Brastislava, Namur, Lyon, Lille, Angers, Limoges, Bruxelles, etc…

Film
Crops (court-métrage avec Philippe Rahmy, Sophie Magnaud – 2008)

MACROSILLONS # 28.04.2010

1/
Laurie Anderson – O Superman

2/
Charles Armikhanian – RADII

3/
Eric Bogosian – Sitcom

4/
Julien Blaine & Guillaume Loizillon – Calmar

5/
Charles Pennequin – C’est rigolo la vie

6/
Ros Bobos – I understand Peter

7/
Pierre Guyotat – Progénitures

8/
Patti Smith – Prayer

9/
bpNichol – M.L.’s Dream

10/
John Giorno – Suicide Sutra

11/
Cosima Weiter & charles pennequin – Tu ne sais rien

12/
Yann Novak – Transmission from Gemini 6

Cette playliste a été diffusée une première fois à la galerie P.Pannetier le 28.04.2010 à l’occasion de la présentation  de  la sculpture sonore MACROSILLONS, conçue par Dominique Balaÿ, Jérôme Le Guezennec et Laurent Rump.

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Premières écoutes : jeudi 17 juin 12h,18h, minuit, 6H et jusqu’au 24 juin, mêmes horaires

Ecouter la playliste MACROSILLONS # 28.04.2010 sur votre lecteur

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ELEMENTS

MACROSILLONS  est une sculpture sonore qui diffuse des playlistes conçues par Dominique Balaÿ et Jérôme Le Guezennec.

Cette sculpture  mobilise des savoirs et des enjeux à la croisée de leurs pratiques artistiques et professionnelles : architecture et littérature, communication et urbanisme, son et espace. Leurs interrogations portent principalement sur la place de l’objet et les notions de réception, de contexte et d’environnement.

MACROSILLONS # 28.04.2010 est une autre étape dans cet échange et ce cheminement.

+ Macrosillons

www.macrosillons.fr

+ Dominique Balaÿ

www.varias.info

+ Jérôme Le Guezennec

www.e-environnement.fr

+ Circumnavigation

balguez.blogspot.com/

A PLAYLIST FROM NAPOLI

1/
Don Salvato’ – Enzo Avitabile (Napoletana)

2/
Kanzone Doce – Grana (K-album)

3/
World Citizen – I Won’t Be Disappointed – Looped Piano Amadeo Pace (Babel-21grammi)

4/
Natural Warmness – Mass (Self Organizing Structures)

5/
Ancora Ancora – Mina

6/
‘O Spuorc Feat Lucariell – CoSang (Chi More Pe’ Mme)

7/
Noise ringer – Mario Masullo & Andrea Gabriele (les couleurs ne meuvent pas les peuples)

8/
Torno ccà – 24 Grana (Underpop)

9/
Turn Your Lights Down Low – Bob Marley & The Wailers (Exodus)

10/
ma si viene stasera – Alessio (Gomorra Soundtrack)

11/
Io vorrei non vorrei ma se vuoi – Lucio Battisti (Le avventure di Lucio Battisti e Mogol)

12/
Fuje Tanno – CoSang (Chi More Pe’ Mme)

13/
Few birds – Mario Masullo & Andrea Gabriele (les couleurs ne meuvent pas les peuples)

14/
When Our Wings Are Cut, Can We Still Fly 2:22 Gustavo Santaolalla Babel-21grammi Soundtrack

15/
Billie Jean (Neomelodic Cover) – Michele Jeppson

16/
Limportante e’ finire – Mina (The platinum collection)

17/
Povere Mman – CoSang (Chi More Pe’ Mme)

18/
Mass (Test Session)

19/
La neve – 24 Grana (Underpop)

20/
Esageratamente – Anthony – Gomorra Soundtrack

21/
Luce e luna – 24 Grana (Underpop)

22/
Tu Me Acostumbraste – Chavela Vargas (Babel-21grammi)

23/
ODISSEA – La Famiglia (41 Parallelo)

visibile invisibile, 2009, Digital drawing on paper, red cotton thread, cm 35×50

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Premières écoutes : Jeudi 15 juillet à 12h, 15h, 19h, et 23h, jusqu’au 22 juillet mêmes horaires

Ecouter la playliste de Bianco-Valente sur votre lecteur

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ELEMENTS

Le couple d’artistes Bianco-Valente expose son travail dans le monde entier.

Giovanna Bianco est née en Italie à  Latronico en 1962, Pino Valente est né à Naples en  1967.  Leur rencontre date de l’année 1993 à Naples, leurs premiers travaux communs apparaissent en 1994, ils vivent à Naples.

EXPOSITIONS PERSONNELLES (récentes)

2010
- Costellazione di me, Galleria VM21 artecontemporanea, Roma (IT)

2009
- Arte in transito, Paesaggio urbano e arte contemporanea, curated by Brunella Buscicchio, Ex Biblioteca Provinciale, Potenza (IT) (cat) (Link) (Backstage)
- Entità risonante, curated by Valentina Tanni, Fondazione Pastificio Cerere, Roma (IT) (Link)
- Bianco-Valente (with Mass), curated by Susanna Bianchini, Artprojx Space, London (GB)

2008
- visibile invisibile, Opere video e ambienti 1995-2008, curated by Emma Zanella and Vittoria Broggini, GAM Gallarate, Gallarate (IT) (cat) (Link)
- Materia prima, Galleria Alfonso Artiaco, Napoli (IT) (Backstage)
- Alfabeto esteso, curated by Riccardo Caldura, Galleria Contemporaneo, Mestre (Ve) (IT) (cat) (Link)

2007
- Relational, Paris Photo/Statement, VM21 artecontemporanea, Carrousel du Louvre, Paris (F) (cat)
- Tempo universale, Galleria Enrico Fornello, Prato (IT)
- Bianco-Valente (Sound and Video Installations in the ancient center of Latronico), curated by Ass.Cult. Vincenzo De Luca, Latronico (IT)
- Mindscapes, offiCina, Factory 798, Beijing (CN) (Link)

EXPOSITIONS COLLECTIVES  (récentes)

2010
- NETinSPACE: Universi al confine, a cura di Elena Giulia Rossi, Museo MAXXI, Roma (IT) (cat)
- Au pair, a cura di Giacinto Di Pietrantonio e Francesca Referza, Fondazione Menegaz per l’arte, Castelbasso, Teramo (IT) (cat)
- Eutopia, a cura di Marisa Vescovo e Alessandro Carrer, Urban Planning Exhibition Center, Shanghai (CN) (cat)
- Nove artisti per « Napoli milionaria », a cura di Lia De Venere e Fabrizio Vona, Palazzo Ducale di Martina Franca, Taranto (IT)
- Avventure minime. Miocinesia nell’arte oggi, curated by Antonello Tolve, Ex Convento di San Lorenzo, Salerno (IT) (cat)
- Let’s go outside, a cura di Daniele Capra, Superstudio Più, Milano (IT) (cat)
- Draft, performing videoart and music, curated by Silvia Grandi, Palazzo Re Enzo, Bologna (IT)

2009
- Barock, Arte, Scienza, Fede e Tecnologia nell’Età Contemporanea, curated by Eduardo Cicelyn and Mario Codognato, Madre Museo d’Arte Donna Regina, Napoli (IT) (cat)
- Lumen, curated by di Raffaele Gavarro, Museo Pecci, Prato (IT) (cat)
- Aqua, curated by Laura Barreca -time in jazz 2009-, Sa Casara, Berchidda, OT (IT)
- FishEye, International Experimental Film & Video Festival, curated by Bruno Di Marino, Nuovo Cinema Aquila, Roma (IT)
- Orfeo in contemporanea, curated by Lia De Venere, Palazzo Ducale di Martina Franca, Taranto (IT)
- Videoart Yearbook 2009, curated by R. Barilli, Chiostro di Santa Cristina, Bologna, (IT) (cat)
- SalernoCreativa/New Media, curated by Alfonso Amendola, Parco Urbano ex Area Salid, Salerno, (IT)
- Camera con vista , curated by Adriana Rispoli and Eugenio Viola, Istituto Italiano di Cultura, Palazzo italia, Beograd, (SRB) (cat)

+ sur http://www.bianco-valente.com/

SOUND SCULPTURES

1/
Siegfried Fink ‘Metallophonie’

2/
Hans-Karsten Raecke ‘Das Mecklenburger Pferd’

3/
Wolfgang Roscher ‘Phonetische Etüde’

4/
Klaus Hinrich Stahmer ‘Soundscape’

5/
Wilfried Jentzsch ‘Lithophonie’

6/
Klaus Ager ‘Alinkonie II’

7/
Herbert Försch-Tenge ‘Tri-Cello II’

8/
Anestis Logothetis ‘Klangagglomeration’

9/
Christoph Wünsch ‘Kaleidoskop’

10/
Peter Vogel ‘Kleines Fünfstimmiges Minimal Music Object’ (6:30)

all these tracks are from Sound Sculptures (Wergo Records, 1985)

11/
Past Eroticism – Canadian Sound Poetry in the 1960s – Vol. 1

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Première écoute : jeudi 9 septembre à 12h, 15h, 19h, et 00h, jusqu’au 16 septembre mêmes horaires

Ecouter la playliste de Angelo Plessas sur votre lecteur

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Angelo Plessas lives and works in Athens, Greece. His main body of work consists of websites that bring together an animated “object” with a domain name that functions as the title and location of the piece. These web objects often resemble sculptural portraits of imaginary characters, alternating between funny and poignant, strange and romantic. In his work, Plessas fuses iconography of ancient civilizations, surrealist abstractions and modernist references together with the social networking habit of imagined identities. Although immaterial, these pieces have a strong handcrafted quality and a distinct graphic style, always animated and interactive. Sometimes focusing on the theme of identity, these pieces become characters and portraits, while some other times they become experiments of color and form, always conveying abstract emotions to the viewer in contrast to our “reality” driven online situation.

His most recent solo exhibitions include « Angelo Plessas Works » at the Berkeley Art Museum, “Headquarters” at Rebecca Camhi gallery, « The Angelo Foundation Headquarters » at Jeu De Paume (with Andreas Angelidakis). His work was presented at the the 2nd Athens Biennale in the exhibition « Splendid Isolation, Athens ». His work has been featured in Artforum, Art in America and other publications.

http://www.angeloplessas.com

A PLAYLIST BEETWEEN THE AGES OF 11 AND 20

the music i’ve included in this playlist is music that has been important to me since i was very young. i discovered the majority of this music between the ages of 11 and 20……very formative years for my musical upbringing. in many cases i wasn’t even sure it was music that i liked…..all i knew was that it was music that made me think…..think about the world, about music, about my life……and it was music that i kept coming back to…..to learn from and to derive pleasure. it is music i still listen to today……it’s not the only music i listen to, but in many ways it gives me the most pleasure…..i still learn from it and discover new things about it……and all of this music has led me directly and indirectly to other musics……which lead to still more…….and on and on……. thank you for listening and thank you for your time…….
anton fier

1.terry reid – dean river

2.gene clark & carla olson- gypsy rider so rebellious a lover

3.john martyn – i’d rather be the devil live performance

4.laura nyro – beads of sweat christmas and the beads of sweat

5.terry reid – mayfly

6.tim buckley – dolphins (live performance)

7.joe cocker – with a little help from my friends (mad dogs & englishmen)

8.nico – these days  (chelsea girls)

9.joni mitchell – jericho (don juan’s restless daughter)

10.mcdonald & giles – flight of the ibis

11.marc benno – speak your mind minnows

12.talk talk – desire (the spirit of eden)

13.judee sill – the kiss (live performance)

14.sonny boy williamson – little village bummer road

15.lorraine ellison – stay with me baby

16.laura nyro – upstairs by a chinese lamechristmas and the beads of sweat

17.led zeppelin – nobody’s fault buy mine presence

18. taj mahal – divin duck blues

19.the byrds – get to you the notorious

21. gene clark – echoes

22.the numbers band – jimmy bell ( jimmy bell’s still in town)

23.kevin ayers – whatever she brings we sing

24.laura nyro – captain for dark morning

25.dyke & the blazers – we got more soul

26.allen toussaint – cruel way to go down southern nights

27.bukka white aberdeen mississippi (blues live performance)

28.miles davis – black satin on the corner

29.betty harris – can’t wait much longer soul perfection

30.the byrds – change is now

31.holland-dozier – don’t leave me starvin for your love

32.arto/netopinipini 12″ single

33.sonny boy williamson – santa claus bummer road

34.laura nyro – black patch christmas and the beads of sweat

35.big star watch the sunrise – radio city

36.love and more again forever changes

37.buddy guy & junior wells – man of many words play the blues

38. james brown – mother popcorn live tv performance

39.the sons of champlin 1982- a loosin up naturally

40.laura nyro – the confession eli & the 13th confession

41. laura nyro – captain saint lucifer

42. buffalo springfield – questions last time around

43. sibylle baier – forget colour green

44. essra mohawk – i am the breeze primordial lovers

45. gene clark – from a siver phial no other

46. miles davis – what i say complete cellar door sessions

47. blood sweat and tears just one smile child is the father to the man

48. john martyn – one day without you (live performance)

49. bobby whitlock – the scenery has slowly changed

50. virginia astley – some small hope

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Premières écoutes : Jeudi 12 août à 12h, 19h, et 00h, jusqu’au 19 août mêmes horaires

Ecouter la playliste de Anton Fier sur votre lecteur

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ELEMENTS

From Wikipedia, the free encyclopedia

Anton Fier, aka « Andy Fisher » (born June 20, 1956), is an American drummer, composer and bandleader. He was born in Cleveland, Ohio.

Fier was an early member of The Lounge Lizards and The Feelies. He was in The Lodge (with John Greaves), worked with Pere Ubu, was briefly in the the Voidoids and founded The Golden Palominos. The 1978 Pere Ubu EP titled « Data Panic in the Year Zero » was dedicated to Fier.

Fier has collaborated extensively with Bill Laswell and also toured and recorded with Hüsker Dü guitarist, vocalist and songwriter Bob Mould.

Fier also played with bassist Jack Bruce and guitarist Kenji Suzuki on the 1987 album Inazuma Super Session – « Absolute Live!! »

Fier played in the band Locus Solus with John Zorn and Arto Lindsay. They recorded a live album for Zorn’s 50th birthday celebration. It is « Volume Number 3″ of the 50th birthday series on Tzadik.

+ discographie d’Anton Fier sur Discogs

PING-PONG DU SERVICE DES OREILLES

Tout a été prétexte pour passer d’une pièce à l’autre : c’est à un ping-pong très amateur que nous nous sommes livrés, voire à une amicale, enthousiaste, eclectique et paresseuse partie de pétanque … De nos conversations, échanges électroniques, absences, oublis, trous de mémoire, s’est faite cette liste essentiellement incomplète.
ea & ath.

1/
Bach – Mass In A, BWV 234 – Gloria - La Chapelle Royale, Collegium Vocale de Gand, Philippe Herreweghe (5:30)

2/
Kaoru - Grand Guignol – Naked City (0:54)

3/
Speedfreaks – Grand Guignol – Naked City(0:52)

4/
Bach – BWV0095-3 – Chorale (Sopran) – Bach collegium Japan, dir. Masaaki Suzuki (1:46)

5/
Bobangi – Aka Pygmies The African Rhythms (2:39)

6/
Guillaume de Machaut – Amours qui ha le povoir, Faus samblant, Vidi dominum, motet pour 3 voix – Ensemble Gilles Binchois (2:31)

7/
Gertrude Stein – If I Told Him (A Completed Portrait Of Picasso) (3:37)

8/
Kenneth Patchen (The Chamber Jazz Sextet) – Murder Of Two Men By A Young Kid Wearing Lemon Colored Gloves (1:19)

9/
Bob Dylan – Man on the street ( bootleg series vol 1)

10/
Beethoven – Trio des Esprits – no.5 in D major, op.70 no.1 – largo assai ed espressivo – Daniel Szepec, Jean-Guihen Queyras, Andreas Staier

11/

Béranger – Mon enterrement – Arnaud Marzorati, Yves Rechsteiner, Freddy Eichelberger

12/
Anton Webern – So ich traurig bin – Jody Pou, Emily Manzo (courtesy of www.shskh.com)

13/
Elena Andreyev & Antonin-Tri Hoang – Voix mouvantes  (inédit)

14/
Extrait de la cantate 95 de Bach -  « Schlage doch bald seelige stunde » – Makoto Sakurada (ténor) , Bach collegium Japan

Image Elena Andreyev
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Premières écoutes : Jeudi 15 juillet à 12h, 15h, 19h, et 23h, jusqu’au 22 juillet mêmes horaires

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ELEMENTS

Elena Andreyev

Diplômée du conservatoire Tchaïkovski de Moscou et titulaire d’un premier prix au CNSM de Paris dans la classe de Christophe Coin, Elena Andreyev pratique le violoncelle baroque et le violoncelle moderne. Membre des Arts Florissants, elle se produit également en soliste et en formation de chambre avec divers ensembles, principalement l’ensemble s:i.c., et le trio à cordes AnPaPié, qu’elle fonde en 2002 avec Alice Piérot et Fanny Paccoud. Elle collabore avec de nombreux compositeurs et participe à des formes expérimentales, (Sextuor, Commentaires et Entre Chien et Loup de Georges Aperghis, Forever Valley de Gérard Pesson) ainsi qu’avec le groupe Wandelweiser de Berlin, Giovanna Marini (La Bague Magique) ou Fred Frith (Landing, Setaccio). Dédicataire de pièces pour violoncelle seul (Aperghis, Pesson), elle vient d’en réaliser un enregistrement qui paraîtra en 2010. Elle est aussi poète.

www.trioanpapie.org

Antonin Tri Hoang

MATERIAUX

Le principe étant que les matériaux sonores entrent dans la composition donnée à la fin.
AJC

1/
Événements09 -  5 matériaux + pièce sonores extraits d’un ensemble à paraître en 2011

2/
Colomb -  10 matériaux + pièce sonores (forêt, mer, orage, pluie, vent, pluie, captures de BO …) pour accompagner « Vies d’hommes illustres d’après les écrits d’hommes illustres » ; à paraître aux éditions Al Dante en novembre 2010

3/
jpn  -  9 matériaux + pièce sonores extraits d’un travail en cours

4/
Dernière minute, avec Andy Moor -  4 matériaux + pièce sonores d’un ensemble à paraître sur Unsounds en octobre 2010.

5/
U_08-1,  avec Alva Noto  -  5 matériaux sonores de Unitxt, raster noton, Berlin, juin 2008.

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Premières écoutes : jeudi 29 juillet à 18h et 23h puis jusqu’au 5août mêmes horaires.

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TEXTES

4ème voyage

Extrait de la Vie de Christophe Colomb d’après Jules Vernes
« Vies d’hommes illustres d’après les écrits d’homme illustres »
Anne-James Chaton

Le 9 mai 1502, départ de NORD 36 degrés 32 minutes 1 secondes OUEST 6 degrés 17 minutes 58 secondes.

Le 20 mai, relâche dans l’île NORD 28 degrés 0 minutes 0 secondes OUEST 15 degrés 30 minutes 0 secondes.

Le 15 juin, arrivée en vue des îles SUD 17 degrés 30 minutes 0 secondes OUEST 149 degrés 30 minutes 0 secondes et de l’île NORD 14 degrés 40 minutes 0 secondes OUEST 61 degrés 0 minutes 0 secondes. Passage en vue de l’île NORD 15 degrés 30 minutes 0 secondes OUEST 61 degrés 20 minutes 0 secondes et de l’île NORD 18 degrés 14 minutes 57 secondes OUEST 66 degrés 30 minutes 3 secondes.

Le 29 juin, arrivée dans l’île NORD 18 degrés 28 minutes 0 secondes OUEST 69 degrés 54 minutes 0 secondes.

Le 14 juillet, en vue de l’île NORD 18 degrés 15 minutes 0 secondes OUEST 77 degrés 30 minutes 0 secondes, grands courants aux environs des îles NORD 20 degrés 50 minutes 0 secondes OUEST 78 degrés 55 minutes 0 secondes puis route dans la direction de l’est-quart-sud-ouest. Après soixante jours et soixante lieues, arrivée en vue des côtes de l’île NORD 21 degrés 30 minutes 0 secondes OUEST 80 degrés 0 minutes 0 secondes et découverte des îles NORD 19 degrés 30 minutes 0 secondes OUEST 80 degrés 40 minutes 0 secondes. Route au sud-ouest.

Le 30 juillet, découverte de l’île NORD 16 degrés 30 minutes 0 secondes OUEST 85 degrés 55 minutes 0 secondes.

Le 14 août, touche le cap NORD 16 degrés 1 minutes 0 secondes OUEST 86 degrés 1 minutes 0 secondes.
Exploration de la région NORD 15 degrés 55 minutes 0 secondes OUEST 86 degrés 0 minutes 0 secondes et du golf NORD 8 degrés 25 minutes 0 secondes OUEST 76 degrés 53 minutes 0 secondes, puis remontée jusqu’à la limite orientale du cap NORD 15 degrés 0 minutes 0 secondes OUEST 83 degrés 9 minutes 0 secondes.

Le 14 septembre, double le cap NORD 15 degrés 0 minutes 0 secondes OUEST 83 degrés 9 minutes 0 secondes et suit les côtes NORD 15 degrés 0 minutes 0 secondes OUEST 86 degrés 30 minutes 0 secondes, NORD 13 degrés 0 minutes 0 secondes OUEST 83 degrés 45 minutes 0 secondes.

Le 5 octobre, relève de la baie NORD 9 degrés 20 minutes 0 secondes OUEST 82 degrés 18 minutes 0 secondes et départ pour le village NORD 10 degrés 0 minutes 0 secondes OUEST 83 degrés 2 minutes 0 secondes.

Le 26 novembre, arrivée dans le port NORD 9 degrés 33 minutes 0 secondes OUEST 79 degrés 9 minutes 0 secondes. Tentative de sortie du port, puis après 350 lieues, retour à la rivière NORD 9 degrés 0 minutes 0 secondes OUEST 80 degrés 0 minutes 0 secondes.

Le jour de l’Épiphanie de l’année 1503, mouillage dans l’embouchure de la rivière NORD 9 degrés 6 minutes 35 secondes OUEST 79 degrés 59 minutes 25 secondes.

Le jour de Pâques, départ de NORD 9 degrés 6 minutes 35 secondes OUEST 79 degrés 59 minutes 25 secondes en direction du port NORD 9 degrés 33 minutes 0 secondes OUEST 79 degrés 40 minutes 0 secondes. Après 7 mille milles, passage devant le port NORD 9 degrés 33 minutes 0 secondes OUEST 79 degrés 9 minutes 0 secondes, et reconnaissance de l’archipel NORD 9 degrés 28 minutes 24 secondes OUEST 78 degrés 33 minutes 10 secondes

Le 10 mai, arrivée en vue de l île NORD 19 degrés 30 minutes 0 secondes OUEST 80 degrés 40 minutes 0 secondes,2 puis navigation au nord-ouest auprès des côtes de l’île NORD 21 degrés 30 minutes 0 secondes OUEST 80 degrés 0 minutes 0 secondes.

Le 23 juin, mouille dans la baie NORD 18 degrés 26 minutes 0 secondes OUEST 77 degrés 12 minutes 0 secondes.

Le 24 juin 1504, départ de l’île NORD 18 degrés 15 minutes 0 secondes OUEST 77 degrés 30 minutes 0 secondes en direction de NORD 18 degrés 28 minutes 0 secondes OUEST 69 degrés 54 minutes 0 secondes.

Le 12 septembre 1504, embarquement pour NORD 48 degrés 41 minutes 27 secondes EST 9 degrés 8 minutes 26 secondes.

Le 7 novembre, l’Amiral entre dans le port NORD 36 degrés 47 minutes 0 secondes OUEST 6 degrés 21 minutes 0 secondes.

A lire aussi

Extrait de “Événements 09“. Anne-James Chaton, 2010.
Extrait de ‘tranfer’ . Anne-James Chaton, Andy Moor, 2010.
Extrait de « nombres ». Anne-James Chaton,2008.

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ELEMENTS

Anne James Chaton a dirigé plusieurs revues et publié six livres aux éditions Al Dante. Il a donné de nombreuses performances en France et à l’étranger. Il a travaillé avec le groupe de rock hollandais The Ex, a publié un album, Le Journaliste, avec le guitariste anglais Andy Moor et a collaboré à l’album Unitxt du musicien allemand Alva Noto. Ses travaux plastiques et visuels, puisés dans ses matériaux d’écritures, ont fait l’objet de plusieurs expositions individuelles et collectives en France et à l’étranger.
Anne James Chaton a été lauréat 2008 de la résidence d’artiste de la Villa Kujoyama à Kyoto, au Japon, Ministère de Affaires Etrangères-Cultures France.
+ d’infos: www.annejameschaton.org

BIBLIO
Poésie sonore
Evénements 99, livre + 2 CD audio ; Paris: Al Dante, décembre 2001
Autoportraits, livre + 1 DVD ; Paris : Al Dante, mai 2003
In the event, avec le groupe The EX, livre + 1 CD audio ; Paris: Al Dante, janvier 2005
Questio de Dido, livre + 1 CD audio ; Paris: Al Dante – France Culture, avril 2008

Essai
L’effacé, capitalisme et effacement dans les Manuscrits de 44 de K. Marx, Paris : Sens & Tonka, Mars 2005
Notice de calcul de votre taux d’exploitation, Paris : Sens & Tonka, Mai 2005

CD/LP
Le journaliste, avec Andy Moor ; Unsounds, Amsterdam, CD, octobre 2008
Unitxt, avec Alva Noto ; Raster-noton, Berlin, CD et LP, juin 2008
Fugues, avec Innocent X ; Bleu éléctrique, Amiens, Mars 2005
Turn, avec The EX, Touch And Go Records, Chicago, USA, Septembre 2004

URANIUM, MUTATION AND THE POST-APOCALYPTIC STATE

[1] MoozE – Rads Pt1

[2] Maurizio Bianchi – Maidanek Bacterium

[3] Stephen Vitiello – With P.Oliveros for JDK

[4] William Burroughs – Thing Police Keep All Boardroom Reports

[5] Bob George – Warhead in the Forehead

[6] Social Interiors (Fahey/Rue) – Russian Around

[7] Stephen Vitiello – Bite for Andrew Deutsch

[8] MoozE – Mutation

[9] A Place to Pray – Thelema (Excerpt)

[10] Wolf Vostell – Telemetre

[11] MoozE – The Thing

[12] Stuart Brisley – There Will Be No Disasters (Georgiana Collection V)

[13] The Psychic Workshop – Apocalypse (From Transmissions of Decadence)

[14] William Burroughs – Uranian Willy (Rewrite)

[15] MoozE – Dead Cities

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Première écoute : jeudi 26 août à 12h, 19h, et 00h, jusqu’au 2 septembre mêmes horaires

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ELEMENTS

LES VOIX

1/
John lennon – no bed for beatle John

2/
Mike Kelley & Paul McCarthy -  duet

3/
Jelle Meander & Maja Jantar – al amin dada

4/
Remko Scha – Sweep

5/
Tomomi Adachi -  Anata 5

6/
Pandit Pran Nath -  Raga Darbari

7/
Robert Wilson -  Robert Wilson + Christopher Knowles
from « A Letter to Queen Victoria: The Sundance Kid is Beautiful »

8/
Philip Glass Building  – extrait de Einstein on the Beach

9/
Erik Satie  – Four Gnossiennes 3 – Lent

10/
Jim Roche – mamabear

11/
Augusto de Campo – Pulsar Gaetano Veloso

12/
Augusto de Campo3-dias dias dias Gaetano Veloso 1979

13/
Hanne Darboven – Opus 17a

et bientôt :
Orson Welles – Dracula (1938 Radio Performance)
Les frères Jacques – Mythologies
Brigitte Fontaine – Le Nougat

Murs oreilles – Image de Marie Ducaté

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Premières écoutes : Jeudi 8 juillet à 10h, 15h, 19h, et 23h, jusqu’au 15 juillet mêmes horaires.

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Ecouter la playliste de Marie Ducaté sur votre lecteur

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LES VOIX M’ACCOMPAGNENT JOUR ET NUIT
un texte de Marie Ducaté

Les voix m’accompagnent jour et nuit, principalement à la radio, mais aussi à la télévision au cinéma, au théâtre.

Elles ont le pouvoir de me rendre furieuse, amoureuse, inquiète, séduite, barbouillée, attristée, me faire monter des larmes de joie, de tristesse, de colère, me donner envie de danser, de rire, de me relâcher, me faire rêver, ou penser.

Je déteste la voix de Sarkozy, de Berlusconi, de la plupart des politiques sauf Obama, des journalistes sportifs, des vendeurs en tous poils, des banquiers, des gens qui crient, qui veulent montrer leur force ou leur pouvoir.

J’aime les langues, le son de l’espagnol du japonais, du corse, du sicilien, de l’anglais.
J’adore quand dans « un poisson nommé Wanda », l’actrice est excitée par les langues, surtout le russe !
J’aime les chœurs, tous les chanteurs de quel genre que ce soit, indien, « yodellien », cubain, inuit, tous chanteurs d’opéra, de jazz, de variété, de nouvelles musiques, j’aime la poésie sonore, Aperghis, la ursonate.

J’adorais la voix de Jean-Christophe Averty, de Tarkos, Deleuze, j’adore toujours la voix d’Alain Veinstein. J’aime les voix de certains acteurs, leur diction, le rythme retenu qui permet de mieux entendre un texte, les « hauteurs » qui modulent de la voix de tête à la voix medium de Michael Lonsdale.
J’adore la voix de mon compagnon, Jean-Paul Bourel.

Je rêverais d’une sonothèque des bandes-son des films de Godard, de Rohmer, Tati, Duras, Ozu, Mizoguchi, Welles, Pasolini, Fellini, Rossellini, Peter Sellers, et des milliers d’autres…
Le dialogue, le monologue, l’interview (Denise Glaser était merveilleuse ), les voix qui accompagnent un documentaire (Claude Darget, par exemple) sont des formes magnifiques.

J’adorais les émissions de variété des années 60 à 70, les sons et les musiques des dessins animés (Daffy, Popeye, Le coyote et les bipbip, Titi et Sylvestre, Tom et Jerry, Groopy..)

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ELEMENTS

Marie Ducaté vit et travaille à Marseille.

Expositions personnelles récentes :

2010
et après… du 3 Avril au 27 Juin 2010
résidence et exposition, Chartreuse, Villeneuve Les Avignon
exposition Tour Philippe Le Bel, Villeneuve Les Avignon

2009
Fleurs, papillons et Margaret Mee, Centre Culturel Français, Constantine, Algérie
Sourires masqués , FRAC Provence-Alpes Côtes d’Azur hors les murs, Tourrettes sur Loup
Sourires masqués, Chapelle de la Miséricorde, salle Jules Agard et espace Grandjean, Vallauris

Expositions collectives récentes

2010
la nature, installation in situ, Château d’Avignon, de fin Juin à Septembre,Saintes Maries de la Mer

2009
Anima Animalia, 15e biennale internationale de céramique, Commissariat Yves Sabourin, Châteauroux
Post Mortem. Dix créateurs repensent l’urne funéraire, Designhuis, Eindhoven
Portraits de Chaussures, Histoire de pieds, exposition internationale itinérante, Commissariat : Yves Sabourin, Séoul (Corée), Manille (Philippines ), Bangkok
A letto in Queste Stanze, Milan
Post Mortem. Dix créateurs repensent l’urne funéraire, MUDAC, Lausanne

www.marie-ducate.com